Ничуть не претендую на нерушимую истинность своего наблюдения, но в рамках гранж-движения, именно группы, в большей своей части состоявшие из выходцев из-за пределов штата Вашингтон, были дальше всего от присущей аборигенам тоскливой обречённости и прочих стереотипных атрибутов гранжа – Mother Love Bone не дадут соврать.

Вот и одноимённый дебют Hammerbox – его основа замешана, казалось бы, на том же хлёстком осовремененном панк-роке, нервном надрыве и эмоциональном вокале, а всё равно звучит по-другому. Во-первых, несмотря на общую неряшливость звучания, преподносится всё достаточно чисто – видится, что столь любимые Кобейном «саббатовские» низкие частоты обошли наших героев стороной. Во-вторых, лиричность альбома ничуть не лишена всякого рода бунта и душевных переживаний, но концентрация их не угрожает рассудку и совсем уж не носит интровертный характер. И, в-третьих, на вокале Кэрри Экр – самая голосистая девчонка местной сцены, и «одна из» во всех девяностых, в целом.

Забегая вперёд, стоит отметить, что «андеграундная» природа первого альбома Hammerbox выделила его на фоне альбома второго, «мажорного». Здесь гораздо больше чувствуется расслабленный подход, придающий некое разнообразие – гитары не слишком часто, но всё же иногда радуют неожиданными сменами ритма и мелодики – различными контрастными кусками оформляются некоторые структурные переходы песен. А иногда встречаешь и то, чего совсем не ожидаешь: в «Under the Moon» и «Kept House», к примеру, группа открыто обращается к пост-панку, а в «Rain» слышишь самое что ни на есть… кантри – никак иначе, гитарист Харрис Фёрмонд решил вспомнить свои техасские корни. Подобные излишества, хоть, и не играют какой-либо решающей роли, но свою «изюминку» альбому добавляют, наравне с общим музыкальным шармом Того Самого, ещё не столь известного Сиэтла.

Tomahawk  22 авг 2020

В период, когда "Hybrid Theory" продавался по полмиллиона штук в месяц, «мазафачный» андеграунд жил своей жизнью, продукты которой продолжают радовать сегодняшних любителей услышать что-то менее известное, но не менее интересное. Уличить в особом новаторстве те коллективы было нельзя, а вот в самодеятельной демонстрации идей, утверждённых столпами жанрами, некоторые из них преуспели немало.

Калифорнийцы NMSO4 велосипед изобретать тоже не стали. От отцов – Korn – были позаимствованы самые основы в виде воплощения ритм-секции с её всеобъемлющим гитарным риффингом и его связки ударными и басом – то, что простонародье величается «жиром» и «качем». Одновременно с этим, группа всячески избегает всякого рода фанковых влияний, делая свою ритм-секцию более агрессивной и прямолинейной. Часть нагрузки в этом направлении на себя берёт довольно незатейливый скрэтчинг, иногда выступающий в качестве усилителя ритм-секции, а иногда несущий простейшие, сугубо декоративные функции в виде обрамления межтактовых переходов. Несмотря на то, что всякого рода «вертушки» и прочие электронные вкрапления могут вызвать стойкие ассоциации со Slipknot, гораздо больше родства у NMSO4 находится не с кеми иными, как Coal Chamber времён их первого альбома. Тут и тревожные акустические вставки – как задающие тон всему мелодическому вектору отдельной песни, так и действующие где-то в тени общего буйства – и общая, по-настоящему мрачная и шизофреничная атмосфера, в создании которой свою роль играет и оккупировавший микрофонную стойку Джеймс Гэбриэл. Парень, безусловно, уступает в своей квалификации и Дезу Фафаре, и Джонатану Дэвису – но вот в чём в чём, а в отсутствии старания его упрекнуть никак нельзя. Сдавленный шёпот, оголтелый рёв, чистый вокал, речитатив – да, иногда, кривовато и неуклюже, но весьма искренне и при общем, «любительском» статусе работы весьма убедительно.

А вот плане имиджа, группа оказалась не то, чтобы оригинальной, но в рамках жанра перещеголяла того же Деза Фафару и Slipknot (от которых на некоторое время переняла моду на комбинезоны), оказавшись ближе к «белому» хорроркору в лице Insane Clown Posse и Twiztid – всё-таки, ещё одна группа в масках, пусть даже и вне мейнстрима, была бы явно лишней.

Конец же NMSO4 оказался несколько интереснее, чем у сотен их обмякших в вечности собратьев: сразу после очередного концерта, вокалист и басист оказались в заботливых руках американской полиции, причём, последний вскоре и вовсе задержится в местах не столь отдалённых – то ли за дебош, то ли распространение продукции альтернативного садоводства. А сам Джеймс Гэбриэл и сотоварищи, уже под вывеской Crooked, выпустят альбом под чутким руководством самого Дино Казареса… Впрочем, это уже совсем другая история.

Tomahawk  14 авг 2020

В конце 90-х Orgy, хоть и не выстрелили, но всё же получили немалую долю заслуженной славы благодаря футуристичному имиджу, воплощающему трепет перед магией Миллениума и, конечно же, Гэри Ньюманом, незаурядному на то время музыкальному материалу, а также покровительству не кого-нибудь, а находящихся на тот момент в зените славы Korn. Джош Абрахам, вскоре ставший одним из самых востребованных продюсеров не только в мейнстримном роке, но и поп-музыке, прославился именно после работы с альбомами "Candyass" и "Vapor Transmission". Однако, прошедшие с того времени 6 лет привели Orgy к состоянию своеобразного одиночества, поскольку покровительство всесильных Korn осталось в прошлом: те вошли в период собственных противоречий, как творческих, так и личных. А спад популярности подобных им групп рисковал отозваться и на самих Orgy.

Собственно, в таких условиях и был рождён "Punk Statik Paranoia" – релиз наименее популярный в их скромной дискографии и часто называющийся ню-металлическим по причине отхода в сторону более прямолинейного звука. Отчасти это является правдой, но таковым альбом является скорее по форме, нежели по содержанию. Абсолютное большинство песен выглядят закономерным и удачным плодом кондиций, достигнутых на "Vapor Transmission", но обёрнутых в более плотную гитарную оболочку при общем снижении участия «синтетики» в построении мелодических линий и переходов между ними. Как и ранее, на откуп полноценным риффам отдаются наиболее сильные моменты песен, куплетные же части которых остались за минималистичной связкой из баса и одиночных «всплесков» гитары. А вокал Джея Гордона продолжает добавлять львиную долю мелодизма при самых простых ходах ритм-секции.

Впрочем, весьма забавно, что при всех имеющихся плюсах, Orgy сами себе подложили поросёнка, ни с того, ни с сего включив в альбом сразу три песни, чьё существование вызывает гораздо больше вопросов, чем требуется. «Beautiful Disgrace», «Pure» и «Can’t Take This» выглядят «белыми воронами» по всем параметрам. Как в плане микширования, так и стилистически, эта троица полностью отвечает ню-металлическим канонам, начиная от жирного риффинга, кончая переходящим в речитатив Джеем Гордоном, чьи возгласы «fuck!» вызывают скорее улыбку, нежели доверие. Собственно о том, оправданно ли включать в альбом песни в совершенно чуждой для себя стилистике, к тому же выглядящие совершенно блёкло даже на фоне стагнирующего жанра, музыканты, судя по всему, задумывались не особо.

Но, при всём этом, свою долю великодушия по отношению к "Punk Statik Paranoia" может добавить тот факт, что третий альбом Orgy окажется и последним на данный момент – по крайней мере, в их классическом составе. Личные разногласия вскоре приведут к воплощению электронных увлечений Райана Шака и Амир Дерака в виде Julien-K. А уж на фоне кажущихся поистине преступными потуг Джея Гордона в современной версии Orgy, "Punk Statik Paranoia" и вовсе выглядит шедевром.

Tomahawk  13 авг 2020

Первое моё знакомство с «Looking Through» произошло достаточно давно и под сильным впечатлением ещё от первого альбома – собственно, именно по его вине, альбом второй мало того, что прошёл мимо кассы – вдобавок на его имя был выписан достаточно солидный список грехов, в число которых вошёл блёклый звук, куцые мелодии и полная импотенция в плане возможности вызвать хоть какой-то положительный отклик. С подобной характеристикой, в итоге, для «Looking Through» был выписан «волчий билет», а об его существовании решено было не вспоминать абсолютно.

Но, поскольку, эмоции – это зло, то добро в виде дара второго шанса (спустя много лет) всё же восторжествовало. По его итогам, практически все обвинения были благополучно сняты. «Блёклый звук», хоть, и далёк от симпатичного «глянца» дебютника, но и не грешит бездушной «пластмассой» - сошедшая с рельс мажорного Geffen Records группа самолично накрутила приличный саунд, подчёркивающий все сочные взаимные наложения гитар и синтетики. Вывод о «куцости» мелодий разбился в пух и прах сам собой – у «Looking Through» с этим проблем не возникло никаких (пожалуй, кроме слишком наэлектризованной «Disconnect»), несмотря на то, что группа слегка сместила их вектор в сторону более привычного ню-метала, но избежав губительного привкуса вторичности.

Несмотря на скромный коммерческий потенциал, альбом продолжил традицию приглашённых гостей – в «Don’t Stop» партия бэк-вокала осталась за Джейсоном Миллером из Godhead, а акустический бит в «Disconnect» вышел из под рук (точнее, палочек) самого Томми Ли, очень уж активно заигрывающего в то время с актуальным рок-звучанием. Впрочем, даже участие такого знаменитого плохиша не смогло добавить информационного шума, столь необходимого для альбома, так и оставшегося за плечами своего более благословлённого предшественника.

Подвести итог хочется весьма неожиданным и приятным выводом: второй альбом Professional Murder Music не предложил мне хоть сколько-нибудь значимых поводов придраться к его содержимому. Из незначимых же только два: я так и не смог определиться, стал бы инструментал «All Lost Things» ещё лучше, оформись он в виде полноценного вокального номера. И второй - лично я не такой уж большой фанат ремиксов, чтобы привечать их где-либо вне бонусной секции альбома - тем более, в основной его части.

Tomahawk  18 июл 2020

Стабильности Шмира и Ко можно только удивиться. Настолько, что эта самая стабильность иногда начинает видеться намного ближе или к неоправданной упёртости, или же к банальной творческой импотенции. Я прекрасно понимаю концепт лидера группы и его бессменного оруженосца Майка Зифрингера (который, по иронии судьбы, из группы не отлучался ни разу, в отличие от герра Ширмера) – обезопасить своё «чадо» не только от пагубных и скоротечных модных веяний, но и от любых изменений в рамках жанра, в принципе. Ну, разве нужна кому-нибудь очередная «паверская ересь» в стиле недавних Kreator? Тем более, с этим её «crush side by side»… бррр. То-то же!

Потому, взяв на вооружение принцип «шаг влево – шаг вправо», Destruction не выдали ничего нового, отчего в качестве мерила рука сама тянется взять, казалось бы, уже забытый «Under Attack», благо, параллелей с ним оказалось более, чем достаточно. Всё та же прорва абсолютно пресного материала, заряженного на скорость и избитые ритмические ходы – и всё те же редкие кровяные прожилки действительно вкусных моментов. При столь неприглядных обстоятельствах, последние, в силу своей «краснокнижности», заслуживают особого внимания. К примеру, как и в «Under Attack», одним из самых симпатичных здесь выглядит полуакустический боевик в виде «Butchered for Life», удивляющий тем, что, несмотря на почти семиминутный хронометраж, не мотивирует как-либо зевнуть, в отличие от большинства соседствующих с ним злобных трёхминутных карликов, среди которых всё же оказалась пара-тройка экземпляров, аборта не заслуживающих – «Tyrants of the Netherworld», по-панковски жужжащая «Filthy Wealth» или отдающая дэтовым душком «Ratcatcher». Неожиданно, добрым словом пришлось попомнить и NWOBHM – в первую очередь, из-за «We Breed Evil», чья очень уж «британская» гарцующая мелодия в припеве и неожиданная грувовая вставка в середине, вообще, тянут песню чуть ли не к статусу самой запоминающейся на альбоме. А бонусный хит Tygers of Pan Tang уж больно хорош сам по себе и нужно было бы очень постараться, чтобы его изгадить.

При всём этом, я искренне не понимаю смысла появления второго гитариста – впервые со времён «Человека-пушечное ядро» (который продолжает оставаться альбомом Destruction, что бы ни говорил официальный сайт немцев). Даже учитывая плодотворный дуэт с Харри Вилькенсом в конце 80-х, то именно Зифрингер в одиночку написал большинство из самого успешного материала в истории группы. А новое кадровое пополнение так и не добавило огневой риффовой мощи и ничуть не расшевелило затхлый воздух в дестракшеновских подвалах мысли.

Собственно, подобная самоконсервация отнюдь не является грехом сама по себе, ведь от музыки некоторых групп действительно ждёшь весьма узкопрофильных качеств. Но именно Destruction проварились в собственному соку настолько, что с каждым разом их новый материал становится всё более малоинтересным не только для упомянутых Шмиром клятых хипстеров, но и для самых отъявленных трэшеров, для которых найти повод для оптимизма в последних поделках ВИА «Разрушение» – задача не из лёгких. Из-за чего куда надёжнее и приятнее обращаться к таким же прямолинейным, но более убедительным землякам из Tankard.

Tomahawk  18 июл 2020

Пресловутый статус одноимённого альбома в ситуации с Lamb of God мог подразумевать два варианта развития событий. Первый – наработки «Sturm und Drang» будут доведены до нового предела, когда чистый вокал Рэнди и свеженащупанные мелодические замашки мутируют в доселе неосвоенные группой и спорные для фанатов формы – естественно, без потери тяжести. Второй более приемлемый и логичный – выдать сборную солянку из всех ранее уже использованных шаблонов, в которой нашлось бы место не только для простоватых и качающих вещей и воскрешённого металкорового лязга, но и даже для экстремальных кондиций Burn the Priest, о которых, судя по выпуску альбома каверов, группа всё же не забывает.

В нашей же реальности, как водится, всё оказалось немного по-другому. «Агнцы» не представили какого-либо развития наработок предшественника, наоборот – новый альбом в стилистическом плане стоит прямо перед «Sturm und Drang». В принципе, «Lamb of God» и держится лишь на том, что группа всё же не разучилась до конца выдавать убойные риффы и в меньшей степени – писать стандартные по своей структуре песни. Этот творческий сегмент с каждым годом постепенно становился всё более превалирующим в стиле Lamb of God, окончательно выветривая «джазовый» дух ранних Megadeth, который в сочетании с отличным нюхом на риффы и породил тот же принесший славу «Ashes of the Wake». Подобие этого подхода неожиданно проявилось в «Resurrection Man», где в концовке группа неожиданно навалила ставшего нетипичным для себя шееразминочного грува, который в силу бедности местного сюжета стал одним из самых запоминающихся моментов альбома. Вообще, «Lamb of God», эволюционно вставший перед «Sturm», словно подхватил болячку от «Resolution», имевшего немало годных идей – но не воплощённых до конца, размытых и раскиданных по всему хронометражу. Так же и здесь – перспективная, но придавленная излишне вытянутым вступлением «Memento Mori», убедительные задатки «Checkmate», «Bloodshot Eyes» и «On the Hook», так и не ставшие твёрдой основой, а разбавленные ради заполнения пространства – даже самые лучшие номера не всплывают в памяти единым монолитом, а вынуждают ловить их за неравномерно торчащие обрубки идей и потенциала.

А ещё Lamb of God погорели на отсутствии соло. Причём, дело не в самом факте их дефицита – группа в силу своего профиля и в лучшие годы обращалась к ним весьма редко, взамен предоставляя нафаршированные сочнейшими риффами композиционные куски. Здесь же, прикрыть абсолютно пресные переходы между припевами оказалось абсолютно нечем, что и добавило свой минус в «карму».

Пара слов о фактах заметных, но на восприятие альбома не оказавших никакого влияния. Арт Крус сделал ровно то, что от него и требовалось – и свободы, судя по всему, здесь у него будет не больше, чем у Криса Адлера было при участии в Megadeth - да и нужна ли она в данном случае? Присутствие Джейми Джасты и Чака Билли на фоне всеобщей удручённости материала заставило вспомнить лишь об опыте Soulfly – весьма, скажем, сомнительном. Вообще, послевкусие от «Lamb of God» тем и характерно, что при его оценке только и делаешь, что постоянно оглядываешься на опыт самих «агнцев». К примеру, тот же когда-то низведённый мной под плинтус «Resolution», при всех его косяках, слушать было куда веселее. Намного веселее, чем сегодня задумываться о музыкальных перспективах самой группы.

Tomahawk  21 июн 2020

Единственный альбом нью-йоркских «лузеров» сыграл по разным направлениям. Он может выглядеть одинаково приемлемо как в актуальных рамках 90-х, так и в качестве прямого наследника нью-йоркского панк-бума в лице Ramones, New York Dolls и The Heartbreakers. Своё же название группа получила после присовокупления инициалов «Большого яблока» к песне The Stooges – и подобно большинству из своих вдохновителей, NY Loose прожили недолго, но весьма активно и отнюдь не бесполезно. После нескольких лет клубных скитаний, подаривших немало синглов и мини-альбомов, нью-йоркцы, наконец, созрели и до полноценного лонгплея.

«Year of the Rat» полон постоянных оглядок на «отцов»: есть тут, к примеру, та же откровенно «студжевская» «Spit» - самый популярный номер группы, благодаря саундтреку к фильму «Ворон». Или «Sunday Morning» The Velvet Underground, которая в руках NY Loose хоть и не заиграла новыми красками, но в общий настрой вписалась гармонично. Подобное самопозиционирование, несмотря на убедительную аутентичность его методов, не спасло группу от духа времени – «Год Крысы» оказался не лишён вполне коммерчески сильных по своему потенциалу треков, которые удивительным образом сгруппировались во второй его половине. «Song for Margo», «Hide» или «Trash the Given Chance» при должной раскрутке вполне были способны добавить в тощую копилку популярности группы лишнюю сотню баллов, нежели та же «Spit», а вокалистка Бриджит Уэст оформила бы свой вклад в «женское» лицо альтернативного рока, которое в ту пору имело явные черты одной взбалмошной шотландки.

Хоть альбом и был выпущен на диснеевском Hollywood Records, и была у группы своя «принцесса», но конец у этой сказки не оказался мультяшно-счастливым - «корона» панк-рока в то время перекочевала на противоположное от Нью-Йорка побережье, а NY Loose так и остались мимолётным, но достойным наследником своего времени – со всеми шансами на признание со стороны любителей Hole, Nymphs и L7.

Tomahawk  29 май 2020

Несколько лет успеха, славы, постоянных туров и, особенно, наркотиков всё же сделали своё дело – Брет Майклз и СиСи Девилль не нашли компромисса на словах и попытались найти его на кулаках, после чего последний был выписан из группы. Иронично, что происходила данная сцена за кулисами на вручении премии MTV 1991 года - вскоре Poison и родственные им коллективы на подобные мероприятия в ближайшем будущем звать перестанут. На место же СиСи был рекрутирован молодой талант Ричи Котцен, с которым и был записан "Native Tongue".

Именно творческий карт-бланш, выданный Ричи, обособил этот альбом во всей дискографии «ядовитых», и дело не только в отсутствии Девилля. В какой-то степени, на «родном языке» здесь заговорил сам Котцен, отвергнувший все предшествующие ориентиры группы – при нём на первое место вышел привычный для Ричи современный блюз-рок. При большом желании, этот альбом можно рассматривать как ожидаемый, хоть и немного резкий поворот после более осмысленного "Flesh & Blood". Но, как ни крути, попрать планку коммерческого блюза, заданную в ту же эпоху Aerosmith и Cinderella, не получилось – "Native Tongue" банально скучен. Скучен он по причине заурядной: в нём катастрофически не хватает тех простых, но нужных мелодий, на которых Poison вывозили в свет самые натуральные хиты. Зато чего в избытке, так это техничности и блюзового антуража – материала для работы достойного, но из которого Poison не смогли высечь ничего, кроме пары хитов и нескольких просто хороших песен. В принципе, именно пара из «Stand» и «Until You Suffer Some» и остаётся единственным напоминанием об альбоме в нынешние времена, кочуя по многочисленным best of-сборникам группы.

Подобный полумёртвый статус "Native Tongue" в глазах Poison, очевидно, объясняется и личными мотивами - отношения между Котценом и старыми членами группы постепенно разлаживались на протяжении всего периода их сотрудничества, а вишенка на торте взаимной неприязни оказалась весьма пикантной – как оказалось, Ричи вовсю затевал с невестой барабанщика Рикки Рокета.

Tomahawk  26 май 2020

Само понятие невыпущенного альбома становится словно мёдом для целого роя «мух» из мифов, слухов и вполне оправданного любопытства. Но это для имён крупных и самодостаточных – Джефф Бек, Deftones, Prince... Для «особей» же поменьше, но, к своей удаче, оказавшихся на крупном лейбле, последствия становились более печальными. Плохое финансирование, смена приоритетов в мейнстриме, внутренние проблемы, потеря интереса со стороны лейбла – причин для откладывания плёнки на полку оказывалось великое множество, что для карьеры подобных групп чаще всего означало «занавешенные зеркала» и «памятный камень».

Не избежали подобной участи и Electric Angels. Во время записи второго альбома, лейбл настойчиво «рекомендовал» группе назвать его «New York Times», на что музыканты регулярно отвечали категоричным «нет»… Подобная упрямость не была прощена, что, вкупе с общим снижением интереса к хард-року, привело к разрыву контракта в 1991 году. Долгое же время единственным напоминанием об Electric Angels оставался одноимённый альбом, но, спустя 16 лет, сданные в архив плёнки были реанимированы и выпущены под символическим названием «Lost in the Atlantic».

Первое сомнение – стоит ли оценивать подобного «призрака из прошлого» по меркам полноценного альбома? С одной стороны, никто теперь не узнает, что из представленного материала могло войти в окончательный вариант лонгплея, и сколько из него подверглось бы доработке. С другой - все записанные песни отражают тот вектор развития и имеют множество точек соприкосновения. Итак, что можно было бы сказать о «New York Times», выйди он действительно в 1992 году. Первое: вместо ожидаемого крена в сторону более приблюзованного звука в стиле небезызвестных в ту пору Quireboys, «ангелы» вдруг обосновались на позициях стандартного хард-рока. Второе: неожиданно проснувшиеся пауэр-поповые гены подарили несколько номеров, которые вполне могли бы оказаться в портфолио тех же Enuff Z’Nuff - «War is Over», «Postcards From My Heart», «Def Generation», «Hung Up on a Pin Up Girl» и «Cheap Lipstick on a Million Dollar Face». Однако, кроме них, и явно выделяющейся «Color of Hate», никаких других отклонений замечено не было – потенциал «потенциального» «New York Times», как незатейливого, но достойного хард-рок-альбома остался нетронутым. Причём, достойного настолько, что не грех задуматься – а уж не логичнее было выпустить подобное ещё пару лет назад? Всё-таки, имея на руках таких «сингловых» кандидатов, как стадионная «New York Times», запоминающаяся «Lies My Father Told Me» или баллада «Wish I Could Fly», закрепиться в мейнстриме, а, следовательно, и в памяти «пипла», было бы гораздо проще. Впрочем, подобные рассуждения отнюдь не направлены на умаление значимости того же дебютника, с которым образ Electric Angels продолжит ассоциироваться даже несмотря на то, насколько хорошим мог БЫ получиться альбом последующий.

Tomahawk  24 май 2020

Пусть звезда Nymphs на фоне известных гигантов Галактики гранжа и альтернативы начала 90-х крошечна и малозаметна, но свет её до сих пор освещает некоторые занимательные факты. К примеру, группа подписалась на Geffen Records практически одновременно с Nirvana за, ни много ни мало, миллион долларов. Впрочем, заслуга эта исключительно на совести небезызвестного патриарха калифорнийского панк-рока Кита Морриса, который, в буквальном смысле, на свои кровные содержал группу, вытянув её из положения «выскочек из Нью-Джерси» до миллионного контракта. Но этот факт не сыскал популярности у множества про-феминистски настроенных авторов(ок) статей в рок-медиа, любящих время от времени вспоминать группу, как явную жертву «маскулинного лобби» в рок-музыке – дескать, именно из-за него, группа с «невероятно харизматичной и отвязной» девушкой на вокале так и осталась невостребованной.

Девушку эту зовут Ингер Лорре, и таковой, несмотря на название группы, она в ней являлась единственной. И неповторимой, в том числе – именно мисс Лорре и была основным news(и trouble)-мейкером группы. Оттягивая момент срыва повествования в рок-н-ролльную драму в стиле «Шекспир и племянники», самое время обратиться к музыке. Итак, стихия «Nymphs» - среднетемповое топтание перегруженных панковских ритмов по соседству с цепляющими минорными сольными проигрышами. Подобный подход, хоть, особо и не выделил «нимф» на фоне множества актуальных тогда female-fronted-актов, но добавил интересных ассоциаций, в частности с некоторыми образцами ранних Siouxsie and the Banshees и Cocteau Twins - то ли сыграла роль сама подача музыки, то ли персонально Лорре своими интонациями задела нужный «нерв», но подобное послевкусие оставалось после львиной доли песен. Придерживайся коллектив определённого внешнего имиджа, и попадание в сердца Адептов Мрака и Тьмы было бы стопроцентным! Не особо помешали бы этому и несколько имеющихся номеров «с галочкой» - если «Cold» и «Death of a Scenester» банально скучны, то к остальным внимание сугубо с коммерческой точки зрения: в «Supersonic» отметился сам Игги Поп, а «Revolt» - самая быстрая вещь с альбома – прозвучала в свежем сиквеле «Кладбища домашних животных».

Случилось это, по иронии судьбы, уже после того, как сами Nymphs оказались на «кладбище» музиндустрии. Немалую личную роль в этом сыграла и сама вокалистка, чья рок-н-ролльная «прошивка» стала одним из гвоздей в крышку гроба для «нимф». Другие же оказались позаимствованы с подачи рекорд-лейбла. Продюсер альбома наших героев Билл Прайс, когда-то работавший над «Never Mind the Bollocks…», оказался рекрутирован для работы с другим знаковым проектом в виде двойного альбома «Use Your Illusion» Guns N’Roses, причём, с явным приоритетом в его сторону. Огромная задержка в продвижении Nymphs, косвенно вызванная проблемами в стане самих «ганзов», привела к тому, что небезызвестный Том Зутаут из Geffen решил сделать выговор группе за самовольное возобновление концертной деятельности - за что и получил от нетрезвой мисс Лорре добрую порцию мочи на свой стол. После этого, нудистские пляски Фли и Энтони Кидиса на совете директоров лейбла EMI выглядят детским садом… Окончательно, во все тяжкие Ингер пустилась после передоза своего жениха – басиста Sea Hags Криса Шлоссхардта. И если… кхм-кхм… минет для своего очередного возлюбленного прямо на сцене дикой фронтвумен сошёл с рук, то саботаж на разогреве у Питера Мёрфи оказался фатальным для всей группы. Впрочем, подобные обстоятельства, хоть, и убили Nymphs тогда, но и, возможно, не дают о них забыть окончательно сейчас – правда, я ничуть не сомневаюсь в том, что основную роль всё же играет сама музыка.

Tomahawk  22 май 2020

Первый выход в свет ритм-секции почивших Candy под новой вывеской Electric Angels прошёл словно по заранее выстланной ковровой дорожке. Kiss по достоинству оценили название ранней неизданной песни Angels «Put the ‘EX’ in Sex», позаимствовав его для себя, что произошло, вероятно, благодаря их гитаристу Брюсу Кулику, который стал менеджером группы и продюсером демо, которое подсунул под порог Atlantic Records сам Джон Бон Джови. Более того, свою «Bed of Roses» Джон создал в качестве прямой отсылки к «True Love and Other Fairy Tales» (кстати, одной из бывших демок Candy) с дебютного альбома Electric Angels, который спродюсировал никто иной, как Тони Висконти.

При таких входных данных успех обеспечен на 100%, скажете Вы и будете правы. Однако, у самой группы было своё понимание маршрута к этому успеху. Электрокрылатые совершенно осознанно дистанцировались от Лос-Анджелеса, спустя год переехав в Нью-Йорк, где и обросли всеми вышеперечисленными связями. Сколько в этом жесте пренебрежения к местной сцене – гадать не будем, поскольку и сам альбом был записан в Лондоне у Висконти. Упрямость группы (она ещё сыграет свою роковую роль в её истории) проявилась и в конкретно музыкальных ходах, поскольку Electric Angels на практике сумели сохранить выгодный контраст на фоне привычной в то время модели мейнстримного хард-рока. Сквозь безукоризненный звук (спасибо, Тони!) то и дело слышно влияние Hanoi Rocks и The Replacements, которое «ангелы» никогда не скрывали – тот же культовый в определённых кругах «Tim» показывает свою макушку в «Dangerous Drug» и «Home Sweet Homicide». Впрочем, не стоит ждать от «Electric Angels» больших откровений, но и его имеющийся статус отличного сборника рок-н-ролльных историй потревожить вряд ли что-то способно. Подобных баек из музыкальной жизни явно наслышались ученики одной бруклинской школы от Джона Шуберта - барабанщика Candy и Electric Angels, и им явно можно позавидовать – многие ли из нас заходили на YouTube, чтобы посмотреть клип с участием своего учителя по истории?

Tomahawk  19 май 2020

Eighteen Visions перед записью пятого альбома оказались перед выбором интересным и знакомым для многих групп. Законсервировать достигнутую форму или же подстроиться под актуальные и востребованные (денежные?) тенденции. Может, продолжить меняться, нащупывая более удачное направление? Или же, наоборот, малодушно покаяться за оскорбление чувств олдскульных фанатов и, под грохочущую канонаду риффов и скриминга, вернуться в родное лоно агрессивного металкора…

Только вот в последнем в предшествующие несколько лет тоже не сидели сложа руки, и ждать возвращения «блудных сыновей» никто не собирался. А попытка выдавить из себя «Obsession №2», в своей сути, оказалась бы насколько экономной в плане умозатрат, настолько же скучной и ненадёжной. Выход же оказался найден в месте давно известном, ведь взаимные поползновения друг на друга современного гитарного звука и гламурной «восьмидесятнической» развязности уже вовсю заявили о себе ещё в конце 90-х – тогда подобным отличились и Motley Crue, и, особенно, Bon Jovi, а чуть позже на свет вылезли проекты других ветеранов бульвара Сансет – Beautiful Creatures и Brides of Destruction. Их попытки намарафетить смазливые личики «волосато-стадионной» породы пост-гранжевой грязью, казалось бы, встряхнули рок-пространство, но весьма ненадолго, довольно быстро изжив себя.

Eighteen Visions удалось внести свою лепту в вышеописанную концепцию по-своему оригинально и весьма удачно. Совершенно неизвестно осознанно или волей случая, но парни вольготно потоптались на полях не кого-нибудь, а самих Def Leppard! Звучание, cтавшее одним из символов своей эпохи, Eighteen Visions убедительно и с поправкой на современность воскресили в припевах «Burned Us Alive», «Broken Hearted», «Last Night» и «Your Nightmare». Подобный ход стал одним из главных «крючков» альбома, который, впрочем, не повлиял ни на основы группы, ни на её восприятие – несмотря на заигрывание со звуком 80-х, Visions практически не отклонились от «альт-эмо-вектора», внедрив, однако, незначительные изменения. В отличии от «Obsession», «одноимённик» окончательно стряхнул остатки «коровой» шкуры, слегка помрачнел и обзавёлся гладким глянцевым звучанием. Всё это отчётливо чувствуется как в вышеперечисленных песнях, так и в остальной большей части альбома, из которой особенно выделяется «Tonightless», за чью лиричную эпичность группа получила меткое прозвище «Guns N’Visions».

Этот альбом оказался вполне логичным и, что немаловажно, качественным венцом пятилетней эволюции, за которую кто-то обвинит группу в слишком резких жанровых скачках и даже продажности, а кто-то похвалит за небоязнь риска и желание развиваться. Альбом последний перед скорым распадом и… последний в жизни басиста Мика Морриса. Работая техником у Hatebreed, он не раз заявлял о желании реюниона, до которого не дожил каких-то (целых) четыре года.

Tomahawk  22 мар 2020

Переход от «кор-овьих» форм к более традиционным и доступным в наше время привычен до неприличия. И если у адептов тяжёлого звука вариантов встречается не особо много (налево пойдёшь – Металликой/Пантерой станешь, направо пойдёшь – в (мелодик/текникал) дэт наступишь), то у «легковесов» путей было побольше, да и те разнообразнее – от поп-метала 80-х (Blessed by a Broken Heart, Black Veil Brides), до непритязательного альт-рока (Bring Me the Horizon, Atreyu). С учётом вышеизложенного, четвёртый альбом Eighteen Visions выглядит чрезвычайно любопытно. Во времена когда музыка с приставкой –кор всё ещё продолжала развиваться и обрастать разного рода клише, завоёвывая свой особый статус в рок-культуре нулевых, квартет из Калифорнии сделал то, к чему большинство их коллег придёт гораздо позже. Но столь резкий поворот, наверняка, удивил даже тех, кто всей душой принял кричащий своей розовой обложкой «Vanity», и окончательно добил не принявших чуждую «эмо-ересь» за два года до этого.

«Obsession» похож на зрелого юношу, который хоть и избавился от инфантильной подростковой несдержанности и резких перепадов настроения, но не потерял способность ярко воспринимать этот мир, а расширившийся кругозор помогает ему сохранять эти впечатления в более чётких и красочных эмоциональных формах – изящных, завораживающих, но далеко не субтильных. Во многом благодаря тому, что core-составляющая, как явление, никуда не делась, но даже лишённая пугающей громоздкости и тщательно отшлифованная, она играет важную роль, прикрывая все возможные «швы» между созидательным и разрушающим началами музыкантов. Первое постоянно приводит к привкусу утяжелённого альт-рока, с абсолютной невозмутимостью выворачивающего вектор альбома в поля насыщенных, но не приторно-вымученных мелодий. Второе же помогло группе не стесняться вставить один-другой жирненький рифф, которые, впрочем, не сидят «белой вороной» на пути у очевидной поп-ориентированности материала, которая до сих пор хоть и выступает в роли главного пугала для конверваторов всех мастей и оттенков, но не способна отменить сам собой напрашивающийся вывод - «Obsession» лёгок в восприятии, цепляющ и широк в рисуемом им спектре эмоций, но при этом совершенно далек от какой-либо претенциозности и притворства, а одним из главных его достоинств стала простота воплощения. Альбом выстроен по стандартным лекалам мейнстримного рока: «вдарим» для разогрева исступлением открывающей песни, продолжим без укачивающих амплитуд с обязательными «хитами» и, конечно же, не поскупимся на пару балладных номеров… А соединив такой подход с имеющимися мелодическим талантом и исполнительским мастерством, то эта самая простота иногда может начать граничить с гениальностью.

Tomahawk  22 мар 2020

Eighteen Visions по праву можно отнести в неформальную «Большую пятёрку» калифорнийского металкора вместе с Avenged Sevenfold, Atreyu, Bleeding Through и Throwdown. С последними же двумя узы связывают не только дружеско-соседские, но и поистине родственные – запутаться в отслеживании «кровосмешения» трёх групп не составит особого труда, отметим лишь, что вокалисты Дэйв Питерс и Брендан Скьепатти вполне официально занимали гитарные вакансии в Visions, причём именно последний успел приложить свою руку к «Vanity», ставшим переходным в творчестве группы. Впрочем, первый «звоночек» грядущих перемен прозвенел ещё за год до этого, когда в компиляцию The Best Of затесалась «Motionless and White» - песня ныне культовая в определённых кругах, а некоторых вдохновившая и на создание своей группы.

Что же тут особенного? Идея для тяжёлой музыки, в принципе, далеко не нова – начать впечатлять слушателя, не только брутально заваливая его кувалдоподобными гитарными хуками и оглушая треском барабанов, а начать воздействовать на «чакры» повыше. С этой целью Eighteen Visions обращаются к уже почти принявшему свои привычные для современного слушателя очертания пост-хардкору - точнее, к его самозабвенной мелодической компоненте. Однако, Visions, несмотря на все свои нововведения, от старого курса ушли не так далеко, как может показаться - хоть амплитуда волн здесь намного «милосерднее», чем на том же «Until the Ink Runs Out», но и хребет представленная стихия поломать способна!

Все нововливания привели к тому, что перспектива песни в формате данного альбома – дрожащая линия, с небрежно отмеченными на ней сменами ритма, брейкдаунами, барабанными сбивками и яркими очагами мелодий, вспыхивающих как ради непродолжительного эффекта, так и постепенно разгорающихся в полноценный пожар. Подобный подход проявляется в значительной доле песен, в том числе и в во всех самых заметных – тут и «Vanity», которая, как и полагается «титульнику», является физической и ментальной квинтэссенцией альбома в целом, и «One Hell of a Prize Fighter», в которой отметился на тот момент ещё не особо известный Говард Джонс, и «Sonic Death Monkey»… Даже поп-сингловая «You Broke Like Glass», в которой Джеймс Харт невозбранно подражает Скотту Вайланду, и не думает сидеть в стандартной для своей роли «клетке» из формулы «куплет-припев».

Однако же, есть в этом альбоме и гораздо более занятные явления. Если сейчас, по-настоящему The Cure-овские «Gorgeous» и «Love in Autumn» выглядят логичными предвестниками последующих жанровых кульбитов группы, то в 2002 музыканты были поистине преданы анафеме со стороны определённой части своей фан-базы. Следует добавить, что именно Eighteen Visions и стали родоначальниками того, что спустя несколько лет воплотится в каноничный эмо-образ, вдохновив на создание термина fashioncore. Ещё в конце 90-х, тогдашний басист Хавьер ван Хусс активно посещал курсы стилистов, а вокалист Джеймс Харт подрабатывал в одном из крупных модных бутиков, что и привело к некоторым изменениям во внешнем виде группы. Кстати, сам ван Хусс, судя по его Инстаграму, не зря покинул группу в 2000 ради своего увлечения, а любовь к музыке осталась с ним до сих пор. А Калифорния в очередной раз оказалась виновной в «обабивании» ещё одного «мужского» жанра...

Tomahawk  22 мар 2020

Калифорнийцы Candy (есть ли более подходящее для пауэр-попа название?) в хронологии 80-х скромно расположились между стоящим особняком дебютом Motley Crue и в меру известными Enuff Z’Nuff. Скромно – наверное, мягко сказано. Хоть и ходили «сластёны» под знаменем вполне себе солидного Mercury Records, который через год будет «толкать» по миллиону копий «Slippery When Wet» в месяц, но для наших героев это погоды не сделало. Однако, слушая «Whatever Happened to Fun», понимаешь, что вина группы в этом вряд ли присутствует. Музыканты настолько искренне решили навалить Каноничности™ на всех уровнях, включая технический (дебют был записан под присмотром Джимми Йеннера, продюсировавшего Bay City Rollers и Raspberries, и вокалиста последних Уолли Брайсона), что выйди этот альбом лет на десять пораньше – быть ему безоговорочно в разряде классических для жанра! Погорячился ли я? Вполне может быть, ведь Candy удаётся выдерживать просто-таки потрясающую свежесть звучания, не обращаясь ни к металлическим, ни к AOR-элементам, и извлекая из классического саунда 70-х всё самое лучшее и избегая любого намёка на «нафталин».

От него же спасает и другой нюанс – «Whatever Happened to Fun» буквально насквозь пропитан универсальной тематикой юности и, особенно, типичной для многих тоски по ней. Беззаботность, «зависание» с друзьями, первая любовь и поцелуй, мечты о будущем… Мы проходим через это ярко, шумно, но быстро, а воспоминания остаются навечно внутри нас, иногда выцветая и затираясь куда-то в «складки» памяти. Сами же Candy и взывают именно к ним через свои простецкие рефрены, настолько умело протягиваемые через такие же незамысловатые, но цепкие мелодии, что подпевать сладкоголосому Кайлу Винсенту хочется в любой песне без исключения, а его призыву в «Electric Nights» - stay forever young – хочется следовать безоговорочно!

Подвести итог хочется насколько банально, настолько же и искренне: «Whatever Happened to Fun», пробив панцирь возрастной чёрствости, оказался для меня альбомом волнующим, «тёплым» эмоционально и, не залезая за словом в далёкий карман – душевным. Очень хочется верить, что подобная соплив… сентиментальность есть следствие убедительности самой музыки, а не исключительно моей излишней впечатлительности.

И, дабы сбавить градус этой самой сентиментальности, обратимся к фактам энциклопедическим – гитарист Гилби Кларк в начале 90-х заменит в Guns N’Roses уставшего от всех и вся Иззи Стрэдлина. А сама ритм-секция Candy окажется весьма дружной троицей и составит костяк ещё одного недолго жившего хард-рокового проекта Electric Angels.

Tomahawk  22 мар 2020

После многократного прослушивания, самые стойкие ассоциации первенец Professional Murder Music обрёл не с кем иными, как с… мэнсоновскими «Механическими Животными». Нет, под этой ярко-фиолетовой обложкой вряд ли получится найти китчевую гламурность, малейший намёк на концептуальность или какие-либо отсылки к Ницше и Уорхолу. Самое мудрёное, что здесь есть – это название (которое, по моему мнению, очень уж гармонично бы встроилось в грайндкоровый аттитюд), а вместо попыток заигрывания с настроением и пафосом 70-х – предельно простой в своей физиологии, но очень уж «стильный» и обаятельный вариант в меру тяжёлого альт-рока.

Но вот что их роднит, так это сам способ выражения. Под «глянцевым», но плотным слоем въедливых гитар пробивается по-настоящему мощный пульс меланхоличных и хитовых мелодий. А разного рода клавишные и эффекты хоть и добавляют лоска, но не сковывают дыхание музыки излишней «синтетичностью», интегрируя все компоненты в чуть ли не по-рок-н-ролльному живую материю. Именно это и мешает с чистым сердцем нацепить на альбом ярлык даже коммерческого индастриал-рока – нет здесь типичной для стиля напускной «механистичности» и сухости. Чередующиеся и накладывающиеся друг на друга вспышки риффов, сольных минорных проигрышей и насыщенной электроники сливаются в сплошной наваристый, но лёгкий поток звуков и эмоций, к скорости относящийся весьма пренебрежительно – за исключением почти танцевальной «Everything in the World» и ядовитых «Your World» и «Of Unknown Origin», а всё напряжение концентрирующий последовательно на каждом «квадратном метре» песен.

Перехвалил? Отнюдь, но, впрочем, есть тут пространство и, самое главное, пара поводов и для дегтярных клякс. «Нуарная» вальяжность группы срабатывает исключительно при наличии соответствующих мелодий, нюх на которые подвёл в «Sleep Deprivation». А инструментальный «фит» с DJ Lethal выглядит бесполезным довеском ради громкого имени в «credits». Но всё это вряд ли помешает мне считать Professional Murder Music достойнейшим образцом «дарк-поп-тяжеляка», как сподобившегося на отъявленные хиты – «Slow», «Fall Again» с великолепным участием Троя Ван Леувена и один из лучших каверов на The Cure в истории – так и имеющего своё собственное лицо.

И как, после такого начала, группа умудрилась закончить свою карьеру акустическими каверами – в том числе, на Radiohead – вопрос на засыпку.

Tomahawk  22 мар 2020

Snake River Conspiracy имеют шансы остаться в памяти не только благодаря незаурядному названию, но и делам музыкальным. Группа, но фактически дуэт – не беря во внимание немалый список туровых музыкантов, костяком проекта в течении всей его непродолжительной жизни оставались неприжившийся в небезызвестных Third Eye Blind Джейсон Слэйтер и соблазнительная носительница латиноамериканских кровей Тоби Торрес – как и большинство female-fronted проектов на стыке веков пустили свои корни в плодородные почвы, возделанными не кем иными, как Curve. Но от британского, опять же, дуэта, выросшего на полях лондонской электро-поп-сцены, SRC заимствуют лишь самую основу в виде увлекающей диффузии элетроники и гитарного звука, оставив склонность к полному подражанию своим таким же, недолго жившим, калифорнийским землякам из Dollshead (что вполне ожидаемо, тоже дуэт).

Окончательная же реакция произошла под влиянием сугубо американских реактивов – как и в случае с Curve, имевших влияние таких личностей, как Алан Молдер и Flood, звучание SRC оформилось под присмотром Дэвида Кана (Fishbone) и Чарли Клоузера. Наверное, именно, последний и помог группе не стесняться своей чувствительности к флюидам Nine Inch Nails, которые, как ни странно, не сыграли ведущую роль на альбоме. Да, есть и «Breed», и «Oh Well», и «Somebody Hates You», и ещё пара образцов уже полюбившегося на тот момент синтеза дисторшированных гитар и почти танцевального бита, но, несмотря на всю их симпатичность, при упоминании Sonic Jihad, первыми в памяти всплывают очень уже неожиданные, почти Принсовские номера! Слушая «Act Your Age» и «Casualty», с одной стороны, не грех вспомнить его эксперименты конца 80-х, в том числе и психоделические, а с другой, невольно посещает мысль – а может, так и звучал бы мистер Нельсон с поправкой на 90-е, не сойди он с ума от наркоты и не ударяясь в религию и трёхчасовые опусы.

Вообще, «Заговор Змеиной Реки» не постеснялись обращаться к стороннему творчеству, поместив на альбом сразу три кавера. Тут и мрачное электронное воплощение «Lovesong» The Cure, и Бог весть какая по счёту версия «How Soon is Now?». Кстати, нетленка The Smiths на стыке веков пережила вторую молодость – тогда о ней заставили вспомнить и Paradise Lost, и Love Spit Love, чья версия прославилась благодаря некогда популярному сериалу «Charmed», и даже t.A.T.u. А ещё один кавер явно был вдохновлен одним из продюсеров альбома – Эриком Валентайном, когда-то барабанившим в лос-анджелесской фанк-простихосподи-хэви-метал формации T-Ride, чья «You and Your Friend» спустя десять лет скинула фанковый «кокон», дабы обрести настоящий поп-шарм.

К какой точке музыкальной шкалы оказалась ближе единственная «полнометражка» Snake River Conspiracy – к роковой или «попсовой» – вопрос из разряда вечных, неблагодарных, да и, по сути, ненужных. Несмотря на описанные жанровые «шершавости», воспринимается альбом крайне цельно далеко не без помощи Тоби Торрес – шепчущей, кричащей и ласково напевающей. Кстати, она, вместе с мужем – одним из бывших гитаристов Snake River Conspiracy – несколько лет назад, впервые за долгое время, напомнила о себе с новым проектом Mojave Phone Booth, однако, лишённого всех «вкусностей» описываемого альбома. Впрочем, это уже совсем другая история…

Sonic Jihad крайне рекомендуется потреблять вместе с двумя другими мини-релизами группы. Во-первых, ради любопытства, а во-вторых, качество их ничуть не ниже представленного «главного блюда». Во всяком случае, «Coke & Vaseline» или «Homicide» выглядят куда убедительнее, чем до боли банальный кавер на The Smiths.

Tomahawk  22 мар 2020

После знакомства с единственным альбомом Endeverafter начинаешь сомневаться – а на своём ли они были месте, разогревая в середине нулевых пенсионерские вылазки Kiss, Cinderella и Poison? Впечатлять публику из неуклонно стареющих и подверженных ностальгии бэби-бумеров для группы с таким материалом выглядело не совсем перспективно, и вполне оправданно, что впоследствии Endeverafter всё чаще оказывались в компании разной степени унылости, но гораздо более актуальных для молодёжи пост-гранжеров.

Фабула «Kiss or Kill» предельно проста. Достаточно средние скорости компенсируются как плотностью и насыщенностью ритма, на который иногда навешиваются айронмейденовские «кружева», так и заигрыванием с очень уж занимательными мелодиями. Именно последние и заставляют альбом дышать полной грудью, а их недостаток, как в той же «Road to Destruction», хоть и не приводит к асфиксии, но зевнуть мотивирует. Вообще, несмотря на символизирующий имидж, группа мало того что брезгует обращаться к затасканным приёмам из эпохи своего вдохновения (которые по сотому кругу пустят прочие Crazy Lixx), так ещё и не стесняется умеренно баловаться вполне модерновыми фишками («From the Ashes of Sin») – 2007 год же на дворе, а что вы хотели? А пуристов от 80-х должна удовлетворить убедительная в своём исполнении «All Night».

Имеющаяся склонность к более тяжёлому, в рамках «волосатых» групп, звуку, явно вписывает в число вдохновителей Endeverafter небезызвестных L.A. Guns, от которых наших молодых героев выгодно отличает навык создания более интересных в мелодическом плане структур. С «оружейниками» же группа породнилась и в прямом смысле: лидер и основатель Endeverafter Майкл Грант, вскоре после роспуска своего детища, 5 лет проведёт в качестве напарника Трэйси Ганза.

С коммерческими же делами у калифорнийцев сложилось не ахти как. Дружба с Epic Records была многообещающей, но недолгой, из-за чего альбом пришлось выпускать под вывеской поскромнее. А так, при должной раскрутке, Endeverafter сумели бы пошатать монополию скандинавских банд в деле ревайвла глэм-метала 80-х, несомненно.

Tomahawk  22 мар 2020

Мелькающая последние пару лет в новостях связка слов «Death Angel – новый альбом» вызывала исключительно наиприятнейшие ассоциации. Вышедший в 2016 году «The Evil Divide» был свеж, быстр и безапелляционно прошёл проверку временем, а единственная претензия могла заключаться лишь в неудачном выборе даты релиза – где-то посередине между новыми, на тот момент, альбомами Megadeth и Metallica, что предвещало почти 100% информационное прозябание в тени более крупных «особей» жанра – как ни крути, а одна обложка «Hardwired…» вызвала куда больший интерес, нежели целый альбом Смертельного Ангела... Впрочем, оставим нытьё – несмотря ни на что, свои заслуженные дивиденды эта работа всё-таки получила.

Здесь же, до поводов для этих самых дивидендов приходится добираться медленно и осмотрительно, перешагивая через созданные (надеюсь, неосознанно) самими музыкантами несостыковки. Первая из них отмечена солидной «трещиной» на хронометраже после первых трёх песен, чьё присутствие на альбоме остаётся для меня вопросом открытым. Самое близкое к верному предположение их предназначения – неуклюжая попытка вернуться к кондициям «The Dream Calls for Blood», который, несмотря на всю свою угрюмость и насыщенность, всё же не родился дуболомным и кастрированным на мелодии, в отличие от своих самоназванных «родственников» в виде «Humanicide» или «Agressor». А уж отчаянный бластбит в «Divine Defector», с её уходом в экстремальные для Death Angel территории, выглядит не более, чем тяжесть ради тяжести.

Однако, выход из анабиоза предполагается настолько же уверенный, насколько и ввод в него – размашистая «I Came for Blood», словно не догнавшая вагон предыдущего альбома, бойко заняла место в нынешнем, открывая самую интересную часть альбома – не покидают мысли, что будь она целиком выполнена именно в таком ключе - непритязательного трэша с выпирающей панковой составляющей, то, глядишь, и все предшествующие грехи сдуло бы со скоростью ритм-секции, но… Death Angel пошли по пути более сложному, представив несколько разнородных, но интересных идей, из которых далеко не все реинкарнировались в хорошие песни, в результате чего, основную тяжесть вытаскивания альбома на приличный уровень взяли на себя стандартные «боевички» в виде «Alive and Screaming», «The Pack», «Of Rats and Men» или та же «I Came for Blood». Имеющийся контраст между «законченным» и «перспективным» поначалу может вызвать даже интерес и некое подобие удовлетворения, но для «Humanicide», как полновесной музыкальной единицы, подобные урывки чести не делают. Впрочем, при всей сомнительности сегодняшнего результата, оптимизм в отношении будущего Death Angel превалирует несмотря ни на что…

…И да, всё же я сердечно надеюсь, что эта импровизированная художественная эпопея с волками закончилась в формате трилогии.

Tomahawk  29 июл 2019

Фред Дёрст, будучи одним из самых явных, простите за честность, говнюков в истории рок-музыки, всё же заслуживает «котёл похолоднее» именно за то самое желание вытянуть из андеграунда одну-другую талантливую группу. Оставим на усмотрение высших сил искренность его намерений, но факт остаётся фактом. Впрочем, иногда, даже на этом поприще Федин характер доводил ситуацию до скандальной комичности. Взять тех же Taproot, которые вместо «земли обетованной» в виде Interscope, указанной Дёрстом, в 1999 году соблазнились на «золотого тельца» от Atlantic Records при активном участии одного известного армяно-американского ВИА. В результате, список личных врагов Фреда пополнился на несколько фамилий, а №1 из них стал вокалист Стефен Ричардс, который получил на свой телефонный автоответчик насыщенный сочными нецензурными оборотами voice-mail от уже-сами-догадались-кого. Кстати, запись с монологом расстроенного Дёрста доступна на том же YouTube.

С нашими героями Sinisstar подобных проблем, к счастью, не возникло. Вообще, сам факт, что группа из Сиэттла в конце 90-х заиграла что-то, кроме сами-знаете-чего (ладно, завязываю) уже вызывает любопытство. Дополнительного интереса добавлял тот факт, что вокалист Edgy до этого горланил в другой сиэттлской банде – Burning Witch. Видимо, пресытившись дум-металом, парня потянуло к более заметным для большой публики берегам… И пристать к ним надолго у молодого и малоопытного корабля были все шансы: звёздный продюсер – Брендан О’Брайен, лэйбл – Geffen, и что самое главное – весьма «жилистый» и конкурентоспособный материал, которым «Future Shock» утрамбован на все, дабы не соврать, 95 процентов. Альбом настолько напичкан столь нужными для своей стихии «хуками» и хитовыми песнями, что я, буквально, недоумеваю от осознания, что его известность обратно пропорциональна его же потенциалу. Как, имея на вооружении такие обильно сочащиеся липкими мелодиями коммерческие «пушки», как «White Noise», «Freak of Nature», «Do It», «Drug Related» (и далее по треклисту альбома…), можно было остаться невостребованными – вопрос на засыпку. Можно сослаться на закат стиля, на рост «новой волны американского хэви-метала», на… самого чёрта, в конце концов, но результат уже вряд ли изменится. К небесам можно возопить за несправедливость сущего, но можно поблагодарить за дарованную благодать в виде этого альбома. Аминь.

Tomahawk  12 июн 2019

На минуточку - My Sister’s Machine не что иное, как «кровный родственник» самих Alice in Chains. В славные 80-е, Ник Поллок и Лэйн Стэйли вместе числились в составе сиэтлской глэм-формации Alice N’Chains, прежде, чем их пути разошлись. Встретиться же вновь им удалось спустя 5 лет – правда, заочно и весьма символически. То ли Поллок банально взял на вооружение ранние наработки своих земляков, то ли показали свою силу общие гены, но имеем то, что имеем – дебютный альбом «Diva» мало того, что не скрывает источника своего начала, но и демонстрирует очень занимательное развитие идей «Facelift». Тот самый хард-роковый стержень первенца Alice in Chains здесь «зацвёл» настолько резво и благоухающе, что невольно ловишь и почти гламурные развязные флюиды незабвенных Mother Love Bone. Раскрылась ритм-секция, с одной стороны, благодаря солидному заимствованию у тех же Soundgarden, но заиграло и забурлило всё это варево благодаря чуть ли «ганзнроузовскому» блюз-панковому разгильдяйству. Да что уж говорить - сам же Поллок за микрофоном хоть и старается держаться в хриплой вокальной ипостаси своего друга Стэйли, но, заигравшись, уходит в поля и Эксла Роуза (ненадолго, но очень качественно). В общем, если «Алиска» перед кончиной забилась в угол и рассказывает печальные истории, то её «сестра», хоть и осознает свою обречённость, но светится пьяненькой ухмылкой и даже немного буянит. Дивная работа!

Впрочем, как ни печально, но группа так и осталась в положении «бедных родственников» - ни известное «родство», ни тур с Pantera не дали MSM больше, чем те самые «15 минут славы». Но статус одного из самых занятных образцов гранжа у этого альбома вряд ли что-то отнимет... Однако, будучи в Сиэттле, выказывайте своё восхищение этим диском весьма осторожно - иначе услышавший вас небрежного вида немолодой мужчина с сильным алкогольным амбре зачитает вам о лекцию о Настоящем гранже, Mudhoney и альбоме «My War».

Tomahawk  12 июн 2019

Созвучность названия с одним всемирно известным арабским словом уже сыграла злую шутку с этими выходцами из Новой Зеландии – вскоре, после известных событий сентября 2001 года, группа, впечатлившись кадрами из Нью-Йорка (или же «добровольно-принудительно», под влиянием Warner Bros.) сменила вывеску на Pacifier. Впрочем, выпущенный под ней единственный альбом, несмотря на наличие в «credits» таких имён, как Джош Абрахам, Скотт Вайланд и DJ Lethal, мало того, что «провалился в прокате», так ещё и вокалист Джон Тугуд вскоре отвесил в его адрес красноречивые «overproduced» и «bullshit», после чего, спустя пару-тройку лет, старое доброе имя было успешно восстановлено. Помимо этого, в биографии коллектива есть и не менее интересные факты. Кроме завидной стабильности состава (последний исход-приход в группу датирован аж 1991 годом), Shihad могут похвастаться тем, что первый «выход в свет» произошёл под чутким началом на тот момент новоиспечённого гражданина Новой Зеландии Джеза Коулмана. Сами музыканты рассказывают о процессе записи того альбома лишь в общих чертах, но сопоставив особую репутацию вокалиста Killing Joke с тем фактом, что после этого они с ним не общались почти 20 лет, а когда, после предложения барабанщика Тома Ларкина вновь с ним поработать, уже упомянутый Тугуд выкатил веское «к чёрту его!», выводы делаются сами собой…

Впрочем, те самые 20 лет не прошли даром. Коулман бросил пить, что явно повлияло на согласие группы вновь с ним поработать, а в творческом плане наворотил столько всего, что описывать страшно. Деятельность же Shihad в «нулевых» с её ярко выраженной синхронизацией с пульсом рок-мейнстрима была, как бы сказать… весьма отчаянной, и музыканты не чурались никаких методов. Нужен опытный гуру? – всесильный Алан Молдер вам в помощь! Разрядить свою типичную плотную ритм-секцию до вполне себе модерновых «фишек» с налётом post-punk-revival - да кто же нам запрещает?! При всех этих входных данных, воссоединение в студии со старым добрым знакомым – шаг любопытный и даже намекающий на некую усталость от сложившихся условий.

Безусловно, при всей относительной предсказуемости конечного результата, вряд ли кто-нибудь ждал возврата группы к кондициям 20-летней давности, к тем самым временам первой коллаборации с Коулманом. Shihad того периода выглядели самобытной, но очень «сыроватой» версией ранних Helmet – те же самые нойзовые диссонансы, искрящиеся поверх увесистого сухого риффинга. Однако, альбом хоть и страдает определённым ретроградством, но весьма положительным, что защищает его от большинства избитых за последние 20 лет приёмов. Наверное, так, с отдельными нюансами, и должен был звучать ещё следующий за «Killjoy» полноформатник, не решись группа «продаться» в первый раз... Что немаловажно, на «FVEY» (кому интересно, это отсылка к «Five Eyes» - союзу разведок 5 стран: Великобритании, США, Новой Зеландии, Австралии и Канады) Shihad и по концентрации хитов оставили далеко позади самих себя из 2005 года – на том альбоме, уже тридцатилетние дядьки с самого начала взяли настолько молодецкую прыть, что после «экватора» натурально выдохлись. Группа образца же 2014 подобных ошибок себе не позволяет – она поступательна, расчётлива, даже, если хотите, высокомерно вальяжна - скоростные партии и те предельно дозированы и, как кажется, вводятся крайне неохотно. Что же до минусов… Они могли БЫ появиться, загорись группа желанием оттянуть хронометраж ещё на сколько-нибудь. Но даже прилагаемые в лимитированной версии бонус-треки настолько хороши, что за их присутствие в «основе» альбома, я был бы готов простить ему и возможную утомительность от 15 песен.

В одном из интервью периода записи альбома, музыканты пошутили (а может и нет...), сравнив работу с Коулманом с «тренировкой». Учитывая склонность Shihad к «свободному полёту», невольно задумываешься: уж не устанет ли группа от этой тренировки и установленного во время неё «режима» настолько, что её снова потянет «на волю»?

Tomahawk  12 июн 2019

Первое, что бросается в глаза на третьем альбоме этих малоизвестных «мазафакеров» из Индианы – количество песен. Подобная щедрость более характерна для того же грайндкора или для прочих «лаконичных» жанров, но в ню-метале, как минимум, вызывает удивление… Правда, отбросив всякого рода сантименты, стоит признать, что с качеством «начинки» на предшествующих альбомах Downbreed были, мягко говоря, проблемы – размашистый, но незатейливый поток риффов с явным грув-металлическим привкусом в стиле тех же Soulfly не давал группе ни единого козыря. Но в этот раз, мало того, что «пронесло» - так ещё и похвалить, оказалось, есть за что. Если прежде Downbreed как будто стеснялись разбавлять свою шквальную ритм-секцию хоть какими-либо намёками на мелодичность (помнится, на дебютнике в «Takin’ it All» и «Six Feet Under» они всё же дали «слабину»), то здесь все их новоприобретённые достоинства словно подчёркивают уже давно имеющиеся – оказывается, что технически группа «оснащена» достойно, а вокалист Джефф Конн не только хорош в минуты остервенения, где ненароком срывается в Chad Gray-style, но и своими чистыми распевками.

Впрочем, старые вредные привычки оказались ой как живучи, и ребята от всей души харкнули себе «в тарелку», забив половину хронометража тем, что успеха им ранее не приносило, а в данный момент выглядело настоящим преступлением. Как бы то ни было, скрестив пальцы, и при всех недостатках – «Killing the Drama» не просто самый заметный релиз группы, но и в некая хрестоматия всей их недолгой карьеры. Набравший немало клише постепенно затухающего тогда стиля (и далеко не самых худших, попрошу заметить, клише!), альбом может стать неплохой находкой для любителей покопаться в забытом и малоизвестном. Ну, а вопрос о дальнейших перспективах Downbreed оказался снят по причинам отнюдь не музыкальным – в 2003 году басист Сэм Ханикатт погиб в автокатастрофе.

Tomahawk  12 июн 2019

Споры об «опопсении» групп, представляющих жанры, которые в большей или меньшей степени претендуют на ярлык «тяжёлых», уже давно перешли в разряд чуть ли не философских. Вечный вопрос о первичности предложения или спроса здесь так же остаётся открытым. Равно, как и о количестве «старых» фанатов Primer 55, которых схватил приступ после релиза сингла «This Life» с третьего по счёту альбома. Как говорится, не они первые, и они же далеко не последние – уж если крест «продажности» на тот момент несли и первопроходцы в виде Korn, то что говорить о последователях?

Тот же самый рэпкор, без преувеличения, эталонный образец которого представили Primer 55 за год до этого, к тому времени за полную «десятилетку» прошёл полный цикл развития – от статуса «нечто нового» с подачи Anthrax и Beastie Boys, через политические и остро-социальные манифесты Rage Against the Machine и Downset, до окончательного развенчания ореола «опасности» при активном участии Limp Bizkit или того же Kid Rock’a (и Lin… Ладно, не будем лишний раз их называть). Собственно, наверное, это и имел ввиду гитарист Бобби Бёрнс, выдав уже классические по своему типу заявления о «куче пластиковых групп» и о намерении «вернуться к корням». Однако, забегая вперёд, можно сделать вывод, что его слова имеют отношение к обозреваемому альбому с большими оговорками. Если короткое и очень красивое интро на пианино ещё способно заинтриговать, то последующее начинает вызывать ощущение дежа-вю, причём, не в самом лучшем смысле. Сколько альбомов, начинающихся с хит-сингла и продолжающимися откровенными филлерами мы уже слышали? Дабы не быть голословным – «Growing» и «Tricycle» хоть и задуманы взять слушателя агрессивным напором, но мы-то знаем, как Primer 55 это делать умеют (см. «Introduction to Mayhem»), плюс, тот самый «пластмассовый» звук изрядно крадёт «градус». Впрочем, просвет замаячил довольно скоро – да, не в виде действительных хитов, но всё же: и «Pills», и «Lessons» радуют не только простым, но запоминающимся риффингом, но больше всего полуакустическим, почти фанковым обрамлением куплетов. И скромно промелькнувший флюгельхорн в 7-й песне оказался лишь первым звоночком – тут же, казалось уже оформившийся вектор альбома разносится в пух и прах – если интерлюдия и могла сойти за откровенное баловство («Кому-то волынкой дудеть можно, а нам мандолиной брынчать нельзя? Фи!»), то дальше всё подаётся насколько вкусно и основательно, настолько и неожиданно. Связка из «Lou Evil», где на «саббатовский» блюз спускается целая свора духовых, и фанковой «Hesitation» оставляет чёткое ощущение, что кое-кто решил потоптаться на полях небезызвестных Fishbone! Да, без фанатизма и без ухода в их фирменный жанровый винегрет, но всё-таки?!

И пусть подобная дерзость стала акцией разовой, но после неё альбом словно вздохнул полной грудью, завершившись разными по содержанию, но одинаковыми по убедительности песнями – если «My Girl» и «All in the Family» уверенно восполняют недостаток в поп-припевах, то «Ricochet» удивляет чуть ли не самым настоящим «прихардкоренным» Slayer’ом, а корни «No Sleep» растут (иронично) в «Roots» Sepultura. Кстати, именно в этой песне сбивками напоминает о себе бывший барабанщик Helmet Джон Стэньер, который, что ожидаемо, обошёлся без излишних «извращений», коими он отметился на прошлом месте работы.

И всё-таки… Будь «55-е» чуть посмелее и поудачливее – получилось бы у них занять нишу, абсолютно невостребованную в жанре? Нет, конечно, они не должны были становиться кем-то, вроде «Bloodhound Gang/Fishbone/Sugar Ray от ню-метала». Но смогла бы, например, «Texas», закрути её основу на том же кантри (обязана же группа из Кентукки помнить о корнях?), превратиться в поп-сингл, текст которого подчёркивал бы ироничность, а не давил бы вычурной пошлостью? Вполне. Но насколько оправданы подобные требования – вопрос из разряда упомянутых в начале рецензии…

Tomahawk  12 июн 2019