За несколько лет Grima из подающего надежды проекта превратилась в могучую творческую силу с оригинальным имиджем и собственной мифологией. Этот сибирский проект не только стабильно поставляет качественные альбомы, но и уверенно заявляет о себе в мире. А сегодня это столь же почетная, сколь и сложная задача.

Прошлогодний альбом Гримы “Rotten Garden” показал группу на пике возможностей, и столь скоропалительный выпуск новой работы лично меня немного настораживал. Были сомнения в том, насколько оригинальным и качественным получится альбом на фоне предыдущей работы. Надо отдать должное, структура “Frostbitten” отличается от прошлого альбома, заметно изменилась и подача. Оставаясь в рамках мелодичного атмосферного блэка, музыка обрела более традиционные для метала формы. В первую очередь, это проявляется в продуманных, отлично выполненных гармониях и структурах композиций. Вызывают уважение и проработанные, но не перегруженные, зрелые аранжировки. Группа действительно растет и творчески, и технически, осваивая новые художественные инструменты – сказывается обширный концертный и студийный опыт.

На своей новой работе Grima предстает в отличной исполнительской и сочинительской форме. В композиционном плане “Frostbitten”, наверное, является самым зрелым альбомом Гримы. На этом альбоме именно композиция и атмосфера поставлены во главу угла. По этой же причине альбом уступает некоторым своим предшественникам в хуковости. Здесь представлены «полотна», а не цепкие хиты. Это, своего рода, “in deep” работа. В музыке царит ощущение торжественности и холодного величия, чувствуется огромный простор. Местами на студеные ландшафты ложится налет трагизма. Композиции построены в основном на разливистых тремольных риффах, здесь достаточно мелодий, лид-гитар, атмосферных проигрышей и хороших, словно вихрящихся соло. Есть интересная акустика – заключительный инструментал “Mana” это хоть и непродолжительная, но полноценная пьеса, а не просто «побренчать для атмосферы». Нашлось место и зубодробительным трамбующим риффам, как в колючей и неистовой “Hunger God” – самой свирепой теме альбома, благодаря которой Гриму трудно упрекнуть в излишнем мелодраматизме. Клавишные идут фоном и нигде не перекрывают гитары, которые, к слову, звучат весьма холодно и колюче. Кстати, гитарная работа на “Frostbitten” проделана впечатляющая не только в плане техники, но и с точки зрения саунд-дизайна. Именно гитары задают основу звучания всего альбома. Сильный и отлично поставленный вокал удачно вписан в микс, добавляя целостность всему материалу.

Помнится, на ранних порах Grima славились баяном – тогда это был обязательный элемент музыки проекта, который периодически выходил на передний план. На новом альбоме этот инструмент сохранил свое присутствие, но при этом отчасти как бы растворился в общем звучании, добавляя ему дополнительный гармоничный слой. Многие мелодии на альбоме сами по себе весьма распевны и легко ложатся на баян не в ущерб музыкальной и смысловой нагрузке.

Несмотря на атмосферность и продолжительные композиции, альбом получился весьма интенсивным и техничным. На мой взгляд, “Frostbitten” взял всё лучшее от атмосферного блэка середины 90-х-начала 00-х, удачно интерпретировав его на свой лад. Здесь однозначно присутствует чувство той эпохи, но это не фетиш, а необходимое средство. В итоге “Frostbitten” можно назвать очень крепкой, цельной и уверенной работой. Но учитывая продолжительность композиций, их насыщенность, с первого прослушивания альбом можно и не распробовать как следует. К сожалению, это может стать минусом в эпоху рандомного потрекового прослушивания музыки с этих ваших стримингов. Во всем остальном – рекомендую однозначно. К слову, обложка тоже весьма хороша и очень удачно передает настроение альбома.

Alias  15 ноя 2022

Frozenwoods еще один красноярский проект местного человека-оркестра Foltath (он же Георгий Габриэльян – Eoront, Gloosh, ex-Below the Sun). Но, в отличие от перечисленных групп, Frozenwoods самый малопродуктивный проект, и “Cold of Early Spring” стал лишь вторым альбомом за двенадцать лет существования проекта.

Что же нам предлагает Frozenwoods на этом альбоме? Весьма трушный и грубый, лесной блэк, чем-то напоминающий по духу Hate Forest, со специфическим, истерично каркающим вокалом. Признаться, поначалу не сильно впечатляет. Кажется, что все эти риффы уже сыграны не раз. А учитывая чудовищную продолжительность отдельных треков, альбом мог оказаться невыносимо скучным. Но по мере погружения “Cold of Early Spring” показывает достаточное разнообразие и вариативность, с нехарактерными для тру-блэка ритмическими решениям, даже несмотря на подчеркнуто примитивные барабаны. По мере развития каждой композиции, наряду с интенсивными атаками, альбом демонстрирует простые, но эффектные аранжировки, а также мелодии. В итоге наряду с использованными эффектами и звуками природы всё это делает прослушивание интересным и занимательным. Кроме того, несмотря на нарочитую сырость, звук хорошо сбалансирован и партии каждого инструмента хорошо читаемы, не теряясь на общем фоне. Первое обманчивое впечатление о том, что тебя ждет 45 минут сырой долбежки, в итоге растворяется пусть и в скупом, но всё же разнообразии и классной сырой атмосфере. У меня вообще создается ощущение, что каждый раз, начиная свой новый проект, Foltath хочет запилить что-то донельзя примитивное и сырое, но врожденные артистизм и музыкальность в итоге берут верх.

За вычетом инструментального интро на альбоме всего три полноценные композиции. Самая интересная из них – очень атмосферная “Cold of Early Spring”, которая состоит из нескольких частей. Это размеренная, местами трансовая, словно вальсирующая композиция, с красивыми лид-тремоло и тревожными гитарными переборами без дисторшена. Несмотря на свою внушительную продолжительность, трек не отпускает внимание до самого конца, погружая слушателя в холодное оцепенение. И эта вещь вообще могла бы быть очень показательной, но затянутая кода в итоге никуда не выводит, оставляя ощущение недосказанности. Казалось бы, парой абзацев выше я сетовал на предсказуемость музыки, а теперь вот жалуюсь на какую-то недосказанность. Но да, так и есть. Этот альбом сумел объединить в себе примитивную сырость тру-блэка вместе с неожиданной вариативностью и музыкальностью. Так что к финалу прослушивания ты уже невольно ждешь чего-нибудь такого эдакого. Но в целом альбом получился хороший: дикий, холодный и сырой как тот самый холод ранней весны с её драматическими закатами, обещающими смену погоды.

Alias  11 ноя 2022

Новый альбом Second to Sun в очередной раз подтвердил статус группы как одной из лучших в России. Холодный, темный, ночной, яростный и в то же время оцепенелый – все эти эпитеты как нельзя лучше подходят альбому “Nocturnal Philosophy”.

На новой работе группа решила работать с большими формами, представив всего пять треков, три из которых являют собой продолжительные, масштабные полотна эпического размаха. Это уже не ставшие привычными цепкие боевики, которые мы слышали на предыдущих альбомах Second to Sun. “Nocturnal Philosophy” – монолитная работа, почти без «швов». Альбом нужно сначала прочувствовать, а не расслушать. Представленная здесь отстраненно-отмороженная музыка требует именно такого подхода. Поэтому выделять отдельные треки я не вижу смысла. Каждый трек подчинен единому замыслу, рисуя общую картину. Хотя всё же не могу не отметить открывающий альбом неистовый эпик “North Metal Legion”, уже только благодаря которому вы должны послушать эту запись.

Надо отметить, что с каждым следующим альбомом музыка Second to Sun продолжает обретать всё более строгие black metal формы, при этом сохраняя присущую питерцам узнаваемую мелодику и общее ощущение. Так и здесь – в основу звучания положен очень олдовый скандинавский блэк, но с изящным налетом пост-блэка, который проявляется в эпизодическом звучании клавишных и присутствии странных, каких-то потусторонних риффов. При этом в музыке начисто отсутствует меланхолия и мечтательность, присущая всему тому, что носит приставку «пост». Наоборот, всё здесь предельно ожесточенно и мрачно. Отчаянные запилы обрушивают холодный шквал атакующих, хищных тремольных риффов, которые то и дело перемежаются заторможенными, цикличными проигрышами. То и дело прорываются какие-то совершенно антимузыкальные заезды. Но несмотря на это, а также общую скупость и холодную сдержанность мелодики, в композициях всё же присутствуют запоминающиеся и где-то даже «легкие» мелодии с налетом этники. Под почти непроницаемым покровом рвущегося мрака всю музыку всё же связывает гармония. Мелодичные лид-гитары на фоне таких суровых ландшафтов звучат особенно выигрышно. Присутствуют также отдельные риффы, которые ближе к трэшу и напоминают старый блэк 80-х. Отдельные эффекты в композициях подобны включениям трансляций из параллельного мира и заметно усиливают общее мрачно-тревожное ощущение.

Отдельного упоминания заслуживает мощнейший шквальный звук, который придает колоссальную глубину музыке. С иным звуком альбом просто не звучал бы столь убедительно. Он побуждает работать воображение, будит неясные образы, которые могут привидеться в самые темные предрассветные часы ночи, тем самым оправдывая свое название.

Еще одна находка альбома – это записанные словно в склепе грохочущие барабаны. Лично мне всегда был больше по душе глубокий барабанный саунд, как у Megadeth на альбоме “Youthanasia”, “Burnt Offerings” у Iced Earth или на эпохальном альбоме Emperor “In The Nightside Eclipse”. И в плане звучания барабанов “Nocturnal Philosophy” уверенно занимает место в моем личном рейтинге. Однако звук это не единственное, что можно здесь сказать о барабанах. Сами партии также привлекают внимание. Несмотря на техничность, они максимально упрощены и исполнены с какой-то подчеркнутой хореографичной размашистостью, что временами придает ритм-секции отчасти индустриальный оттенок. Пустоты между ударами заполнены гулом, словно доносящимся из заброшенной адской шахты. Такой звук барабанов сыграл важную роль в общей саунд-архитектуре альбома.

Что ж, Second to Sun вновь попали в цель, написав еще одну главу темных человеческих эмоций. “Nocturnal Philosophy” может потребовать от слушателя времени и внимания, но оно того стоит. На мой вкус, наряду с “The Black” и “Legacy” этот альбом уверенно входит в топ-3 лучших альбомов Second to Sun. Несмотря на отчасти «базовый» подход в музыке и риффах это выглядит больше как отказ от всего лишнего, а не намеренное упрощенчество. Здесь есть атмосфера, звук, идеи, глубина и песни – всё то, что необходимо для отличного альбома.

Alias  31 окт 2022

EP “Far Far North” стал завершением раннего этапа музыкальной карьеры Einherjer. Вскоре после выхода мини-альбома группу ждали значительные изменения как в звучании, так и в составе. Так что эта непродолжительная запись является блестящим итогом, вобрав всё самое лучшее, что было в творческом арсенале норвежцев на тот период. А надо признать, что тогда практически всё, что выходило под именем Einherjer, было настоящим золотом.

На ЕР вошли три композиции, из которых только заглавная “Far Far North” является новой. Эта бодрая и по-боевому напористая вещь с гимноподобным припевом отлично передает суть викинг-метала. И хотя в целом она достаточно характерна для раннего Einherjer, в ней уже частично проявились черты следующего альбома. Особенно, что касается манеры вокала в припевах. Здесь группа начала отход от жуткого гримового войса в сторону более традиционного пения. Ну и в целом песня, сохранив легкую патину былой эпичности и туманного романтизма, пронизана оптимистичным духом. Этот гимн Северу норвежцы играют на концертах до сих пор.

“Nar hammeren heves” и “Nar aftensolen rinner” – это старые вещи с ЕР 1995 года “Leve Vikingånden”, которые были заново записаны для нового ЕР. И это было отличным решением, потому что заложенный в песнях потенциал теперь раскрылся в полную силу. Всего-то и надо было чуть поправить аранжировки и добавить стали, чтобы песни задышали и обрели новую жизнь. Теперь, отрастив клыки, они действительно звучат как надо! Крутые четкие риффы, развитые структуры и интересные аранжировки дают песням отличный простор, чтобы максимально раскрыть свою музыкальность. Последний трек, несмотря на не самую большую продолжительность, получился настолько насыщенным, что воспринимается как настоящая эпопея. Лично мне кажется, что это вообще лучшая песня в истории группы. Изобретательные структуры и переходы делают песню по-настоящему увлекательной, а умеренная акустика и немного клавиш, а также крутое интро в духе раннего Mortiis насыщают песню глубокой атмосферой. Добавьте к этому сочный гримовый вокал, который переходит в мощные хоровые припевы. Разнообразный и грамотно исполненный вокал на “Far Far North” вообще один из самых сильных моментов.

Альбом был записан легендарным Pytten’ом в не менее легендарной Grieghallen studio, уже ставшей синонимом Норвежского блэка. Нужно признать, что Pytten’у всегда удавалось выделить и подчеркнуть оригинальный саунд каждой группы, с которой он работал. Einherjer не исключение. Благодаря ему на “Far Far North” Einherjer, наконец, зазвучали в полную силу.

В общем, “Far Far North” это образцовая работа, несмотря на свою лаконичность. Всего в трех песнях группа смогла собрать и передать всё лучшее, что есть в викинг-метале: классные риффы, характерный саунд и подача, эпичная средневековая атмосфера и немного фолка – всё это здесь! И даже простая, но стильная обложка отлично передает дух жанра. Благодаря всему перечисленному, ЕР не утратил своей актуальности и сегодня. “Far Far North” это сама суть, настоящая квинтэссенция викинг-метала. Более того, это едва ли не лучший материал за всю продолжительную историю Einherjer. И только потому, что это ЕР, а не полноформатный альбом, я воздержусь от высшей оценки. Но это настоящая классика жанра!

Alias  14 сен 2022

Заявленный как ЕР, “Leve Vikinganden” получился намного больше похожим на демо-запись, чем вышедшее годом ранее демо “Aurora Borealis”. Наверное, так и оно было. В ту пору самым простым способом выпустить сингл было найти лейбл, который издаст твою демо-кассету на виниле. В случае с “Leve Vikinganden” семидюймовку согласился выпустить голландский андеграундный лейбл Necromantic Gallery Productions. Но такой подход частично загубил потенциально хороший материал. Запись получилась очень сырой. Да и по сравнению с продвинутыми песнями с прошлогоднего демо, представленные на “Leve Vikinganden” две композиции шагом вперед не стали. Здесь викинг-метал Einherjer звучит уж слишком элегантно и мечтательно. Музыке не хватает драйва и стержня в основе звучания. Обилие клавишных, акустика, и намеки на фолк сами по себе хороши, но слишком здесь выпирают и размывают музыку, делая ее излишне романтичной. Из-за низкого уровня реализации глухие гитары задвинуты в миксе на задний план. Нестройное чистоголосое пение также заставляет лишь с сожалением качать головой. А ведь на прошлой работе этот момент был реализован вполне удачно.

Но при всех перечисленных недостатках мелодии и аранжировки у норвежцев по-прежнему сильны и говорят о высоком потенциале группы, который раскроется на следующих работах. В целом, идеи здесь достойные, но не доведенные до ума. Им явно не хватает должной реализации. Так что работа предназначена только для фанатов группы и тем, кому интересно становление жанра викинг-метал. Не знаю, найдутся ли такие. Хотя ностальгирующие по временам тейп-трейдинга получат свою долю удовольствия. Несмотря на все огрехи, такие записи подкупают своей искренностью и живым творчеством. К тому же ЕР вошло в многочисленные переиздания демо “Aurora Borealis”, вышедшие на виниле и CD. По итогу, “Leve Vikinganden” можно рассматривать как черновую заготовку хорошего материала, который всё же зазвучит как надо на ЕР 1997 года “Far Far North”.

Alias   8 сен 2022

Появление в 1993 году норвежских викинг-металлистов Einherjer пришлось на самый пик black metal-истерии. Тогда Норвегия оказалась в эпицентре драматических событий, став настоящим горнилом экстремального метала. Образовавшись в Хёугесунне, Einherjer находились на периферии (в том числе и географически) бм-движения и шли собственным путем, ища вдохновение в своем историческом прошлом. Основав группу в отблесках пресловутого «зарева в северном небе», Герхард Сторесунд и Фруде Глеснес выбрали тогда еще малохоженную тропу викинг-метала, по которой в Норвегии еще только делали первые шаги Enslaved, Windir и Kampfar/Mock. Однако общей у этих групп была только тематика. В музыкальном плане Einherjer были далеко в стороне от своих норвежских коллег, что наглядно демонстрирует их дебютная запись “Aurora Borealis”. Обратите внимание, что это даже на ЕР, а демо-запись! Но эта демка по содержанию и по значимости стоит полноценного альбома, оказав влияние на формирование целого жанра – викинг-метала.

По сей день “Aurora Borealis” является одной из самых ярких работ жанра, настоящей его классикой. Всего четыре композиции содержат столько идей и дают такой простор фантазии, что большинству групп и не снилось! У Einherjer изначально присутствовало очень оригинальное видение жанра и понимание собственной музыки. Конечно, всё, что тогда выходило в Норвегии, вольно или невольно несло на себе отпечаток блэка. И “Aurora Borealis” не исключение. Но, по большей части, от блэка здесь только гримовый вокал, языческий антураж и общая аура в звучании. Что касается самой музыки, то в ней намного больше заметно влияние традиционного хэви-метала и фолка. Ну, как фолка – Einherjer не пытаются воспроизвести народные мелодии, скорее здесь присутствует фолковый дух, так будет точнее.

Вполне зрелые и завершенные композиции с развитой структурой украшены рельефным орнаментом разнообразных мелодий. При этом здесь нет ни единой секунды, из-за которой группу можно было бы упрекнуть в пафосности. “Aurora Borealis” вызывает скорее ощущение саги, видений из далекого прошлого – того, что хоть и давно ушло, но оставило неизгладимый отпечаток в виде туманных миражей над фьордами. Неспешные, среднетемповые композиции предлагают талантливое сочетание «электрического» звучания и акустики. Более того, как в случае с “De sorte sjøers land” базис основной теме задает акустическая гитара. Весьма удачной можно назвать и комбинацию гримового и чистоголосого пения, которая присутствует в этом треке, а также на титульной вещи “Aurora Borealis”. Лид-гитары и соло (!) не кажутся чем-то неуместным, давая дополнительное измерение меланхоличной и отстраненно-сдержанной атмосфере демо. В этом плане показателен трек “Witchking”, идей которого иным хватило бы на пол альбома.

Завершающий, одноименный названию группы трек “Einherjer” вообще настоящая находка. Акустическая гитара под неспешный перестук томов и шепот вокалиста умело создает скальдический настрой. Эта вещь подобна зыбкому видению какого-то старинного танца, за которым ты наблюдаешь то ли издалека, то ли пытаясь разглядеть его сквозь пелену веков. То и дело подключается вкрадчивая бас-гитара, проигрывая основную мелодию, пока акустика держит ритм. Вообще стоит отметить на этой демо-записи заметную роль бас-гитары, которая в ряде случаев ведет композицию. Басовые партии здесь действительно хорошо продуманы и несут весомый вклад в общую картину звучания. Да и в целом ритм-секция хороша и разнообразна. Очень интересная работа барабанов с самого начала стала одной из главных фишек группы. Примечательно, что барабанщик Einherjer Герхард Сторесунд является и основным композитором в группе. Наверное, это и объясняет столь продуманные структуры и разнообразную ритм-секцию.

Вызывает удивление четкий, достаточно объемный для демо-записи звук с хорошо читаемыми инструментами, благодаря чему стала возможна реализация всех описанных замыслов. Когда впервые слышишь “Aurora Borealis”, трудно поверить, что это демо-запись, настолько полно, гармонично и оригинально она звучит. Особенно учитывая время и место ее выхода. Впоследствии "Aurora Borealis" неоднократно издавалась на CD. Совсем неудивительно, что некоторые до сих пор считают ее лучшей работой Einherjer. Каждая вещь здесь индивидуальна и является настоящим концентратом музыкальных идей. Уже на своей первой записи группа уловила саму суть «викинга». Так, как они, тогда не играл больше никто. Да и сегодня, когда жанр подугас и давно скатился в застольные песни про викингов, мало кто может похвастаться столь хорошим вкусом, аутентичным звучанием и комплексным подходом, как Einherjer на “Aurora Borealis”. Отсюда и столь высокая оценка.

Alias   6 сен 2022

Идея сольного альбома Виталия Дубинина витала в воздухе давно, но только в последние пару лет стала обретать зримые очертания. Признаться, узнав о уже предметной работе над сольником, я скрестил пальцы, так как было сложно представить, каким он в итоге получится. Скажем, были опасения, что это будет полубардовская тягомотина, или что-то чрезвычайно традиционное в подчёркнуто старомодном, ностальгическом ключе. Но видео на «Русский сон» и «Бес в твоих глазах» позволили с облечением выдохнуть – ни одно из этих опасений не подтвердилось от слова совсем. Более того, прослушав работу целиком, приходишь к выводу, что на альбоме значительно меньше схожих черт с Арией, чем можно было бы ожидать. Конечно, индивидуальная авторская манера Дубинина по-прежнему узнаваема. Но по факту, «Бал-маскарад» получился очень свежим и даже где-то неожиданным альбомом с интересными идеями и мелодическими решениями.

Обдумывая эту рецензию, я решил, что будет намного интереснее сделать из неё полноценный обзор в нестандартной и новой для Дарксайда форме. Поэтому я обратился за комментариями к самому Виталию Дубинину. Мы связались по Скайпу поздно вечером и обсудили все нюансы альбома, которые не были затронуты ранее в нашем интервью. (https://www.darkside.ru/interviews/760/)

Первое, что сразу обращает на себя внимание при прослушивании «Бал-маскарада», это мощный и густой звук. Уже с первых секунд звучания титульной вещи он буквально сбивает с копыт. Как ни странно, такой звук не был частью плана и получился естественным образом. «Да, специально для этого мы ничего не делали, – подтверждает Виталий. – У нас не было настроя, что всё должно звучать очень тяжело, скорее мы хотели, чтобы это было современно. Большой плюс, что записывал и сводил альбом один человек. Перед тем, как Zakk стал записывать барабаны, Макс Самосват сам отстроил микрофоны и снял звук. Для бас-гитары я выставил свои обычные настройки, какие я делаю на концерте и, опять же, Макс снял, откорректировал и записал получившийся звук. Миша Бугаев принёс уже готовые гитары. Он записывал их у себя на базе, где они с Гран-КуражЪ пишут свои альбомы. Кстати, Миша тоже делал всё по олдскулу, без использования процессоров. Он сыграл через усилитель Diezel и колонку Marshall, и звук снимался микрофоном. Собственно, исходники были вот такие. Не было такого, что мы решили всех убить каким-то загробным саундом. На фоне Арии, конечно, альбом звучит потяжелее. Несколько песен здесь звучат на малую терцию ниже, чем обычный строй, характерный для Арии и это добавляет тяжести, конечно. Но если сравнивать с какими-то экстремальными метал-группами, то он звучит вполне себе попсово».

Здесь Виталий явно скромничает, потому что такой жирный звук вполне пришёлся бы ко двору и куда более экстремальной команде. При этом базовой основой альбому служит всё тот же старый добрый хеви-метал. Но это «хеви-метал на стероидах». И пусть жанру уже более сорока лет, «Бал-маскарад» не производит впечатление пропахшего нафталином пиджака, старательно вычищенного и заштопанного. Наоборот, всё здесь дышит жизнью, звучит свежо, напористо и современно. Это достаточно интенсивный и разнообразный по содержанию альбом, который нигде не провисает. Помимо того, что здесь нет проходных песен (что большая редкость!), «Бал-маскарад» отличает удачная компоновка, благодаря чему сохраняется внутренняя динамика альбома. Отличное сведение, а также впечатляющий, бьющий в грудь саунд от Максима Самосвата позволили песням звучать максимально выгодно и убедительно. Кажется, что такой результат стал отчасти неожиданным и для самой группы. «Это стечение обстоятельств и, конечно, заслуга звукорежиссёра, – говорит Виталий. – У нас были хорошо записанные исходники и Макс хорошо их свёл. Он слушает очень много разной музыки, и при этом в курсе разных музыкальных течений. Макс всегда держит нос по ветру в плане сведения и всего, что касается работы звукоинженера. Кроме того, у нас не было никаких споров по поводу сведения и записи. Я сказал Максу, что вполне ему доверяю и предложил выработать общую концепцию. А дальше мы просто добавляли какие-то штрихи. Когда мы обсуждали, каким должен быть звук, я сказал, чтобы барабаны и бас-гитара не прятались за гитарами, а были впереди, поскольку это альбом бас-гитариста», – смеется Виталий.

Всё же стоит отметить, что хоть Дубинин и бас-гитарист, не сказать, что его инструменту отдана главенствующая роль. Бас-гитара здесь не доминирует. Тем не менее, работа проделана хорошая и интересная, и Виталий вновь подтвердил свой высокий профессиональный статус. А вот что касается барабанов, то, как по мне, их не мешало бы настроить повыше. Звучат они хоть и громко, но всё же как-то сдавленно и излишне «толсто», и такой звук не всегда ложится даже на более экстремальную музыку.

Что стало сюрпризом, так это вокальные данные Виталия Дубинина. Здесь он припас в шляпе едва ли не самого упитанного кролика. Просто давайте не будем забывать, что Виталий не является вокалистом, если не считать редкие (и всё равно не основные) вокальные партии, которые он исполнял в Арии. Проект «АвАрия» не в счёт, а Волшебные Сумерки были так давно, что уже не могут служить живым примером. Признаться, я не ожидал, что его голос будет звучать настолько убедительно. На протяжении всего альбома Виталий демонстрирует уверенный и разнообразный вокал, исполненный в той манере, которая лучше всего подходит для каждой отдельной песни. Конечно, я буду льстецом, если назову голос Дубинина идеальным – нет, он не идеален. Но в его голосе есть жизнь. И в тех случаях, где проседает техника, его вытаскивает искренность и эмоциональная подача. Пару раз Виталий даже выдал вполне убедительный скрим. Более того, после прослушивания «Бала-маскарада» у меня не осталось сомнений в том, кто пишет большую часть вокальных партий в Арии. Послушайте вокал в тех же «Бес в твоих глазах» и «Пламя». Манера и построение вокальных партий здесь идеально бы подошли как нынешнему вокалисту Арии Житнякову, так и Кипелову.

Характерно, что к созданию столь продуманного альбома причастно минимальное количество людей. Помимо самого Виталия Дубинина, весомый вклад в музыку сделал давний знакомый Виталия и Арии Михаил Бугаев, гитарист Гран-КуражЪ. Михаил, как основной гитарист, проделал отличную работу – его здесь по-хорошему много. Все свои партии он исполнил живо и размашисто, с увлекательными соло, в значительной мере привнеся собственное видение в музыку. Дубинин явно не стоял над ним с палкой, заставляя играть по написанному. Думаю, без Михаила альбом просто бы не получился таким, какой он есть. Фактически, они вдвоем с Дубининым его и сделали, лишь на финальной стадии пригласив барабанщика. Участие Сергея Маврина хоть и приятный бальзам на душу, а его соло в песнях «Бал-маскарад», «Русский сон» и «Наполеон» хороши и уместны, но на альбоме они особой погоды не делают. Сергей стал очень уважаемым и желанным, но просто гостем, вишенкой на торте. А вся мякоть этого торта заслуга Виталия Дубинина, Михаила Бугаева и Максима Самосвата, который и замесил тот самый нужный звук, без которого альбом не звучал бы столь аппетитно. Хоть мы об этом уже и говорили, но у меня всё равно проскользнула мысль, что столь модный саунд Максим Самосват специально наваял с прицелом на определённую группу слушателей. Однако Виталий отрицает это предположение: «Нет, Макс вообще ни на чём не настаивал. Наоборот, он всегда был готов сделать что-то по-другому, если нам не нравится. То есть, в этом плане не было такого, что он не разрешает что-то менять. А что касается меня, я вообще не ставил себе задачу привлечь какую-то новую публику или, наоборот, понравиться «арийской», – задумчиво рассуждает Виталий. - Я вообще на этот альбом возлагал гораздо меньшие надежды. Я хотел просто записать песни и всё».

Ну а теперь давайте пройдёмся по каждой песне. Альбом открывает таинственное интро, где на фоне проступающего словно издали электронно-гитарного ландшафта Дубинин искаженным голосом возвещает о том, что миру наступает трындец. Так или иначе, но пусть даже невольно получается, что интро и посыл в нём задают фатальный настрой всему альбому, так как трек плавно перетекает в схожую по тематике заглавную вещь «Бал-маскарад». Но сам Дубинин утверждает, что альбом не задумывался как концептуальный: «Как таковой философской линии в плане общей направленности или сквозного действия на альбоме нет. Может быть в силу того, что все тексты написаны одним автором, альбом и получился таким цельным. К тому же почти все темы для песен я сам предлагал Маргарите. Не могу назвать это концепцией, но тем не менее какая-то связь здесь присутствует».

Следует отметить, что в целом тексты здесь более «приземлённые», чем обычно у Арии, и порой создаётся впечатление, что альбом получился на злобу дня. Но в данном случае Виталий в своих суждениях проявляет осторожность: «Я не могу сказать, что всё это было написано специально. Слова в интро «этот мир несется в бездну» - это не девиз последних двух лет. Мне кажется, это общий девиз мироздания, человечества. Я не хотел намеренно писать, что вот посмотрите, что мы творим в связи с последними событиями. Это просто стечение событий, когда всё срастается и кажется, что получилось прямо на злобу дня».

«Бал-маскарад» - это отличная вещь, чтобы начать альбом, так как она сразу показывает все его лучшие стороны. Вступление приближается рассерженным пчелиным роем, и вскоре песня переходит в разухабистый качёвый рифф. Как и ещё несколько подобных боевиков на альбоме, это мускулистый, мощный и качающий хэви-пауэр XXI века с развитой структурой. «Это песня с триольным ритмом. Триольных песен я в своей жизни написал достаточное количество, но в Арии они как-то не часто звучат. – смеется Виталий. – Она записана в ре-бемоль, то есть достаточно низко, и поэтому получилась такая напористая и качёвая. По-моему, для первой песни она очень удачная. Я планировал, что она будет первой ещё до того, как появился текст. Если её поставить в середину или в конец, мне кажется она бы потерялась. Само слово «бал-маскарад» пришло ко мне в процессе работы над альбомом, – продолжает рассказывать Виталий. – Мне показалось, что из этого можно развить хорошую тему про всю нашу жизнь, о том, что очень сложно быть самим собой и что люди часто прячут своё истинное Я. И в конце концов уже сложно отличить где маска, а где наше настоящее лицо. А вообще у меня было два варианта, как назвать альбом. Сначала я думал назвать его «Русский сон». Но вышел сингл «Русский сон», и если бы ещё и альбом был с таким названием, то возникла бы определённая путаница. Поэтому я решил остановиться на “Бал-маскарад”».

«Бес в твоих глазах» - это хорошая прямолинейная вещь, которую все уже могли оценить благодаря видеоклипу, который предварял выход альбома. И пожалуй, эта вещь наиболее предсказуемая по стилю и композиции для Дубинина. Она вполне могла оказаться на альбоме Арии, пусть по части ритма она всё же несколько другая. «Она достаточно традиционная, в том числе и для Арии, – соглашается со мной Виталий. – Текст написан тоже в характерном для этого ключе. Такой хеви-металлический стандарт, осовремененный сведением и звучанием. Получилось достаточно мощно. В середине песни мне нравится мажорная, достаточно нехарактерная для хеви-метала вставка. Этим песню и можно выделить».
Да, это действительно хороший, достаточно эмоциональный среднетемповый боевичок. Под него удобно рубиться, размеренно помахивая хаером. Кроме того, вокальный перфоманс Дубинина здесь один из самых удачных на альбоме. Ему действительно удалось вложить страсть в эти слова.

«Русский сон» была первой представленной песней, на которую ещё в декабре прошлого года вышел достаточно брутальный клип. Весьма неожиданная вещь, ведущий сокрушительный рифф которой исполнен в ключе традиционного дума! Это и не удивительно, поскольку тема вдохновлена Black Sabbath. Кстати, своим звучанием альбом отчасти обязан именно этой песне. «Поскольку первой мы сводили «Русский сон», Максим Самосват спросил меня, какой референс, на что ему ориентироваться? Я сказал, что пусть будет последний альбом Black Sabbath “13”». – говорит Виталий. Однако при первом знакомстве мне песня почему-то напомнила даже не Sabbath, а шведов Candlemass. Песня украшена протяжным и очень красивым соло Маврина. В целом «Русский сон» стал удачным и неожиданным экспериментом. Виталий объясняет: «Это одна из немногих моих песен, которая написана на готовый текст. Когда я пишу просто музыку, я ничем не ограничен. А здесь, когда уже есть стихи и определённый размер, я боялся, что мелодия получится достаточно рубленая, и сначала я не знал даже, что делать в плане инструментала. Но потом придумал рифф и припев, и как-то всё сложилось».
Текст песни «Русский сон» раскрывает дуализм русского характера, заложенный, по всей видимости, ещё со времён появления так называемого двоеверия после крещения Руси. «По-моему, это очень здорово отличает нас от других и наложило отпечаток на наш характер, – рассуждает Виталий. – Двойственность присутствует чуть ли не в каждой строчке песни. Я считаю, что это достаточно нетрадиционная подача, изложение именно в плане текста».

«Бег по кругу» - не уверен, что в начале песни нужен был электронный семпл, который не играет особой роли. Но сама по себе вещь хорошая – напористая, техничная и агрессивная. Добротный рабочий трек.
«Это первая песня, которую я написал совместно с Мишей. – с увлечением говорит Виталий. – Я считаю, что получилось очень мощно, бодро и напористо. Что касается вступительного риффа, сам я до такой аранжировки вряд ли бы додумался. Когда Миша показал этот рифф, мне он сразу понравился, и я понял, что получится здорово. Остальное – куплет-припев – тут всё достаточно традиционно. Но мне очень нравятся такие песни. Мы её сделали достаточно быстро. Я бы сказал, что это тоже традиция, но со свежими элементами».

«Чужие» - очень эмоциональная, лязгающая вещь с одним из лучших припевов на альбоме. Это тот самый хеви, который впитал в себя технологии и опыт хеви-пауэра последних 20-25 лет.
В. Д.: «Эту песню я сочинил где-то году в 2019, уже после альбома Арии «Проклятье морей». Но мне казалось, что для Арии она совсем не подходит и вообще без особой надежды показал её Мише. А он сказал, что ему понравилось, что это необычная песня. Мы опустили строй, сделали её низкой, я сыграл на Warwick bass, что придало дополнительной злости. Потом поработали со сменой тональностей в припеве, соло и, по-моему, получилось неплохо. Что касается содержания текста. Просто кто-то уже начал писать в мой адрес, что «ой, тоже мне нашелся Гринпис или веган». Это не Гринпис, и я не призываю никого быть веганом, этого в тексте нет. Мне хотелось затронуть эту экологическую тему, назовём ее так, потому что люди, в общем, достаточно варварски относятся к нашему общему дому Земле. «После нас хоть потоп» - такое отношение очень характерно для человечества и порой понимаешь, насколько варварски и безоглядно люди уничтожают свою планету. Я считаю, что люди должны как-то более осознанно и адекватно относиться к месту, где мы живем, и к нашим природным ресурсам. Обеспокоенность всем этим присутствует в песне».

«Призрак тёмной стороны» - беспокойный и драматичный гитарно-клавишный проигрыш в начале сменяется хищным, словно извивающимся риффом. Благодаря атмосфере, глубине и многообразию это одна из лучших песен альбома и, к тому же, одна из самых мистических. Кроме того, это несомненная удача Дубинина и в плане вокала. Особенно производят впечатление эмоциональные подъёмы в припевах, так как песня сама по себе звучит на подъёме, балансируя в припевах на грани надрыва.
«С этой песней всё пошло не по плану. – начинает рассказывать Виталий. – Сначала родился припев, а припев родился из риффа, который Миша предложил сыграть в песне «Бал-маскарад». Но потом мы решили, что для «Бал-маскарада» он вряд ли подойдет и будет звучать для него слишком тягуче. И я сказал, что на эту гармонию я прямо сейчас могу напеть мелодию, которая вполне могла бы стать припевом песни. Собственно, в тот же день я ему напел на этот кусочек – получился отличный готовый припев для песни. Через какое-то время Миша прислал мне куплет, потом я добавил бридж и всё равно чего-то не хватало. Но потом добавили перед припевом фразу «Я призрак тёмной стороны», только естественно без слов ещё, «рыбу», и всё вроде срослось. Тогда песня нам с Мишей очень понравилась, и мы решили, что по тексту это должно быть что-то необычное и таинственное. Миша предложил написать текст про Ктулху, а я хотел написать от лица маньяка, который сажает женщин в подвал и годами их там держит. Мы с этим пришли к Пушкиной, она попробовала о Ктулху написать – ничего не получалось, потому что слишком мало места для повествования. Попробовали и про маньяка – тоже получалась какая-то ерунда. И уже вроде бы совсем отчаялись, но как-то вырулили пусть и не на самую оригинальную тему, но она лучше всего гармонировала с музыкой».

«Пламя» - эта песня тоже подошла бы Арии, особенно что касается вокала и вступительного гитарного проигрыша. Хотя, как и большинство песен здесь, в плане ритма она получилось жёсткой, и словно забивает сваи рубленными риффами. Даже из обычной в принципе вещи, Виталий умудрился сделать конфету благодаря лирической вставке и вокалу в середине песни. Кстати, «Пламя», как и несколько других треков альбома, отдельными интонациями напоминает некоторые моменты Helloween Дерисовской эпохи.
В. Д.: «Вступительный рифф для этой песни тоже предложил Миша. Он хотел положить его на соло в песне «Бес в твоих глазах». Но были опасения, что рифф не совсем подойдёт как подклад для соло, и я предложил попробовать лучше сделать из него песню. На этот рифф напел мелодию, которая стала куплетом, через какое-то время Миша принёс припев, вместе придумали бридж – так она и родилась. Всё нанизалось на тот вступительный рифф, который Миша предложил. Что касается темы, текст Рита написала в январе этого года, и он никоим образом был не на «злобу дня». Почему именно «Пламя»? На «рыбе» в припеве мы пели на английском «Liar» и эту фонетику хотелось сохранить. Если поставить какое-то слово с другими гласными, так бы хорошо не получилось. И мы стали искать, что будет созвучно «Liar», и решили, что «Пламя» подойдёт отлично. Рита говорит: «Ну пламя, а дальше что?». Я говорю: «Пламя, вокруг бушует пламя и пожирает нас». Она быстро придумала до конца припев, и мы как-то вырулили на тему, опять же, достаточно традиционную для метала и рок-музыки – псы войны. Это о наемниках, которые воюют за деньги, и для этих людей по большому счёту нет ничего святого».

В «Наполеоне» Виталий впервые столь глубоко заходит на территорию симфо-метала. Не концерта группы с оркестром, а именно жанра как такового. Хотя, в отличие от многих других групп жанра, метал здесь всё же первичен, а симфо-навороты идут уже потом, не размывая композицию. Получился разнообразный продолжительный эпик и, наверное, это главный эксперимент альбома. Здесь всё сложилось хорошо, без лишней напыщенности и пафоса. В композиции нашлось место всему – оркестру, хору, медленные проигрыши динамично взаимодействуют с боевыми атакующими частями. Завернутые трели гитарных соляков и бодрый кач отлично смотрятся в обрамлении высокопарного драматизма. Это образец хорошего симфо-хеви-пауэра.
Вот как описывает Виталий извилистый путь появления этой песни: «“Наполеон” был написан лет 10 назад. Я даже его показывал ребятам в Арии перед альбомом «Проклятье морей». Но дальше послушать дело не пошло. Мне казалось, что у Арии уже была похожая песня – «История одного убийцы». Но поскольку мы её не играли, я понял, что и не нужно повторяться. Вначале я не думал, что из этого получится такой эпик на 9 минут. Думал, что будет три куплета медленных, два куплета быстрых и какая-то концовка. Но Миша предложил вступление а-ля Pink Floyd, и я решил вставить его ещё и в середину. Подумал ещё, что неплохо звучал бы речитатив там. Потом дважды повторили припев «странный сон в полнолуние», и по музыке нас уже потянуло на эпик. Тогда мы начали думать, о чем написать текст. Рита предложила написать про Наполеона. Казалось бы, что уже можно про Наполеона написать? Опять Ватерлоо или Бородино? Но она решила оттолкнуться от стихотворения Лермонтова «Воздушный корабль» - мистическую балладу. Там он встаёт из могилы в полнолуние, зовёт своих соратников, но никто к нему не приходит и с рассветом он опять садится на свой корабль и возвращается в могилу. Рита предложила устроить там ещё и баталию, и тогда всё сложилось. По тексту, мне кажется, получилось очень живо. И несмотря на то, что это длинная песня, она такой не воспринимается. Потом Максим сказал, что слышит в песне оркестр и у него даже есть человек, который это всё сможет сделать! Им оказался Артём Грибов, который сделал просто отличную оркестровую аранжировку. И хотя я сначала сомневался, но потом решил попробовать. Мы добавили оркестр и получилось то, что вы слышите в итоге».

«Здесь и сейчас» - как ни странно, едва ли не главный хит альбома. На фоне остального материала песня звучит необычно и несколько выбивается из общей канвы, потому что исполнена в мажоре. При этом есть в ней и что-то глубоко ностальгическое. «Многие говорят, что это попсовая песня, типа ВИА. Но ни на какой ВИА я не оглядывался при её написании, – возмущается Дубинин. – Может это прозвучит смешно, но когда я пел «на рыбе», я представлял себе, что её поёт Оззи Осборн. У него полно таких песен в мажоре. Он единственный «тяжёлый» артист, в устах которого все мажорные песни звучат очень убедительно, очень как-то правильно и не слащаво. Вот и я хотел, чтобы получился пусть и не праздник, пусть это будет жизнеутверждающе, но не весело. Я изначально планировал, что здесь будут тяжёлые гитары и прочие атрибуты тяжёлой аранжировки. Но самым сложным было придумать текст. Потому что если сделать на такую мелодию ещё и радостный текст, то получится просто ерунда. Надо было спеть о грустном так, чтобы эта грусть была светлой и всё равно каким-то призывом к действию».
Вообще песня получилась достаточно сложной по исполнению и эмоциональному наполнению. Сложнее, чем может показаться на первый взгляд. Здесь присутствует и лиричность с примесью трагизма, ощущение которого придаёт протяжная, словно осторожно звучащая лид-гитара в куплете. Есть тут и чисто стадионная раскачка. Отчасти песня напоминает совсем старые вещи Арии с первых двух альбомов, только здесь намного больше объёма и масштаба. И всё это звучит предельно гармонично, создавая целый эмоциональный букет. «Мне кажется, там интересная гармония, несмотря на всю кажущуюся простоту, – согласно кивает Виталий. – Там есть и модуляции, и интересные гармонические обороты. По-моему, это придаёт ей определённый шарм».

«Дети дождя» - образцовая баллада, ставшая отличным завершением альбома. Для Виталия выбор финальной песни стал вполне очевиден: «Эту песню можно было поставить только последней. Мы начали альбом с мрачных красок, а потом палитра переместилась в более светлые тона, и мы закончили такой светлой грустью. По-моему, хорошо оставлять надежду на лучшее в конце. Я изначально хотел сделать чисто акустическую песню и, собственно говоря, особо мы там ничего не наворачивали. Сыграли на акустиках. Там, где Миша играет соло в первом проведении, мы с ним играем хоть и не в унисон, но ритмически одинаковые фактуры, и поэтому мне кажется, это слушается достаточно свежо. А когда вставили туда скрипки и виолончель, получилось вообще очень хорошо».
Именно в «Детях дождя» наследие Арии проявило себя наиболее полно, так как эта песня, по сути, является продолжением легендарной «Осколок льда», только исполненная в более камерной манере с упором на струнные. «Я этого, честно говоря, не слышу. Но, поскольку «Осколок льда» тоже я написал, вполне может быть они как-то и схожи», – смеётся Виталий.

Кстати, отдельный плюс за нормальную полноценную обложку, а не унылое фото с гитарой на фоне драпировки, как это любят делать многие сольные исполнители. «Да, часто бывает сольный альбом, где либо твоя фотография, либо ты там стоишь в обнимку с гитарой, – соглашается со мной Виталий. – Но я с самого начала хотел полноценную обложку. Эскиз мы придумали вместе с Ритой. Поскольку альбом называется «Бал-маскарад», надо было это соответственно подать. Мне казалось, что три судьи должны быть обязательно как-то обозначены. Глум (Антон "Gloom82" Семёнов – авт.), художник, который рисовал обложку, подошёл к задаче очень творчески. Я просил нарисовать, что первый судья тычет в тебя пальцем, второй держит весы, а Рита предложила, чтобы третий держал маску, а на весах второго лежали череп и перо, как символ хрупкости человеческой души. Я думал, что там будут просто стоять в плащах три фигуры анфас. А у него получилось что-то похожее на египетские мумии. Но самое главное, там есть движение, которое прямо таки притягивает. Я не ожидал, что у него так здорово получится именно это движение. Я обратился к нему, когда был уже практически дэдлайн. У него было всего две недели, чтобы нарисовать обложку. Обычно для художника этого времени очень мало. Но уже через пару дней он мне прислал эскиз и я понял, что у него всё получится. И я очень доволен результатом».

В итоге мы получаем сильный альбом, который стал уверенным заявлением. Несмотря на разнообразие, альбом звучит предельно целостно и производит впечатление завершённой работы. Для «хотел просто записать песни», как утверждает сам Дубинин, «Бал-маскарад» звучит слишком убедительно и точно попадает в цель, поднимая планку качества, в том числе и для следующей работы Арии. Записав «Бал-маскарад», Виталий преподал наглядный урок, как нужно делать качественный альбом. (8,5/10)

Alias  17 авг 2022

Блэк-метал как никакой другой метал-жанр часто демонстрирует стойкую приверженность своим корням. Устремлённость в прошлое (реальное или вымышленное) лежит в самой его сути, и такая ментальность идеально импонирует этой необоримой тяге к «корням», к истокам. Сама психология жанра побуждает своих адептов периодически всматриваться назад. Такому упорному следованию традициям, наверное, позавидовали бы даже блюзмены! К чему я это всё? Да к тому, что даже если в 2013 году появляется работа, от и до скроенная по лекалам, завещанными отцами-основателями, она вполне может рассчитывать на внимание заинтересованной аудитории. Достаточно лишь чуть-чуть добавить авторского видения.

Вот и “Neverending Journey” относится к данной категории. Это такой хороший собирательный образ блэка середины-конца 90-х. Очень архетипичный я бы даже сказал. По звуку альбом больше похоже на демозапись, чем на полноформат второго десятилетия ХХI века. Но если в плане звука вы не педант и снисходительно ухмыляетесь, слушая перепродюсированный и засемплированный метал нового столетия, то вас это обстоятельство не должно смущать. Тем более что мастермайнд проекта, Foltath, позаботился о том, чтобы партии всех инструментов были предельно разборчивы. По стилю здесь мы слышим ту разновидность атмосферного блэка, которую условно можно назвать “Medieval black”. Подобную по духу музыку можно найти на ранних работах Abigor и отдельные элементы у Summoning. И пусть всё, что мы здесь слышим, звучит вторично, кажется, что автор Eoront играет от сердца. Он не старается строго придерживаться «формулы», а просто играет то, что по душе и когда-то на него повлияло. По крайней мере, складывается именно такое ощущение.

Альбом получился достаточно ровный и проносится на одной волне. Кстати, по сравнению с последующими записями, этот альбом у Eoront самый ядрёный по напору и агрессии. Да, отдельные композиции звучат фрагментарно и незавершённо, но в целом всё хорошо. Наиболее интересные вещи оказались на второй половине альбома: в “Celestial Whirlpool” и “Downwind to the North” присутствует выдумка и даже намёк на некоторую витиеватость. Все эти гитарные переборы, отстранённые соляки и более продуманные аранжировки прекрасно дополнили тот холодный шторм, который доминирует на протяжении всего альбома. В “Downwind to the North” основной гитарный рифф вообще весьма любопытен – тремоло здесь блэковое, но вот сам по себе рифф для блэка не характерен и выглядит скорее как адаптированный под этот жанр. Эта тема, да и вообще вторая половина альбома, получились показательными в плане идей, обозначив потенциал, который будет постепенно раскрываться с каждой следующей работой Eoront.

Так что я считаю, что “Neverending Journey” стал хорошим началом пути. А учитывая последующие альбомы, хочется надеяться, что путешествие Eoront пусть и не будет бесконечным, но закончится ещё не скоро.

Alias   4 май 2022

Сибиряки Eoront, на мой взгляд, явно недооцененная группа и заслуживают куда большего к себе внимания. Концептуальное творчество Eoront являет собой полноценный, самостоятельный мир и здесь действительно есть, что послушать. Атмосферные полотна группы рисуют яркие образы и заставляют работать воображение. Наверное, это музыка для мечтателей.

Вообще, все записи группы чем-то напоминают книги. Но эта черта наиболее ярко выражена именно на “Another Realm”. Альбом сильно отличается от двух предыдущих работ Eoront – он получился более оригинальным и разнообразным. В нём есть мелодии, стиль и своя атмосфера. С одной стороны, это самый что ни на есть атмосферик-блэк, в котором хорошо чувствуются корни жанра, и здесь нет столь ныне востребованной пост-блэковой мути. Но вместе с тем, весьма продвинутый и часто степенный атмоблэк “Another Realm” временами обретает торжественность и мечтательно-отстранённое настроение, которые отчасти сглаживают даже наиболее острые и агрессивные моменты музыки. Кроме того, на альбоме периодически попадаются мелодии и вовсе не присущие такому жанру, как блэк-метал. Что, тем не менее, не делает музыку эклектичной. Наоборот, “Another Realm” получился цельной по ощущению работой и весьма насыщенной. В композиционном плане это очень интересная и увлекательная запись. Каждая вещь здесь по-своему интересна и обладает собственным лицом, но моим личным фаворитом стала “Dreamcatcher”. Это очень трансовая тема, с вязким «убаюкивающим» гитарным риффом в своей основе.

Стоит выделить отличную работу клавишных. В отличие от прошлых работ, это уже не просто размытый атмосферный фон. Партии клавишных обрели четкую структуру и тщательно вписаны в композиции. На первый взгляд, кажется, что в целом их стало в музыке меньше. Но с точки зрения смысла и завершённости клавиши стали даже заметнее, временами играя роль самостоятельных интермедий и увертюр.

“Another Realm” мог бы смело получить заслуженные 8 из 10, если бы не подкачала реализация. Заваленный, сухой звук здесь главный, если не единственный, недостаток. Звуку не хватает нужного объёма и выразительности, что явно не идёт на пользу столь комплексной и многослойной музыке. Возможно, это одна из причин, почему “Another Realm” не снискал лавры всеобщего признания. И очень жаль, потому как даже несмотря на не самый удачный продакшен “Another Realm” получился хорошим и увлекательным альбомом. С удовольствием приобрету его в свою коллекцию.

Alias  20 апр 2022

“Dhaar” это тот интересный случай, когда по своей содержательности ЕР близок к полноформату. Миниальбом вышел сразу вслед за дебютным лонгплеем “Neverending Journey”, и в принципе нам было предложено всё то же, но только подано чуть иначе. И почему-то в формате ЕР материал выглядит более выигрышно.

Такой атмосферик-блэк ближе всего к первым прообразам симфо-блэка, созданным могучими Emperor на своих первых записях – сокрушительный холодный шквал, рвущий в лохмотья одежду и рассекающий до крови кожу. Настоящая симфония разъярённой стихии. Музыка звучит очень экспрессивно, атмосферно, с постоянным фоном клавишных и размытыми гитарами – всё то, что изначально наполняло блэк-метал потусторонним ощущением. Как раз именно от такой разновидности блэка сознание малость цепенеет. Добавьте сюда раскатистый, гримовый вокал, который вещает сквозь этот убийственный шквал. Несмотря на внушительную продолжительность треков, в них происходит достаточно музыкальных событий, чтобы не заскучать. Прямолинейный скоростной блэк периодически замедляется и угрожающе наползает холодным плотным туманом. Из мглистой пелены то и дело выплывают один-два риффа или проигрыш, которые меняют ракурс происходящего и привносят разнообразие.

Конечно, с одной стороны всё это мы уже слышали ранее, причём не раз. Но здесь у Eoront оказался в наличии свой козырь: в композициях весьма удачно запечатлён некий древний ритуал (недаром первый трек так и называется – «Обряд»), который придаёт музыке оттенок «срежессированности», концептуальности и даже фэнтезийности. Кроме того, начало и конец ЕР обрамляет мечтательный эмбиент, который мог бы послужить хорошим саундтреком. А это превращает “Dhaar” в хорошую историю! Так что пластиночка становится чем-то бОльшим, чем просто нормальная, грамотная работа. Возможно, я бы глубже имплементировал «ритуальную» часть в основную музыкальную канву, но и без этого “Dhaar” вполне заслуживает внимания. Ко всему прочему, стихотворение Николая Гумилева, использованное в «Солнце Духа», придаёт ЕР дополнительное измерение и даже позволяет ему претендовать на звание интеллектуальной работы.

Alias  18 апр 2022

Ох, ну и глыбу высекли на своём дебютном альбоме Below the Sun! Не самая простая для восприятия штука, поскольку нельзя объять необъятное. А ведь именно это попыталась сделать группа, безрассудно устремившись в чудовищные космические бездны. Выражаясь фигурально, “Envoy” – это охренительный колосс, древний безжизненный астероид, парящий в бесконечных просторах космоса. На альбоме царит чувство тотального одиночества и жуткой чуждости происходящего, способного уничтожить человеческий разум одним лишь своим масштабом – непостижимым и невыразимым ни на одном известном языке.

Но всё же попытаемся осмыслить происходящее доступными нам средствами. На альбоме представлена преимущественно инструментальная музыка с минимальным использованием вокала. Редкие партии гроула воспринимаются скорее как дополнение к общей звуковой палитре. “Envoy” отличает холодное, предельно отстраненное звучание. С точки зрения жанровой принадлежности это микс из тяжелого, кичащегося дума, пост-метала с касаниями прогрессива и эмбиента. Не хватает здесь, наверное, только дрона. Всё очень атмосферно, с высоким качеством реализации и вниманием к деталям. Мелодий в привычном понимании здесь нет – это что-то совершенно «извне», часто фрагментарное. Разливистые, искаженные гитарные соло доносятся словно преломленные через призму другого измерения. В музыке присутствует достаточно пустот и пространства, с которыми умело работают музыканты, делая их неотъемлемой частью звукового ландшафта. Я не знаю, какой опыт за плечами у парней, но для дебютной записи сноровка невероятная и они демонстрируют умение работать со звуком и саунд-дизайном. Качество реализации просто отменное.

Все композиции более или менее равнозначны по смыслу и качеству, но наиболее показательным треком является всё же “Drift In Deep Space” – центр притяжения всего альбома. На мой взгляд, здесь это главная тема, которая даже своим названием максимально отображает происходящее. Помимо вышеописанного арсенала художественных средств, в этом куске астероида ещё куча каких-то умопомрачительных эффектов, а венчает всё многозначительный ритуальный фрагмент с использованием горлового пения. Если где-то и существует такой поджанр, как ritual doom, то здесь о таком хорошо наслышаны. Эмбиентная вещь “Breath of Universe” видится мне идеальным саундтреком как для научной фантастики, так и для документальных фильмов по астрофизике. Очень эмоциональным получился заключительный трек “The Earth”, полностью построенный вокруг гитарного соло. Причем это самая традиционная вещь с точки зрения построения и восприятия и даже РОКового в своей основе соло. Судя по всему, здесь абстрактный герой альбома, тот самый посланник (Envoy), находит покой, возвращаясь на Землю, где его слух ласкает такой земной и привычный звук, как шум прибоя.

На мой взгляд, единственный недостаток “Envoy” заключается в том, что композициям не хватает более чёткой структуры. Порой музыка приобретает совсем уж циклопические формы, а временами становится больше похожей на студийный джем. Но уже на следующем альбоме Below the Sun избавятся от этого недостатка и сумеют придать своей музыке более завершённую форму. Однако, в любом случае, “Envoy” стал сильной заявкой, так что не проходите мимо.

Alias  15 апр 2022

Отличным альбомом порадовали нас Eoront в «чумном» 2020 году, выдав чрезвычайно основательный лонгплей! “Gods Have No Home” стал четвертой работой группы и, на мой взгляд, это лучший альбом Eoront как в плане музыкального содержания, так и с точки зрения качества реализации. У альбома весьма холодное и достаточно колючее настроение. И если предыдущие записи группы легко укладывались в ложу атмосферик-блэка, то эта работа несколько больше и шире обычного атмосферик-блэка и временами замахивается аж на прог! Ко всему прочему, в музыке присутствует что-то неуловимо околофолковое. Пусть явного фолка здесь и нет, но сами гармонии несут в себе этот «языческий» дух.

Ну а теперь более подробно. Выбрав не самую простую для реализации форму, на “Gods Have No Home” Eoront удалось добиться ощущения целостной работы чему, среди прочего, способствуют и художественные звуковые эффекты. После постановочного интро, которое переносит нас в какую-то затерянную в мёрзлой глуши избу, бездомные божества срываются на слушателя хищным роем гитар. Первый трек задаёт тон всему альбому, который содержит в меру шероховатый и напористый, но при этом очень продуманный, хорошо аранжированный (а местами даже изящный) материал. Ко всему прочему, музыка прекрасно сбалансирована: группе удаётся органично совмещать прямолинейность с техничностью. Этому способствует мощный, насыщенный и панорамный звук. При этом он не вылизан и в достаточной мере сохраняет первозданную блэкушную дикость. Злой гримовый вокал идеально подходит такой музыке.

Там, где это необходимо, в композиции добавлены клавиши, которые хоть и незатейливы, но успешно поддерживают нужную атмосферу. Отлично вписавшиеся партии акустической гитары эффектно звучат поверх тяжёлого чёса. Присутствуют и умело исполненные, продуманные гитарные соло – здесь вообще всё по красоте! Нашлось место даже для флейты. Так что в плане техники и подачи альбом получился весьма разнообразный. Не обошлось и без влияния дума. Пусть это влияние и незначительно, но на фоне суровых ландшафтов часто размеренного блэка такие моменты выглядят особенно привлекательно. Всё очень классно, гармонично, есть масса музыкальных идей! Это не пережевывание штампов – Eoront действительно есть, что сказать своей музыкой. Кстати, такая вариативность и разнообразие стали возможны благодаря в том числе и круто разложенным барабанам.

Если пройтись по отдельным трекам, то я бы выделил “Wormwood”, который в наибольшей степени транслирует упомянутое выше фолковое настроение. “The Bonfires of Times” – это отличный и продвинутый инструментал. А заглавная тема “Gods Have No Home”, где помимо прочего использован хоровый протяжный вокал, является лучшей и абсолютно показательной с точки зрения всей музыкальной философии альбома. “The Midday Herbs” стала идеальным, прямо-таки эпичным завершением альбома.

Теперь, пожалуй, самое интересное – концепция “Gods Have No Home”. Во-первых, большая часть текстов здесь является стихами поэта и художника Максимилиана Волошина. А сама идея, заложенная в названии альбома, такова. Божество в человеческом обличии с летающим рядом светящимся шариком-планетой скитается по миру и размышляет над тем, что ни одно место не может быть домом и все странствия от того, что конечной точки нет, и никто никогда не сможет найти место, с которого всё началось и где всё закончится. Поэтому даже боги будут бездомными, вынужденными вечно скитаться, оставляя после себя как созидание, так и разрушения. Оборванный странник с маленьким миром-планетой в руках путешествует по миру-планете, который может быть в руках другого нищего божества-оборванца, тоже скитающегося по карманному миру следующего божества. И такая рекурсия вечна, ведь у божеств нет домов. Но вечные поиски несуществующего дома сопровождаются движением и извечным стремлением жить, несмотря ни на что.

Ну что, впечатляет? Как видите, “Gods Have No Home” является глубокой и продуманной работой как по музыке, так и в плане концептуального содержания. Eoront удалось уместить такую глыбу в 49 минут звучания, не впадая в занудство. Альбом сколь обстоятельный, столь и яркий. Прекрасная работа, одна из лучших в жанре за последние несколько лет.

Alias  14 апр 2022

“Sylvan Coven” стал третьей по счёту работой Gloosh всего за два года с момента основания проекта. На своём новом лонгплее Gloosh по-прежнему самозабвенно валит сырой, колючий и шумный лесной блэк. По сравнению с двумя прошлыми работами клыкастые риффы “Sylvan Coven” звучат даже агрессивнее. Однако, оставаясь в рамках выбранного стиля, на каждой следующей записи проект понемногу расширяет набор художественных средств. Главное отличие нового альбома в том, что музыка на нём стала заметно насыщеннее, содержательнее и атмосфернее. Здесь Gloosh максимально развивает идеи, заложенные на дебюте “Timewheel”. Гитарные партии стали более изощрёнными, барабаны изобретательнее, появились редкие гитарные соло, да и вообще с композиционной точки зрения всё стало заметно разнообразнее.

Несмотря на первичную агрессию, музыка не производит впечатление несущегося бронепоезда. По крайней мере, уже не всегда. Появились интересные аранжировки и атмосферные отступления, немного эмбиента и чистого вокала. Композиции звучат очень живо и эмоционально, и в них присутствует элемент трансцендентности. В полной мере всё это демонстрируют такие треки, как “Hexenring”, “Incantation” и “The Mist of Sleep”. А в “Woodland Waltz” вы даже найдете крутые вальсирующие части! Альбом оказался настолько насыщенным, что для полного погружения его необходимо прослушать хотя бы пару раз. И всё это замешано на тех же старых блэк-метал дрожжах. Так что, есть идеи – есть интересная музыка. Творчество Gloosh выглядит весьма привлекательно на фоне сотен других групп жанра, которые годами рождают мёртвых големов, лишённых тёмной искры жизни.

Что касается концепции “Sylvan Coven”, она отображена на обложке, где ночная, тёмная сторона природы, несущая хтоническое начало, представлена как храм. И должен сказать, что, судя по музыке, таинство это не для слабых духом, и выбор у тебя невелик: либо ты примешь посвящение, а вместе с ним и часть тьмы, либо погибнешь. Кстати, есть один интересный момент, связанный с оформлением. Ещё на дебютном альбоме, название трека “Самсара” наводило на мысль об интересе автора проекта к востоку. Изображенные на обложке японские ворота тории, которыми обозначен вход в тайное лесное святилище, только подтверждают эту догадку.

Что ж, на мой взгляд, “Sylvan Coven” вполне убедительно доказал, что даже в таком клишированном жанре, как ортодоксальный блэк-метал, ещё есть что сказать при наличии вкуса и действительно творческого подхода. Мощно, интересно и атмосферно. Достойная работа – такой блэк нам нужен! (8,5/10)

Alias  13 апр 2022

Gloosh является отчасти случайным побочным проектом Георгия Габриэльяна (Eoront, Frozenwoods) – по крайней мере, в начале так и было. Но неожиданно проект стремительно набрал обороты, став полноценной творческой единицей и средством самовыражения своего мастермайнда. Новый материал писался легко и быстро, и уже в 2020 году у Gloosh вышло сразу две (!) полноценные работы. Альбом “Timewheel” стал первой из них и попадает точно в цель – пусть и не в 10-ку, но в 8-ку уж наверняка.

В основу музыки “Timewheel” положен сырой и дикий блэк-метал. Можно даже сказать, замшелый. «Глушь и дебри» – это весьма подходящее описание того, что происходит на альбоме. При его прослушивании в воображении возникает образ поросшей мхом лесной чащи, бурелома, утопающего в сыром мглистом тумане. Если вам требуются точные ориентиры, то альбом звучит на стыке ранних записей харьковчан Drudkh и канадцев Forteresse. Мне также вспоминается Judas Iscariot в свои лучшие моменты. Поскольку все эти группы сами черпали вдохновение в старой норвежской школе, то “Timewheel” будет вполне органично смотреться и с норвежской классикой 90-х. Здесь правильно всё: ядрёные тремольные блэкметаллические риффы и фирменный блэковый надрыв в них, «отмороженные» гармонии, отстраненная атмосфера, срывающий кожу хрипящий вокал, атакующие барабаны. Всё на своих местах и ничего лишнего. Клавишных здесь вы не найдёте.

При этом вопреки нарочитой примитивности “Timewheel” звучит в меру разнообразно, в том числе и ритмически – несущаяся «дикая охота» колючих риффов то и дело сбавляет темп, чтобы подобрать с оцепеневшей земли свои жертвы. Так что в музыке достаточно грамотно расставлены эмоциональные акценты. С одной стороны, чувствуется, что изначально автору хотелось строить композиции на одном-двух риффах. Но идей всё же оказалось больше, и творческий подход возобладал над сухой догмой. Поэтому музыка здесь далека от того, чтобы просто гонять по кругу парочку оцепенелых риффов. Также, местами присутствуют зачатки мелодики, а в “Самсаре” даже появляется лид-гитара. Нашлось место и акустике, а текст в “Грозе” вообще можно пропеть. Конечно, в своей основе это традиционный и мшистый тру-блэк, но вот такие моменты приближают “Timewheel” к атмосферик-блэку. Что особенно любопытно, я с интересом сосредоточил внимание на партиях бас-гитары, которые очень хорошо здесь прослушиваются. Стоит отметить и отличное, очень качественное оформление диска, без преувеличения несущее в себе художественную ценность.

Что же мы имеем в итоге? Да, каких-то принципиально новых идей предложено не было и революций такие альбомы, как “Timewheel”, не совершают. Всё достаточно традиционно. Но вместе с тем Gloosh является хорошим подтверждением тому, что «правильный» блэк-метал до сих пор не утратил своей привлекательности и будет по-прежнему интересен ещё через ...надцать лет. Ведь помимо скупого набора художественных средств в этом жанре немалую роль играют эмоции, чувства и нужный подход. А с этим у Gloosh полный порядок. Всё очень хорошо и качественно! Всё то лучшее, что есть в традиционном блэке, нашло здесь своё воплощение. Альбом диким вихрем проносится сквозь бурелом, то и дело взмывая над чащей и устремляясь ввысь сквозь грозовые тучи к мерцающим звездам. В общем, всем «лесникам» посвящается!

Alias  12 апр 2022

В какую Глушь меня опять занесло… И снова Сибирь, и снова Красноярск. Да, проект Gloosh, как и Ultar, Grima, Below the Sun, Eoront, родом тоже из Красноярска. Этот город становится неким центром притяжения, ядром новой сцены. Пусть она носит достаточно «разреженный» характер и держится на немногих именах, но сибирский метал-андеграунд это уже явление, которое заслуживает всяческого внимания.

EP “The River” стал продолжением дебютного полноформата Gloosh “Timewheel”, вышедшего немногим ранее в том же году. В концептуальном плане мини-альбом продолжает раскрывать идею вечно вращающегося колеса времени и жизни в самом широком понимании, сравнивая жизнь с рекой. А вот в плане музыки всё не так однозначно и “The River” воспринимается как самостоятельная работа, а не просто довесок к лонгплею. Ещё на “Timewheel” было заметно, что начальным замыслом проекта было двигаться в канве сырого, примитивного тру-блэка. Но уже тогда в музыке то и дело мелькали грани и элементы, противоречащие аскетичному духу упомянутого жанра. На “The River” таких элементов стало больше и, сохраняя сырое, непричесанное тру-блэковое звучание, музыка при этом звучит слишком вариативно и местами разДУМчиво. В отдельных риффах явно поселился призрак дума. Помимо этого из Глуши то и дело сверкает болотными огоньками акустика и даже духовые, напоминающие Summoning (!) Более того, подобно рассеивающейся утренней дымке, вдруг проявился тончайший флёр пост-блэка. Поэтому, несмотря на весьма шершавую основу, на выходе мы получаем отличный атмосферный блэк. Что характерно, даже учитывая сырой звук, здесь хорошо прослеживаются партии всех инструментов. Ко всему прочему, “The River” концептуально выдержан не только лирически, но и музыкально – весь ЕР слушается как один продолжительный трек, обрамленный эмбиентными интро (“Ручьи”) и аутро (“Камни”).

Единственным минусом является не самая удачная, на мой взгляд, аранжировка “Устье”, из-за чего трек примерно с середины начинает провисать. Можно было бы и не обращать внимания, но на фоне весьма интересных начинаний в музыке общее впечатление это несколько смазывает. И тем не менее, в целом мы имеем отличную крепкую работу, к которой будет интересно возвращаться.

Alias  11 апр 2022

Очень интересно наблюдать в последние годы именно сибирскую метал-сцену. Наверное, понятие это пока что довольно условное, но будет вполне обоснованно, сложись однажды такой бренд окончательно. Безлюдные и девственные просторы этого сурового края в итоге оказались благодатной почвой для весьма самобытных групп. Пусть их немного (наверное, так даже и лучше), но каждой есть, что сказать. Below the Sun из Красноярска, несомненно, одна из самых заметных групп не только сибирского, но и российского андеграунда. Второй альбом группы - “Alien World” - стал очень серьезной заявкой! Без всяких натяжек и оговорок это продукт мирового уровня.

Если монструозный думовый дебют Below the Sun местами грешил затянутостью и монотонностью, то эта работа звучит заметно более разнообразно и завершенно. В рамках жанра, естественно. Хотя и в плане жанровой принадлежности эти парни в масках продвинулись вперед, представив интересный микс из doom, post-metal, капельки drone и ambient, и даже элементов грува. Подобное сочетание жанров, а также творческое многообразие и прогрессивность идей делают прослушивание альбома по-настоящему увлекательным. Группе удалось придать форму грандиозным контурам и непроглядным просторам, пугающим неизвестностью и тьмой. Композиции получились достаточно компактными, запоминающимися и могут похвастаться действительно яркими ходами. Здесь нашлось место и свинцовому качу, и будоражащим думовым риффам, и атмосферным отступлениям, а также броским гитарным соло, которых пусть и немного, но звучат они всегда к месту. Также на этом альбоме парням удалось найти оптимальный баланс между экстремальным гроулом и действительно хорошо поставленным «чистым» вокалом. Выдержанный имидж группы и концепция, подкрепленная соответствующим видеорядом, также способствуют целостному восприятию творчества Below The Sun. В плане лирики “Alien World” заявляет претензию на интеллектуальность, так как альбом является концептуальной работой, основанной на классике мировой фантастики «Солярис» Станислава Лема.

Что тут сказать – пожалуй, это лучший российский метал-альбом за 2017 год. “Alien World” - очень сильная, продуманная работа, которая действительно может увлечь. К великому сожалению, после выхода этого альбома Below the Sun постиг чудовищный удар. Смерть гитариста Егора Михайлова (aka Vacuum) поставила под вопрос само существование группы. Но оставшиеся участники нашли в себе силы собраться вновь и в конце 2021 года вернулись к концертной деятельности. Так что с осторожным оптимизмом ждем новую работу Below the Sun.

Alias  16 фев 2022

Вышедший в 2016 дебютный альбом сибиряков Ultar был уверенным заявлением для того, чтобы с интересом ждать продолжения. Группа показала себя очень перспективной творческой единицей, способной создавать работы, соответствующие мировым стандартам качества. Что ж, можно сказать, что три года не прошли для группы даром, и “Pantheon MMXIX” не стал повторением предшественника. Здесь Ultar решили двинуться немного другим путем: это все тот же пост-блэк, но заметно более утончённый, более сложный и не такой неистовый. Здесь уже практически нет той срывающей скальп ярости, которая присутствовала на предыдущем альбоме. Но появилось многое другое. Мелодии и аранжировки стали сложнее и даже где-то интеллигентнее – мне кажется это слово наиболее подходящим в данном случае. Это достаточно яркий и техничный, эмоционально насыщенный материал, вместивший в себя чувства от отчаянья до подлинной драмы, а то и мелодраматизма. Более того, в музыке стали отчётливо слышны проговые замашки, что проявилось в разнообразии гармоний, множестве эффектов и смен темпов и общей комплексности композиций. Альбом обильно пересыпан интересными нюансами и мелодиями, парящими поверх угрюмого основного музыкального ландшафта. Появившиеся партии чистого вокала очень хорошо вписались в музыку и хочется надеяться, что эта практика будет развиваться и на следующих альбомах. Чистый вокал звучит действительно хорошо и при должном подходе это может стать яркой фишкой группы. Вокал здесь вообще очень изощренный и имеет полное основание называться высокохудожественным – это действительно экстремальное искусство.

Выделить какие-то отдельные композиции мне достаточно сложно, так как почти все вещи одинаково сильны. Наиболее очевидным выбором могла быть “Father Dagon”, на которую было снято видео, и “Swarm”, предварявшая выход альбома. Да, это действительно броские и запоминающиеся темы, но наряду с ними присутствуют такие яркие треки, как “Shub-Niggurath” – совершенно бомбическая, атмосферная вещь с чётким риффингом. Также я отмечу сильный и масштабный трек “Worms”, который открывается глубоким, мощным эмбиентом, словно специально созданным для мрачного фантастического блокбастера. Как нетрудно догадаться, реализация альбома и продакшн также на высоком уровне и вполне соответствуют требованиям качества подобной музыки. Концепция группы, как видно по названиям песен, по-прежнему инспирирована творчеством Г.Ф. Лавкрафта, хотя в текстах вы не найдёте очевидных отсылок к конкретным сюжетам.

Что мы имеем в итоге? Несомненно, Ultar записали интересный и качественный альбом, который говорит о творческом росте музыкантов и о серьёзной проделанной работе. Но столь навороченный материал требует внимания и погружения в него. Поэтому я думаю, что в будущем не помешало бы добавлять пару особо ярких штрихов, которые могут сделать восприятие музыки не то, чтобы более доступным, но позволят легче удержать внимание слушателя. Ну а в целом это действительно отличный альбом.

Alias   3 сен 2021

Новый альбом Zgard пришлось ждать четыре года – по меркам сабжевого проекта это долго, учитывая частоту выхода предыдущих релизов. Кардинальных перемен в музыке Zgard за это время не произошло, и мы вновь слышим в основном размеренный и где-то даже степенный атмосферный пэган-блэк с упором на блэк. Правда по сравнению с тремя предыдущими альбомами фолка стало заметно меньше и преимущество в звучании отдано гитарам. Тем не менее, настроение музыки осталось узнаваемым и характерным для Zgard. Альбом хорошо сведён и может похвастаться качественным, чётким звуком, в котором есть простор. Клавишный бэкграунд ненавязчив, но эффектен.

Что касается песен, то поначалу может показаться, что “Place of Power” получился слишком ровным. Это обманчивое впечатление вызвано не самым удачным, на мой взгляд, расположением песен. За исключением инструментальных интро и аутро мы имеем здесь шесть полноценных композиций. Но получилось так, что альбом реально разгоняется лишь ко второй половине и наиболее сильные вещи оказались в самом его конце – а это титульная и сильнейшая на альбоме “Place of Power” и весьма драйвовая “Last Harvest”, которая намного выгоднее смотрелась бы, например, под номером 3. Очень хороша получилась эпичная композиция “Old Ruins”, местами живо напоминающая легендарный австрийский проект Summoning. Интересно звучит и “Fiend Mother”, с припевом, словно списанным с исступлённого заговора, навлекающего порчу. Наряду с упомянутой “Place of Power”, эта песня в наибольшей мере сохранила в себе фольклорный элемент Zgard как по мелодике, так и общей подаче. Да и в целом присущий Zgard мелодизм никуда не делся, лишь приняв более сдержанную форму. Прослушав песню раз-другой ты и не замечаешь, как основная мелодия продолжает звучать в уме.

В общем, здесь есть, что послушать и даже посмотреть – альбом издан в виде качественного дигипака с классным оформлением. Zgard уверенно держится корней как собственных, так и блэка вообще, и это чертовски приятно! Если для вас что-то значат старые работы Satyricon и Graveland, и к тому же вы хотите ощутить мистический дух Карпат – не стоит проходить мимо. И в завершение отмечу, что альбом получил весьма положительный отзыв Дайала Паттерсона – заслуженного музыкального журналиста и писателя, также известного как шеф издательского дома “Cult Never Dies”. А уж он-то знает толк в блэк-метале.

Alias   2 сен 2021

Я с большим интересом слежу за творчеством Grima. Мне нравится не только музыка этого красноярского проекта, но также его целостная концепция и последовательность. Хотя теперь Grima это уже не совсем и проект, поскольку с момента выхода предыдущего альбома Vilhelm и Morbius набрали концертный состав и стали полноценной туровой группой. Однако, что касается непосредственно творчества, всё осталось без изменений и Grima по-прежнему является дуэтом.

Итак, что же новый альбом? Это прекрасный образец мелодичного atmospheric black metal.
“Rotten Garden” стал наиболее зрелой работой Grima. Это касается как самих композиций, так и эмоциональной глубины музыки. Сказать по правде, прошлый альбом (“Will of the Primordial”) звучал отчасти неопределенно и где-то даже тяжеловесно. На “Rotten Garden” Vilhelm и Morbius ушли от громоздкости предшественника. Альбом получился цельным, сфокусированным и по-хорошему лаконичным, несмотря на достаточно большую продолжительность отдельных композиций. Всего семь песен и 43 минуты звучания видятся мне идеальным форматом для того, чтобы удержать внимание слушателя до конца альбома. И видится мне, что за эти 43 минуты Grima удалось максимально полно и интересно раскрыть свои идеи.

Материал получился разнообразным и ярким. В музыке появились новые интонации и интересные элементы. Использование звучания органа «Хэммонд» в заглавной композиции стало одной из самых интересных особенностей “Rotten Garden”. Протяжные, мечтательные и словно парящие поверх гитарных тремоло соло во многом делают погоду на альбоме. При этом, несмотря на подчеркнутую мелодику, музыка отнюдь не слащава. Альбом скорее наполнен драматизмом и меланхоличной рефлексией, пусть здесь и присутствуют бласт-биты и яростные моменты. Это музыка поздней осени, с ее увядшими красками, туманами и первыми морозами, когда под ногами шуршит влажная листва, а в лесах воцаряется безмолвие в преддверии лютой зимы. Записанные «на пленере» естественные звуки природы, удачно подчеркивают и усиливают атмосферу.

Альбом получился сбалансированный, но отнюдь не ровный в привычном понимании. Всё сделано со вкусом и вниманием к деталям. Музыканты понимают, как расставлять акценты для достижения эмоциональных пиков. Основной накал страстей сосредоточен во второй половине альбома. Не знаю намеренно это сделано или нет, но “Old Oak” “Rotten Garden” и “Grom” стали явным смысловым и эмоциональным центром альбома, и воспринимаются не иначе, как цельная трилогия даже по своей структуре. Акустический инструментал “Old Oak” выполняет роль вступления к “Rotten Garden”, которая является центральной вещью альбома не только музыкально, но и несет основную смысловую нагрузку. “Grom” же является подлинным катарсисом этой трилогии, настоящим эмоциональным высвобождением. Крайне удачная и эффектная последовательность композиций, которая мало кому удается. Идущая бонус-треком заключительная композиция “Devotion to Lord” не выглядит инородным телом. Эта старая вещь с первого альбома здесь обрела вторую жизнь и удачно укладывается в общую канву и звучание. В меру размытый, намеренно шероховатый звук придает музыке ощущение естественности. Более того, своим звучанием и некоторыми гармониями “Rotten Garden” воскрешает в памяти дух середины 90-х, когда блэк-метал уже перестал быть сугубо маргинальным течением и достиг определенного уровня качества, но всё еще хранил свой изначальный сумрак и сырость. Пусть и обрамленный в красивый багет...

Если на предыдущих записях одной из главных отличительных черт Grima был баян, на “Rotten Garden” он неожиданно задвинут в общем миксе на задний план и вообще появляется редко. И… я не скажу, что это плохо, поскольку здесь он не особо и нужен. Это не то, что требуется песням. Музыка течет настолько естественно и увлекательно, что не сразу и замечаешь отсутствие столь необходимого в прошлом элемента. Однако явным минусом я бы назвал то, как именно записаны немногочисленные партии этого инструмента. Баян не только подзавален в миксе, но и звук у него получился какой-то плоский и дребезжащий. Поэтому он просто потерялся на общем фоне и уже не несет той смысловой нагрузки, которой был наделен изначально. Во всём остальном “Rotten Garden” получился образцовым альбомом. Не повторяя самих себя, Grima удается оставаться в рамках собственного стиля и быть при этом интересными. Я бы сказал, что это лучший альбом Grima наряду с “Tales of the Enchanted Woods”.

Alias  26 июл 2021

Окончательно найдя своё звучание на предыдущем альбоме “Totem”, украинский проект Zgard решил продолжать двигаться в том же русле, и «У вирi чорної снаги» в музыкальном плане во многом является прямым последователем своего удачного во всех отношениях предшественника. Это отличный, преимущественно среднетемповый, пэган блэк-метал с богатой атмосферой древних Карпат. Если и есть ещё группа, которая столь же глубоко передаёт дух Карпат, то это румыны Negura Bunget. Никто другой на ум просто не приходит. И хотя навешивание ярлыков дело неблагодарное, но условная классификация «карпатский блэк-метал» наилучшим образом определяет музыку Zgard.

«У вирi чорної снаги» очень удачно совмещает колючий холод скандинавского блэка 90-х с мощной фольклорной составляющей, которая умело и органично вписана в общую музыкальную картину. Более того, эта часть музыки звучит местами даже «кинематографично», подчеркивая эпичность (но ни в коем случае не пафосность) музыки. Здесь ярость и торжество сливаются в ликующем водовороте лютой зимы. Помимо густой атмосферы, за массивным, в меру шероховатым звуком альбома скрываются прекрасные мелодии и достаточно разнообразные аранжировки. Оформление, тексты и музыка идеально сочетаются друг с другом, неся единый посыл. Альбом звучит очень целостно и по-хорошему ровно. Это действительно качественная и насыщенная работа, но особо выделить отдельные темы здесь не так уж и просто. Очевидным исключением является разве что только «Колослово» - самая яркая фольковая, ритуальная тема альбома. Она звучит настолько натурально и атмосферно, что при её прослушивании воображение само рисует картину масштабного языческого обряда. Кроме того, хотелось бы выделить заключительный инструментальный трек «Колискова зими». Слушая эти две композиции приходишь к выводу, что для Zgard было бы вполне естественно однажды выпустить целиком акустический или эмбентный альбом, который бы смог передать атмосферу музыки проекта, сохранив при этом фольклорное начало. В общем, альбом получился отличным. Пусть ему где-то и не хватает хуковых моментов, но они с лихвой компенсируются общей оригинальной атмосферой и грамотными композиционными решениями. Лично для меня это вполне мастхэвная вещь.

Alias  13 май 2021

Перед записью третьего альбома Gotsu Totsu Kotsu постигла замена 2/3 состава. Из оригинального лайн-апа остался только основатель группы (что вполне закономерно) – вокалист и бас-гитарист Харухиса Такахата. Учитывая, что предыдущий альбом “Legend of a Shadow” запечатлел творческий подъем банды и получился очень сильным, хотелось услышать не менее убедительное продолжение. Поэтому такие радикальные изменения состава вызывали опасения, что они не в лучшую сторону отразятся на звучании.

“Retribution Justice” хоть и не стал буквальным продолжением своего предшественника, что поначалу может немного разочаровать, но получился очень крепким альбомом. Уже первый трек в полной мере раскрывает обновленный саунд и мастерство каждого музыканта. Группа очень собрана и демонстрирует сыгранность и мастерство. Сразу хотелось бы охарактеризовать работу нового гитариста Кейчи Ендзодзи. Безусловно, он весьма подкованный и сильный гитарист, и чисто в техническом плане он даже сильнее своего предшественника. Его соло обладают яркой подачей, виртуозностью и порой напоминают скрипичные партии. Но вместе с тем именно на этой записи они и не столь интересны в композиционном плане, звуча менее авантюрно и более предсказуемо. Что касается Харухисы Такахаты, то обладая недюжинной техникой игры на бас-гитаре он всегда сохраняет последовательность и чувство меры ровно настолько, чтобы его эксцентричность не противоречила целесообразности. Кроме того, я бы смело записал его в число лучших вокалистов современного экстремального метала. Далеко не каждый может выдавать столь ровный и сочный гроул, сохраняя чёткую артикуляцию.

В целом альбом технически безупречен. Причём это касается не только уровня инструментальной работы, но и звука. Здесь мы впервые слышим у Gotsu Totsu Kotsu такой сбалансированный, профессиональный и кристально чистый звук. Он получился просто отличным – чётким и в меру суховатым. Не изменив изначальному творческому вектору, обновлённая группа продолжает гнуть трэш-дэтовую линию, очень удачно сочетая и обыгрывая лучшие черты обоих жанров. При этом парни наглядно демонстрируют, сколько ещё живительной влаги можно извлечь, пользуясь ортодоксальными заветами трэша и дэта. Черпая вдохновение в прошлом, Gotsu Totsu Kotsu не выглядят ретроградами, а наоборот звучат свежо и ярко.

Но это если говорить об общем посыле. Что касается самих песен, то здесь всё не так однозначно. По отдельности хороша каждая вещь, но вот все вместе они малость сливаются. Кажущаяся на первый взгляд некоторая однотипность смазывает впечатление об альбоме. Поначалу создаётся впечатление, что драйва здесь больше, чем разнообразия. Причиной тому некоторая сдержанность музыкантов, которые словно стараются обуздать бушующую энергию. Кажется, что на самом деле группа способна на большее. Возможно, на тот момент новый состав ещё осторожничал, притираясь и присматриваясь друг к другу. Из-за этого альбом нужно расслушать, чтобы он зашёл окончательно. Но потом всё становится на свои места и слушатель по достоинству оценит как построенные на хлёстких, рваных риффах скоростные атаки “Insane Battlefield” и “Immortal Assassin”, так и более качёвые среднетемповые вещи типа “Last Man Standing” и “Benetnash”. Очень интересен по музыке трек “Legend of Overlord” – смесь грува и концентрированного дэта. Группа максимально раскрывает свой потенциал на завершающих альбом треках “Kawagoe Night” и “Zehi Ni Oyobazu”, разнообразие и отчасти даже необычность которых говорит в пользу композиционных способностей этих отчаянных самураев.

Так что условной проблемой альбома я бы назвал не самую удачную последовательность песен, из-за чего лонгплей по-настоящему раскрывается только ближе к концу. Поэтому “Retribution Justice” всё же не столько монотонная запись, сколько вещь в себе. Если можно так выразиться. Несмотря на кажущуюся доступность, к этому альбому нужен свой подход.

Alias  17 мар 2021

Японская экстремальная сцена явление достаточно малоизученное, и во многом благодаря таким специфическим группам, как авангардные Sigh или Boris, в глазах массового слушателя андеграунд Страны восходящего солнца выглядит совершенной экзотикой. Однако японская метал-сцена живет пусть во многом и обособленной, но достаточно насыщенной творческой жизнью и может предложить действительно толковые группы. Среди них Gotsu Totsu Kotsu – однозначно одна из самых ломовых и захватывающих японских банд.

Само название Gotsutotsukotsu – это онъёми, то есть японская интерпретация китайского произношения иероглифов. Название группы означает Король Вутугу. Это мифический персонаж – военачальник, правитель земли Wu Ge. Он упоминается в историческом китайском романе «Троецарствие» ("Romance Of The Three Kingdoms"), который повествует о событиях в Китае эпохи Троецарствия (конец II века – III век н.э.), когда Империя Хань распалась на три государства: Вэй, Шу и У. Роман был написан предположительно в XIV веке н.э. Ло Гуаньчжуном и входит в число четырёх классических китайских романов. Вутугу, как король Wu Ge, встречается в 90-ой главе романа и описывается как великан, на которого не действует змеиный яд. Он погиб со своей армией, сгорев в огне во время боевых действий против Шу. Как видите, уже начиная с названия, группа ясно обозначила мощный культурно-исторический бэкграунд, заложенный в основу своего творчества.

На затянувшемся начальном этапе становления группе пришлось попотеть. Собравшись ещё в 2000 году, Gotsu Totsu Kotsu долго запрягали, сумев записать за неполных десять лет всего три демо. Но взяв мощный старт в 2009 году с выпуском дебюта, это самурайское трио стабильно выдаёт альбомы, коих на сегодняшний день записано уже пять.

Первый альбом “Mouryou” стал сильным заявлением, максимально полно запечатлев оригинальную творческую концепцию группы, полностью основанную на сюжетах из японской средневековой военной истории и фольклора. Это касается, в том числе, и яркого оформления в стиле традиционных японских гравюр, а также самого названия альбома. Японское слово “Môryô” обозначает всевозможную нечисть – демонов, духов и пр.

Что касается музыки, то Gotsu Totsu Kotsu совершенно определённо и уверенно обозначили свой курс на ядрёный трэш-дэт. Но всё же преимущественно с уклоном в трэш. По крайней мере, большая часть гитарных риффов, песенных структур и ритмов принадлежат именно этому жанру. Среди дэт-метал элементов здесь присутствует вокал, напоминающий более суровую версию Петра Вивчарека из Vader, эпизодические бласт-биты и дэт-металлический гитарный строй. Парни демонстрируют отличную сыгранность и уровень технического мастерства. Одной из главных характерных черт Gotsu Totsu Kotsu является чрезвычайно изобретательный, отчаянно слэпующий бас лидера группы Харухисы Такахаты, который также является и вокалистом. Временами его эксцентричные партии живо напоминают Леса Клейпула из Primus (!). На фоне сочного трэш-дэта такой бас звучит особенно интересно и неординарно, становясь одной из узнаваемых фишек группы. Музыканты выложились на полную и, на мой взгляд, в свой первый альбом им максимально удалось вложить весь опыт, накопленный за те десять лет, которые прошли с момента основания группы. Музыка получилась в меру изобретательна, и в ней содержится достаточно хуковых моментов. Тут есть нескучные бодрые риффы, классные соло, резвые барабаны, а также то и дело проскакивают вкусные элементы грува. Да, ритмы здесь несколько однообразны, но это и не сплошная долбёжка. Несмотря на некоторую однотипность, альбом предлагает довольно занимательные вещи. И в целом у Gotsu Totsu Kotsu есть некий живой нерв, который наполняет музыку страстью, чувством свободы и жизнью – всем тем, благодаря чему хочется выдохнуть: «верю!». Запала у этих японцев с лихвой хватит ещё на две группы.

Уже наполненное звуками сражения инструментальное интро “Departure for the Battlefront” в связке со следующей вещью “Evil x Immediate x Decapitation” настраивают на нужный лад, давая полное представление об альбоме. Этот двойной выстрел с первых минут звучания наилучшим образом знакомит с группой, являясь визитной карточкой альбома. И хоть альбом получился достаточно ровным, на нём вполне можно выделить особо бронебойные треки. Помимо упомянутой открывашки я бы ещё отметил “Razor” и “Gotsu Totsu Kotsu”. Одноимённая названию группы композиция получилась особенно удачной – размеренный, идеальный для слэма качёвый трэш, который в определённый момент срывается в отчаянный трэш-дэт водоворот. Также весьма хороша и “Black Auspicious Day”. Каждая из перечисленных вещей обладает чёткой, запоминающейся структурой, толковыми соло и особой страстью. Ещё одним несомненным плюсом альбома являются необычные партии чистого вокала, вобравшие в себя национальную японскую традицию. К сожалению, на следующих записях группа от них отказалась. На мой взгляд, совершенно напрасно, так как подобное дополнение заметно добавляет музыке аутентичности и звучит попросту интересно.

Несмотря на столь убедительное содержание, не обошлось и без ложки дёгтя. Не считая упомянутого дефицита разнообразия, главным минусом альбома является слабый продакшн. Невнятный звук явно не идёт на пользу столь взрывному материалу, нивелируя часть заложенного потенциала. Собственно, по этому поводу больше и не скажешь... Во всём остальном “Mouryou” представляет из себя запись, которой по праву можно гордиться. Для группы это был отличный старт.

Alias  15 мар 2021

Как-то так получилось, что выпустив четыре альбома (не считая сплита), среди которых есть и очень неплохие, по-настоящему украинский проект Zgard разогнался только на “Totem”. Хотя будет справедливо отметить предыдущий альбом «Созерцание», который был очень сильной и во многом переломной работой. Но именно на “Totem” Zgard удалось максимально реализовать свой творческий потенциал. Это на 100% эталон пэган-блэка. Здесь фольковые мотивы органично сочетаются с тяжелой блэк-метал артиллерией, не нарушая «базовых ценностей» блэк-метал жанра. На «Тотеме» действительно много традиционного блэка с характерным надрывом в гитарном звуке. Вместе с тем, понимая, что для создания запоминающейся, оригинальной записи одной «фактурности» недостаточно, мастермайнд проекта Яромысл написал отличные мелодии. И немалую роль здесь сыграло использование фольклорных мотивов, исполненных в ряде случаев при помощи этнических инструментов. Но при этом, как ни странно, фольк не играет в музыке доминирующую роль, лишь качественно ее дополняя. Кроме того, в ритмическую основу многих композиций удачно положены более традиционные метал-риффы, которые перекатываются подобно тяжелым булыжникам, влекомыми лавиной морозных тремоло. Также очень эффектно в общую картину звучания вплетены акустические инструменты, подобно редким самоцветам периодически сверкающие в этом музыкальном водовороте. Картину дополняют выразительные эмбиентные рельефы, усиливающие воздействие музыки.

Такая многослойность делает альбом разнообразным и насыщенным – от сокрушительных бласт-битов до тягучих композиций с преобладанием среднего и медленного темпа. У каждой песни есть собственный колорит, благодаря чему на «Тотеме» заключен целый спектр различных эмоций: есть и ностальгическая мечтательность в заглавном треке «Тотем», в «Нащадки Грому» воедино слились ярость и торжественность – блэк-металлический шторм сменяется мелодичными распевами и подкреплен напористыми риффами. Очень яркой получилась вещь «Пробач Природа», в которой гитарный шквал в лучших традициях норвежского блэка встречается с карпатской этникой, что дает совершенно удивительные ощущения.

Хотелось бы упомянуть и разнообразие вокалов. Ожесточенный скрим доносится словно из сердца студеной бури, притопленные в миксе мощные хоровые распевы подчеркивают там, где это нужно, торжественность момента, а традиционные женские песнопения придают столь необходимый подобной музыке колорит и аутентичность. Единственное замечание относится к чистоголосому пению, которое в паре моментов слегка не дотягивает до необходимого уровня и звучит угловато. Но в целом это не критично и не портит общей картины. Несмотря на такую насыщенность, альбом звучит последовательно и абсолютно целостно, исполненным в едином ключе. Все элементы музыки звучат уместно и не выглядят притянутыми за уши ради пущего эффекта. Благодаря полноценному составу, работавшему над записью «Тотема», музыкантам удалось добиться напористого и объемного звука – наилучшего среди всех альбомов Zgard на тот момент. А некоторая его размытость получилась очень в тему и идет альбому только на пользу. Несмотря на отдельные мелкие шероховатости, возможно, “Totem” до сих пор является лучшей работой Zgard. Именно здесь Яромыслу удалось наиболее полно и эффектно соединить в музыке блэк-металлическое и фольклорное начало, что делает “Totem” одним из самых показательных пэган-блэк альбомов в жанре.

Alias  20 ноя 2020

Невзирая ни на что, Second To Sun остаются верны себе, исправно выдавая каждый год по новому альбому. Сказать по правде, порой у меня возникает вопрос: насколько ещё хватит у группы творческого запала, учитывая такую сверхпродуктивность? Надеюсь, что надолго. Тем более, пока что группа исправно поставляет только качественные альбомы и Second To Sun трудно упрекнуть в самоповторе. В последние пару лет парни уверенно двигались «к корням» и, пожалуй, новый альбом по ощущениям стал самой «блэковой» работой во всей дискографии банды. На нём Second To Sun ещё больше приблизились к истокам жанра, выдав ожесточенный заряд хтонического зла. Если раньше кто-то мог упрекнуть группу в излишней витиеватости, то “Leviathan” получился по-олдскульному прямолинейным альбомом. Звук тоже стал более грубым, чтобы соответствовать жёсткому шквалу щетинистых тремоло. И хотя на альбоме присутствует достаточно риффов, вызывающих в памяти Скандинавию 90-х, это отнюдь не нафталин и не слепое копирование классики, а её умелая интерпретация. Но для более традиционных метал-риффов здесь нашлось не так уж много места. То же самое касается и пост-блэка, широко представленного на прошлых записях. Конечно, определенная пост-блэковость всё ещё сохраняется, но ощущается в меньшей степени, чем ранее. Более того, некоторые фирменные фишки Second To Sun смотрятся уже не всегда уместно на фоне столь свирепого чёса, который просто подавляет любую возможную модерновость. Как пример – трек “Shaitan”, первая половина которого является практически квинтэссенцией блэка. На фоне этой остервенелой злобы модерновые поползновения ближе к концу смотрятся не в строку и откровенно портят эту охрененную по накалу вещь.

Кроме того, в музыке заметно поубавилось этники, которая в предыдущие годы могла играть роль первой скрипки. Ей пришлось подвинуться, сдавшись под напором пропитанных чернушной злобой размашистых риффов. У Second To Sun вообще очень свободная и раскрепощённая манера игры, но при этом весьма техничная. Так что даже на фоне таких минималистичных (по меркам STS) музыкальных ландшафтов группе удаётся звучать достаточно интересно. Это как раз тот пример, когда лаконичность в структурах и аранжировках идёт музыке на пользу. Среди по-настоящему ярких треков я бы назвал вступительную тему “Eerie” – яростную и эпичную вещь с налётом психоделии, которую можно слушать бесконечно. Также я бы отметил “Marsch der Wölfe” и “I Psychoanalyze My Ghosts” как наиболее пронзительные и хуковые композиции, где олдовый блэк крайне удачно взаимодействует с пост-блэком. И в них заключено огромное количество драматизма. И хотя альбом получился достаточно ровным, эти вещи притягивают к себе столько внимания, что на их фоне остальные, более сдержанные песни, смотрятся не так выразительно. Нет, они не плохие, просто малость не дотягивают в плане выразительности. Возможно, самую малость, но всё же… Собственно, в этом и заключается единственный минус “Leviathan”. Просто так получилось, что на первой стороне альбома оказалась пара вещей, которые можно смело назвать одними из лучших во всей обширной дискографии Second To Sun. Поэтому первая половина альбома и вышла более яркой. Тем не менее, альбом получился очень хорошим и освободил наиболее разрушительную часть Second To Sun, показав, что пока что у группы в рукаве всегда найдётся пара козырей. (7,5/10)

Alias   6 ноя 2020