Рассматриваемый здесь альбом является третьим студийным LP замечательного канадского коллектива Sacrifice. На тот момент группа была относительно известна на североамериканском континенте среди любителей thrash metal и с выходом «Soldiers of Misfortune» вошла в так называемую «большую четверку» канадского трэша, наряду с Voivod, Razor и Annihilator. Два предыдущих альбома отличались мощной, напористой энергетикой, сыроватым звучанием (особенно дебют «Torment in Fire» (1986)) и большой долей агрессии. Актуальный материал, на мой взгляд, выглядит попыткой ответить технически великолепным работам Metallica, Testament и Megadeth конца 80-х. Как мне думается, у группы получилось. На выходе имеем пластинку, которая может потягаться с самыми лучшими творениями корифеев жанра, кроме одного фактора, его я обозначу в конце обзора.
Данный лонгплэй вам не успеет надоесть, суммарный объём звучания около 40 минут. Семь песен в районе четырех минут и одна десятиминутная монументальная композиция «Truth (After the Rain)».
Темп постоянно меняется, как по классическим канонам thrash metal – сбивки ритма. При этом ощущения хаотичности нет, все композиции четко структурированы и гармоничны.
Вокалист Роб Урбинати выкрикивает свои «ядовитые» фразы в манере фронтмэнов немецкой разновидности трэша. У меня при прослушивании «Soldiers of Misfortune» навязчиво возникает ощущение некоторого созвучия манеры исполнения Роба с вокальным «музицированием» покойного Чака Шульдинера. Хотя это может быть всего лишь домысливанием того факта, что лидер Death уважительно относился к творчеству Sacrifice.
Немаловажное свойство этой работы заключается в своеобразной «холодновато сухой» атмосфере всего альбома. Песни звучат в одном общем ключе, при этом не теряя индивидуальности и разнообразия в аранжировках.
Если разбираться в хитросплетениях организации композиций, как я вижу, тут имеет место быть чисто риффовый трэш, где вокал успешно поспевает за отличными риффами гитаристов. Первоклассная ритмичность песен достигается также за счет мастерской работы ритм-секции. Игра на барабанах просто великолепна. Бас хорош, но в миксе очень часто сливается с ударными, даже несмотря на весьма качественную запись.
Уровень соло здесь может посоперничать практически со всеми основными героями трэша того времени, за исключением, пожалуй, отдельных работ Марти Фридмана и Алекса Сколника.
Когда я первый раз слушал эту пластинку, мое внимание сразу же сосредоточилось на вступлении к заглавной песне «Soldiers of Misfortune» (зря её поставили второй по списку, ИМХО), где опытному слушателю с первых нот показывают, что здесь представлен солидный и грамотный трэш высшей пробы.
После всех дифирамбов, озвученных выше, возникает вопрос об отсутствии у Sacrifice широкой популярности в среде металхэдов. С моей точки зрения, музыкантам всего-навсего не хватило пары-тройки хитов, таких, где зрителям можно было бы подпевать припев или какие-то удачные фразы из куплетов.
Материал пластинки хорошо слушается целиком и без перерывов, именно тогда раскрывается его технически выверенная мощь, изысканность аранжировок и красота суровых мелодий.
В какой-то мере этот альбом можно считать итоговой квинтэссенцией североамериканского умного трэша конца 80-х.

Volot  11 дек 2023

Возвращение Pestilence после 13 лет покоя выразилось в несколько спорном, неожиданном в стилистическом плане и не в меру тяжёлом "Resurrection Macabre". Затем последовала череда не менее неоднозначных релизов - по сути, нестабильность коллектива выражалась и в материале, и в составе, и в факте временного распада в 2014-2016 годах. Нестабильность не оставила и третье пришествие - "Hadeon" от нидерландской группы, состоявшей из итальянца, венесуэльца и двух турок, был многими охаян, а затем последовали скандалы с позицией Патрицио Мамели по Ковиду и фанатскому творчеству по типу каверов и личных топ-5. В 2021 году на польском лейбле Agonia Records вышел очередной студийник - "Exitivm". Посмотрим, удалось ли группе исправить ошибки предыдущего, слишком тупорылого, "чугунного" альбома.

Первое, что заметно - названия песен все на латинском - и все с v-фицированной "U" - фишка, подобранная с первых двух полноформатников. Видимо, Мамели стремится привязать новинку к уже классическим альбомам. Но в целом получается не очень. Новый, уже целиком нидерландский, состав не показывает себя как-либо особенно. Барабанщик Михиель ван дер Плихт звучит послабее своих предшественников, а вот в тоне второй гитары наметились изменения в лучшую сторону. Бас Юста ван дер Графа смиренно выполняет работу, и это ставит данную пластинку в более выгодное положение по сравнению с "Doctrine", где Йерун Паул Тесселинг со своей безладовой концертиной вообще не смотрелся. Но вот что пришло негативного - так это вокал. Мамели снова сделал перетасовку и запел своим фирменным скримингом, сильно напоминающим такой же на богомерзком "Spheres". Оттуда же и несутся корни всех по сто раз погнутых и загнутых, практически непереваримых, а оттого слюнявых соло, которых Патрицио напихал от души в более извращённом виде ещё больше, чем на предшественнике. Во многом эти соляки очень портят большое количество песен - а стоит отметить, многие начинаются весьма интересно - например, "Internicionem", но в итоге прозябают в болоте последующих набивших оскомину структур и центроцентричном, гитарнократичном звуке, который, хоть и улучшился по сравнению с "Hadeon", чьё звучание только усиливало отмирание нервных клеток, но всё же до высокого уровня не дотягивает. И длятся эти песни недолго - едва ли больше трёх с половиной минут - видимо, сам Патрицио осознаёт, что с таким арсеналом приёмов создать интересный продукт на пять минут, как это ещё удавалось в "Testimony", чья шаткость тогда - сейчас эталон стабильности Чумы - лишь грёзы. Из действительно понравившихся хоть каким-то образом треков тут у меня только "Morbvs Propagationem" и "Sempiternvs". А вот "Mortifervm" и "Pericvlvm Externvm" явно являются наиболее слабыми местами альбома.

Вердикт: пожирать кактус в очередной космической, сильно оторванной как от музыкального, так и от лирического содержания, обёртке стало чуть легче, но всё ещё с нулевым насыщением. Радует хотя бы то, что порции стали небольшими. Боль хоть и пытаются залить клавишным соусом, но теперь уже не ясно, от кактуса ли или от соуса тебя больше воротит. Остаётся лишь ждать "Portals" и смотреть, есть ли ещё варианты свернуть с дороги, на ухабах которой Pestilence во всех смыслах отбивает себе органы.

IJzerklompje   9 дек 2023

Металл активно развивался в течение четверти века и у многих возникало ощущение, что видимые пути линейного развития уже исчерпаны, теперь же пора искать кривые дорожки. Одной из таких нонконформистских групп стала норвежская команда Albino Slug. Для своей революции они не видели границ между жанрами и какой-то конкретный уклон уследить тут тяжело. Но в основном заметны влияния гранжа, классического дума и стоунера. Нету здесь ни экстремальных, ни викинговых влияний. Блюдо фактурное, плохо поддающееся простому описанию.

Разных кусков, надломов, прививок здесь навалено на любой вкус. К примеру, вполне годный трек "Thorbud" - здесь и полиритмические моменты, и маленький аккомпанемент на Хаммонде, и раздвоенная система изложения (монотонный нокофф Джаггера и более бодрый нокофф Стейли). Гитарная работа имеет сниженный строй, в моментах имеет уместный скрипучий звук, но и в изувеченных ломаных ритмах выходит весьма удобоваримый результат. Барабаны Мортена Фэгервика не выделяются на фоне безумия, оставаясь "островком безопасности" для слушателя. Однако если слушатель куда уж и подался, то лучше и забаррикадироваться там, так как градус безумия спадать не намерен. К примеру, взять "Du må ikke sove"´- пьеса, наложенная на стих известного норвежского писателя Арнульфа Эверланна, ко второй половине переходящая в электронно-гитарное шаловство под аккомпанемент семплированного клавесина. Хаосом являются две последующие композиции - солянка из семплов "Bring Water / Skinner Boxed", явная насмешка над блэком, смешанная с куплетами абстрактного развесёлого биг-бэнда в "Vaffel" (для неё сняли прикольный самопальный клип). Матс Ивар Такле здесь отрывается так, словно в последний раз. Именно за эти эксперименты стоит присмотреться к середине альбома повнимательнее. А вот 19-минутный "Paradise Regained" (тонко, тонко), в отличие от ожидаемой квинтэссенции музыкального наполнения, ничего, кроме откровеннейшей скуки, не вызывает. Баззер, семплы разной степени надоедливости, обычные 3/4 на барабанах - то, что вас ждёт на протяжении практически всего трека. Подобное, увы, абсолютно не для меня. Конец выходит анти-климатический.

И что же в сухом остатке? На первых 6 треках мы получаем крайне самодостаточную и достойную похвалы дозу музыкального гедонизма, которая оставляет отчётливые и далеко не негативные впечатления. Но вот если 25 минут - слишком большой отрезок времени, которым вы готовы жертвовать, последние 2 композиции можете смело пропускать. Или сразу переходить к EP "Barabbas" - там группа подправила недочёты, сделав затяжной опус более наполненным хоть каким-то смыслом.

IJzerklompje   8 дек 2023

Второй альбом британских трэшеров Xentrix, причем у меня в распоряжении японское переиздание, ибо бонус-трэком здесь пущен "Ghost Busters" (Ray Parker Jr. Cover), вышедший чуть ранее на ЕР.
Xentrix играют рафинированный британский трэш, в котором все партии и паузы высчитаны до копейки. И собственно - техничное гитарное исполнение Kristian Havard'a очень много значило для процесса становления команды. Кристиан на альбоме весьма представителен и изыскан, у него масса идей и приемчиков, и главное - они нравятся публике.
Xentrix всегда были в гуще концертной деятельности, потому-то, собственно, и были замечены английским отделом Roadrunner Records. И кстати, продолжая тему, ПОСЛЕ ПЕРВОГО АЛЬБОМА они в 1990 году бросились в очередное турне по Великобритании - но уже ХЭДЛАЙНЕРАМИ.
Продюсер John Cuniberti делал этот диск (как и первый), и он нарулил весь этот четкий замах и забой. Всё записано предельно аккуратно и с британской скрупулезностью, а Кристиан как мог облагородил это изделие своей импозантной гитарной работой. Он постоянно вводит в свои партии совсем не металлические куски (отчего некоторые рецензенты говорят о прог-треше), на диске даже есть интермедия "New Beginnings", сыгранная на акустической гитаре. Ну вот зачем она? "А надо!" (с)
Потому что после нее боевик "Desperate Remedies" смотрится ещё круче, во всяком случае поначалу!
Ещё один забойный и захватывающий трэк - это "Black Embrace".
Необходимо сказать, что вокалист (и ритм-гитарист) Chris Astley не принадлежит к первой десятке трэш-вокалистов, но он нисколько не комплексует. Это трэш, а не рок-опера, он знает, как петь в трэшевом ключе, дабы толпа подпевала на концертных площадках. А что ещё надо?
Кстати, на оригинальном диске есть и без всякого "Ghost Busters" кавер на Gillan - "Running White Faced City Boy". На великих и надо делать каверы, тянуться и поднимать собственную планку.
Фильм "Ghostbusters" был кассовым, песня из него, в исполнении Ray Parker Jr., пробила хит-парады, а кавер в металлическом плане - успех для Xentrix (хоть и возмутил некоторых тру-металхэдов). Группа выпустила ЕР с этой нетленкой, и понятное дело, не могла не стебануться. К финалу песня убыстряется, заставляя меломанов бежать к своему виниловому проигрывателю, смотреть с какого… скорость вдруг выросла вдвое.

resurgamresponses   8 дек 2023

В рецензии на саббатовский "Born Again" я упоминал пресловутый «синдром утенка». Который существует, но совершенно не всемогущ.
Однако относительно «Баланса» я предвзят и горжусь этим. Когда-то кассета с этими песнями (уже не переписанная на деке, а типа «фирмовая» с обложкой на лицевой стороне и текстами на развороте!) поселилась в моем магнитофоне. И жила там, да не просто жила, а играла иной раз по нескольку дней подряд, и так пока не утратила рабочие свойства. В качестве носителя её успешно заменил компакт.
Опять же, юный возраст (кассетой я разжился в том самом 1995, в свои 15 лет…) мне сам по себе не кажется причиной такой любви в этому альбому. Мало ли что доводилось слушать в отрочестве, что не сохранилось в памяти и не окрасилось даже какими-то ностальгическими красками.
Наряду с "Sea of Light", прекрасным камбэком Uriah Heep, ванхаленовский "Balance", по моему субъективному мнению, входит в шорт-лист лучших альбомов классического хард-рока, выпущенных в девяностые годы.
Во время повальной гранжевой моды Эдди и компания выпустили диск, расположившийся вне времени. Нет, в здешних песнях отчетливо слышно, что записаны они не десятью годами раньше. По счастью, Van Halen отказались не только от аляповатой моды «времен блестящей кожи». Ну да, маечки с бахромой и лосины сменились нарочито растянутыми свитерами, а волос на головах музыкантов осталось ровно столько, чтобы обозначить, что перед публикой личности творческие, а не слесаря. Только это не главное. Главное, что они ушли от специфического клавишного саунда, от ориентированного на дешевые радиоприемники сведения и общей синтетичности химзавивочной эпохи.
Перед нами могучий, по-другому не скажешь, хард, к которому не применимы дефиниции типа «мелодичный», «блюзовый» или «прогрессивный». Всё это в музыке VH, конечно, присутствует. Как и многое другое. Влияние легендарных британцев Led Zeppelin, которые когда-то были любимой группой Эдди, здесь едва ли не впервые по-настоящему слышно. Невеселые, тягучие, интровертные номера, построенные на основе белого блюза - кто приходит на ум? Но Хэгар настолько не Плант, что эти соображения всплывают далеко не сразу. Всё-таки вокалист это лицо группы, даже если её лидер совсем другой участник.
Работе над альбомом предшествовало важное событие в жизни Эдди. С отрочества ведший вполне "рок-н-ролльный" образ жизни в стиле Лемми, Эдди решил всё-таки завязать. Как и все его коллеги в этой ситуации, он переживал на счет того, будет ли трезвый в состоянии творить на прежнем уровне. Практика показала, что трезвый Эдди Ван Хален не уступает себе пьяному.
Но хотя сама по себе трезвость полезна для здоровья, для психики алкоголика это тяжкое испытание. Собственно, срываться Эдди будет неоднократно. Трезвый Эдди Ван Хален был мрачен, зол и вообще не в своей тарелке. И создавался "Balance" в раздрае, в постоянных конфликтах между братьями Ван Хален и Хэгаром. Алекс хотя и завязал с веществами на десятилетие раньше, тоже был не в форме - у него были проблемы со слухом, он боялся вообще остаться вне игры. Где-то здесь, наверное, и залегла трещина между основателями коллектива и харизматичным певцом, который всегда был немного "приглашенной звездой". (Впрочем, последним в составе Van Halen альбом "Balance" оказался не только для амбициозного Сэмми, но и для всегда державшегося в тени басиста Майкла Энтони.)
Быть может, душевное состояние и не лучшая обстановка в группе повлияли на материал. Потому что "Balance", при всей своей энергетике, абсолютно лишен развлекательности и "угара", выдержан преимущественно в медленном темпе и минорном ключе. Несомненно, перед нами самый мрачный, атмосферный и задумчивый альбом Van Halen.
Хэгар, которому и тогда уже было под пятьдесят, предстает в великолепной вокальной форме. Его выразительный голос, способный и на околометаллические вопли-визги, и на лирические песнопения, и на блюзовую песочную хрипотцу, такое же оружие группы, как мастерство инструменталистов. Диск прекрасно записан. Про гитары все всё знают. Но и барабаны, роль которых казуальному слушателю часто вообще не очевидна, звучат так, что даже не имеющий отношения к искусству двух палочек слушатель вроде меня не просто слышит их, но и обращает внимание на ударные партии!
Стартует "Balance" с размашистой, украшенной грозными хоровыми запевами в исполнении неких The Monks of Gyuto Tantric University, и как всегда, превосходной гитарной работой лидера группы, композиции "The Seventh Seal".
Следом идет чуть расслабленная, задушевная "Сan’t Stop Lovin' You", посвященная вечной теме баллад – расставанию. Правда, в основе не просто лирический штамп, а реальная история развода, который тогда переживал вокалист. Это стопроцентный радио-хит, пригодный и для махания зажигалками в толпе, и для «наиграть на гитарке у костра». Продюсер альбома Брюс Фэйрбирн требовал от мастермайнда группы попсово звучащую песню, и Эдди справился с заданием, но талант и чувство меры не дали создать некий сладенький сироп. В конечном итоге Фэйрбирн был прав, "Сan’t Stop Lovin' You" стала последней композицией Van Halen, попавшей в общенациональный Top-30.
Коммерческий успех не всегда говорит о качестве музыки, но о любви публики говорит красноречиво. Хоть песенный хит был лишь один, сам альбом возглавил американский хит-парад и успешно продался в количестве трех миллионов экземпляров.
К балладам можно отнести идущую следом "Don't Tell Me (What Love Can Do)", но это песня много более тяжеловесная и мрачная.
Посвященный родному для братьев Ван Хален городу "Amsterdam" – мощный номер, выдержанный в среднем темпе.
Далее идет разогнанный и утяжеленный до металлических кондиций «традиционный рок-н-ролл» "Big Fat Money", под который можно уже, наконец-то, и потрястись.
Короткий атмосферный инструментал "Strung Out" плавно переходит в балладную "Not Enough".
Следом идет более угрюмая и боевая "Aftershock".
После чего начинается связка из двух инструменталов - не самое очевидное решение для хард-рокового альбома в 1995 году, но у Ван Халена получилось. Если "Doin' Time" представляет, по сути, барабанное соло, то композиция с неудобопроизносимым названием "Baluchitherium" построена на роскошных гитарных соло лидера группы. Роль Эдди как гитарного гуру, открывшего новые горизонты для последующих поколений гитаристов, пусть будет уделом обсуждений в среде музыкантов. Фанату "с улицы" важнее, что его соляки не представляют тут "технику ради техники", а именно ведут выразительные мелодии.
"Take Me Back (Deja Vu)" - вновь медленная вещь с вокалом, и вновь пение Сэмми очень выразительно и прочувствованно.
Под занавес идет "Feelin", шести-с-лишним-минутный атмосферный номер, представляющий собой разросшийся до размеров эпоса блюз, явно вдохновленный Led Zeppelin.
Осталось лишь с грустью добавить, что несмотря на творческую состоятельность и грандиозный финансовый успех, "Balance" оказался последней работой для состава Ван Халены-Хэгар-Энтони. Ну что ж, уходить надо на высокой ноте.
Лучший ли это альбом Van Halen?
С моей точки зрения - да.

Mike Barlow   8 дек 2023

Thee Plague of Gentlemen (Чума господ) - бельгийская сладж-дум-метал команда, которая поистине считается одним из самых тяжелых по звучанию коллективов в стилистике, и по совместительству обладает статусом самой скандальной группы как минимум на региональной сцене. Громогласное обвинение вокалиста Thee Plague в непристойном поведении в отношении несовершеннолетних и последующее заточение его под стражу с вынесением приговора, принуждающего к строгому отбыванию реального срока, безусловно и закономерно сыграло фатальную роль для этой музыкальной формации. Издающий музыкальный лейбл тут же прекратил распространение данного альбома, снабдив это дополнительным пожеланием "гнить в тюрьме", что выглядело весьма символичным жестом для конторы, которая носит название I Hate Records. А коллеги по цеху и вовсе открестились от скандальной ситуации, что вылилось в слишком показательное поведение, а именно - полный "ребрендинг" коллектива, где название группы заменили на Serpentcult, а справедливо подвергшемуся остракизму вокалисту и гитаристу Стиву Макмиллану нашли замену, в лице весьма привлекательной девушки Мишель Нокон. Стоит отметить, что на осколках некогда игравших в Thee Plague of Gentlemen и ушедших (еще до инцидента) музыкантов также была создана весьма неплохая сладж-дум группа Mose, любезно согласившаяся издать свой единственный альбом под знаменами небезызвестного дум-метал лейбла Solitude Prod. В общем, как бы там ни было, но не признать в этом коллективе (включая даже и этого Стива) талантливых музыкантов было бы весьма недальновидно! Это примерно сопоставимо с тем, как плеваться и воротить нос от великих полотен Караваджо, зная всю гнилостную подноготную жизни этого гениального художника. Стоит признать, что данный альбом, без ложной скромности, можно отнести к одному из самых мощных творений на ниве экстремального дум-метала, его с легкостью можно поставить в один ряд с самыми тяжелыми работами таких мастодонтов, как Electric Wizard, Warhorse, Cathedral, Winter...

Впитав в себя не только часть наследия от маститых представителей традиционного дума и сладж-метала, музыканты Thee Plague of Gentlemen совсем неслабо так вдохновились наработками Celtic Frost, Godflesh и Melvins, выдав на своем единственном полноформатном альбоме "Primula Pestis" переосмысленный вариант всех вышеперечисленных влияний с доминирующим проявлением собственного музыкального мышления. Объемный, одновременно сырой и плотный гитарный звук, наруленный звукоинженером Крисом Кроули, достоин высшей похвалы, он идеально компонуется с вокалом Стива Макмиллана, и вкупе они в совершенстве отражают всю ту оккультно-мизантропическую атмосферу, изначально и задуманную создателями этого мрачного аудиоматериала. К тому же Стив уверенно управляет своими голосовыми связками, исполняя материал присущим ему хриплым вокалом, в диапазонах начиная от ненапряжного штробаса, и заканчивая экстремально-изуверским горловым расщеплением. Под стать фронтмену и с полной отдачей к этой записи подошли и остальные музыканты, в профессионализме которых явно сомневаться не приходиться. Плотная, слегка разряженная ритм-секция превосходно сочетается с ярко выраженной гитарной атакой и партиями, которые варьируются от драйвово-среднетемповых проигрышей до каноничных и свойственных жанру медленных мелодий. Отличная студийная работа и ответственная деятельность звукорежиссера превратили этот альбом в весьма серьёзную заявку на звание одного из самых лучших образчиков жанра сладж-дум, причем касаемо всех аспектов - начиная от продакшена и звукозаписи, и заканчивая, что называется, "полетом творческой мысли".

Данная пластинка способна не только полностью удовлетворить аудио-потребности практически любого меломана от тяжелой музыки - будь то матерый любитель сладжа или зеленый неофит. Альбом стойко выдерживает проверку временем, а также начисто лишен каких-либо серьезных недостатков и костылей. Кроме, конечно, одного - того самого, весьма неоднозначного скандального инцидента с вокалистом, который, разумеется, можно трактовать по-разному... но не признать факта, что всё, что создают талантливые безумцы, определенно подпадает под категорию гениальности, было бы крайне парадоксально.

Uncle Drown   7 дек 2023

2019 год ознаменовался выходом ещё одного альбома группы из разряда "а я весь в батю". Немцы Evoked, за плечами которых уже была умеренной силы EP-шка, напросились-таки на запись полноценного альбома, который они нарекли "Ravenous Compulsion". "Хищническая компульсия" наряжена в откровенный кровавый наряд по заветам самых храбрых: обглоданный жмурик без следов нетронутой кожи, догнивающий в какой-то кровавой куче. Но помним мудрость: по одёжке встречают, а провожают-таки по уму. Параллель с умом здесь особенно уместна, так как такие альбомы действительно "проверяешь", буквально как эссе по материалу семестра/четверти, и ставишь оценку по уровню усвоения материала.

Сразу стоит отметить, что основных источников вдохновения здесь два - "Mental Funeral" и "Consuming Impulse". От первых здесь загробность, лирическое наполнение и лоботрясные риффы, от вторых чуть более подкрученная вторая половина риффов, вокал - копирка ван Дрюнена и брутально-скоростной темп. Музыка не блещет неслыханностью своих компонентов, но в ряду со своими вдохновителями смотрится гармонично. Звук, как самих гитар, так и ритм-секции, конечно, тут старались максимально подвести под олдскул - например, по образцу того же "Консуминга", накидали побольше реверба в вокал, чтобы звучало, как из-под глухой темницы. И в целом это им удалось - ощущается фирменное наполнение Харриса Джонса, чуть более осовремененное и чуть почище. За вокальные и гитарные дела отвечает некий Bonesaw (ещё один след влияния Аутопси), и касаемо гитарных дел к нему вопросов мало. Разве что смущает какой-то бестолковый "мелодичный" перебор на титульной песне. Вокал же товарища поразил невероятной схожестью с ван Дрюненом - на первых минутах мне было сложно поверить, что это не он. Продолжая разбирать участников (почему-то анонимных), заметим барабанщика Artilleratör'a - у него весьма олдскульная манера игры - эдакий Пит Сандовал, но без обилия бластовых участков и надругательств над бас-бочкой. Бас Accuser'a вполне удачно компенсирует отсутствие второй гитары. Из треков я отмечу резвый боевик "The Trophy", и в особенности эти две песни: затяжелённую, встряхивающую "Festering Alive", и хит "Not of Human Flesh".

В итоге у нас на руках вполне достойный подражатель классике, у некоторых способный разбудить мозг, отправляя его на поиск старых воспоминаний о седых годах угара и смерто-метала, а некоторых - забросить диск в топку за сам факт его существования. Но как по мне, в рамках "нового-старого дэта" альбом вышел более чем добротный. Ставлю зачёт.

IJzerklompje   7 дек 2023

Нечасто в истории рок-музыки бывало так, когда отдельно взятая рок-команда от начала и до конца неуклонно придерживалась какого-то одного, изначально выбранного направления, сочиняла и исполняла одну и ту же (или очень близкую) музыку. Достаточно редко, но нечто такое случалось. Хотя, пожалуй, это правило в большей степени применимо к коллективам более современным, или к тем, кто успел заявить о себе по крайней мере в последние 20-25 лет.
Во времена давно минувшие подобных метаморфоз не избежали едва ли не все известные теперь нам исполнители нелёгкой музыки. Если не брать в расчёт "битлов". Или, скажем, "роллингов", которые в этом плане, надо полагать, тоже через это прошли, но с учётом их невероятного долголетия, об этом мало кто помнит.

Американцы из Styx обошлись малой кровью. Попробовав себя в аутентичном арт-роке, парни этой группировки сдвинулись в прог-рок, к которому под влиянием внешних факторов слегка подмешали необходимую толику попсы. Этим, собственно, и довольствовались до распада в 1984 году.

А начинали они ещё во второй половине 60-х годов как полупрофессиональная команда, выступавшая в основном на шумных свадьбах и пафосных днях рождения. Однако только после релиза своего дебютного LP, в основе своей состоящего из каверов не слишком известных авторов (George S. Clinton, Lewis Mark, Paul Frank, Mark Goddis), музыканты Styx решились (не без подачи продюсеров, само собой) на запись собственных наработок. Больше других за это бился пианист и вокалист Деннис ДеЯнг. Авторскую песню "Lady", посвящённую своей жене Сюзанне, он придумал ещё для дебютного диска группы, но тогда продюсеры не одобрили творческий порыв Денниса. Номер был слегка переделан и подготовлен для программы "Styx II". А осенью того же 1973 года эта песня вышла отдельным синглом, но в обоих случаях без ощутимого успеха. И только в 1975 году (уже после релиза их четвёртого полноформатного LP "Man Of Miracles") случилось так, что Styx оказались на известной радиостанции WLS в Чикаго, где и исполнили "Lady" под запись вживую в прямом эфире. И песня зазвучала. Сначала на радиостанциях Чикаго, затем в пределах штата Иллинойс, а вскоре и по всей Америке.
После такой неожиданной раскрутки ещё в том же году "Lady" добралась до приличного 6-го места престижного чарта Pop Singles, чем неизбежно подогрела интерес и к самому альбому "Styx II", о котором уже почти забыли.

Первый тираж этой пластинки был подготовлен и выпущен лейблом Wooden Nickel, одним из совладельцев которого являлся Билл Траут, один из двух продюсеров альбома. В числе учредителей той компании, в частности, был и известный в те времена кинопродюсер Джерри Вайнтрауб. В 1971 году Wooden Nickel была создана на базе Dunwich Records и клиентами этой конторы в основном являлись малоизвестные исполнители разных жанров из Чикаго и прилегающих к Иллинойсу штатов.
Забегая немного вперёд, отмечу, что группа Styx стала самым известным коллективом из когда-либо привязанных к Wooden Nickel. Именно на Styx и была сделана ставка лейбла (иначе говоря, Билла Траута), пока в 1975 году группа, осмелев, не переметнулась под крыло более статусной компании A&M Records. А что могло стать причиной разрыва, думаю, не стόит долго пояснять. Деньги. Во все времена в Штатах это являлось самым весомым аргументом.
Оказавшись на попечительстве A&M Rec. Styx начали продюсировать свои альбомы (первым был "Equinox") самостоятельно. Вплоть до 1984 года.

Итак, после прохладного приёма американской общественностью своего первого диска 72-го года, музыканты группы убедили продюсеров предоставить им больше свободы в работе над следующим. Особых возражений, собственно, не последовало, а уж как этой свободой они смогли распорядиться, следует, наверное, судить по содержанию самого альбома и тем скупым сведениям по текущим рейтингам 1973 года, что дошли до наших дней. Вот с этим было довольно скромно, хотя отзывы в разного рода публикациях по большей части оказались весьма благоприятными. Где-то даже было отмечено, что "Styx II" стал заметным прорывом группы.

Больше всех бившийся за свободу действий Деннис ДеЯнг взвалил на себя функции основного саундмейкера и автора текстов. Впрочем, если результаты тех его усилий сопоставить с его же более поздними достижениями, то получается, что как композитор и поэт Деннис был в самом начале своего пути. Серьёзных нареканий не может быть разве что к "Lady". Для него это было уже немало и к тому же, представление, в каком направлении ДеЯнг будет прогрессировать, уже отчасти обозначилось.

Идею доработать "Lady" Деннису подкинул Б. Траут с расчётом этим номером усилить новый альбом и тем самым достичь коммерческого успеха. Продюсер внушил Д. ДеЯнгу, что песня должна первым делом понравиться девочкам-тинейджеркам.
В некотором роде "Lady" и стала той прото-балладой, на основе которой и будет запущен целый ряд подобных клонов в последующих пластинках группы. Одним словом, "Lady" - это программная вещь, которую могли бы сочинить, допустим, Elton John и Uriah Heep, задайся они такой целью. За них это сделали парни из Styx.

А вот в рядах группы окончательная версия "Lady" понравилась не всем, что стало одной из причин будущих разногласий в составе. Да и взыскательной публикой США песня поначалу была встречена насторожённо. В группе же среди особо недовольных был ныне покойный Джон Курулевски (напомню, он умер ещё в 1988 году в возрасте 37 лет). Надо признать, что у этого гитариста подчас появлялись вполне себе достойные мысли и собственные песни, сочинённые им в гордом одиночестве. Впрочем, подобная практика у американских музыкантов была обычным делом. А "А Day" Джона стала проговой изюминкой "Styx II".
Д. Курулевски был музыкантом в себе и, пожалуй, не совсем соответствовал общим настроениям группы. Даже его вокал, трепетный и сентиментальный, являлся антиподом восторженно-помпезного пения Денниса ДеЯнга:

"Брожу в одиночестве по саду,
Листья мокры от утренних слёз,
И чей-то шёпот манит меня...
... Луна отражается в лужах,
Образуя для меня образы
Того, что уже было
И того, что ещё будет..."

Этот флегматичный трек в психоделическом рок-оформлении в духе Steve Miller Band - самый продолжительный в программе альбома. И это не укладывалось в рамки радио-ротаций, но вряд ли музыканты (как, надо понимать, и продюсеры) тогда об этом задумывались. Автор "A Day", словно искусный художник-пейзажист, неспешно, мазок за мазком, наносит краски на полотно своего мольберта. Меланхоличная мелодия органично сплетена с сумрачным текстом. Вырисовывается грустная картина сырого ночного сада, по-осеннему холодного, где автору вздумалось прогуляться и поделиться со слушателем своими размышлениями.
Гитарно-органная интерлюдия растягивает звучание этой композиции почти до восьми с половиной минут, что и не позволило ей засветиться в радио-ротациях.

И совсем иное дело с энергичным буги-рок треком "You Better Ask" с элементами поп-джаза. Но и здесь на экваторе этого весёлого номера с сюжетом про легкомысленного искателя сексуальных утех музыканты делают очередную импровизационную вставку:

"... Я привёз её к себе домой и мы играли друг с другом,
С применением постельных забав.
Я и подумать не мог, во что тогда вляпался -
Дьявол завладел моей душой до того, как я это понял.
Через пару недель она мне заявила:
"Скоро ты станешь папочкой, Джонни".
Что это было, если не мошенничество?
Подумал я тогда и огляделся,
Чтобы отыскать ближайшую дыру,
Куда можно было бы забиться..."

На самом финише "You Better Ask" звучит затухающий фрагмент мелодии из "Strangers In The Night", к тому времени ставшей в Америке классикой. Шутка продюсеров, вряд ли что-то ещё, но в ней усматривается определённый смысл: даже в самые горячие моменты не следует забывать о необходимости безопасного секса. Во избежание нежелательных последствий.

А начинается альбом с "You Need Love", своеобразного приветствия от группы, адресованного слушателям в форме восторженного хорала в духе советских ВИА тех же приблизительно времён (как тут не вспомнить лучший наш ансамбль начала 70-х "Весёлые ребята", те тоже часто использовали подобные штуки).
То, что "You Need Love" не более, чем попытка подражать мастерам прогрессивного рока как Нового, так и Старого Света, заметно, что называется, без очков. Эта же песня обозначила и пока ещё существующие у Styx проблемы с аранжировками. Как, собственно, в некоторых случаях и с текстами.

Напускная напыщенность, преобладающая в этой программе, вольно или невольно преобразовывает исполняемую группой музыку. Её, эту музыку, следует квалифицировать, пожалуй, как некое ответвление от канонического звучания прог-рока. И плюсом является то, что всё в ней замешано на хард-роке и отчасти психоделии.
Возвращаясь же к Деннису ДеЯнгу, надо бы, наверное, добавить, что отдельные песни Денниса уже свидетельствуют о его очевидных авторских задатках, а это, по сути, раскрывает и качества лидера. В популярной музыке (в широком её понимании) эти компоненты, как правило, неотделимы. И всё же есть ощущение, что Д. ДеЯнг пока до конца не определился, какому из течений отдать предпочтение, тяжёлому или поп-року. Тут было о чём подумать - у каждого из этих направлений были свои поклонники. И каким-то образом либо за тех, либо за других предстоит борьба. Пока что у Денниса получилось нечто среднее. (Похожая едва ли не под копирку история случится позже и с ведущим гитаристом Kansas Керри Ливгреном).
Не исключено, что это было временное (промежуточное) решение Де Янга, если рассматривать "Styx II" в общем и целом. Об этом же, кстати, свидетельствуют и два последующих лонгплея группы ("The Serpent Is Rising", 1973 г. и "Man Of Miracles", 1974 г.).

Но вот "Little Fugue In G", перетекающая в "Father O.S.A.". Это уже вторая сторона пластинки. И это прог-рок в чистом виде. Пожалуй, даже арт-рок. Подобных экспериментов у Styx мы больше не услышим. Быть может и потому, что по самым разным отзывам далеко не всем слушателям эта связка пришлась по душе.
"Father O.S.A." - серьёзный трек, адресованный реальному католическому священнику Ордена Святого Августина (O.S.A.) из Чикаго. С ним музыканты Styx были в приятельских отношениях. Трек начинается с пассажей Джона Паноццо на барабанах сразу же после того, как угаснет последний аккорд оргáна в "Little Fugue...", а далее под притягательные гитарные риффы Джона Курулевски в дело вступает сладкоголосый Деннис ДеЯнг:

"Отец - ты корабль,
Тот, что никогда не выходил в море.
Ты корабль в бутылке,
За стеклом которой заключён ты и твоя жизнь,
Там ты будешь плавать вечно..."

А далее звучит сентенция, словно бы священник обращается к музыкантам с ответным словом:

"... Парни, пожалуйста, услышьте:
Мужчина должен быть одинок,
Он не может познать радостей мира.
И не пытайтесь увлечь его в этот мир..."

Деннису ДеЯнгу тогда уже было 25 лет. Уже не мальчик, но даже для его возраста подобрать нужные слова и сложить из них правильные фразы нужно было постараться.
Со временем пианист-самоучка Д. ДеЯнг заявит о себе как об одном из заметных рок-клавишников своей страны. Примечательно, что до записи "Lady" он никогда не использовал в работе акустическое пианино, предпочитая электрический инструмент Fender Rhodes c более "плотной" клавиатурой.

На момент выхода "Styx II" эта группа воспринималась не более чем очередным локальным коллективом из категории AOR второго, если не третьего эшелона. Да и почитателей у её музыкантов было - кот наплакал.
Альбом стал для Styx прорывом по многим показателям. Заметный вес приобрёл и сам Деннис ДеЯнг, который в общественном сознании до той поры представлялся как дешёвый театральный актёр.

Наверное, "Styx II" не стал шедевром прог-роковой или прочей музыки, но в нём обозначились те примечательные моменты, что способствовали становлению группы как одного из апологетов стадионного американского рока, на заре которого оказались те пятеро парней из Чикаго.

МихаилБогданов   6 дек 2023

Сильнейший глэм-метал альбом. На этом лонгплее британцы стали отдаляться от звучания британской новой волны в сторону глэма, находящегося на пике популярности в США. Однако Def Leppard не просто стали играть стандартную для жанра музыку, а сформировали свой неповторимый "синтетический" стиль, в котором выдержаны и два последующих их диска.

После записи предыдущего полноформатника "High 'n' Dry", из-за разногласий, связанных с алкоголем, группу покинул гитарист Пит Уиллис. Вместо этого в состав был принят Фил Коллен, и Def Leppard со старым продюсером продолжили работу над новым альбомом.

"Pyromania" отличается от ранних работ большей синтезированностью инструментов, особенно это заметно в барабанных партиях (складывается стойкое впечатление, что их исполняет не барабанщик, а драм-машина). Гитары и бас играют роль подстилки, хотя риффы ещё не тонут в синтезаторных пассажах. На вокал и бэки наложено множество эффектов, из-за чего песни кажутся ещё более синтетическими. Всё это вместе создаёт собственное "деф-леппардовское" звучание.

Альбом представляет собой кладезь хитов - любую песню можно дать послушать незнающему человеку, и он точно скажет, что это хитяра. Гимноподобная "Rock! Rock! (Till You Drop)", балладная "Too Late for Love", несерьёзная "Foolin'" или задорная "Action! Not Words" - каждую вещь здесь можно слушать и слушать, а вместе и так не сильно длинная пластинка (44 минуты) проносится за одно мгновение.

"Pyromania" достиг успеха, разошедшись тиражом в 10 миллионов проданных копий, что, я считаю, вполне заслуженно. Альбом смог сохранить золотую середину между попсовостью материала и роковостью гитарных партий, что позволило снискать успех как у обычных слушателей, так и у более экстремальных. И хотя последующий лонгплей Def Leppard смог превзойти и так баснословный успех этой работы, именно "Pyromania" я буду рекомендовать всем как квинтэссенцию глэм-метала. Ну а в сторону твердолобых "митолиздов" я буду снисходительно улыбаться, пришептывая: "f-f-f-foolin...".

ChatGPT   5 дек 2023

Для меня дебютный ЕР Уводь стал едва ли не главным открытием этого года. По крайней мере, в российском блэк-метале. Пусть и субъективно, но это мой однозначный фаворит уходящего 2023-го. Я считаю, что услышать миниальбом стоило бы большему количеству ценителей блэка, уходящего корнями в атмосферную мелодику скандинавских работ середины 90-х. На удивление, ЕР оказался лишь прологом – на конец года Уводь припасли туза, выкатив уже полноформатный альбом "Пламенем прошлого". Кто-то может возразить, что в мире цифровых технологий вовсе не проблема выпускать блэк-метал альбомы хоть каждый месяц. Да и вообще это никогда не вызывало сложностей у «тру-графоманов». Но учитывая тщательный подход Уводи к созданию своей музыки, в данном случае это не какой-то цифровой пустяк.

Итак, что же нам явлено в пламени прошлого? Прежде всего, как и в рецензии на дебют, я вновь отмечу, что не считаю Уводь атмосферик-блэком. Мне до сих пор непонятно, почему сейчас стремятся всюду прилепить эту этикетку по поводу и без?! «Пламенем прошлого» это гитарный альбом – довольно мелодичный, но сырой блэк-метал, который местами напоминает старые работы Ancient, Gehenna и даже Ulver времён их классической трилогии. Безусловно, всё это атмосферная музыка, но и отнюдь не утопающий в клавишных атмосферик-блэк с текстами по природоведению.

Музыкально «Пламенем прошлого» продолжает идеи дебютного ЕР. Даже обложка и название открывающего трека «Вой III» демонстрируют преемственность. Пусть альбом немного однообразен, но почти все сильные стороны прошлой работы остались на месте: мелодии, чёткие структуры песен, вокал в духе Долгара, Сатира и Ноктюрно Культо. Также в музыке сохранилось и ощущение, которое вызывает ассоциации не с сегодняшним «атмосферик-VK-блэком», а, как я уже говорил, с работами середины 90-х. В то время блэк-метал уже полностью сформировался и осознал себя как оригинальный жанр, пока ещё имея возможность не бросаться в крайности в поиске новых идей.

«Пламенем прошлого» то шагает неспешной размашистой походкой, то летит, оседлав ярящуюся вьюгу бласт-битов. Но даже в этих случаях, благодаря плывущим над бластами тремольным мелодиям, в музыке преобладает скорбное ощущение яростной ностальгии, а не чувство адской гонки. В аранжировках и построении композиций определяющую роль играет мелодическая основа, а не тупо гитарный чёс. Есть идеи, которые не очень-то характерны для блэка. Отдельные проигрыши, солирование и мелодии гармонично расширяют строгую палитру оттенков чёрного. К примеру, «Око» местами напоминает раннюю Katatonia.

Удачным решением для этого альбома стало использование акустической гитары. Мелодии, сыгранные в акустике, умело вписаны в колючий блэковый поток и продолжают основные бм-риффы, привнося в музыку фолковый налет, как в случае «Скальд». В «Скорбном духе» акустическая постлюдия стала подлинным украшением композиции, а «Слёзы ивы» мимолётно напомнили мне вечернее настроение ульверовской классики “Kveldssanger”.

Я с интересом ждал этот альбом, но всё же не могу сказать, что он полностью оправдал мои ожидания. Замысел, как мне кажется, я понял, но вот реализация его подзавалена. Что мне не понравилось, это излишне хаотичный звук, который зашумляет многие интересные моменты. Песок из гитар я бы прибрал. Из-за этого даже соло, которые по идее должны сыграть заметную роль, теряются в миксе и порой приходится приложить усилия, чтобы их расслышать. По этой же причине хуже читаются барабаны, а это напрасно. Слышно, что прописаны они вполне достойно и с правильным звуком, но тоже тонут в миксе. Ну и над «чистым» вокалом стоит ещё поработать, конечно.

С другой стороны, «Пламенем прошлого» показал желание группы двигаться дальше по пути музыкального развития, сохраняя при этом свою суть. Мне по душе такое понимание жанра и музыкальное чувство, которое позволяет дополнять музыку интересными чертами, не нарушая канона. Так что я всё же поставлю этот альбом в свою коллекцию. 6,5 из 10

Alias   5 дек 2023

Группа Ceremony возникла в Северной Голландии на волне интереса местных металлистов к набирающему обороты дэту, и в начале 90-х быстро подобрала темп, издав демо, показывая, что то, куда метит группа - не самый извилистый дэт на брутальных началах. В 1993 году коллектив подписывается на небольшой лейбл Cyber Music, который впоследствии не то чтобы прославится, скорее встанет на пути Phlebotomized. В 1993 году, упаковав инструменты и отправившись во Влардинген на немалоизвестную студию "Het Pand" под руководство Фритса ван Мурика, группа Ceremony выкатила оттуда дебютник.

"Tyranny from Above" начинается мощным риффом под бластинг - заявлять о себе торопятся, но не рано ли кошечка запела? Дальше мы наблюдаем развитие витиеватых риффов в стиле брутального дэт-метала по типу Suffocation или Sinister - та же "Inner Demon" содержит ряд хороших риффов. Содержащиеся тут риффы качают, встряхивают, долбят, порой даже интригуют. Даже в весьма примитивной форме музыки, которую подносит Ceremony, заметно, по крайней мере, старание быть креативными - музыка не вызывает ни тени скуки, кое-где, например на "Solitary World", вышло даже весьма большое количество смен темпа, с клёвой грувовой частью. В "Ceremonial Resurrection" появляется фирменное нидерландское "замедление". В общем, альбом не является однородной звуковой полоской. Но креативность, судя по всему, вся утекла в риффинг Йохана ван де Слёйса. Соло здесь не самые сногсшибательные, в основном в стиле раннего Шульдинера, с частым подыгрыванием тэппингом (даже по звуку порой возникает резкое дежавю). Кроме непосредственно брутальных влияний, здесь хорошо видны прямые влияния Death, в особенности этому критерию отвечает "When Tears Are Falling", с нотками раннего Death и Massacre, и с соляком Петера Верхуфа в стиле поздних техничных работ в неожиданном окончании. Барабаны Патрика ван Гелдера тут вполне самодостаточны, с уклоном в напряженную долбёжку по хорошо заметной в миксе бас-бочке. Вокальные партии Миши Вербома вызывают чувство глубокого удовлетворения, хотя вкрапления скриминговых частей по примеру соседа ван Мастригта вышли не самым лучшим образом. А вот неожиданностью стали фрагменты (не)чистого женского вокала от некой Маргрит Асраи. Видимо, в Нидерландах, как и в России, никогда не было комплексов по включению дам в механизмы экстремального металла, женщины как вокалисты и даже как музыканты там было явление совсем нередкое. В целом звук работы я могу охарактеризовать как достаточно плотный, но напрочь лишённый бас-гитары - в миксе её практически не найти, кроме последнего трека. За это ван Мурику дизреспект. Хотя с гитарами тут всё что надо. Кроме не описанных выше треков, хочется отдельно похвалить "Beyond the Boundaries of This World" - достаточно интересный боевичок - но альбом ровный, все песни в нём не проходные.

В итоге "Tyranny from Above" оставил крайне позитивное впечатление после себя - пластинка не обладает конденсатом инфантильности в своей брутальности, и вызывает вполне нормальный интерес к своему материалу. По личным впечатлениям - работа не на одно и не на два прослушивания. Кому интересно, стоит также ознакомиться и с реюнион-альбомом "Retribution" - однако там явно группа пошла в blackened death.

IJzerklompje   3 дек 2023

Легенда канадского прогрессив-трэша со своим девятым альбомом. Архивисты пишут так: «Ранее трэш, позднее прогрессив». Не согласен - именно на этом альбоме представлен забойнейший, крутейший и провокационный прогрессив-трэш с синтезированными фишками, которые были записаны по особым технологиям.
Канадцы Voivod - это такие трэшеры, про которых слышали практически все трэш-маньяки металхэды, да не все слушали музыку, кто-то послушал и сказал «бэ!». А кто-то включил и просто обалдел, ибо было отчего. Все альбомы, записанные в прошлом тысячелетии, оценены либо очень высоко, либо просто высоко. Так что нужно послушать ранние пластинки и проверить к какой категории вы относитесь.
Ну и чтобы два раза не вставать. Скажу, что прогрессив-трэш у Voivod не натужный, а очень органичный и агрессивный одновременно. Это как будто трэш начал играть Жан-Мишель Жарр, причем адский трэш, а не детский его вариант. Впрочем, зачем нам Жан-Мишель Жарр, когда в группе есть Michel Langevin (Drums, Electronics, Accordion), он-то и занимался электроникой, а вся троица создавала вместе экстремальное, жуткое, технологическое полотно.
Тут еще такая штука, каждый ранний альбом Voivod вообще-то можно назвать гениальным. Но те, кто слушает канадцев регулярно, уже немного привыкли к феномену группы, что не отменяет эффект ШОКА для каждого новичка. И хотя я, конечно, слушал этот альбом не раз, и первые диски неоднократно, но для меня при написании рецензии "Phobos" опять открылся будто с новой стороны.
Час и 6 минут глобального эксперимента, очень круто записанного по меркам Thrash Death-альбома с упомянутыми уже электронными спецэффектами. Они-то, если их послушать отдельно, не ахти какие, собственно говоря, но отдельно их еще никто не догадался слушать - только с Гольфстримом брутального трэша VOIVOD.
Кто кого здесь победил? Трэш-метал или прог-метал? Неизвестно. Просто VOIVOD изобрели свой стиль, в котором они, как рыба в Гольфстриме. Возможно, потому они и гении. Проговые партии - это да! А вот трэш, какой там, не мажорный, случаем? Никак нет, - докладываю. Даже намекаю, что в некоторых особых местах троица доходит вольно или невольно до Thrash Death. Ядовитого и грандиозного одновременно, богатого на внутренние детали и лабиринты музыкального наполнения и чертовороты смыслов.
"21st Century Schizoid Man" (King Crimson cover) - безумный дум-стоунер-трэшевый кавер - подарок каждому любителю Кинга «не совсем нашего» Кримсона. Роскошный, забойный и острый, как полтысячи шизоидных скальпелей, насыпанных в кучу. Сиди, слушай, разбирайся, не порежься. Я же говорю, гении.
Кое-где голос вокалиста и басиста Eric Forrest'а похож на голос Martin E. Ain'a из Celtic Frost.
В буклете написано, что небезызвестный Jason Newsted (Metallica) участвовал в написании кое-какой музыки и лирики, а архивисты сообщают, что он еще где-то сыграл на басу и спел как приглашенный музыкант.
Включив диск, вы вряд ли вытащите его после первого прослушивания.
Высшее качество звука, само собой, рекомендуется! \m/

resurgamresponses   2 дек 2023

На дворе стоит 2023 год, многие павер-группы сменили свой жанр в сторону хеви, кто-то не выпускает ничего, а кто-то Bloodbound. Они постоянно прогрессируют, меняясь от олдового пауэра типа Helloween, в сторону прог-метала ("Tabula Rasa"), потом возвращаясь к истокам, и еще позже становясь традиционным хеви-металом в духе Manowar.
Но тут наступает 2014 год, группа начинает тянуться к теме фентези, и получился "Stormborn", который многие критики называют полноценным пауэр-фентези, с чем я не согласен, ведь музыкальная составляющая еще довольно агрессивная - чего только стоит "Satanic Panic", а текста не так часто перекликаются с фентези. В отличие от следующего альбома "War of Dragons", в которых подобной лирики столько, что любой фанат драконов останется просто в восторге. Так же, как и от следующей работы шведов "Rise of the Dragon Empire", которая выдалась довольно слабой: в ней нашлось три шикарные песни, на которые Bloodbound делали
ставку, но на остальные восемь забили болт, создав припевы вроде попсовой "Tears of a Dragonheart", или даже копипастили свой припев "Silver Wings", только в разы медленнее, делая его неуместным. В 2021 году музыканты начали отходить от сахарного фентези, выдав "Creatures of the Dark Realm", который может стать предвестником новых замечательных работ, вроде "Ever Burning Flame", "Kill or Be Killed" или "The Wicked and the Weak".
И тут Bloodbound выходят с новой пластинкой, которая именуется "Tales from the North". Они анонсировали её аж в январе, за целых полгода до выхода, выпустив синглами целых 5 (!) песен из классических 11. Это было довольно странное решение, кроме того, четыре композиции взяты из самого начала диска, а пятая из самого конца. В чем был смысл непонятно, но синглы выдались очень годными за исключением "Drink with the Gods", о котором позже.
Альбом открывает заглавная песня "Tales from the North", которой нужно подражать, если вы не знаете как открывать альбом. Чтобы показать как это делать другому, просто включите ему эту песню, и все вопросы отпадут. Дальше идет крепкий середнячок "Drink with the Gods", который непонятно зачем засунули в начало, после мясного боевика, ведь это песня для концертов и застолий, лучшим решением было бы кинуть её куда-нибудь в середину, а также непонятна цель выпуска одноименного сингла, я думаю, что на "1066"
нужно было закончить, а "Drink with the Gods" продолжать исполнять на концертах до выхода непосредственно альбома. Дальше пред нами встает мощная "Odin's Prayer", которая является задорным боевиком, её бы следовало поставить после заглавной, она её как бы продолжает и заставляет слушателя сидеть в мурашках несколько песен подряд, а не только одну. Дальше идет забойная "The Raven's Cry", одна из лучших песен на пластинке, которая представляет собой фолковое интро, куплеты с барабанным галопом, и качающий припев.
Забавная история о том, как я вообще познакомился с Bloodbound: мы с братом сидим, слушаем песню какой-то пауэр-группы (уже не помню какой) на Яндекс Музыке, и под трек-листом видно новые релизы в этом же жанре. Брат увидел сингл "The Raven's Cry", но заинтересовало его больше название группы, оно ему показалось знакомым. После этого мы послушали сингл, нам понравилось, а брат пошел на поиски в свой плей-лист и дискографии, но он не нашел ничего, а я после этого начал слушать и изучать их.
Прошло четыре месяца, брат их после этого не слушал, а я постепенно начинаю становится их фаном.
Дальше идет "Mimir's Crystal Eye", которая начинается с клавишного разогрева, продолжая эпичным проигрышем. Вокальная линия тут вымученная, и пытается быть всё выше и выше. По некоторым моментам видно, что шведы пытались сделать новый "We Drink Your Blood", выпущенный немцами из Powerwolf еще в 2011. Ну что ж, попытка явно неудачная в плане хитовости и запоминаемости, но как проходняк на альбом пойдет. Шестым номером на пластинке выступила "Between the Enemy Lines", которая вполне подходит
на звание хита, но проигрывает другим претендентам. В песне нас встречает атмосферное начало, переходящее в гимновый запоминающийся припев. Аранжировкой припева композиция похожа на 11 номер предыдущего альбома, называющийся "Face of Evil". Но эта песня явно не сравнится со следующей композицией "Land of Heroes", интро которой состоит из фолкового вступления, и просто бомбического входа в игру гитар и барабанов, а впоследствии и вокала Джея Селлеби. Тут есть просто идеальный бридж, но на припеве есть небольшое ощущение будто во время создания вокальной линии композитор чего-то бормотал, вспомнил что он как бы вокальный мотив делает и из этого получился припев. Но я вынужден признать, что даже это получилось очень круто. Песне явно не хватило раскрутки, и в стриминговых сервисах в погоне за популярностью она с трудом занимает 5-6 места среди песен альбома. А жаль, песня явно лучше и хитовее всяких "We Raise the Dead", "Tears of a Dragonheart" или "Gathering of Souls". Дальше под номером восемь идет, как сначала показалось, просто жемчужина пластинки "Sail Among the Dead" - интро потрясающее, мелодичное, быстрое и атмосферное, куплеты тут с замечательной вокальной линией. Дальше идет бридж, и слушатель замирает в ожидании припева, и тут!.. И тут полный провал, как шведам пришло в голову запихнуть сюда ЭТО? И причем к вокальному мотиву можно не придираться, но как можно было сделать такую аранжировку с мотивом "туц-ТУЦ-туц-ТУЦ", который вообще не подходит настроению и задору песни? Этот припев (с подобной аранжировкой) смотрелся бы неплохо в среднем темпе, но сюда вообще, ну вот ВООБЩЕ не вписывается! Причем если вы не согласны, просто послушайте барабаны, то, как их сделали, вообще не в тему даже с самой вокальной линией (которая
тут тоже выбивается из темпа), они выбиваются и режут слух. Сюда подошла бы аранжировка, как на высокотемповых песнях (какой, собственно, и является "Sail Among the Dead"). Добавь сюда быстрые гитары и ударные, и всё сразу преобразуется. Вот представьте, если на старенькой "Turn to Stone" вместо крышесносного инструментала припева закинуть туц-туц, и слушайте на здоровье. А так, разочарование, и оценку снижаю с 11 до 9. Дальше идет "Stake My Claims", которая представляет из себя простой проходняк, и это всё что я могу про неё сказать. Под конец включается "Sword and Axe", очень крутая песня с замечательным припевом, пожалуй, одна из лучших на пластинке. Тоже недооцененная вещь, и очень зря. Замечательная симфоническая аранжировка на припеве, конечно, немного не хватает силы в вокале, но и без этого всё тоже очень круто. Завершает этот альбом символическая "1066". Именно в этом году закончилась эпоха викингов. Песня звучит, как завершающая предыдущий альбом "The Wicked and the Weak". Тоже хорошая вещь, идеально завершающая альбом, но её непонятно зачем выпускали синглом!
Я, конечно, может покажусь каким-то странным, что придираюсь к, казалось бы, пустякам, но извините, для меня это принципиально!
Альбом выдался очень годным, в этом направлении надо двигаться шведам! Пока что самый лучший релиз лета, и если вы не только любитель пауэра, но в добавку еще и фанат скандинавской мифологии, то пропускать этот диск, мягко говоря, глупо. Моя оценка: 9/10. Всем пока!

EchpochmakAlevtiny   1 дек 2023

После пары лет скандалов, препирательств, взаимных обвинений и тому подобных малоприятных событий, Оззи Осборн всё-таки покинул Black Sabbath, напоследок записав один из самых слабых альбомов группы - "Never Say Die".
Оззи еще что-то пробовал напеть на новом, находившемся в процессе сочинения материале, но у него совсем уж ничего не получалось. По слухам, это было то, что впоследствии превратилось в заглавный эпос "Heaven and Hell".
Тогда-то зловещая Круэлла Де Виль от мира менеджмента, еще-не-жена Оззи Шэрон Арден посоветовала взять на место её малахольного хахаля отставного вокалиста Rainbow - Ронни Джеймса Дио.
Дио не походил на предшественника ровно настолько, насколько это возможно. Начать с того, что мощный, красивый, классически поставленный (детская влюбленность в оперу и многочасовые занятия академической музыкой - правда, по классу духовых инструментов) голос Ронни был максимально далек от диковатой манеры Оззи.
А еще Дио был несколькими годами старше музыкантов своей новой команды, и вообще являл собой отчасти “сына маминой подруги”. Не склонный к бешеному “рок-н-ролльному” образу жизни, уверенный, знающий себе цену взрослый человек, компетентный, хоть и не выдающийся инструменталист, продюсер, опытный автор текстов и композитор. К своим без малого сорока годам Дио успел поучаствовать в создании величайших работ в истории хард-рока. Имелись у Ронни и недостатки, которые, согласно расхожей мудрости, продолжение наших достоинств. Жадность на деньги, диктаторские замашки, перфекционизм...
В общем, есть старинная мудрость, гласящая, что не стоит обращать внимание на всё, что сказано до слова “но”.
Каким бы клевым не был Ронни, он был человеком, который меньше всего подходил на роль “нового вокалиста Black Sabbath”. Дио это вам не Оззи, который пел по готовым риффам (иногда даже без нормального текста) простые вокальные “рыбы” со словами, взятыми с упаковки молока. То, что Ронни пел “поперек риффа”, это полбеды. Он еще и сочинял красивые, образные тексты, тяготевшие к пафосному фэнтези с некоей метафорической нагрузкой.
Странно как он вообще сработался с Саббат, где уволенный Оззи был, честно говоря, не единственным торчком и раззвездяем. Тем не менее Айомми, Батлер и Уорд приняли нового вокалиста. После ухода Осборна группу вообще сильно тряхнуло, на время уходил даже Батлер, который, правда, затем одумался и вернулся. В записи также принимал участие “запасной” Sabbath'овец Джеофф Николс, лидер прото-думеров Quartz. Сначала он должен был играть на басу, но в итоге остался клавишником.
"А как же те прекрасные пластинки, которые Ронни записал в составе группы?!" - возопит на этом месте читатель, буде он еще жив и способен следить за извивом моей мысли.
Альбом прекрасен, спору нет.
"Heaven and Hell" звучит мощно, ярко и отчетливо. Позади не только нарочитая лоу-файность ранних работ, но и витиеватость, эклектичность позднейших дисков, записанных с Оззи. Мартин Берч, один из знаковых продюсеров жанра, уже сотрудничал с Дио во времена Rainbow и нарулил нестареющий саунд такой классики, как "Rainbow Rising" и "Long Live Rock 'n' Roll".
Не подвел он и в этот раз. Перед нами хард-рок столь драйвовый и энергичный, что если бы не местами прощупывающаяся под всей этой тяжестью буги-блюзовая основа, то его уже можно было бы назвать истинным хэви-металом. Вообще, мастерство трио Айомми-Батлер-Уорд не подлежит ни малейшему сомнению. Но в этот раз новый продюсер и материал не дают им разгуляться, никакой “виртуозности ради виртуозности”. Гитарные соло красивы, барабаны и бас дают точную поддержку и нешуточную тяжесть, клавиши добавляют ярких красок. Но никаких закольцованных инструментальных эпизодов, под которые положено “зависать”. Только песни, только хиты!
"Neon Knights", построенная вокруг грохочущего гитарного риффа, врывается на большой скорости, и как говорится, пленных не берет. Мощный голос Ронни, находившегося едва ли на пике своих физических возможностей, захватывает внимание сразу же.
Торжественная, без нарочитой “неоклассичности”, но явно выросшая на прочном фундаменте старинной музыки, "Children of the Sea" демонстрирует не только умение Дио сочинять влет запоминающиеся вокальные мелодии, но и мгновенно переходить от лирического фальцета к его фирменной, грозной, рокочущей манере пения.
"Lady Evil" как будто залетела в трек-лист со второго альбома Rainbow, напоминая такие ритмичные боевики, как "Starstruck" или "Tarot Woman".
Заглавная "Heaven and Hell" более-менее демонстрирует то, что в конце десятилетия начнет оформляться в эпический дум-метал, но без занудства. Зато с запоминающейся мелодией, которую можно напеть даже при околонулевом слухе, и неким “средневековым” духом, который таится не только в лирике, но и в гитарных соло.
"Wishing Well" не столь знаменитая песня, но она ничуть не слабее остальных, просто другая, опять же наводящая на мысль о временах Rainbow.
Скоростная, боевитая "Die Young" содержит “внутри” небольшой лирический фрагмент с нежным фальцетным пением, тогда как по большей части просто сваи вколачивает.
"Walk Away" напоминает времена даже не Rainbow, а Elf - вещица полегче и порок-н-ролльнее остального материала, но такая же хитовая.
Под занавес альбома идет "Lonely Is the Word" - единственная композиция, к которой можно притянуть определение “баллада”, красивая и печальная.
Здесь читатель, доживший до этого абзаца, может опять же спросить, а к чему вообще были все первоначальные рассуждения о том, что Дио не подходит Sabbath? Мол, стоило ли заявлять такую заведомую ахинею, только чтобы потом заливаться соловьем, расхваливая песни, которые все (кому нужно) и так помнят.
Такому читателю я загадаю загадку.
Будь в реальности возможность отыскать на просторах планеты человека, который интересуется тяжелой музыкой, но при этом ничего не знает об истории рока (в наши дни такое невозможно, а вот в доинтернетную эпоху, да за Железным занавесом - вполне), и включить ему "Heaven and Hell", назовет ли он услышанное альбомом Black Sabbath?
Да, вы поняли к чему я клоню.
Влияние Дио столь велико, что хотя авторами числятся все участники того состава - Дио, Айомми, Батлер и Уорд, создается впечатление, что Ронни записал сольный альбом, задействовав для этого музыкантов одной известной, но находившейся в глубочайшем кризисе группы.
Я понимаю, что не вполне прав с фактической стороны, что сова маловата, а глобус великоват. Но от ощущения никуда не деться.
"Heaven and Hell" - альбом прекрасный, стопроцентная классика. Но к группе Black Sabbath, существовавшей в 1968-78 годах, эта коллаборация почти не имеет отношения, несмотря на 3\4 общий состав.

Mike Barlow   1 дек 2023

“Синдром утенка” - могучая штука, от которой почти ни у кого не получается избавиться. Так вышло, что "Born Again" был одним из первых (в числе приблизительно десятка) “тяжелых” альбомов, услышанных мной в жизни.
Времена были патриархальные, скачать за пять минут целую дискографию нечего было и мечтать. Зато была кассета TDK, и за уже забытую за давностью лет сумму денег можно было записать что-то из списка, распечатанного в формате А-4 и подшитого в замусоленный до неразличимости первоначального цвета скоросшиватель.
С Black Sаbbath я уже был знаком по самопальному виниловому сборнику из “архива Юрия Шалобасова”, да и краеугольные для жанра пластинки Deep Purple слышал неоднократно. Так что любопытство заставило обратить внимание на совместные альбомы Sabbath и вокалистов Purple. Потому на кассету легли “Born Again” и “Seventh Star”. Я, конечно, согласен, что, учитывая год, в который происходили описываемые события, логично было бы записать "Black Album" и "Rust in Peace", "Cowboys from Hell" и "Coma of Souls", "Nevermind" и "Ten", или, что наиболее вероятно, обе части "Use Your Illusion". Но я рано взял себе имидж консерватора-олдскульщика, считающего, что “раньше было лучше”. Смайл.
Вся эта лирика нужна была по большей части для того, чтобы сообщить почтеннейшей публике, что “синдром утенка” работает не всегда. С "Born Again" что-то непоправимо не так, и никакой нежный возраст, в котором альбом был услышан, никакое свойственное отрочеству почтение к “отцам”, не помогли.
Даже отсутствие приличной аппаратуры и кассетная перезапись ничего не смогли сделать со звуком, одновременно непомерно громким и пустым, с задранными верхами и выставленным куда-то в авангард вокалом. Более того, ничего с этим не смогли поделать и сорок лет переизданий, ремастеров и ремиксов. "Born Again" звучит варварски плохо.
Жанр рецензии в общем-то не предназначен для пересказа истории группы. Но всяк автор норовит ввернуть что-то остроумное из архивов обозреваемой команды. Так вот, музыканты дружно утверждали, что изначально не собирались работать как Black Sabbath, а планировали записываться под вывеской типа Gillan-Iommi-Butler. Но как известно, альбомы продает название, потому по настоянию менеджера "Born Again" стал не неким сайд-проектом, а новым диском Sabbath. Не слишком оригинальная история, учитывая последующую катавасию с "Seventh Star". Но всё-таки не дотягивает до той, где к проекту The Circus Maximus Марка Шелтона вообще уже на стадии печати буклета прилепили (неподходящим шрифтом) название Manilla Road, под которым Марк выпускать тот материал не собирался.
Гиллан чуть ли не в последний раз предстает перед публикой в хорошей, безо всяких скидок на возраст и заслуги, форме. И будто чувствуя это, наполняет альбом такими криками, визгами и хрипами, что они уже выходят за чувство меры и вкуса.
Одна из многочисленных баек, связанных с группой, гласит, что Ронни Дио из рядов Саббат выгнали за то, что он, занимаясь миксом "Live Evil", слишком завышал свой голос.
К моменту сотрудничества с Гилланом, Айомми, Батлеру и страдающему, а уже не наслаждающемуся алкоголизмом Уорду, видимо, стало плевать на всё и вся, и они предоставили продюсирование вокалисту, который сделал ровно то, за что Дио якобы указали на дверь. Сам Гиллан железно мотивировал местное сведение - мол, приглушил бас, чтобы тот не слишком гудел, да прибрал гитару, чтобы не рыкала. На что “шабашники” выпали в осадок, но что-то делать было уже поздно. И вообще, а нечего было бросать микширование на самотек!
Что же до самого материала альбома, то его нельзя назвать действительно слабым. Но с Саббат получившаяся музыка опять не имеет почти ничего общего. Разве что микроскопические инструменталы "The Dark" и "Stonehenge" напоминают о схожих номерах на старых пластинках.
Хотя авторами песен числятся все участники записи, можно сказать (лишь немного погрешив против истины), что Гиллан записал очередной диск группы Gillan при помощи инструментального состава Black Sabbath.
Что разогнанный до турбо-скоростей рок-н-ролл "Trashed", что блюзоватая баллада "Keep It Warm" легко представимы на альбомах Gillan начала восьмидесятых. Учитывая, что посвящены они гонкам и постельным утехам соответственно, сходство становится совсем уж “до степени неразличения”. Угрюмая, то взрывающаяся быстрыми кусками, то распевная "Disturbing the Priest", тягучая "Zero the Hero" и свирепая "Digital Bitch" (посвященная, по слухам, всенародной любимице Шэрон Осборн) чуть более “саббатовские”, давящие и мрачные.
Лучшая песня альбома на мой невзыскательный вкус - заглавная "Born Again". Медленная, но слишком тяжелая и пафосная, чтобы быть “балладой”, она скорее наследует эпическим композициям, до которых был так охоч предыдущий вокалист Sabbath. Хотя продолжительность в шесть с копейками минут трудно назвать “грандиозной”, всё же "Born Again" успевает нагнать атмосферы.
Зато "Hot Line" прилетела откуда-то из архивов Deep Purple.
При всем плохом, что сказано о звуке, ничего плохого нельзя сказать о профессиональных компетенциях музыкантов. Да и энергетики в записи хватает. Всё-таки новый певец взбодрил коллег.
В общем, альбом оказался подобен тосту из затертой застольной шутки - короткий (сорок одна минута) и мощный, как выстрел.
Также диск украсила обложка, которую модно ненавидеть, но непонятно, что плохого в новорожденном алом дьяволенке, это же Black Sabbath, черт их дери, а не Eagles какие-нибудь.
Но стилевая чересполосица, своеобразный микс и Гиллан во главе с шашкой наголо - всё это как-то не способствует восприятию альбома как цельного произведения. И как альбома Black Sabbath тем более.
При всем при том “Born Again” оказался коммерчески успешен и удостоился похвалы от самого Оззи, который обычно не слишком доброжелателен к своим сменщикам.
Начавшееся турне сопровождалось бесчисленными приключениями в духе Spinal Tap, да и при всей мощи глотки Гиллана, его исполнение “Black Sabbath” или “Heaven and Hell” очень хорошо описывается модным словечком “кринж”.
Так что очень скоро пути музыкантов и неуемного вокалиста разошлись. В отличие от других “разводов”, какого-то сильного негатива между Гилланом и Айомми не случилось, и в будущем они еще будут сотрудничать.
А "Born Again" остался наособицу, не только как единственный альбом Purple Sabbath, но и как некая нетипичная для группы загогулина.
Также поклонникам “короля риффов” остается только гадать, что вышло бы, если бы ему удалось заманить в студию Планта, а не Гиллана. Были тогда у Айомми такие планы.

Mike Barlow   1 дек 2023

Шестой альбом за пять лет - неслабый такой (впрочем, обычный для времен молодости рока) результат. Некоторое истощение моральных и физических сил группы, а также усталость от успевших стать клише собственных приемов, становятся заметны (напишу страшное) уже на "Sabbath Bloody Sabbath". К "Sabotage" Айомми и компания подошли с еще более очевидным настроем “сделать что-то такое, чего мы раньше не делали” и в состоянии назревающего внутри группы конфликта между гитаристом-который-всё-тащит-на-себе и вокалистом-на-котором-весь-успех-держится. Ко всему прочему, Sabbath тогда конфликтовали с менеджментом, что нашло отражение даже в текстах.
Однако эта “предкризисная” атмосфера ощущается больше задним числом. В режиме же реального времени альбом скорее воспринимался как развитие и следующий шаг в сторону более виртуозной (в сравнении с сырым угрюмым рокотом ранних работ группы) и более агрессивной (в сравнении с зааранжированным, перекрученным "Sabbath Bloody Sabbath") музыки.
Несомненно, "Sabotage" более прямолинейный и “боевой”, нежели его предшественник, хотя и несет на себе отпечаток прогрессивных устремлений "Bloody Sabbath". Клавишные Джеральда Вудроффа, который был без пяти минут постоянным участником группы, играют значительную роль в создании саунда на пластинке, но это не ориентированный на клавишные альбом. Это тяжелый альбом с клавишными аранжировками.
"Sabbath Bloody Sabbath" был удачным в творческом и коммерческом отношении, но Айомми говорит, что музыканты совершенно сознательно не пошли дальше по тому же пути. Осборн привычно противоречит товарищу, утверждая, что запись "Sabotage" была мучительной именно из-за “студийного перфекционизма” гитариста. Батлер же состояние группы на момент записи "Sabotage" определяет, как “обдолбаннные и задолбавшиеся”.
Все эти разборки и воспоминания о самочувствии и настроении едва ли не полувековой давности интересны не только любителям подробностей из закулисья. Они скорее демонстрируют, что вдохновение может прийти когда его совсем не ждешь.
Все вышеописанные проблемы не помешали Sabbath создать великий, монументальный альбом.
"Sabotage" - тяжелому, злобному, но при этом не лишенному экспериментальной жилки, предыстория совершенно не повредила. Он не то чтобы идеален от первой до последней ноты. Но он целен и целеустремлен, несмотря на некоторую стилистическую чересполосицу. Сдвиг привычных границ, выход за флажки и заплыв за буйки всегда был фишкой Black Sabbath. На любом их альбоме классической эры есть композиции, которые выбиваются из общего ряда. Эта смелость первопроходцев, нежелание соответствовать придуманным критикой и фэнами категориям, вообще характерны для групп той поры, когда сцена еще не разделилась на десятки замкнутых субкультур, внутри каждой из которых есть четкие критерии звучания, оформления обложек и внешнего вида музыкантов.
Sabbath, хотя и являются отцами-основателями doom-сцены, сами на верность идеалам trad-doom не присягали, оставив это командам вроде Count Raven. Они изобретали жанр и шли дальше - изобретать следующий.
"Sabotage" стартует с одного из самых могучих хитов группы, свирепого боевика "Hole in the Sky", который надолго осел в концертных сет-листах и знаменует собой очередную трансформацию коллектива. Если на предыдущем альбоме Sabbath буквально, грянувшись оземь тягучими думстерами, восстали преображенные в замысловатых проггеров, то сейчас перед нами полновесный металл безо всех этих приставок типа “proto”. Конечно, в рамках 1975 года, но тем не менее, столь тяжело, бескомпромиссно и злобно на “большой сцене” тогда никто не играл. Закольцованный гитарный рифф, какие умеет изобретать только Тони, в этот раз основательно разогнан в скоростях, ритм-секция рубит с мощью сваезабивочной машины, Осборн же вовсе взвинтил свой и без того экспрессивный вокал до откровенного крика (scream, ага).
Краткая акустика "Don't Start (Too Late)" и альбом продолжается "Symptom of the Universe", столь же мощным хитом, как "Hole in the Sky", столь же любимым металлистами последующих поколений в качестве кавер-версии, которая, будучи помещенной бонусом, делает осмысленным делом приобретение всего диска.
Почти десятиминутная "Megalomania" - колыбель прогрессивного металла, в которой перемешаны тяжесть и навязчивая виртуозность игры, эпик с неоднократно меняющимися в ходе развития темпом и настроением, и запутанной мистической лирикой, которую Гизер сочинил под влиянием наркотического прихода, а Оззи спел, только что откинувшись из психушки.
Мрак и безумие - ключевые темы альбома, а о безумии Sabbath к тому времени знали больше, чем хотелось бы. Но то, что калечит личную жизнь, иногда неплохо конвертируется в творчество.
"The Thrill of It All" - тоже непростая, можно сказать, “навороченная” композиция, отличающаяся странными, бравурными эпизодами, и понятное дело, не ставшая постоянным гостем ни на концертах, ни на бесчисленных сборниках из разряда “The Best of Black Sabbath 1970-1978”.
Симфонический "Supertzar" служит скорее для отдыха и, откровенно говоря, мне не кажется таким уж идеальным сочетание того, что делает хор, и того, что делают Black Sabbath. Но как минимум - смелый эксперимент.
"Am I Going Insane (Radio)" - очень странный, совершенно не канонический трэк, всё же ставший популярным. Песня, по словам Уорда, должна была стать первой ласточкой в сольной карьере Оззи, который в процессе сочинения всех замучил своими синтезаторными экзерсисами. Это еще и значит, что Оз некогда собирался играть совсем другую музыку, а вовсе не прославивший его “продюсерский” хард-н-хэви в окружении бывших/будущих юрай-хипповцев. "Am I Going Insane" представляет собой “вывихнутую” поп-психоделику из конца шестидесятых, сыгранную почти без саббатовской тяжести. Осборн поет, а также хохочет и завывает так, что в его поехавшей (и отнюдь не в рамках вживания в образ) крыше не сомневаешься совершенно.
Венчает альбом "The Writ" - еще один сложный, затяжной номер, демонстрирующий проговую сторону коллектива. Балладные эпизоды варьируются с динамичными, тяжелый рок перемежается со странными синтезаторными созвучиями, которые извлекает из Moog'а вокалист, безумные смешки - со струнными аранжировками.
Содержащий две песни, каждой из которых хватит на замену целой дискографии группы средней руки, два убийственных хита, без которых тяжелая сцена была бы совершенно другой ("Hole in the Sky" и "Symptom of the Universe"), "Sabotage" может именоваться последним классическим альбомом Sabbath. После него раздрай, царящий в группе, увы, стал переходить из категории личных взаимоотношений в творческую плоскость.

Mike Barlow   1 дек 2023

Кавера были всегда. И интерес к ним тоже. Рассматривая историю Хэви-Метал и Хард-Рока, можно сказать о любой группе родоначальников жанра (и не только), что музыканты играли сначала кавера, тренировались, так сказать, на зарекомендовавших себя песнях, уже получивших свое признание публики. И это логично.
Более близкая к нам волна трэшеров включала в свои альбомы какие-то крутые вещи предшественников - рокеров и даже панков. Это я вспомнил Megadeth и Anthrax, к примеру.
Множество металлистов исполняли самые разные кавер-версии, а потом иногда даже собирали их в целые альбомы.
Вот скоро выйдет альбом DIMMU BORGIR с каверами, в 2022 году выходил мощнейщий сборник российских металлистов AGE OF RAGE, и вот выпущен диск SLICE OF SORROW.
Атмосферная мелодик дэт-метал группа из Москвы подготовила 14 кавер-версий композиций, которые мало кого из металлистов оставят равнодушными. И самое главное - здесь есть тактический выбор: слушать всё подряд (ДА!) или выбрать лакомые кусочки - для каждого меломана, само собой, разные. Начиная от Готик-Рока через Хэви-Метал и Глэм к Дэту. Чуть Русский Рок не забыл и Хэви.
Так что вперед, с криками ура! Прослушано в лучшем качестве.

01 - "Be Quick or Be Dead" [Iron Maiden cover]. Логично ли начать с Iron Maiden? Я думаю - да. Тем более с этой песни легендарных металлистов. Сделано всё крепко, рубильно и с настоящей долей дэт-металлического озлобления. При этом трэк приобрел некие черты адского хардкорового MDM. Гитары? Солидно, мастерски и согласно плану. Итог? Be Quick!

02 - "Harvester of Sorrow" [Metallica cover]. Ну это ж классика - матерая и основательная, от которой пробирает до мурашек целое поколение или полтора. Удалось ли накидать мурашек Slice of Sorrow? В значительной мере. А вы согласны с тезисом, что если Metallica сумасшедше делает кавер "Whiskey in the Jar", то и те, кто делает кавер на М. должны стараться добиваться большИх результатов?

03 - "Roswell 47" [Hypocrisy cover]. Бесконечно актуальная вещь, особенно после недавно вышедшего крутейшего фильма ужасов «Никто тебя не спасет». А здесь показан факт того, что лидер коллектива Hypocrisy Peter Tagtgren тоже и продюсер сам себе, и он сработал на баллы поболее. А в этом дэтово-атмосферном трэке звук очень важен. Потому что атмосфера в этой композиции - это состояние страха.

04 - "Rock the Night" [Europe cover]. Ну конечно, все бы хотели "The Final Countdown", но что поделаешь, "Rock the Night" тоже рулит. В особом ключе, в том ключе, которым открывают свои музыкальные двери виновники торжества SLICE OF SORROW. Бодрячком и аккуратно сделали кавер, приятно разнообразив свою пластинку глэм-метальными запилами да соляками и вокальными приемами.

05 - "Metal" [Gary Numan cover]. Крестный отец современной электронной музыки сделал так много для развития жанра, что его трэки откаверены бесчисленное количество раз, включая Трента Резнора и Nine Inch Nails, Marilyn Manson, Dead Weather, Fear Factory. Свою лепту решили внести и SLICE OF SORROW. О, ну это как раз команда двигается по дорожке разнообразия. Довольно-таки вовремя. Gary Numan заматерел, оброс стальными гранями, не заржавел, ибо весь покрыт никелем. А мне кажется, поле для творческого эксперимента и аранжировки там было раскрыто еще шире.

06 - "Youth Gone Wild" [Skid Row cover]. Классным риффами славились Skid Row, за что уважаем мы эту группу, её угарное творчество, которое не обходилось без крика и ора - на концертах. Ну а здесь в исполнении SLICE OF SORROW отмечаем аккуратность исполнения и жесткий вокал, которому, кажется, покорны все стили и виды пения. А Элвиса слабо?

07 - "Psycho Killer" [Talking Heads cover]. Американские нововолновые рокеры - тоже цель для толковой кавер-версии. А вот эта версия из параллельного мира более крута. Отчего? Да скорее всего, что она более музыкально заполнена в каждую секунду трэка и рок-н-ролльно исполнена. Интересно, что первоисточник слушается после кавера настолько смиренно, что просто смех разбирает. Вот это и называется «понять и поДнять кавер на высоту»! \m/

08 - "Скованные одной цепью" [Наутилус Помпилиус cover]. Специфическое и неоднозначное. Весьма круто SLICE OF SORROW делает эту композицию, сохраняя отрешенность и темную магию Нау, привнося стальные мышцы. Вот эта наивная гитра на 2:07 также цепляет. Удача! Классный саунд.

09 - "Live Wire" [Motley Crue cover]. Вот вам и возвращение в мир металла. С ликующим риффом MC и четким ударным поездом. Вокально исполнитель, мне кажется, неплохо проникся духом, и что парадоксально - в оригинале вокалист Vince Neil поет более беззаботно, разгильдяйски, а в кавере всё происходит гораздо более драматично! Но тут дело и в саунде.

10 - "Take Me" [KISS cover]. Интрига-интрига! Сможет ли SLICE OF SORROW преподать урок в стиле Kiss? Надо пробовать. Что-то получилось, а что-то, может быть, и нет. На то и кавер, который делается во славу Великих. И еще - мне кажется, что здесь в трэке аранжировка передавила горло самой песне. Но это только мое личное мнение, каждый решит сам.

11 - "Dive" [Nirvana cover]. Гранжеры провозглашали Black Sabbath своим гениальным предшественником. И этот трэк достаточно мрачный, депрессивный в оригинале. Говорят, что Courtney Love как-то сказала: "It's my favorite Nirvana song. It's so sexy". В кавере он стал просто громадным, катящимся камнем, который вдавливает фигурки на шахматном поле войны в сырую землю по макушку. И BlackSabbath'ность гранжа вышла вдруг в самом отчетливом виде, хотя и в быстром темпе и зверо-оскале. Хотели того музыканты SLICE OF SORROW или нет, неизвестно.

12 - "Следуй за мной" [Ария cover]. Ну с этой классикой каждый русский металлист разберется сам... Овации, переходящие в аплодисменты.

13 - "Lucretia My Reflection" [The Sisters of Mercy cover] Настоящий культ новой волны. Тут делай любую вещь с альбома "Floodland" - не ошибешься. «Попробуйте только сделать плохо», - подумал я про себя, когда начался тотальный отсчет ударника. И это классика также - «наши долго запрягают, зато потом быстро едут». Волшебно. Низам дайте дорогу. Оккультная сила названного трэка ждала, мне кажется, этого кавера, дабы выползти в мареве концертного дыма и прополоскать мозги тысячам и тысячам фэнов.

14 - "Sleeping (In the Fire)" [W.A.S.P. Cover]. Финальный аккорд разве должен быть таким шедевральным? А почему бы и нет? С довольно-таки мрачной и драматической вокальной линией, массивным риффингом и словно разворачивающимся занавесом, который покажет и прихотливую струнную работу, и тяжелые переживания главного героя, и еще окажется, что "Lucifer's magic that makes you numb" всё-таки работает.

* * *

По итогу могу добавить: SLICE OF SORROW, исполняя эти песни, подстраивались ПОД СЕБЯ, а не наоборот, как делают некоторые музыканты. Прямая копировка - вещь бессмысленная, особенно в творчестве. Особенно у музыкантов, которые имеют свой взгляд на вещи.

resurgamresponses  28 ноя 2023

Wombbath - группа, нежданно-негаданно, не из Стокгольма, а из города Сала в восточной части страны. Вложившись в дебютник, команда не стала далеко заглядывать, а насочиняла вполне обыкновенного дэта под категорию "недорого и очень сердито". Оценивая труд, вложенный в данную работу, стоит отметить в "хорошем" смысле отвратную обложку за авторством художника SV Bell'a. Наблюдая за застывшим ликом измученных душ, окунаемся в мир данного полноформатника.

Первое, что бросается в глаза - саунд. Он куда больше смахивает на творчество Benediction или Napalm Death того периода, нежели на нарочито искажённый, бульдозерный звук, за счёт которого шведо-дэт и прославился. Хотя музыкально здесь также заметно много влияния от таких групп, как Benediction и Malevolent Creation. Возможно, именно нехваткой резкости в звукоизвлечении и общим саундом объясняется ускользание тех самых шведских элементов. Игра на инструментах держится вполне стойко, но кое-где заметны проседания интенсивности гитар. Соляки Хокана Стувемарка расположены в большинстве своём на второй стороне альбома, тогда когда на А-сайде он погостил лишь на не самом примечательном вступлении. Они весьма атмосферные, кое-где замечен энергичный шреддинг; в целом напоминает манеру Бломквиста из тех же Dismember. Но всё же нехватка энергии у основной части гитарных партий вскоре сводит их эффект на нет. Не в пример гитаре, игру на барабанах от Роджера Энстедта я не могу назвать интересной, а филлы и сбивки, в особенности набор ударов по главному барабану ближе к концу титульной песни, звучат несколько... дилетантски? Этот аспект меня разочаровал. Впрочем, и трусливый звук бас-гитары оставляет не самое лучшее впечатление, но он не так заметен, как до одури примитивные партии ударных. Риффинг не заходит за грани стиля, о чём я уже упоминал: тут всё ортодоксально. Вокал Томаса Линдфорса здесь также достаточно непримечателен, но он не только слушабелен без скрежета в зубах, но и является относительным плюсом пластинки. Эдакий Барнс эпохи "The Bleeding" на минималках. Из треков отмечу титульник, и разве что ещё относительно быструю "As SIlent as the Grave", и "Corporal Punishment" в довесок. А вот трек "Abandon" считаю абсолютно лишним полу-семплом. Также заметил, что в последнем треке характер звука несколько меняется. Ошибка сведения или недосмотр подготовителей переиздания - неизвестно.

Главный диагноз этого альбома - это недостаток той первобытной энергии, которую в альбоме не выходит уловить. В итоге, смешав неторопливый звук Benediction и основные веяния местной шведской моды, Wombbath не поймали ни одного из двух зайцев. Хотя иметь стереотипы (особенно касаемо музыки) - привычка дурная, "Internal Caustic Torments" не держит марку именно стереотипичного шведо-дэта, выдавая несколько не то, на что слушатель рассчитывает, при этом альтернативный материал не является затягивающим. Да, это далеко не самый толковый и интересный релиз сцены, но, будем честны, и не самый скучный. Условная шестерочка - но в большее для Wombbath я не верю.

IJzerklompje  23 ноя 2023

Трио DANKO JONES, названное по имени своего вокалиста и гитариста, исполняет свой припанкованный хард-рок с середины 90-х, но у нас этот проект всегда были в тени, несмотря на то, что группа выступала в Москве и Санкт-Петербурге на разогреве у Guns N' Roses в 2010 году, и имела несколько выпущенных в последние годы лицензионных релизов. DANKO JONES начали свою карьеру на канадской рок-сцене, выдав свой дебютный альбом "My Love is Bold" в 1999 году. С третьим диском "We Sweat Blood" музыканты поймали удачу за хвост у себя на родине. Прошло больше двадцати лет, и DANKO JONES по-прежнему входят в число тяжеловесов хард-рок сцены, особенно большим успехом пользуясь все же не в Северной Америке, а в Европе, в странах типа Германии и Швеции. В сентябре они вернулись с новым студийным альбомом "Electric Sounds", который стал следующим после вышедшего в 2021 году "Power Trio".

"Electric Sounds" - типический альбом DANKO JONES, разве что более оптимистичный и динамичный. «Guess Who’s Back» — идеальная ударная открывашка длиной менее трех минут, размеренный и ритмичный трек, типичный для Данко, с припевом-кричалкой в духе Offspring. Далее следует "Good Time", пожалуй, самая сильная песня из трек-листа альбома, а то и из всего творческого багажа группы. Это запоминающийся, жизнерадостный номер с панк-гитарами и мощным, суровым вокалом Джонса. В общем, незнакомым с музыкой этого трио стоит начать именно с этой песни, и, если не зайдет, значит, не судьба. В общем, крепкий хард-рок-трек.

Дабы не расписывать все песни, тем более, что альбом достаточно монолитен в своем звучании и подчинен общему настрою, отмечу несколько из них. Это, безусловно, заглавный трек альбома, достаточно быстрый и с тяжелыми гитарами. В записи принимал участие Даниэль Декей из канадских трэш-легенд Exciter. Также веселенький и довольно простенький “Get High?” легко западает в душу. Еще одна яркая песня - "She's My Baby", в которой поучаствовал соотечественник Джонса Тайлер Стюарт из Barenaked Ladies. Но она, на мой взгляд, скорее панковская, чем хардроковая. Ближе к панку и "What Goes around», очень крутой и захватывающий трек, жаль, что его засунули практически в конец альбома. В целом, песни звучат в одном ключе – это более среднетемповые или скорее более быстрые, но неизменно энергичные треки с тяжелыми гитарами, с небольшими но клевыми соляками и хрипловатым вокалом. Баллад нет.

В общем, "Electric Sounds" – достаточно простой по подаче, довольно жизнерадостный, немного грязноватый, но все же достаточно четко выверенный по звучанию и настроению. Если нравится харда с панком, гаражный рок и более легкая подача, данный опыс можно попробовать послушать. Также отмечу, что Данко Джонс известен читателям Дарксайда в качестве рок-журналиста. У него даже есть свой регулярный подкаст, в котором Данко высказывает свое ИМХО о событиях в мире рока и металла и попадает в нашу новостную ленту. В общем, местный Юрий Лоза, только посерьезнее…

The Sinner  22 ноя 2023

Melodic Death / Progressive Metal / Metalcore - крутая такая бомбическая сцепка, притом спродюсированная по звуку на этом альбоме на очень большие баллы. Специально проверил - в альбоме Gone Are the Days 2022 года тоже очень хороший звук. Будто я подумал, что раньше звук похуже был. Ну невозможно же быть красивым таким всё время...
Раньше был шок и полный капец, культурно выражаясь, от представленного музла GONE ARE THE DAYS, сейчас то же самое. На новом уровне, само собой. И да, то было год назад, сегодня новое потрясение.
Из простых вопросов. Вот есть коммутация - Melodic Death / Progressive Metal / Metalcore - и что более в итоге перевешивает? Вижу так: два первых тэга превалируют, но металкор как бы поддался и, присутствуя здесь в немалых количествах золотого, идеально обработанного -core, сдал все прелести, все самые забойные свои запчасти двум первым дефинициям. Можно сказать, что и разоружился. НО... все вот эти металкоровые драгоценности сыграли в итоговом миксе, обозначенные, упрямо злодейские.
Правда интро, вот это на две с половиной минуты, сбило с толку (и далее надо чередовать группе GONE ARE THE DAYS такие вещи со своим изуверским прогрессивом и MDM). Дело в том, что первый трэк - это прелестная атмосферно-академическая игрушка, которую надо слушать на супер-дорогих колонках, и она принадлежит миру мертвых DOOM Metal. Располагая такую вещь на старте диска, команда как будто подписала себе какой-то странный приговор.
Который разбивается в клочья-дребезги элегантно скачущим трэком "Assault Course" - прогрессивно-безумным, на три-четыре вокала - удаляющимся стремительно за горизонт и, что характерно, утаскивающим за собой офигевшего слушателя. С этим, свободного кроя MDM, расширительно беззаботным в стилистике, как какая-нибудь наработка классического мастера. И здесь скажу: хороший, как минимум средний аппарат для прослушивания GONE ARE THE DAYS рекомендуется, и колоночки - чтобы полыхало из них по низким частотам.
Тут уж трэк «Burnout» звучит, где два экстрим-вокала - низкий и высокий - кажется, запытают чистый вокал. Ну что ж поделать, не мы такие, а времена тяжелые. И вновь, и далее многослойность звука - очень сложная и драматическая. Сразу же подумалось, что композер мудро и вовремя остановил бег своей фантазии на том количестве составных частей, которые способен воспринимать человечий разум. А то запросто мог бы еще пару подкинуть. Такое бывает. И атмосфера вложена сюда соответствующая...
В данном случае мне не достался буклет и предполагаю, что в записи этого альбома GONE ARE THE DAYS участвовало тоже 4 вокалиста - как в прошлом. Но варианты, как вы понимаете сами, всё-таки есть. При нынешнем бурном развитии металлического движа в стране.
И что-то мне трэк "Imbalance" приглянулся каким-то неземным очарованием и Дум-Дэтовым началом, а потом речитативом с какого-то неведомого смысла. А внутри расположились хоровые темы, которые с течением времени стали слегка походить на фолк-хоровую нордическую традицию, возможно норвежскую - с высокими голосами. На всякий пожарный случай это подпалили харш-вокалом. Ну, как бы чего не вышло...
Что тоже характерно, вроде трэки и не мелкие, а всё каждый раз думаешь, что-то коротковато сделали, хочется продолжения банкета. Тоже знаете, дар божий - вовремя остановиться.
Этот альбом GONE ARE THE DAYS состоит из двух частей - во второй расположены инструментальные трэки, она более адресована музыкантам, мне так кажется, потому что феерия вокалов здесь не отвлекает от инструментальной фантасмагории. (Ну вот, слово это произнес в уме, и сразу же Annihilator вспомнился). Так что инструменталы можно послушать и меломанам, там есть что лицезреть, от чего кайфануть.

resurgamresponses  20 ноя 2023

В 1994 году вышел великий, непревзойдённый "Immense Intense Suspense" от нидерландской авангард-дэт-группы Phlebotomized. Для многих, как и для меня, он стал откровением, шоком, музыкальным шедевром, перевернувшим видение всей музыки. Хотя в целом выпуск диска не был коммерческим успехом, коллектив получил свою долю похвалы и внимания, которой, однако, оказалась недостаточно, чтобы кто-либо выкупил у группы контракт с локальным лейблом Cyber Music - из-за хитросплетений в договоре музыкантам пришлось остаться на лейбле без какой-то значительной поддержки. Альбом "Skycontact" записывался уже по сути распадающейся группой: сначала ушел скрипач Мартен Пост, затем гитарист (и в будущем один из самых известных... шеф-поваров Нидерландов) Йорди Миддельбосх объявил о том, что допишет альбом и уйдёт. Вшестером они отправились в Бовенкарспел записывать пластинку. Вскоре после сессий состав покинул и сменивший основателя Патрика ван дер Зее басист/скрипач Яро Штулрайтер. Звуком заведует мастер своего дела Хан Свагерман-старший, и планка качества фирменного Beaufort-саунда тут вновь на высоте. Однако у его работ есть извечный бич - чистый или низкий вокал бывает слишком тихим в общем миксе, что для меня составляло единственный минус предыдущего лонгплея.

Музыкально Phlebotomized тоже резко сменили вектор. Хотя группа и видела свет в конце тоннеля, это не ощущается беглой попыткой издать какие-то сырые наработки, а совсем наоборот, всё чувствуется как музыкальное заявление, посягательство на уже непосильное. Всё больше элементов дэт-метала улетучивались, а заменялись более фривольными и арт-роковыми по природе формами, в целом музыка "расслабилась", обычный термин "полегчала" здесь не подходит полностью. А связано это с тем, что музыкальное лидерство на этот раз взял на себя барабанщик Лоурэнс Пэйн, который сильно устал от дэта и дума, и вносил большое количество разноплановых, но куда более мягких музыкальных идей. Никто сопротивляться не стал, поскольку "они всё еще считали, что это тяжело и мощно", как признавался Том Палмс. Он здесь отметился как главный сонграйтер лишь на инструментале "Sometimes", написанным под впечатлением от стихотворения отца гитариста, представленного в буклете. Этот мягкий инструментал развивается не спеша, затягивая медленно, но верно. Бас Штулрайтера наигрывает монотонную линию, а клавишные создают достаточно мечтательную атмосферу. Барабаны Лоуренса Пэйна достаточно динамичны, но кажутся несколько прямолинейными, вероятно, чуть больше смелости в партиях улучшили бы восприятие альбома. Или, возможно, я слишком привык к молотильным паттернам, выскакивавшим на "Immense Intense Suspense". Гитары звучат в целом ещё тяжело, но эта тяжесть не совсем дэтовая, она скорее отсылает к более мелодичным жанрам. Вокал Денниса Гестмана перестал быть глубоким гроулом, теперь он немного похож на пение Матти Кярки из Dismember. Чистый вокал Пэйна звучит ещё лучше и чётче, чем на том же альбоме Obtruncation. Из более тяжелых хитов мне по душе вступительный "StoleShowSoul", который понравился с первого раза, хотя смысл семплов мне так и остался неясен. "I Lost My Cookies in the Disco" - трек с чудаковатым названием, похоже, является наиболее дэтовым здесь, даже с бластбитом и хриплым гроулом. Также в нём есть очень хороший грувовый рифф ближе к середине. Центральной песней "Skycontact" является грандиозная "I Hope You Know" - самый длинный трек в дискографии Флебов, разделённый на 4 части. Если "A Cry in July" представляет собой симбиоз грувовых дэт-частей и грустноватой интерлюдии в стиле арт-рок-мастеров между ними, то следующая секция будет посвящена больше переживаниям лирического героя, которого, судя по сильно метафоризированному тексту, терзает чувство вины, которое он почему-то не может успокоить. Третья часть "Imagine This" является быстро развивающимся треком с нотками дэтовой ритмики, а вот реприза первой части в виде "Out to You", которую своим природно низким голосом протягивает Пэйн, хоть и не так пробивает на эмоции, как "Gone..." на предыдущем полноформатнике, но всё же является красивым и уместным завершением альбома. Стоит отметить, что скрипки здесь уже меньше - хотя на "Immense Intense Suspense" она играла для меня порой решающую роль, на "Skycontact", я думаю, её ровно столько, сколько требуется. На диске также есть "нулевой трек" на 444 секунды "Dizz-tance", спрятанный как дорожка 0 в самом CD, что не дало пиратским версиям (включая ту, по которую альбом все знают в России - "оранжевую кассету" Angel's of Hell Records) его захватить.

"Skycontact", полный более философских текстов, скорее лирикой выражает суть своего названия - развивая прослеживающуюся ещё на прошлом альбоме тему отчуждения во внутренний мир. Это задевание тех колонн, на которых держится мир грёз героя, восходящий в небеса. Он так же обволакивает, как и медленно разъедает душу; будучи отрезанным от всего, человек перетасовывает одно и тоже в себе, находясь в мнимом катарсисе, но на самом деле никак не продвигаясь, не улучшаясь, не решая проблемы и не находя истинные ответы на свои терзания. Словно неспроста, именно первый трек "StoleShowSoul" начинается с не-ментальной, скорее социальной темы, обрываясь и в конце начиная уходить во внутренний мир: анализ общества заканчивается, толком не начавшись, какими-то поспешными и неверными выводами героя почему-то о себе, высказанными злым причитанием Гестмана.

Хотя, да, данный альбом отличается разительно и обожается даже больше "Immense Intense Suspense", мне он поддался не с первого раза и, возможно, всё еще не полностью раскрылся, но отрицать его особенную высокодуховную атмосферность и музыкальное великолепие будет дилетантством. Не могу поставить "Skycontact" ниже 10 баллов. Тем не менее я всегда ставил лонгплей 1994 года выше (впрочем, это скорее не камень в огород второго полноформата команды, а моя безумная персональная привязанность к дебютнику). Я считал, что группа при создании этого альбома и ухода от дэтовой основы шла по крайне тонкому льду. Так же думали и сами Phlebotomized, к моему немалому удивлению. Музыканты, как говорил позже Палмс, очень боялись в своём полёте мысли перемудрить, сделать музыкальную химеру. У них были все шансы написать в погоне за необычностью и сложностью слабую и нелепую работу, чем "прославились" Pestilence, на что из-за сжатых сроков создания претендует часть материала "Элементов" Atheist (судьбы у двух этих альбомов очень схожи), что предпочли не делать, сменив жанр, в Disharmonic Orchestra, и чем всегда славились работы Misanthrope. Но интуиция их не подвела - "Skycontact" не ощущается каким-то искусственным месивом, а вполне целостна и красива не только на бумаге. Хотя группа уже планировала третий альбом, где атмосферные части были бы менее пространны и место вновь было бы отдано под тяжеляк, который Палмс описал как дэт/грув (было бы интересно поглядеть, так как вещь вышла бы тоже новаторская, и кстати, более пригодная к продаже), этим планам не суждено было сбыться. Недостаток поддержки лейбла погубил всё полученное силами первого альбома, часть фанатов не поняла новой музыки, а чувство того, что группа поплыла музыкально куда-то не туда, в итоге пересилило Палмса, и он в конце 1997 года прикрыл лавочку.

Прикрыл до лучших времён...

IJzerklompje  18 ноя 2023

В комиксах, фильмах, играх популярен архетип свихнувшегося/злого ученого, который, при всей своей хитрости и гениальности, является крайне изощрённым маньяком со специфическим почерком. В тяжелом металле такими учёными можно определённо назвать иллинойских мясников Macabre. Порой принципы и закономерности работы этой скотобойни не поддаются объяснению - до такой степени, что весьма гордое самоопределение "murder metal" было покорно приписано критиками репертуару данной формации. В 2000 году на суд уголовный общественный был представлен альбом "Dahmer" - своеобразная метал-биография знаменитого серийного убийцы Джеффри Дамера. В те времена Интернет ещё не был тотально распространён и переполнен информацией, поэтому чтобы собрать всю полноту сведений о Дамере, музыкантам пришлось самим искать книги, копаться в архивах, а лидер группы даже смог получить аккредитацию на посещение всех слушаний по делу, на которых он тщательно записывал в блокнот все слова государственного обвинения, чтобы добавить больше подробностей в альбом (это напрямую упоминается и в самой песне "Trial"). Так что и над музыкальным наполнением, и над текстами и их достоверностью был проведён титанический труд длиной в 10 лет.

Музыкально данный концептуальный альбом о психопате-негодяе, похоже, не ограничен в буквальном смысле ничем - в общем нездоровом угаре под "murder metal" переоборудуется всё - от дэта, хардкора и блюза до рекламных джинглов, детских считалочек и кантри. Звук гитар тут вышел фантастическим, и то, как он подстраивается под каждую пародию, оставляет неизгладимо положительное впечатление и похоже, является основным фактором, позволяющим этому альбому, несмотря на то, какой термоядерной смесью он является, идти как по маслу. Ни один элемент не отторгается как инородный, и ни один трек, даже без учёта последовательности повествования, здесь не хочется пропустить - уж больно любопытно, насколько что прогнило. И кроме таланта рассказывать истории, музыканты умеют и обращаться с инструментами - мы видим разноплановые соло от Ларса "Corporate Death" Ленсиони, слышим радующий переборами и солирующий на мощном треке "Apartment 213" бас Чака "Nefarious" Лецевича, а неугомонные молотящие барабаны Денниса "Dennis the Menace" Ричи наполнены одними из самых сладких сбивок и филлов, что я где-либо имел честь наблюдать. Полно здесь и голосовых трюков - как и чуть ли не мультяшно-высокий, надломленный психо-голос от Corporate Death, так и брутальные, низкие вариации вокала, я уже не говорю про единичные появления других методик пения чисто под соответствующую песню. Несмотря на всю драматичность и мрачность сюжета, несколько юморные мотивы словно насмехаются над нулевым величием Дамера. Выделяя наиболее любимые вещи, тут нельзя пройти мимо вступительной "Dog Guts", развесёлой "Grandmother's House", намеренно атональной "Exposure", стоунер-номера "Christother Scarver" и уже упомянутой выше "Apartment 213". Однако как бы эти пьески не были замечательны, намного лучше диск заходит как единое целое. Впрочем, для концептуального альбома это немудрено.

"Dahmer" - одна из жемчужин тяжелого металла, от группы с широким кругозором и чувством юмора. Считаю эту работу попросту обязательной к ознакомлению. Бесспорная десятка данному, ни на что не похожему труду.

IJzerklompje  18 ноя 2023

Одной из самых известных и великих групп, вышедших из Страны Тюльпанов, является уникальный арт-рок-коллектив Ekseption. По легенде, однажды бэнду, основанному Рейном ван ден Бруком, пришло предложение составить аккомпанемент академическому оркестру, и его группе дали на разучивание Пятую симфонию Бетховена. Хотя оркестр и посчитал выступление с поп-коллективом выше своего достоинства и мероприятие сорвалось, ван дер Бруку исполнять аранжировки классики на джазовый манер пришлось по нраву. После того, как состав пополнился талантливейшим мультиинструменталистом и выпускником консерватории Риком ван дер Линденом (родственником известного барабанщика Focus Пьера ван дер Линдена), под впечатлением от групп The Nice (благодаря их концерту в Роттердаме, Ekseption и повернули в сторону расширения арсенала роковыми приёмами и электромеханическими клавишными) и Jethro Tull звучание коллектива приобрело больше арт-роковых фрагментов. С изменением вектора поменялся и состав: было рекрутировано несколько новых исполнителей, среди них флейтист/саксофонист Роб Крёйсман, гитарист/саксофонист Хёйб ван Кампен и барабанщик Петер де Леуве. После победы на джазовом фестивале, группа в качестве награды заработала контракт на лейбле, принадлежавшим (кому же ещё локальный мейджор может принадлежать в Нидерландах?) Philips. Найдя успех у публики со своими аранжировками мировой классики, музыканты записывают дебютник "Ekseption" (также в некоторых изданиях названный "Classics in Pop"), позволившей группе стартовать удачно. Вышедшая синглом аранжировка Пятой симфонии попала на верхние строчки локальных и европейских чартов, а сами Ekseption не раз попадали на ТВ с данным репертуаром.

Дебютный альбом представляет из себя солянку из каверов на различные жанры классической и камерной музыки, а также джаза и арт-рок-коллективов. Конкретно роковых элементов здесь пока не так много, явно меньше, чем на последующих четырёх альбомах. Электрогитара на этой пластинке исполняет лишь вспомогательную функцию, например, в кавере на Jethro Tull "Dharma for One" - активничает в основном трубач ван дер Брук, в тандеме c ван Кампеном и Крёйсманом на саксофонах. В этом плане стоит отметить единственную, скромную, но далеко не робкую попытку сочинить уже что-то своё - джазовую композицию "Little X Plus" - здесь Крёйсман показывает хорошие навыки игры на флейте. Своё слово скажет и Кор Деккер с крайне запоминающейся, ритмичной басовой линией. Также очень удачно звучит вкрапление вибрафона в композицию. Пойдём дальше. Фундамент всей музыке на альбоме придаёт Рик ван дер Линден - клавишник и основная движущая сила коллектива. Переключаясь между стандартным фортепиано и Хаммондом, он раздвигает границы трёх жанров достаточно виртуозным исполнением (как он сам говорил, в Ekseption он видел больше простора для творческой мысли, чем в рамках академических формаций). Особенно мне по душе пробиваемая на контроктаве фортепиано басовая часть, а затем переход на верхний мануал Хаммонда в обработке "Танца с саблями" Арама Хачатуряна - прочтение вышло крайне затягивающим и удачным. Также не могу пройти мимо замечательной "Рапсодии в стиле блюз" Джорджа Гершвина - хотя с напором в серединной части, на мой вкус, ван дер Линден переборщил. Трек "This Here" - вариация на композиции Бобби Тиммонса - лишился характерной соулу крайней лёгкости и непринуждённости, но звучит весьма пристойно и в данной аранжировке, похожей на смесь блюзового настроения и джазовых духовых мотивов.

"Dance Macabre Opus 40", нам известная больше по перезаписи 1981 года в качестве мелодии оглашения результатов игры в "Что? Где? Когда?", в данной версии словно бы не обладает именно тем более подплясным и костлявым мотивчиком (ибо это данс-макабр, а не абы что), который придавал мелодии ксилофон, но сильно строго относиться к этому не берусь, так как, возможно, действует факт того, что на поздней версии я, как и многие из нас, вырос (стоит заметить, что звукорежиссёрская коллегия ЧГК подвергла композицию Ekseption ремикшированию с небольшой долей отсебятины). Кроме того, версия "Арии" Баха, которая мне почему-то никогда не нравилась, вышла весьма очаровательной. Заметны там мягкие барабанные линии барабанщика Петера де Леуве.

Подводя итог, можно сказать, что для дебюта группа показала и мудрость в выборе материала для переаранжировки, и умение не испоганить классику, при этом сделав её доступной массовому слушателю, а прочтение выдать неизбитое. Кроме того, отличный трек "Little X Plus" намекает на обладание музыкантами потенциала писать своё. Крайне хороший дебютник, который, однако, будет в какой-то мере контрастировать с остальным периодом творчества Ekseption, вплоть до ухода Рика ван дер Линдена в 1975 году благодаря сильно перевешивающей джазовой основе музыки. Но начало было положено, как отправная точка этот альбом крайне хорош, и не уступает последующим работам хоть как-то существенно.

Увы, все музыканты, принимавшие участие в записи этой пластинки, и многолетний продюсер группы Тони Вос, отошли в мир иной. Я, как и многие любители хорошей, толковой музыки, буду чтить их память.

IJzerklompje  17 ноя 2023

КОГДА ОДИН ЛУЧШЕ, ЧЕМ ДВА.

В повседневной жизни подобное происходит сплошь и рядом. Да и в рок-музыке такое случалось не так уж и редко. Вот одна из похожих историй.

В далёком уже 1977 году канадская группа под названием Bachman-Turner Overdrive, основательно обосновавшаяся в США, выпустила свой шестой студийный альбом "Freeways", не принёсший, впрочем, ей сколь-нибудь ощутимых дивидендов (лишь 70-е место по версии US Billboard 200, что стало всего-то повторением результата их дебютного диска 1973 года). После шумного успеха LP "Not Fragile" в 1974 году (1-е место в US Billboard 200), каждая последующая пластинка ВТО неизменно падала всё ниже и ниже. И не только потому, что новая была хуже предыдущей: не ощущалось всеми ожидаемого развития, группа словно зависла, тщетно пытаясь проделать шаг вперёд, по результатам же оказывался откат на два шага назад.

В сложившихся условиях, казалось бы, роль лидера возрастала в разы. Но в этой истории всё вышло иначе. С учётом предыдущих трений с Френком Тёрнером и намерений наконец-таки начать сольную карьеру, первым сломался как раз-таки Рэнди Бэхман, ведущий музыкант ВТО. Едва поднялась волна негатива после релиза первого тиража "Freeways", Рэнди решительно объявил о своём уходе из группы. И это в то самое время, когда за его командой перед компанией Mercury оставался долг в виде двух полновесных альбомов, которые музыканты ВТО обязаны были подготовить за ближайшие 18 месяцев.

Тот же Ф. Тёрнер так объяснял причину демарша лидера группы: "Поскольку Рэнди финансировал нашу деятельность, всё шло по его и Mercury графику. После "Freeways" наступил критический момент, когда Блэр, Роб и я заявили Рэнди, что мы перегорели, что нам не нравятся песни, что пишем мы, и песни, что писал он, и что самое лучшее сейчас притормозить. Рэнди ответил тогда, что его песни хороши. Именно он форсировал запись "Freeways", что и положило тогда конец той версии ВТО".

По правде говоря, первоначальным намерением Р. Бэхмана было лишь на некоторое время приостановить активность группы и скорректировать условия соглашений с Mercury, пока он занимается своим сольным проектом. Однако боссы компании вынуждали ВТО придерживаться договорных обязательств. С Рэнди или без него.
Робби Бэхман как-то где-то отметил, что музыканты планировали встречу четвёрки, чтобы обсудить вероятность возвращения музыки группы к рок-н-рольным корням после относительного фиаско "Freeways", но Рэнди было уже не переломить. Встреча так и не состоялась. В то время даже упёртый Фред Тёрнер был за то, что составу следует взять паузу. Без Рэнди будущее ВТО представлялось беспросветным, но Блэр Торнтон и Робби Бэхман убедили Фреда в продолжении жизнедеятельности группы. Пусть даже без Р. Бэхмана и с изменённым названием.

Тут дело было вот в чём. Когда Рэнди официально оформлял свой исход из состава квартета, то заявил бывшим соратникам, что оставляет за собой права на использование своей фамилии в названии Bachman-Turner Overdrive. И это в то время, когда в рядах команды оставался ещё один из Бэхманов, младший брат Робби. После чего за 18.000 долларов уступил право на использование аббревиатуры В.Т.О. (именно в таком виде) трём оставшимся участникам группы.
(Не исключено, впрочем, что сюда примешивалось ещё одно обстоятельство: Р. Бэхман не желал стать мишенью в случае неудачи будущего альбома группы.)

Вся эта канитель длилась больше года. Нечто подобное с Рэнди в прошлом уже случалось, когда он покидал состав своей предыдущей канадской группировки The Guess Who на пике её популярности, чтобы в 1973 году основать ВТО. Тогда причина была более чем очевидна, и лежала, что называется, на поверхности: уж очень музыканты The Guess Who налегали на наркотики, противником чего Рэнди Бэхман, как истовый католик, всегда являлся. Это обстоятельство, кстати, было одним из основных условий при формировании новой группы, возможно поэтому в самом первом составе Bachman-Turner Overdrive оказались ещё два брата Рэнди, музыканты не самые сильные, зато благонадёжные.

В качестве замены Р. Бэхману был приглашён уже достаточно опытный музыкант, бывший участник статусной команды April Wine из Канады Джим Кленч (Jim Clench), у которого разладились отношения с неформальным лидером AW Майлзом Гудвином (Myles Goodwyn). Рокировка эта выглядела, по меньшей мере, странной. Мало того, что Дж. Кленч уже почти два года мыкался без серьёзных предложений, перебиваясь случайными сессионными подработками у посредственных исполнителей, так ещё он, как и Фред Тёрнер, являлся бас-гитаристом. Впрочем, как и Тёрнер, поющим, что, видимо, многое решило.

И всё же, что тогда оказалось более весомым - тайна покрытая мраком. Ф. Тёрнер переключился на гитару, Кленч занял его место. Вокальные диапазоны и того и другого были близки, но, будем откровенны, до уровня Рэнди Бэхмана оба явно не дотягивали. В сложившихся обстоятельствах роль ведущего гитариста Блэра Торнтона возросла кратно. И, надо это признать, Блэр не подкачал, став, пожалуй, единственным в составе, к кому трудно предъявить претензии.

Уже годы спустя ту ситуацию так прокомментировал Брюс Аллен, один из менеджеров группы того времени: "Фред пытался играть на гитаре, но в качестве фронтмена он смотрелся так неуклюже, что лучше бы этого не делал. Фред был прирождённым басистом-лесорубом, топающим по сцене. Им ему и следовало оставаться".
Впрочем, и сам Тёрнер уже после выхода "Street Action" в интервью одной из газет в июне 1978 года был достаточно самокритичен: "...Пожалуй, нам не нужно больше биться лбами о стену. Я люблю музыку кантри. У меня семья и трое детей. Есть другие способы, чтобы как-то продолжить”.

Уже из этого его высказывания можно делать предварительный вывод, что с вышедшим в феврале 78-го года альбомом В.Т.О. что-то не так. Впрочем, судите сами: лишь 130-е максимальное место по версии US Billboard 200, и это худший показатель за всю предыдущую историю группы. Ни одного хита и полный коммерческий провал. Перемены в составе определённо сказались на реализации "Street Action", хотя, как отмечали критики, звучание квартета стало тяжелее, чем в предыдущих работах ВТО. С этим, конечно, можно было бы поспорить.

Даже одна, казалось бы, из самых заметных песен "For Love" с характерным звучанием для хитов группы 1974 года ("Let It Ride" или, допустим, "You Ain't Seen Nothing Yet"), в 1978 году для широкой аудитории уже оказалась малоинтересной.

Замечу, что при Рэнди Бэхмане Фред Тёрнер пел только в собственных песнях, а таковых было не так уж и много. Джим Кленч в April Wine также пребывал в тени Майлза Гудвина и солировал эпизодически. Теперь же оба примерно в равной мере стали ведущими вокалистами. При этом Ф. Тёрнер не столько пел, сколько кричал в микрофон. Не сильно лучше с этим обстояли дела и у Дж. Кленча.

Как бы то ни было, несколько номеров из программы "Street..." заслуживают внимания. Один из них, несомненно, "Madison Avenue" с нестандартным для этой группы началом, с несколькими привлекательными пассажами и акцентированно джазовым соло на саксофоне. Переход после пасторального акустического вступления к хард-року представляется в какой-то степени экстремальным и, пожалуй, даже спорным решением. Но ещё хуже обстоит дело с вокалом. Жёсткий колючий голос Фреда совсем не соответствует содержанию текста:

"Блюз Мэдисон Авеню
Не выходит из моей головы.
Там люди живут в просроченном времени
С проблемами, пожирающими их заживо.
Тех, кто перестаёт жить,
По очереди меняют другие...
... Так что жизнь продолжается
И люди продолжают принадлежать Мэдисон Авеню
С тем, во что они пытаются верить.
Но очень немногие становятся свободными
На Мэдисон Авеню..."

Ещё один примечательный и нетривиальный трек поджидает слушателя в концовке программы альбома - тягучий блюз "The World Is Waiting For A Love Song". И это едва ли ни единственный подобный опус в репертуаре группы. Выдающимся этот номер, наверное, не стал, хотя Б. Торнтона с его гитарной партией следует отметить. И пожалуй, именно классическое блюзовое обрамление более всего подходит содержанию этой композиции:

"Как много песен о любви люди поют от горя
В надежде дотянуться до тех, кто рядом,
Но словно упираются в каменную твердь.
И тогда напрасны мучительные призывы,
Надежды, потаённые мечты.
Проходит череда одиноких лет
И даже следов от слёз не остаётся..."

С особенностями вокала Ф. Тёрнера, как, впрочем, и Дж. Кленча, обоим, по всей видимости, стоило бы петь о чём-либо другом, но уж точно не о любви. Вот, допустим, как в "Down The Road". Наверное, это не лучшая попытка переписать "Roll On Down The Highway" (из LP "Not Fragile"), но даже эта рядовая, казалось бы, песня воспринимается куда позитивнее, чем "Takes A Lot Of People", в которой музыканты В.Т.О. предстают некими простоватыми лабухами в каком-то захудалом ресторане.

Не может не обратить на себя внимание и композиция "A Long Time For A Little While". Стилистически эта вещь ближе всего к достаточно редкому формату "коктейль-джаз-баллада", неплохо в прошлом освоенному группой. Достаточно вспомнить, скажем, номер "Lookin' Out For #1" (из пластинки "Head On", 1975 г.) или "Welcome Home" из "второго ВТО" (1973 г.). В обоих случаях, впрочем, то были песни Рэнди Бэхмана. На этот раз обошлись без него и в общем-то справились. Хотя, быть может, недостаёт мелодического лоска и лирических тонкостей, но в целом "A Long Time..." выдержана в жанровых рамках. Разве что песенная поэзия Джима Кленча слегка озадачивает:

"Кто-то живёт долго, кто-то не очень,
В любом случае это не более чем мгновение.
Будущее начинается там,
Где заканчивается прошлое.
Это всего лишь жизнь, от начала до конца.
Единственное, что я знаю наверняка,
Это то, что все мы в своё время умрём...
Так что довольствуйся - у тебя есть шанс,
Как и у меня тоже..."

В каком-то смысле эта песня является своеобразным камертоном, с помощью которого несложно определить, что и сколько потеряла группа без Рэнди Бэхмана. Дж. Кленч как ни старался (если, конечно, старался) как-то сгладить врождённую угловатость Фреда Тёрнера, не слишком в этом преуспел. А продекларированные творческие усилия всего квартета в работе над программой "Street Action" оказались скорее условными, чем реальными. Что-то мне подсказывает, что парадом командовал всё же Ф. Тёрнер и, стало быть, подтягивал одеяльце на себя, как это в своё время делал Р. Бэхман. И не сказаться на качестве предложенного этой пластинкой материала это не могло.
И не сказалось.

МихаилБогданов  17 ноя 2023