Arts
ENG
Search / Поиск
LOGIN
  register




A
B
C
D
E
F
G
H
I
J
K
L
M
N
O
P
Q
R
S
T
U
V
W
X
Y
Z
#
Группы

ђҐЄ« ¬  ­  DARKSIDE.ru


----


Приходилось ли вам читать рецензии,которыe вызывали у вас недоумение или улыбку? Мырешили собрать по добные "перлы" воедино. Получилось местами весело местами не очень в любом случае это будет наглядны м пособием,какие рецензии вы никогда не увидите в на шей базе.

"Сразу скажу, что это Шедевр, соответственно и однозначно: искать, брать не раздумывая, слушать и наслаждаться без всяких условностей, оговорок, помимо собственных предпочтений и независимо от набора частных девиаций. Как полагается шедевру (вспом..."
далее
\---/

Поиск Стили Рецензии
РецензииРецензии
Памятка Статистика
Скрыть/показать
Новые поступления
Переключить вид

Ultraphonix

   2018   

Original Human Music


 Funk Hard Rock
Original Human Music
8/108/108/108/108/108/108/108/108/108/10
Ещё несколько дней назад о существовании этой группы я даже не догадывался. И думать не думал, что когда-либо возьмусь за написание заметок о новообразованном коллективе. Но вот случилось, и причина этому всего-то одна песня, которая в пять минут выбила меня из привычно-стабильного психо-эмоционального состояния. Кто-то скажет - это синдром первого прослушивания. Пожалуй, что так. Такое уже бывало и не раз. Но, как правило, через какое-то недолгое время ощущения эйфории улетучивались, эмоции остывали, и жизнь продолжала идти своим чередом, как и до. И вот теперь, зная наперёд, что так оно и будет, посчитал, что на этот раз стоит поделиться впечатлениями и о самой группе, и о той самой песне, пока, что называется, не отпустило.
Так вот. Когда-то подобные формации называли супергруппами (Сream, к примеру, или Bad Company). Это когда бывалые и известные уже персонажи, в силу разных обстоятельств, объединялись в некий конгломерат и подчас производили фурор. В нашем случае в 2017 году очень хороший гитарист Джордж Линч, который ещё в 80-х годах определял всю музыку в группе Дона Доккена, задумался над новым проектом. Для чего пригласил колоритного ударника Криса Мура, с которым уже ранее пересекался в одном из мимолётных образований (N-fideliAh), и который имел опыт работы в металлических составах Cry Wolf и Damage. В качестве басиста был ангажирован Панчо Томаселли (фанк-группа War и экспериментальное метал-трио Philm с Дэйвом Ломбардо из Slayer). С вокалистом получилось не сразу, пока с восточного побережья, из прохладного Нью-Йорка к ним, в тёплый Лос-Анджелес, ни прилетел темнокожий человек по имени Кори Гловер. Впервые Гловер заявил о себе в составе Living Colour в 1988 году, когда эта интересная группа выпустила свой дебютный "Vivid" (там, кстати, отметился тогда сам Мик Джаггер). Однако с 1995 года, когда эта команда распалась, скитался по разным проектам и даже работал в мюзик-холле, время от времени вновь воссоединяясь с коллегами по Living Colour. Прослушав некоторые "заготовки" трио Д. Линча, К. Гловер вернулся к себе в Нью-Йорк и добавил к ним свои вокальные партии на собственные тексты.
Так, собственно, и образовался квартет Ultraphonix, а в августе 2018 года их альбом "Original Human Music" вышел в релиз.
Спектр мелодических схем, применённых музыкантами в этой программе, обширен - от схоластических, расплывчатых в духе Muse ("Wasteland" и "Ain*t Too Late"), до строгих concrete-stoner, как у ветеранов hard&heavy T. Iommi & G. Hughes ("Baptism" и "Take A Stand"). Здесь же ещё в плюс и то обстоятельство, что тембры голосов Гленна Хьюза и Кори Гловера из одного диапазона.
Но вот "Another Day", тот самый номер, что привёл меня в смятение. Простая, казалось бы, мелодия (запев - в два аккорда!), но насколько действенно густой бархатный голос Гловера вместе с волшебной гитарой Линча и раскатистой ритм-секцией проникают в тебя, отсекая от реальности, что в продолжении этих пяти минут создаётся ощущение, ты себе уже как бы и не принадлежишь. Выражусь образно: ты, словно тот тетерев на весеннем току, забываешься от восторга настолько, что бери тебя в эти мгновения голыми руками и делай с тобой всё, что вздумается. А первое из чувств, что возникают и возвращают тебя в суровую действительность, это сожаление, что это чудо закончилось. Невероятно душевная песня! Единственная в своём роде в этой программе. Для меня она сейчас как мостик, что Ultraphonix перебросили во времена ранних Uriah Heep с их нетленными "The Park" и "Lady In Black" Кена Хенсли. Ценители старого классического рока со стажем (надеюсь, что таковые на этом сайте есть) наверное поймут, о чём это я.
Впрочем, "Another Day" - это всего лишь вершина большого айсберга, которым на данный момент представляется альбом "Original...". Понять и принять его с ходу, в одночасье, не получится, не тот случай. Поработать придётся основательно. Но уже по первым беглым впечатлениям, эта дебютная работа Ultraphonix видится мне одной из самых заметных в 2018 году. По меньшей мере.

The Crossed

   2019   

Beatiful


 Death Core
Beatiful
4/104/104/104/104/104/104/104/104/104/10
«Beautiful» - четвертый альбом команды The Crossed, основателя и гитариста (а также единственного оставшегося из оригинального состава участника) которого, кажется, просто невозможно не уважать. История тяжелой музыки в современной России знает, прямо скажем, совсем немного имен, которые продолжали, продолжают и будут продолжать поддерживать затухающую сцену. Времена запроса на разного рода metal прошли уже давно, и у слушателя, вкусы которого аки флюгер меняются по пришествию моды на очередное направление, сегодня совсем другие интересы. Конечно, некая часть аудитории остается верна и сформированным ранее предпочтениям, и до сих пор существующим командам. The Crossed, в этом смысле, как раз и являются свидетельством того, что некое пламя жизни тяжелой музыки в РФ и СНГ все еще имеет место быть.

Можно ли при этом восторгаться альбомом «Beautiful»? Слушать его с удовольствием, с интересом погружаться в его атмосферу? К огромнейшему сожалению - нет! Ситуация с данным релизом неизбежно порождает некий внутренний конфликт, когда априори хочется положительно оценить и поддержать отечественный продукт, который, вместе с тем, ну просто не выдерживает мало-мальски суровой критики. Действительно, команд с таким же творческим багажом, как у The Crossed, на ниве нашего math/death core сегодня попросту нет, и выискивать отрицательные моменты рассматриваемой пластинки автору этих строк совсем не хочется. Но оные моменты торчат отовсюду, и мифический лейбл «наше» их едва ли сглаживает.

С момента рассмотренного ранее релиза «Философия смерти» до сегодняшнего «Beautiful» нас отделяет еще один лонгплей и пара синглов – конечно же, за столь внушительный срок в 5 лет определенная работа над исправлением ошибок проведена была, и это чувствуется. Заметна разница в звуке, качество которого сегодня позволяет лучше слышать и инструменты, и вокал – техническая составляющая альбома едва ли уступает релизам подопечных того же Century Media. Обходит на несколько позиций «Beautiful» и работы ранее основополагающего для The Crossed коллектива The Tony Danza Tapdance Extravaganza, на принципах творчества которых рассматриваемая пластинка тоже зиждется. Однако, если The Tony Danza Tapdance Extravaganza, несмотря на всю свою экстремальность и математичность, находили некий баланс между хаотикой и стандартными размерами, то The Crossed именно этого баланса отчаянно не хватает. Музыканты всячески стараются проявлять свой высокий уровень мастерства, вместе с этим отчаянно не умея оформить профессионализм в законченные произведения, которых тут должно быть 12 штук. Практически каждый трек альбома – это нагромождение слабо сочетаемых между собой эпизодов-кусков, в слепленном виде которых нет начала и конца, что во время прослушивания неизбежно вызывает недоумение и вопросы к группе, участники которой до сих пор не умеют создавать композиции. Дело не в отсутствии каких-то припевов или простейших мелодий по принципу «два притопа, три прихлопа», дело в неумении подавать собственные идеи. Нельзя не вспомнить тех же Ion Dissonance, которым на протяжении карьеры удавалось и удается создавать треки, именно врезающиеся в память, сколь бы одиозный math и death канадцы при этом не играли. После «Beautiful» в голове едва ли что задерживается, и за исключением хоть чуть толковых (но тоже слабо запоминающихся) «Devil», «Ziggurat» и «Worm», остальной материал релиза выглядит совсем уж печально. Умение сочинять осознанные произведения приходит не сразу, приходит с годами – но ведь и речь сегодня идет далеко не о первой работе группы, когда на «блин комом» можно было бы списать все огрехи и грехи.

Проект, существующий 10 лет, сегодня просто не может быть таким – но он именно такой и есть, и в этом кроется некая уникальность The Crossed. По крайней мере, иные подобные примеры автору рецензии на ум просто не приходят.
crabvpi13   9 мар 2019

Iggy and the Stooges

   1973   

Raw Power


 Punk Rock
Raw Power
10/1010/1010/1010/1010/1010/1010/1010/1010/1010/10
"...Эммм, у меня есть куча песен, но чтобы их записать, мне нужен еще один человек", - сказал Игги своему тогда просто приятелю Боуи, и представителям звукозаписывающей компании после нескольких экспериментов с другими музыкантами. "Ээээээ, нет. Мне нужен еще один, нет - два музыканта, без них не получится всё-таки". Так, вслед за Роном, в Лондон прибыли Скотт Эштон и Джэймс Уильямсон, и вот The Stooges собрались для записи альбома, чтобы после очень надолго замолчать.
Конечно, теперь новаторские идеи Дэйва Александра с этно-раггами Индии и психоделикой остались позади, зато тут на передний план вышла звероподобная манера исполнения И.Попа и жесткая игра Уильямсона. На момент записи альбома Игги уже более года был системным героиновым наркоманом, быть может это и послужило причиной гениальности материала. Как не вспомнить цитату сказанную Дэйву Мастэйну Гаром Самуэльсоном (Megadeth) - "Хочешь стать знаменитым, садись на героин".
Уж если говорить какая именно запись послужила дебютом в прото-панке, то это именно "Raw Power". Конечно, можно считать отправной точкой и "Funhouse", но именно конкретные композиции с третьего альбома The Stooges послужили началом того, что усердно начнут развивать Sex Pistols и Motorhead.
Тогда еще влияние Боуи на Игги не было столь великим, как это будет впоследствии. Но его непосредственное участие в создании звука альбома тоже нельзя недооценивать. Возможно, именно поэтому материал отходит от рок-корней и более свеж, полон интересных идей, несвойственных данному периоду времени. Немаловажную роль сыграла рокировка состава - Эштон-гитарист за басом, вместо гения Д.Александра, и новичок Дмимми Уильямсон со своей ураганной, грубой гитарой. Как и в случае с дебютником, где по признанию самих музыкантов композиция "We Will Fall" вывела группу из общей массы, тут абсолютно весь материал представляет принципиально новый формат звука и исполнения. Ставка сделана в первую очередь на грубейшую, исковерканную, нервно-звучащую по тем временам гитару, и конечно вокал, поражающий своей психопатичностью. Коктейль сработал, правда был не особо понят, не в последнюю очередь из-за последующих чудовищных выступлений группы, что, собственно, и послужило скорому разладу.
Тут нет ярко выраженных хитов и на первый взгляд кажется, что альбом крепкий рок-середнячок своей эры. Однако, если сопоставить его с мэтрами рок-сцены того момента, и альтернативными новичками подающими надежды, этот безусловный шедевр смотрится (хотя, скорее, слышится) как отщепенец, который знает, что он круче всех и без лишнего пиара.
P.S. В одном из интервью на вопрос о новых музыкальных веяниях и, в частности о The Stooges, Джим Моррисон ответил: "Что ж, если люди это слушают, значит это имеет право на существование".
Omen X   8 мар 2019

Blood Tsunami

   2013   

For faen!


 Thrash Metal
For faen!
8/108/108/108/108/108/108/108/108/108/10
Про эту неплохую трэшевую формацию вспоминают нечасто, и то в контексте того, что за ударной установкой у них находится Барт Эйтхун, более известный в народе как “Фауст”. Да, тот самый, который в олимпийском Лиллихаммере в 92-м проделал в одном норвежском педерасте множество незапланированных анатомией отверстий. Впрочем, вернёмся к нашим баранам, то есть к группе Blood Tsunami и альбому “For Faen!”. На нём мы имеем честь услышать оголтелый европейский ортодоксальный трэш без какой-либо поправки на современность. Чтоб было понятно, откуда в музыкальном плане растут ноги у этих обитателей Скандинавского полуострова, можно сказать, что главным источником вдохновения послужило творчество многоуважемого герра Петроццы. “For Faen!” горстями черпает из классического наследия Kreator 80-х гг., и я не могу сказать, что у норвежцев получилось сплошное и безмозглое эпигонство, скорее творческое осмысление и попытка воздать должное отцам-основателям стиля. Так что особых музыкальных сюрпризов на диске не ждите. А вот часть лирическая гораздо любопытней, и повествует она о вещах близких и понятных каждому добропорядочному гражданину. Blood Tsunami голосом своего вокалиста Пита “Злого” знакомят нас с особенностями творческого пути Андрея Романовича Чикатило (“The Butcher Of Rostov”), Николая Есполовича Джумагалиева (“Metal Fang”), с буднями норвежской блэк-тусовки первой половины 90-х (“Unholy Nights”), прелестями внутривенного употребления дизоморфина (“Krokodil”) и не менее увлекательных вещами. Короче, трэш, угар, Норвегия!
rassol   7 мар 2019

Thin Lizzy

   1979   

Black Rose


 Hard 'n' Heavy
Black Rose
8/108/108/108/108/108/108/108/108/108/10
Два года в рядах Thin Lizzy тлел конфликт, то затухая, то разгораясь вновь. Всё началось ещё в 1976 году, когда во время пьяной драки гитарист Брайан Робертсон поранил руку осколком битой бутылки, чем привёл в ярость Фила Лайнотта. Тогда пришлось отменить ряд выступлений группы. Наконец, в июле 1978-го после очередных закидонов горячему шотландскому парню было указано на дверь, Робертсон этой дверью с готовностью хлопнул и отправился подбирать музыкантов для своей собственной группы. А Фил Лайнот был вынужден решать проблему со вторым гитаристом (к слову, эта проблема будет преследовать Лайнотта все последующие годы). Впрочем, тогда это не заняло у него много времени - Гэри Мур был не обременён какими-либо контрактными обязательствами и откликнулся на предложение старого приятеля.
Надо заметить, что тот период времени для Ф. Лайнотта выдался напряжённым. TL записывали синглы и планировали приступить к работе над новой пластинкой. Параллельно с этим Лайнотт собрал банду под названием The Greedy Bastards ("Жадные ублюдки") с участием Стива Джонса и Пола Кука (гитарист и барабанщик Sex Pistols), с которой выступал в лондонских клубах. А ещё у него родилась дочь Сара.
Только в декабре 1978 года продюсер Тони Висконти собрал-таки весь состав TL в одну известную парижскую студию подальше от всех и всего, что отвлекало бы его подопечных. Те два месяца студийной работы покрыты завесой тайны. Имеются свидетельства, что Лайнотт и гитарист Скотт Горэм всерьёз подсели тогда на наркотики, и Висконти был даже вынужден привлечь к работе над альбомом универсала Миджа Ури (гитарист и клавишник). Что там тогда вообще происходило? Почему мы почти на всех номерах программы альбома слышим по большому счёту лишь гитару Гэри Мура? Это Мур авторитарно узурпировал власть в студии или таково было продюсерское решение? И что там делал Скотт Горэм?
В альбом включены едва ли не все синглы TL (а это почти половина программы), что были уже давно запущены в релиз. Основное же внимание и большая часть времени были уделены стержневой композиции будущего альбома - "Black Rose - A Rock Legend". Такого формата вещи группа никогда не делала, но идея её создания слишком захватила Фила Лайнотта. Что это вообще такое - "Black Rose"? По-сути - это попурри из четырёх мелодически близких инструментальных отрезков (первый и четвёртый с вокалом), в основу которых легли мотивы кельтского эпоса. Достаточно сложное произведение с обилием затейливых гитарных тем. И трудно сейчас даже представить эту композицию без участия в ней Гэри Мура. Он вообще хорош на этом альбоме, во всех песнях его гитара звучит убедительно и конструктивно. И только в "Black Rose" столь ожидаемый гитарный тандем Мур-Горэм наконец-то проявил себя в полной мере.
Альбом вышел в апреле 1979 года и в считанные дни по объёмам продаж по обе стороны Атлантики обрёл статус "золотого". Его ждали, к его появлению готовились. И факторов его столь стремительной успешности было несколько. Прежде всего - это невероятно горячо принятый концертный 2LP "Live And Dangerous", вышедший у группы годом ранее, благодаря ему популярность TL выросла многократно. Плюс - целая серия синглов, предшествовавших большому альбому, три из которых попали в первую тридцатку UK Singles Chart. Ну и, разумеется, возвращение в состав самого Гэри Мура, уже достаточно известного на тот момент в Англии музыканта. И, наконец, интригующее название пластинки с подзаголовком - "A Rock Legend" подогревало интерес у публики.
В британском UK Albums Chart "Black Rosе" достиг второго места и продержался в чарте почти целый год. Журнал "Billboard" в своём рейтинге Billboard 200 поднял его на 81 место. В США для британской группы это был почти успех.
Но так ли всё радужно с этим альбомом? Первые три композиции - бодрые, добротные номера, но и не более того. Мелодии их не из разряда запоминающихся. Наконец рейтинговая "Waiting For An Alibi" (9-е место в UK Singles Chart) - первая, которая по-настоящему цепляет. Затем "Sarah" - необычная для репертуара TL песня в несвойственном для этой группы стилистическом формате - коктейль-джаз-баллада с нежной гитарной импровизацией и занятными клавишными. Другое дело - вторая сторона пластинки. Сразу же боевая с глубоким смысловым наполнением "Got To Give It Up" и, конечно же, размашистая, проникновенная, с пронзительной гитарной партией "With Love" - безусловный первый номер программы всего альбома.
Ажиотаж вокруг "Black Rose" cхлынул так же скоро, как и возник. Скорее всего потому, что ожидания от него оказались чрезмерно завышенными. И хотя пластинка ещё достаточно высоко котировалась в разного рода рейтингах и массово переиздавалась по всему миру, интерес к группе поостыл, заполняемость концертных залов была не столь плотной, и не всегда уже Thin Lizzy выступали хедлайнерами.
А в июле 1979 года Гэри Мур внезапно покинул группу. И это было похоже на предательство.

In Flames

   2019   

I, the Mask


 Alternative Metal
I, the Mask
7/107/107/107/107/107/107/107/107/107/10
Наверное, любомоу здравомыслящему человеку должно быть понятно, что оценивать последние годы творчества шведского коллектива In Flames нужно исключительно через призму их нового направления, а именно – альтернативного метала/рока. Что, собственно, я всегда делал, но на последней работе скандинавов всё оказалось не так однозначно. Откровенно говоря, я совершенно не ждал новый релиз шведов - тут свои лепты внесли два последних альбома группы, которые были, мягко говоря, безликими и абсолютно неинтересными. Каким же было моё удивление, когда я, услышав содержимое «I, The Mask», обнаружил там совершенно не то, что предполагал.

Что меня сразу удивило, так это звучание. С самого старта чувствуется та самая «пламенная» мелодия, услышать которую мы имели возможность в расцвет модернового периода группы. Одноименную «I, The Mask» так и вовсе можно было бы органично интегрировать в какой-нибудь «Come Clarity». Ещё хочется выделить ядрёную «I Am Above» с запоминающимся зубодробительным риффом и великолепной скриминговой партией Андерса; быстротемповою «Burn», напоминающую «Disconnected» и «I’m the Highway»; и энергичную «открывашку» «Voices», которая задаёт темп первой половине альбома, которые, без доли всяких сомнений, надолго улетят в мой плеер. Также, там есть пара-тройка лирических полуотступлений в виде «Follow Me», «Stay With Me» и «All The Pain». И если первые две интересны, максимум, своими акустическими вставками, то последняя имеет ряд очень красивых темповых переходов и не менее красивое соло, которое хочется прослушивать снова и снова.

Также, Геллоте, видимо, вспомнил что он, в первую очередь, гитарист и композитор, а не ди-джей, и запредельное количество электроники исчезло. Да, она есть, но её либо незаметно, либо она исполняет функцию интро. Касательно вокала Фридена тоже можно сказать пару приятных слов. Скриминга теперь реально больше, он стал разнообразнее и глубже, и перестал походить на искусственное «утяжеление» голоса для того, чтобы всё ещё казаться метал-группой.

Хочется упомянуть о минусах которые, безусловно, здесь в достаточном количестве. Этот альбом получился довольно неровным – такое чувство, что Бьёрн и Андерс сами до конца не поняли каким он должен быть. Первая половина вполне себе в духе модернового металла, а вторая – альтернативного. Как оно должно было клеиться вместе, я не очень понимаю. Во-вторых, присутствует тот самый альтернативный филлер, наподобие «Call My Name» и «(This Is Our) House», которому попросту не место на этом альбоме. Не то чтобы они были плохими композициями, вовсе нет; «I, The Mask», наверное, первая работа после «Sounds of a Playground Fading» где видно старания шведов создать нормальный материал, просто это выглядит так, если впихнуть «Jotun» или «Bullet Ride» посреди «Reroute to Remain».

Если подытожить, то «I, The Mask» получился гораздо лучше двух предыдущих работ In Flames. Мне, как минимум, захотелось прослушать его несколько раз и даже сейчас, после многократных прослушиваний, он играет на фоне. Очень порадовало «старое» звучание, которое придало некой надежды на будущее, в котором шведы избавились от альтернативной опухоли и снова начали играть свою, самобытную музыку!!!
Matthew Hetfield   6 мар 2019

Abstract Void

   2018   

Back to Reality


 Synth Black Metal
Back to Reality
9/109/109/109/109/109/109/109/109/109/10
Как-то раз в одной из групп в ВК, посвященной новостям прогрессивного рока, произошла небольшая дискуссия по поводу того, какую музыку следует считать прогрессивным роком и вообще в принципе прогрессивной. Отправной точкой обсуждения послужило высказывание Тииса ван Леера, основная мысль которого в общих чертах заключается в следующем: прогрессивный рок начался Фрэнком Заппой и с ним же и почил, а то, что сочиняется сейчас – лишь вариации на тему. И это крайне интересная тема для обсуждения, так как вряд ли кто-то воспринимает определение понятия «прогрессивный рок», данное в википедии, как неоспоримую истину. Многие, кстати, согласились с этим утверждением, добавив несколько достойных по их мнению имен.
Я же считаю, что прогрессивность рока и музыки в целом заключается в экспериментировании с формами и содержанием. Прогрессивность как характеристика музыки, подстать своему содержанию, уже давно вышла за рамки поджанра «прогрессивный рок». Этот термин спокойно используют для характеристики не только рок-музыки, но музыки других направлений. К чему я все это? К тому, что считаю дебютный лонгплей one-man проекта с планеты Земля, как автор написал о себе в bandcamp’е, прогрессивной музыкой.
Альбом представляет собой смешение таких стилей как blackgaze и synthwave. Оба жанра имеют довольно обширный список представителей, многие из которых комбинировали свой основной стиль с чем-то другим. Синтвэйв знает множество примеров сочетания с рок-музыкой, а блэк-метал в меньшей степени, но также успешно сочетался с электроникой. Однако такого микса, как у Abstract Void, я еще не встречал.
Автор взял лучшее, что есть в блэкгейзе и синтвэйве, и получил из этого потрясающе вкусную конфетку. Что касается атмоблэковой стороны, здесь в наличии и отдаленно звучащий эмоциональный скриминг, достойных лучших представителей этого жанра, и зефирные тремоло на электрогитарах, и напористые бласт-биты. Можно сказать, что блэковая составляющая в данной работе взяла на себя роль аккомпанемента. Даже вокал - и тот лишь играет роль одного из инструментов, дополняя космическо-величественную атмосферу. Музыкант позже даже выпустил инструментальную версию альбома. Синтвэйв-составляющая же здесь играет роль по большей части солирующую, заполняя сознание изящными обволакивающими мелодиями, отправляя слушателя в путешествие по космическому Майами с видом на какую-нибудь красивую звезду. Местами, кстати, присутствует и электронная ритм-секция, что, однако, никак не конфликтует с металлическими ударными.
Думаю, две эти составляющие хорошо слушались бы и по отдельности, но из их слияния получилось нечто такое, что не хочется разделять. Беспрецедентная работа на моей памяти, кроме, разве что, Mesarthim, но это все-таки не то. С нетерпением жду следующих работ Abstract Void и надеюсь, что он продолжит движение в том же направлении.
P.S. Если кто-то знает что-то подобное, то буду рад послушать.
Whiterey   2 мар 2019

Thin Lizzy

   1980   

Chinatown


 Hard 'n' Heavy
Chinatown
8/108/108/108/108/108/108/108/108/108/10
Вторая половина 79-го года сложилась для Фила Лайнотта непредвиденно трудно. Всё началось в июле с необъяснимого бегства Гэри Мура из рядов группы прямо в разгар североамериканского тура Thin Lizzy. Это был удар ниже пояса. Мало того, что место за барабанами вместо занемогшего Брайана Дауни занимала его временная альтернатива, так ещё команда осталась с одним гитаристом. Замену отыскали неоднозначную - клавишник Джеймс "Мидж" Ури был личностью известной, но никак не рок-музыкант. Кое-как ту часть тура отыграли, однако на японские острова в сентябре с группой отправился уже гитарист Дэйв Флетт (экс-Manfred Mann's Earth Band);
Пока после всех этих передряг группа приходила в себя и готовилась к студийной работе над следующим альбомом, подбирая нового гитариста, Фил Лайнотт закончил-таки свой первый сольный LP "Solo In Soho" (вышел в апреле 1980 г.). Дэйв Флетт надеялся из статуса "временного" гитариста переквалифицироваться в штатного, но Лайнотт намеревался внести в саунд TL что-то новое, для чего в состав необходимо было добавить горячей свежей крови.
Сноуи Уайт (Snowy White) был на тот момент малоизвестным гитаристом с неясным функционалом. В его пользу было участие в масштабном мировом туре Pink Floyd, но даже это обстоятельство не являлось показателем его готовности составить достойный дуэт со Скоттом Горэмом в составе TL. Нужно было доказывать свою состоятельность. Окончательный вердикт за С. Уайта внёс новый продюсер Кит Вулвен (Kit Woolven), который работал с Филом Лайноттом над его "Solo In Soho".
Поклонники Thin Lizzy напряглись в тревожном ожидании.
В октябре 1980 года "Chinatown" вышел в релиз.
Современное восприятие этой пластинки TL никак не сопоставимо с тем, с каким этот альбом был принят без малого сорок лет тому назад. Тогда в беспокойном море мировой рок-музыки всё ещё свирепствовал панк-рок, подгоняемый набирающей силу "новой волной".
Немало казалось бы устойчивых рок-команд под воздействием этой буйной стихии сменило курс или вовсе "сошло на берег". В числе уцелевших, являвших собой островки стабильности, были Thin Lizzy с этим своим альбомом. Группа не только не изменила себе, она в ещё большей степени обозначила свои приоритеты в рок-музыкальном пространстве, утвердила своё присутствие в этой среде и даже проявила признаки определённого влияния. Многие увязывали эти тенденции с приходом Сноуи Уайта. И это было справедливо. Сноуи не просто органично вписался в состав, обретя необходимую "химию" со Скоттом Горэмом, он придал звучанию команды остроты, брутальности и драйва, чего TL в последнее время определённо недоставало. Саунд группы ощутимо окреп. Возможно он стал более прямолинейным и даже аскетичным, но приблизившимся к определению hard & heavy, в чём ранее заподозрить эту группу было никак нельзя;
Семь композиций из восьми - отменные образцы гитарного харда; шесть из семи - треки, насыщенные яростной энергетикой; пять из шести - номера, исполненные в неистово-агрессивной манере сдвоенным гитарным тандемом; четыре из пяти - в ураганном темпо-ритме, задаваемом динамичной ритм-секцией. Так TL не играли ещё никогда, даже фрагментарно. Здесь ещё надо заметить, что вокал Фила Лайнотта по большому счёту нельзя называть пением. Он скорее декламирует текст, вкладывая при этом в свои интонации целую гамму чувств и эмоций. И это, надо признать, впечатляет.
Два номера следует отметить особо. Стартовая "We Will Be Strong" - это программная композиция группы, вобравшая в себя всю суть и смысловую нагрузку, что Ф. Лайнотт в той или иной форме выражал своей песенной поэзией на протяжении десяти лет существования коллектива. Своего рода гимн мужской доблести и чести, нерушимого братства парней, выходцев с суровых улиц рабочих окраин.
И, конечно же, никак нельзя обойти вниманием единственную песню, которая, казалось бы, совсем не вписывается в концепцию альбома. "Didn't I" - для людей, глубоко погружённых в творчество TL, это ностальгический экскурс в доброе, не столь ещё далёкое, но такое притягательное прошлое группы. Словно Фил этой своей трогательной ритм-блюзовой балладой с мягким, едва уловимым оттенком disco-style, даёт всем понять - с прошлым покончено, друзья мои!
Тогда он и сам не предполагал, насколько окажется прав.

Manic Depression

   2016   

Manic Depression I-IV


 Thrash Metal
Manic Depression I-IV
9/109/109/109/109/109/109/109/109/109/10
Бокс-сеты с подборкой альбомов — дело, безусловно, нужное и полезное. Фанаты со стажем покупают подобные издания дабы воздать должное любимой команде, а для неофитов это возможность получить все и сразу в одной коробке. Сборник "Manic Depression I-IV" как раз такое универсальное издание. Четыре диска (три полноформата, плюс один EP) в стильном, лаконично оформленном диджибуке придутся по вкусу обеим категориям фанатов MD. Компиляция отражает уже ставший классическим период в истории команды, эпоху Макса "с болтом" Лайко за микрофонной стойкой московской группы. Сборник позволяет проследить творческую эволюцию команды - от прорывного дебютника "Who Deals the Pain" с ортодоксальным Thrash, через более зрелый и самобытный "Planned Spiritual Decay", экспериментальный миник "You'll Be with Us Again", и до последнего студийника с Максом, "Impending Collapse", на котором уже вовсю заметны типичные Modern Thrash приемы с заходом на территорию Death Metal.

Диджибук отличается качественным оформлением: плотная обложка, отдельные конверты для каждого диска. Для любителей истории толстый буклет в 28 страниц с большим количеством фотографий, текстами и комментариями к каждой песне. Опять же, для поклонника группы вещь незаменимая. Стоит еще упомянуть подтянутый ремастерингом звук, который усиливает крайне положительные впечатления от компиляции. Вишенкой на торте станут редкие бонусы, добавленные к вышеназванным альбомам.

Оценивать каждый диск в отдельности не имеет смысла, так как подобные издания рассчитаны преимущественно на фанатов, а поклонники группы уже имеют представление о материале, и суть данного издания именно в удобной и приятной глазу форме. Исходя из подобных соображений, компиляции можно поставить довольно высокую оценку.
Если вы поклонник группы, и особенно ее классического периода, и по какой-то причине у вас еще нет заветной коробочки, всячески рекомендуем ее приобрести, так как небольшой тираж всего в триста копий делает издание весьма желанным раритетом.

(Диск предоставлен компанией MeatSound Productions).
Nerferoth Juventino  21 фев 2019

Brahmastra

   2019   

12th Planet


 Death Black Metal
12th Planet
6/106/106/106/106/106/106/106/106/106/10
Маленький Анбу с детства любил смотреть на звезды. Загадочно мерцающие небесные огни манили его несметным количеством удивительных тайн. Эта звезда приветливо подмигивает как добрый знак благосклонных богов, а вот та отсвечивает кроваво-красным, словно гневное око безжалостного бога войны, а третья появляется и исчезает, будто бы по собственному желанию, не как все прочие звезды, совершающие ежедневное путешествие по бездонному океану небес и уходящие утром в глубины подземного мира. Анбу пристально следил за небесными домами богов и прилежно записывал движения их причудливого танца на глиняные таблички.

Много лет спустя маленький Захария тоже часто вглядывался в манящие глубины космоса. А еще его весьма увлекали занимательные книги по древней мифологии. В результате его многолетних пытливых изысканий появилась псевдонаучная теория, которая уже не один десяток лет волнует умы людей, любящих смотреть на звезды.

В наши дни, некий житель солнечной Австралии, скрывающийся под псевдонимом Rakshasa, конспиролог, исследователь таинственного и неопознанного и по совместительству музыкант, записывает альбом, посвященный все той же древне-шумерской астрономии. Своеобразный Дэн Браун от Black/Death метала обращался уже к секретам масонов и иллюминатов, путешествовал на облюбованный нацистами Тибет в поисках Шамбалы; в этот же раз он решил обратить свой взор в сторону неуловимой Нибиру.

Музыкально альбом представляет собой не хватающий звезд с неба (каламбур-с), но, тем не менее, приятно слушающийся приблэкованный Death metal, или наоборот, сильно сдобренный Death'oм Black. Выделяют работу на фоне прочих альбомов подобного стиля собственно атмосферные отголоски шумерского прошлого, довольно органично вписанные в общую музыкальную канву. Если вам знакомы и, тем более, любы Nile и Melechesh, вы примерно знаете, чего здесь ожидать. Без этих моментов пластинка могла бы звучать довольно однообразно, а с ними — имеет шанс приглянуться любителям подобной тематики, вроде меня, особенно если брать открывающую после интро и завершающую альбом композиции. Другим безусловным плюсом "The 12th Planet" является весьма достойное для андеграундного проекта качество записи: что металлическая основа, что этнические мотивы звучат хорошо и полнокровно, не отдавая дешевым синтезатором. В некоторых композициях, например, в "The First to Land in Tiamat" и "The Rise of Ra" пробиваются мимолётные, но неплохие соло.

Подводя итог: альбом получился неплохой, но для выдающейся Black/Death работы немного не хватило разнообразия, а для атмосферика чуть не достает густоты этой самой атмосферы. Прям самую малость. В любом случае, отклик в сердцах любителей неопознанного новый диск Brahmastra определенно найдет.
Nerferoth Juventino  21 фев 2019

Avantasia

   2019   

Moonglow


 Symphonic Power Metal
Moonglow
9/109/109/109/109/109/109/109/109/109/10
Бывают альбомы, которые достаточно послушать всего лишь раз, чтобы оценить их по достоинству.
Бывают альбомы, которые, как хорошее вино, нужно долго смаковать, чтобы почувствовать их вкус.
В данном случае мы имеем дело с первым типом альбомов. О таких обычно говорят сразу: да или нет. Их не нужно гонять по кругу, чтобы разобраться в их достоинствах или недостатках.

Сказать, что очередной релиз проекта Avantasia был с нетерпением ожидаем многими – значит ничего не сказать. О нем писали, говорили, обсуждали еще задолго до выхода, по крупицам собирали малейшую информацию… Что же получилось в итоге?

Первый вышедший сингл "The Raven Child" породил неоднозначные мнения среди слушателей. Многие назвали песню путанной, смазанной, поговаривали о самоплагиате, о кальке с "The Scarecrow". Единственным светлым пятном было участие вокалиста Blind Guardian Ханси Кюрша… Другие же восхищались данной композицией и считали ее предвестницей чего-то эпического и грандиозного.

Со вторым синглом "Moonglow" ситуация была не лучше. Пошли сравнения с Nightwish, поговаривали, что Заммет совсем ушел в коммерцию. И только удачно подобранный вокал Кэндис Найт был признан главным достоинством песни.

Пока фанаты судили да рядили, Тобиас Заммет, хитро посмеиваясь, вовсю нахваливал свой будущий релиз и делал внушительные заявления, способные убедить самых отъявленных скептиков, что, дескать, альбом является чуть ли не лучшим за всю историю существования проекта.

15 февраля состоялся официальный релиз альбома, и фанаты могли проверить, насколько Заммет был правдив в своих заверениях.

Заглавный трек "Ghost In The Moon" отсылает нас к началу предыдущего альбома "Ghostlights", который, к слову, был удивительно хорош. Трек перекликается с уже знакомой слушателю композицией "Mystery Of A Blood Red Rose" не только повторением этой фразы в куплете песни, но и самим мотивом и аранжировкой. И нужно сказать, что здесь Тобиас прыгнул выше своего предыдущего творения. Аранжировки в треке более разнообразны и заставляют нас вспомнить произведения Уэббера и Вагнера. Cмены ритма и замечательные хоровые вставки делают песню похожей на настоящий праздник.

Идущая следом "Book Of Shallows" не дает перевести дух и бросает буквально из огня да в полымя. К Заммету присоединяются лучшие из лучших: Ханси Кюрш, Милле Петроцца и Йорн Ланде. Песня обречена на успех. А зажигательный припев, смена ритма и речитатив Милле являются главной изюминкой этого шедевра.

"Moonglow". Песня, достоинства которой, помимо вокала Кендис Найт, очень трудно выявить. На хит не тянет, но и для «средней» композиции достаточно хороша. Композиция, вызвавшая довольно смешанные чувства во время выхода сингла, в контексте альбома зазвучала небывало свежо и интересно. Но не более.

"The Raven Child". Это тот случай, когда лучшее враг хорошего. Были все предпосылки к тому, чтобы данная композиция стала жемчужиной альбома. Наличие Ханси Кюрша и Йорна Ланде в тандеме является главным достоинством песни. Еще один плюс – очень хитовый и запоминающийся припев. К сожалению, многочисленные аранжировки и смены ритма убили песню. Композиция напоминает лоскутное одеяло, сшитое наспех, пусть достаточно качественно и с любовью. Второй "The Scarecrow" не случилось. А жаль.

"Starlight" заставляет вспомнить еще об одном проекте Заммета под названием Edguy. Бодрое вступление, запоминающийся припев, под который ноги сами идут в пляс. Наличие Ронни Аткинса из Pretty Maids убеждает в том, что перед нами все же не Edguy, а Avantasia, причем в самом лучшем своем проявлении. Замечательная композиция, которую обязательно стоит исполнять вживую.

"Invincible". Настал черед еще одного звездного гостя. Джефф Тейт из Queensrÿche открывает чарующую и таинственную композицию, которая отсылает нас к лучшим временам Avantasia, к таким жемчужинам, как "Anywhere" и "In Quest For". Потрясающе красивая баллада, но при этом непростительно короткая. Не хватает еще одного куплета, как минимум, из-за чего песня получилась нераскрытой, но хорошего, как водится, понемногу, и композиция плавно перетекает в следующий трек.

"Alchemy". Складывается ощущение, что песня была написана во времена записи альбома "Ghostlights". Трек, перекликающийся по настроению с такими композициями, как "Master Of The Pendulum" и "Seduction Of Decay". Таинственное начало, качающий рифф, такой же шикарный, как 20 лет назад, вокал Тейта... Еще одна потрясающая композиция в лучших традициях Avantasia. И еще один замечательный претендент на живое исполнение. Однозначно, один из главных хитов альбома!

"The Piper At The Gates Of Dawn". Модернизированное бодрое начало снова отсылает нас к Edguy, но Ронни Аткинс, Йорн Ланде и, присоединяющийся чуть позже Эрик Мартин из Mr. Big, развеивают эти заблуждения. Отличный запоминающийся припев, интересные аранжировки. Бодрый боевичок, гораздо более приятный слуху топорно-паверных "Ghostlights" и "Babylon Vampyres" с предыдущего альбома. Заммет как-то говорил, что играть павер ему уже неинтересно. Слушая данную композицию, лишний раз убеждаешься в этом. Трек богат аранжировками и сменами ритма, совсем нетипичными для стандартного павера.

"Lavender". Одна из тех композиций, слушая которую ты понимаешь, за что ты любишь Avantasia. Легко, непринужденно и стильно. Вокал Боба Кэтли отсылает нас к лучшим творениям проекта, таким как "The Story Ain’t Over" и "Runaway Train". Слушая такие композиции, счастливо улыбаешься и начинаешь смотреть на этот мир чуточку добрее. Сердечное спасибо Тоби за эту легкую, жизнеутверждающую музыку!

"Requiem For A Dream" - звездный час неподражаемого Михаэля Киске. Грандиозное начало сразу воскрешает в уме имя классика Моцарта. Потрясающий хор, минорный переход настраивают на возвышенный лад, но потом звучит бодрый рифф, и мы понимаем, что слушаем не Моцарта, но его современного последователя. Очень крепкая песня, замечательно спетая и сыгранная. Самая интересная композиция из всех, написанных Тобиасом для Киске со времен выхода альбома "The Scarecrow".

"Maniac". Хитовый кавер в исполнении тандема Заммет/Эрик Мартин. Тот случай, когда кавер звучит лучше оригинала. Однозначный плюс.

"Heart" - бонусный трек, которому в бонусах и оставаться. Ничего интересного. Все было слышано и спето ранее.

В итоге, альбом не шокировал, но и не разочаровал. Те, кто хотели услышать хорошую музыку, услышали ее. Те, кто хотел откровения от очередного коммерчески успешного проекта, возможно, уйдут ни с чем. Причем с первого прослушивания. Второго шанса альбом своим слушателям, увы, не дает.
Lady_Majesty  20 фев 2019

Jag Panzer

   2001   

Mechanized Warfare


 Heavy Power Metal
Mechanized Warfare
7/107/107/107/107/107/107/107/107/107/10
Не пришлось ждать и одного года, как в 2001 Heavy/Power формация из Колорадо-Спрингс, США, под названием Jag Panzer, в который раз выпустила очередную «сочную» публикацию под названием «Mechanized Warfare», что в переводе на русский язык означает – «Механизированная война».
Общий тон студийной работы придерживается «линейки» последних трёх релизов команды (период 1997-2000 годов).
Состав тот же: John Tetley – бас, Rikard Stjernquist – ударные, Mark Briody и Chris Broderick – гитара, клавишные, ну и конечно Harry "The Tyrant" Conklin – на вокале.
Говоря о технике исполнения, то наиболее интересным на альбоме является мастерский стиль игры гитариста Криса Бродерика, в частности его инструментальные соло-партии. Единственный недостаток этих соло-партий заключается в том, что они практически все одинаковы по структуре. Очень сильно запоминаются структурированные ударные Рикарда Стернквиста и, конечно же, высокий хеви-металлический голос Гари Конклина. Если сравнивать пение Конклина на предыдущем альбоме, то на «Mechanized Warfare» оно не так разнообразно, а скорее прямолинейно, но красиво. В чем-то он местами напоминает пение Blaze Bayley на альбоме Iron Maiden «The X Factor» 1995 года.
Качество записи сделано на высшем уровне: звук плотный, чистый, без единых искажений. Все инструменты хорошо слышны в миксе. А как иначе, если альбом выпускался под брендом рекорд-лейбла Century Media Records, который входит в состав второй по величине звукозаписывающей компании в мире – Sony Music Entertainment, а продюсировал его никто иной, как Jim Morris – специалист, работающий с такими формациями как Agent Steel, Death, Crimson Glory, Iced Earth, Savatage и многими другими.
Данный диск, в отличие от его предшественника «Thane to the Throne», не является концептуальным. Композиции, в принципе, хороши, но простоваты по исполнению: рифф – припев, рифф – соло. Нет единой атмосферы, чего-то задушевного, таинственного, неповторимого; нет эмоций, что в результате мешает сказать о материале, как об особенном. Есть качественный мясистый Heavy/Power Metal. Единственное, что объединяет треки на «Mechanized Warfare», так это мелодичные хоровые припевы, которые уже давно стали своего рода визитной карточкой группы.
Наиболее интересными и запоминающимися треками на релизе можно назвать вступительную "Take to the Sky" (на нее снят первый официальный клип группы), которая отличается прогрессивной составляющей, мрачную "The Silent", концептуальную "The Scarlet Letter" (написанную по мотивам произведения американского писателя Натаниэля Готорна «Алая Буква» 1850 года), и военизированную "Cold Is the Blade (And the Heart That Wields It)".
Практически весь представленный материал исполнен в среднем темпе, исключением можно назвать лишь "Frozen in Fear" и "Power Surge" (на последней Конклин уместно поет высоким фальцетом). Радует то, что общая длительность песен в среднем составляет около шести минут, а издание в целом длится 54:18 мин.
Кстати, такие песни как "Take to the Sky", "The Silent" и "Cold Is the Blade (And the Heart That Wields It)" составили 60% видеозаписей на первом и единственном на данный момент официальном DVD группы «The Era of Kings and Conflict», который выйдет годом позже.
Что касается обложки "Mechanized Warfare", то она ничем особенным не отличается. Я даже сказал бы, что её общий антураж не отвечает самой тематике альбома. Призрачный робот с оружием на фоне военных танков, это при том, что материал в целом как бы совсем не рассказывает про войну, а наоборот поднимает такие темы как: нравственность, страх, прелюбодеяние, соблазн…
Если подводить итог, то в целом альбом получился очень качественным и интересным по исполнению. Недостатком назвал бы отсутствие новых идей, которых коллективу не особо хватило в тот момент. Но если Вам нравится поздний Savatage и Fates Warning в период 90-ых – то этот музыкальный продукт непременно будет составлять Ваш плей-лист в ближайшее время.
Оценка 7 из 10 – за отсутствие новых идей, быстрых вещей и нелепую обложку.
АртурПлешаков  19 фев 2019

Kruger

   2019   

Созвездия фар


 Thrash Power Metal
Созвездия фар
10/1010/1010/1010/1010/1010/1010/1010/1010/1010/10
Казалось бы, прошло меньше года с выхода последнего альбома, как Kruger, прям в самом начале 2019-ого, выпускают новый альбом. Хотя чему удивляться, Александр Хамер всегда был плодовитым композитором. Но про музыку позже, вначале хотелось бы поговорить про текстовую составляющую.

Главной моей претензией к большинству отечественных исполнителей всегда является лирика. Зачастую, это либо очень смешные тексты, как у какой-нибудь Арктиды или, прости г-ди, Пилигрим, так и совсем бессмысленные, убогие и шизофреничные, как у Catharsis. К группе Kruger у меня претензий никогда не было. Да, возможно не всегда тематика песен мне импонирует, но слова абсолютно не режут слух, идут друг за другом слаженно и органично, не только по смыслу, но и по вокальным линиям.

Дорожная романтика, некогда воспеваемая Арией (в их славные времена), послужила стержнем для всего альбома. Казалось бы, не самая актуальная тема, да и мода на косухи, вроде, уже ушла. Но, честно говоря, лучше слушать про рёв мотора и шипящий асфальт, чем подвергать свой мозг в очередной раз насилию от псевдо-патриотических текстов Кипелова, Арии и других. И так из всех щелей орут про национальное самосознание, так еще и любимый Heavy Metal начинает вызывать отторжение.

А теперь о музыке. Я уже не раз писал, что Kruger создают жирный и плотный звук, Хамер исправно сочиняет скоростные и мелодичные соло. В этом отношении ничего не меняется со времен альбома "Вера и религия". Основной проблемой для слушателя может стать вокал. Я уже приводил пример, что голоса в группе как сигареты - сначала тошнит, потом привыкаешь. Но для тех, кто такого рода пение не переносит вообще, тоже найдется что послушать.

"Страсть и огонь" является полностью инструментальным треком, демонстрирующим всё музыкальное мастерство коллектива. Ни одна группа из наших старичков, типа Арии или Кипелова (которых я мочалю на протяжении всего текста), такое в жизни не то что не сочинят - вряд ли сыграют.

Лично для меня такое начало года кажется весьма перспективным. Я человек не суеверный, но когда одни из любимцев уже в первой половине года сочиняют материал, который я буду с удовольствием слушать еще множество раз, то по крайней мере сегодня мой настрой будет позитивным!
Exceptional  19 фев 2019

The Rolling Stones

   1974   

It's Only Rock 'n' Roll


 Classic Blues Rock
It's Only Rock 'n' Roll
8/108/108/108/108/108/108/108/108/108/10
Из десяти альбомов The Rolling Stones, включённых журналом "Rolling Stone" в свой исторический список "500 величайших альбомов всех времён", наивысшее место занимает 2LP 1972 года "Exile On Main St.". Седьмое. И в большинстве своём из этого десятка пластинки группы из далёких 60-70-х годов. Но "It's Only Rock*n*Roll" среди них вы не найдёте. Даже не пытайтесь. Принято считать, что этим своим альбомом RS чересчур отдалились от привычных ритм-блюзовых берегов. Скорее да, чем нет. И тому было немало причин.
Надо заметить, что к началу работы над "It's Only..." группа подошла в полуразобранном состоянии. Как отмечали тогда очевидцы, в составе не было должного единства. Вокал записывался отдельно от всех, чего раньше никогда не было. Кит Ричард время от времени под воздействием сильнодействующих дрегов впадал в нирвану, выпадая при этом из рабочего процесса. И чтобы совсем не завалить работу в студии менеджмент RS привлекал массу сейшн-музыкантов с именем. Однако основные усилия по вытягиванию программы были приложены самым молодым "роллингом", Миком Тэйлором.
И ведь он её вытянул! И хотя почти весь материал альбома (кроме одной песни негритянского состава The Temptation) был наработан привычным тандемом Джаггер-Ричард, саунд его, благодаря как раз-таки Тэйлору, кардинальным образом изменился. После уныло-однообразного "Exile On Main St.", идея внести в звучание что-то новое захватила всю команду. Однако работа над "It's Only..." растянулась почти на два года. И стала последней студийной работой для М. Тэйлора в составе RS.
Программа без раскачки начинается с серии номеров в жёстком роковом ключе. Представляю себе, как тяжёлые риффы ритм-гитары Ричарда в связке с бас-гитарой Билла Уаймэна, на пару создавшие невероятно плотный, почти хардовый саунд в титульной композиции, повергли в смятение приверженцев традиционной музыки RS. И сразу становилось заметным, как не вписывается в этот замес, словно сам был шокирован происходящим, Чарли Уотс за барабанами. Но вот небольшое затишье в виде "Till The Next Goodbye" в куда более свойственном для группы соул-звучании. Допускаю, что такой расклад треков был выбран преднамеренно. Чтобы в большей степени выделить следующий номер, который представляется настоящим шедевром. "Time Waits For On One" - украшение всего альбома, удивительная даже в рамках этой программы рок-поэма с роскошными гитарными пассажами Мика Тэйлора, в которые грамотно и органично вписались клавишные Ника Хопкинса. Без малого семь минут завораживающей гитарной фантазии.
Уже позже Джаггер скажет следующее: "Нам жаль, что Мик уходит. Но люди должны быть свободными и делать то, что они хотят. Он много дал нашей группе, особенно хорошо он играет на гитаре в песне "Time Waits For On One"". Хорошо Мик Тэйлор отыграл всю программу. Как технарь, он был сильнее Кита Ричарда (сказывалась качественная школа Джона Мейола). Это было для всех очевидно. И не его вина, что лидеры RS за почти пять лет его пребывания в группе так и не предоставили Тэйлору шанса реализовать свой авторский потенциал. По большому счёту, мы так и не знаем, каков был тот потенциал. Это, кстати, и стало одной из причин его ухода из легендарной группы.
В "Dance Little Sister" мы слышим уже несколько иного М. Тэйлора. Этот убойный номер - своего рода квинтэссенция всей программы, её ядро с убедительной ритм-секцией и акцентированными риффами гитарного дуэта, разорванными роскошной сольной гитарной дорожкой Мика, как это принято у истинных рокеров.

В своей пугающе затянувшейся истории "роллинги" переживали разные времена. Период первой половины 70-х годов выдался для них весьма непростым. Что не помешало группе всё-таки сделать один из своих самых ярких и впечатляющих альбомов. Пусть даже консервативная часть музыкальной общественности и приняла в своё время эту пластинку настороженно и прохладно. Но именно эта часть общественности и формировала общественное мнение или как-то влияла на него. В том числе и на мнение такого авторитетного издания, как журнал "Rolling Stone".

Brothers of Metal

   2018   

Prophecy of Ragnarök


 Epic Power Metal
Prophecy of Ragnarök
4/104/104/104/104/104/104/104/104/104/10
Данный альбом позиционируется, как топовый на AFM, а сама группа - как новая надежда лейбла. Видя такие претенциозные заявления, невольно испытываешь желание подробнее изучить подопытного, что называется, с пристрастием, ведь, к сожалению, подобные оценки часто бывают довольно далеки от истины. Оправдаются ли ожидания после такой характеристики?

"Prophecy of Ragnarök" представляет собой довольно легковесный Power с потугами на эпичность и вкраплениями жесткого "типа-pagan" вокала, разбавляющего основную линию, исполненную вокалисткой Ylva Eriksson. Слушая все это раз, другой и третий, приходится усиленно чесать репу, пытаясь понять, что же такого услышали в этом проекте боссы AFM и те слушатели, которые наградили диск столь лестными оценками. Если вот это вот — новая надежда тяжелой музыки, то до чего же плохо у нас обстоят дела, господа. Нельзя сказать, впрочем, что альбом совершенно плох и бесталанен, поначалу он может даже местами и зацепить, но дело в том, что человек, не вчера и не сегодня пришедший в мир Heavy Metal, сможет назвать с десяток групп, которые обыгрывают фишки данной формации куда лучше и оригинальнее. Возьмем, к примеру, разудалую скандинавскую эпичность со всеми этими Одинами и Рагнарёками. Те же Turisas преподносили ее куда оригинальнее и аутентичнее. Там, где просоленные холодными морями драккары на всех своих полосатых парусах входили в порт, где суровые бородатые мужики рубили и жгли, или пили пьяный мед, разбирая награбленное, нынче собрался какой-то доморощенный утренник с физруком Петровичем в роли рассказчика, который выдавливает из себя тонны пафоса в седую бороду из клочковатой ваты. Опять же, бесячий рассказчик, корчащий гномика (как говорят в озвучке), был и, к примеру, у Bal-Sagoth, но там, простите, настолько эпичная музыка с неповторимой темной атмосферой Муркока, что даже вышеуказанный рассказчик воспринимался должным образом, не заставляя кривиться от лимонного привкуса "не верю". Скоростные клавиши из одноименной с названием альбома композиции на фоне гитарного чёса и двухголосие с хрипящим вокалом уже были у Rhapsody в дни их славы ("Power of the Dragonflame"), в чем здесь заслуга "Братьев"? Переиграть оригинальную задумку итальянцев один в один? А народные мотивы? Тут помимо уже названных коллективов можно и In Extremo вспомнить, у которых это было раньше и лучше. Хоры и цепляющие припевы из песни "Tyr"? Мы их слышали у Powerwolf, и у них, опять же, это все звучало оригинальнее и честнее; хотя на данный момент даже у самих "волков" эта фишка уже порядком поистрепалась. Или, вот, красивая, без дураков, полубаллада "Yggdrasil" с весьма приятным припевом: безусловно хороша, но такие вещи мы слышали не раз, не два и не десять.

Кто-то может сказать, да хватит уже, напыщенный критикан, к черту вторичность, если оно качает. Но беда в том, что не так уж оно и качает: звучание у альбома довольно легкое, обильно заправленное оркестром, аранжировками и прочими радостями жизни, и здорового олдскульного кача при таком полированном звуке ожидать не приходится. И, самое главное, что крайне негативно влияет на восприятие данного опуса, это наличие просто слоновьих тонн пафоса. Даже так, ПАФОСА. О, великий Один, и Хугин с Мунином! Как можно в двадцать первом веке с серьезным лицом исполнять, да и слушать такую ахинею? Я не из тех, кто ждет от Metal альбома поэзии уровня Мильтона и Шелли, и научной работы по антропологии; я вообще считаю, что тексты это дело десятое, но надо же всё-таки меру знать. Все эти "Kings of Heavy Metal" и тому подобное. Такое ощущение, что слушатель прямо с порога получает из реквизиторской облупленный пластиковый меч и меховые труселя не первой свежести. И ведь самое удивительное, что у исполнителей не чувствуется ни тени самоиронии как у тех же Powerwolf, или откровенно пародийных Nanowar.
Можно сколько угодно кивать, например, на подлинных "Королей Метала", которые также отнюдь не выглядят интеллектуалами, но те, не считая того, что были первыми в своем роде и записали несколько настоящих шедевров, обладали своим уникальным звучанием и манерой, здесь же мы наблюдаем лишь эпигонство в своём самом низменном виде.

Что-то как-то злобно получилось, жестоко. Но, как говорится, чем выше заберешься, тем сильнее упадешь. Будь это всего лишь очередной Wannabe-Power альбом, вторичность и глупость можно было бы простить и забыть, но здесь не тот случай. Все, что есть у Brothers of Metal хорошего, наглым образом украдено у других команд, и преподносится как какое-то откровение. От такого, ей-богу, начинаешь поневоле вспоминать про пресловутые миллионы мух.

(Диск предоставлен компанией FONO).
Nerferoth Juventino  13 фев 2019

Wishbone Ash

   1973   

Wishbone Four


 Hard Rock
Wishbone Four
9/109/109/109/109/109/109/109/109/109/10
Если я буду утверждать, что Wishbone Ash - недооценённая группа, то буду и прав и неправ. Для специалистов и коллег по ремеслу весомость этого талантливого квартета в музыкальном рок-пространстве уже в первой половине 70-ых годов не подвергалась сомнениям. По многим критериям музыканты WA не уступали лидерам британского хард-рока. И в индивидуальном исполнительском мастерстве были по меньшей мере не хуже, чем те же звёзды, чьи выцветшие от времени постеры до сих пор, как забытые иконы, болтаются на стенах жилищ некоторых маргинальных престарелых почитателей Led Zeppelin, Black Sabbath или Deep Purple. А уж изобретательность в композиционном плане и умение, а главное - неуёмное желание тратить многие часы своей молодости в четырёх стенах студий, у этих парней было, пожалуй, и повыше. Трудоголиками они были, как мало кто.
Вот чего недоставало WA, так это впечатляющих сценических шоу и яркого брутального фронтмена. А ещё эта скромная группа в заочном соперничестве всё с теми же лидерами из великой четвёрки (приплюсую сюда ещё и Uriah Heep) проигрывала в том, что не было в её рядах по-настоящему сильных вокалистов. Эту свою очевидную слабость музыканты WA старательно скрывали за удобными для вокала Мартина Тёрнера, и в то же время эффектными гармониями и искусными вокальными раскладами на два, и даже три голоса. И ещё один, быть может, самый существенный фактор. При всех несомненных достоинствах программ альбомов WA в целом, у них никогда не было убойных хитов, а стало быть и хотя бы какой-то ротации на радио, столь важной необходимости регулярно напоминать о себе массовому слушателю. Разумеется, музыковеды и немногочисленные эстеты отслеживали творчество WA, а вот фанатичного поклонения у группы не было никогда.
Но одна значимая особенность у этой группы всё же имелась. Это наличие в её составе двух равнозначных лидер-гитаристов, зачастую исполнявших изящные сольные партии (что важно - разные!) параллельно, но при этом слаженно и гармонично. Причём, гитаристов если и не виртуозов, то уж точно несомненных мастеров своего дела. Случай по тем временам почти уникальный.
Альбом "Wishbone Four" демонстрирует это в полной мере. Хотя и не сразу с места в карьер, сделаю оговорку. Но как принято считать в среде завсегдатаев ипподромов, только плохая лошадь начинает с галопа. После умеренного старта ("So Many Things To Say") и сдержанного, но уже узнаваемой для знатоков музыки WA композиции "Ballad Of The Beacon", с "фирменным", так называемым, кентерберийским звучанием (у нас его, благодаря альбому "Argus", принято почему-то называть средневековым), группа разряжается редкостным для своего репертуара рок-н-роллом "No Easy Road". С секцией духовых и акустическими клавишными. Едва ли не единственный подобного рода номер у команды с почти полувековым стажем.
И, вот оно! "Everybody Needs A Friend" - роскошная элегия с мягкими завораживающими гитарными переборами и органично вплетёнными в мелодическую ткань клавишными, с вкрадчивым вокалом Мартина Тёрнера, наполненного лёгкой меланхолией, и пленительной гитарной партией Теда Тёрнера. Идеальный образец, демонстрирующий лучшие качества группы в целом и каждого её музыканта в отдельности.
Увы, но этот альбом станет последним для Теда Тёрнера в том составе WA. По одной из версий он покинул группу из-за неприемлемых по его мнению контрактных условий со стороны компании MCA Records. Через пятнадцать лет он ненадолго вернётся в группу, чтобы затем исчезнуть навсегда. Кстати говоря, эту пластинку музыканты готовили без своего продюсера Дерека Лоуренса, чтобы "избавить себя от его консервативного влияния", так они это объясняли.
В завершении отмечу ещё одну композицию. "Sorrel" ("Гнедая лошадь" или просто "Гнедой") - это своего рода прощальный гимн с ярко выраженными "средневековыми", если угодно, мотивами в исполнении покидающего группу Теда, гитариста от бога. Никогда впредь WA ничего похожего уже не сыграют. К сожалению.

Flowing Tears & Withered Flowers

   1998   

Joy Parade


 Atmospheric Gothic Metal
Joy Parade
9/109/109/109/109/109/109/109/109/109/10
Юность! Этот бесконечно восхваляемый период жизни, действительно, чаще всего оказывается самым ярким, хоть столь же часто и является самым несчастным. Так много сильных эмоций мы испытываем в первый раз, будучи юными и не вполне сообразительными людьми – первая самостоятельная покупка, первая драка, первая потеря, первая любовь… Первая музыкальная любовь, в том числе. Запоминается она, как известно, навсегда, но время порой способно на такое святотатство, как изменить оценку на диаметрально противоположную. Моей любовью, как и для многих ранних миллениалов, была альтернатива в лице Linkin Park, The Rasmus и Evanescence, но то ли ухо начинающего меломана тут же опознало коммерчески выверенную простоту большинства их композиций, то ли что-то ещё пошло не так, но удовольствие очень быстро сошло на нет, а хотелось его всё сильнее. Вскоре в компанию к вышеперечисленным отправились Within Temptation и несметное количество феноменально пафосных и вторичных готик-коллективов типа Edenbridge и Delain, выделявшихся только внешностью вокалисток и которые сейчас вспомнят с трудом даже самые преданные фанаты. Так тихой сапой я и добрался до сего произведения, которое нынче тоже не найти днём с огнём даже на вездесущих онлайн-платформах, но на этот раз о таком положении вещей стоит пожалеть.

10 песен, готик-метал, девушка на вокале. Знаем, слышали, да и последующие альбомы Flowing Tears, хоть и хороши, но нового ничего не предлагали. Глядя на него с высоты сегодняшнего музыкального опыта, в глаза тут же бросается дилетантское исполнение и сведение. Ударные то и дело выбиваются из ритма, грозясь разрушить удовольствие от прослушивания. Гитары порой вступают значительно раньше нужного, да и вообще с интервалами слишком часто наблюдаются проблемы. Синтезатор звучит плоско и примитивно (98-й год, собственно, это вам не во FruityLoops пердёж через хорус пропускать), тембр у певицы как будто безжизненный, поёт зажато и иногда срывается в молоко, но всё равно это происходит где-то на фоне – чтобы расслышать находящееся за массивным басом, приходится напрягать уши. Кстати, никакая это не готика в привычном её толковании, вот сюрприз-то! Скорее, какой-нибудь атмосферный рок/метал, такой по-юношески простой и незатейливый. Но прослушивая альбом сейчас, я то и дело покрываюсь мурашками с ног до головы, и это точно не приступы слезливой ностальгии о временах, когда трава была зеленее, а указатели стояли лучше! При недостающем профессионализме и заставляющей усмехнуться наивности, эти ребята оказались абсолютными мастерами в воздействии на эмоциональный фон. Вокруг вечереющий осенний день. Печаль увядающей природы точно отражает тяжёлые мысли в голове. Но руку греет стакан любимого горячего (не горячительного) напитка, глоток которого чувствуется словно объятие любимого человека. Серое небо оживляется, в обнажающихся деревьях чувствуется их вековая мощь, опавшие листья шелестят ещё звонче живых, а красота их – предмет поэтических фантазий на протяжении многих веков. Самое главное – этот маленький глоток приоткрывает внутри завесу из переживаний, сквозь которую дребезжит свет, чудесным образом рассеивающий тоску и облегчающий душу. Лучше всего это волшебное ощущение передаётся через заглавную "Joy Parade" и, особенно, "Rainswept". Последняя – удивительная по своей силе вещь из нескольких переборов на акустической гитаре и отрешённым голосом певицы. Так в чём секрет, за счёт чего достигается великолепная атмосферность этого альбома при столь серьёзных минусах? Вероятно, дело в синтезаторной подложке. При всей простоте, она сделана с невероятным вкусом, и это можно ощутить уже на первом треке – без клавиш и с иным сведением это был бы весьма зажигательный трек, и только гитарная концовка сыграна в типичном для альбома минорном ключе. Но, помимо клавиш, совершенно точно нужно отметить не менее важный элемент. Со временем я понял, что именно он делает чувство тепла ощутимым – вокал. Он бесподобен в своей незатейливости и уникальном тембре, который по большей части спокоен и бесстрастен, но на мажорных нотах в припевах словно способен заставить бумагу загореться. К типичным оперным руладам вокалисток групп заявленного жанра голос Стефани Духене не имеет никакого отношения - это низкий альт с узким диапазоном, но моментальной узнаваемостью, характерной для самоучек. Большое спасибо группе за то, что они разглядели в этой певице потенциал! Без неё бы характер произведения был совсем иным, и очень вряд ли – лучше, слишком уж хорошо у неё получилось. Впоследствии ей пришлось покинуть группу, но это уже иная, более печальная история.

Можно ли закрыть ли глаза на существенные изъяны для музыкальной продукции? Нельзя. Но нет никакого смысла отбирать больше одного балла, зная, какая сила заключена в этой незаслуженно забытой всеми вещи. Будь группа удачливее и трудолюбивее, они могли бы стать легендами и иметь последователей, но торжество меланхолии закончилось банальным коммерческим унынием. Однозначно рекомендую к прослушиванию если уж не весь альбом, то треки "Joy Parade", "Rainswept" и "The Day You Took My Breath", и за сим отлыниваю.
Gemma  11 фев 2019

Manic Depression

   2018   

Symphony of Depression


 Symphonic Thrash Metal
Symphony of Depression
6/106/106/106/106/106/106/106/106/106/10
Когда-то давно в одном журнале я прочитал забавное объяснение стремлению некоторых рок-музыкантов записывать альбомы с симфоническими оркестрами. Дескать, обильный волосяной покров на их головах закрывает ушные раковины, и музыкантам требуется все больше инструментов, чтобы просто слышать собственную музыку. Лично я считаю подобное объяснение не выдерживающим критики, так как Металлика, к примеру, записала свой симфонический двойник, когда все участники группы, кроме Хэммета, уже коротко подстриглись. Или, к примеру, Удо и Хоффман, которые недавно тоже работали с оркестрами; эти двое нынче волосатостью могут соперничать разве что с парой бильярдных шаров. Значит, дело все-таки не в пышных гривах? Если у вас есть какие-то соображения на сей счёт, можете поделиться ими в комментариях. От себя лично могу предположить, что музыкантам просто нравится пробовать новое звучание, экспериментировать с аранжировками и всячески украшать свою музыку на радость фанатам.

Вот и Manic Depression не остались в стороне от модных тенденций и выпустили "симфонический" EP с обновлёнными версиями классических композиций и немалым количеством гостевых участников. Вообще, если смотреть объективно, то настоящий симфонический альбом, с реальным, несемплированным оркестром, это та ещё работенка: ведь помимо очевидных трудностей с написанием оркестровых партий (здесь вспоминается интервью Helloween с рассказом о сложностях создания классических аранжировок для "Chameleon"), добавляется ещё и масса организационных вопросов и, очень часто, банальное отсутствие опыта. Для меня эталоном грамотного соединения традиционного Heavy Metal с оркестровой музыкой, был и остаётся оригинальный "Lingua Mortis" Rage, одна из первых работ такого рода. С ним и буду сравнивать "Symphony of Depression".

Прежде всего, симфонизм этого диска исключительно студийный, и отвечает за него Keat Tikhones, он же Никита Тихонов из Невиди, и реальных арф и скрипок на работе нет. Впрочем, в век технического прогресса сам факт присутствия оркестровых партий в цифровом виде, при условии достойного материала, никак нельзя считать признаком некой халтуры. Напротив, если не ставится задача реально гастролировать с оркестром по стране и миру, куда проще, надёжнее и качественнее будет обойтись компьютерными аналогами. Никита поработал на славу: стена струнных, рокот духовых, свиристель флейт и переборы арфы звучат органично и к месту, не отваливаясь от основных "металлических" партий, и не перетягивая в то же время одеяло на себя. Само собой, наиболее заметен симфонизм на более спокойных композициях вроде эпика "Судьба Атлантиды", баллады "Скажи мне правду" и в их инструментальных вариациях: вот там действительно есть за что зацепиться любителю оркестрового звучания. В боевиках же вроде "Позиции несогласия" классические аранжировки играют явно вторичную роль, не особенно добавляя что-то в звучание, но, впрочем, и не портя его. Они вполне здорово воспринимаются и без оркестра, и не нуждаются в уплотнении или обогащении звука. Забавно, но если слушать EP, не вникая в трек-лист, можно и в трёх последних бонусах оркестр услышать, хотя его там и нет: это к тому, что в thrash-номерах, изначально не заточенных под классические выкрутасы, не так-то просто добавить что-либо действительно заметное.

В итоге, мы имеем экспериментальный EP с пятью песнями в новой обработке (интро и инструменталы не в счёт, хотя вторые — классные, особенно "Атлантида"), качественно записанный и исполненный, и способный доставить удовольствие слушателю. Стал ли он важной вехой в истории группы? Вряд ли. Думается, сборник перезаписанных хитов на русском языке "Одиннадцать приступов депрессии" — куда более значимая ступень в биографии московского коллектива. "Symphony of Depression" это, скорее, просто очередной удачный эксперимент из разряда "fans only".

(Диск предоставлен Meat Sound Production).
Nerferoth Juventino   5 фев 2019

Sheva

   2019   

The Unnamable


 Sludge Doom Metal
The Unnamable
7/107/107/107/107/107/107/107/107/107/10
Десятилетиями нечестивое потомство Дума, Сладжа и Стоунера Мартенсов сношает друг друга, порождая волну за волной генетически замкнутых отродий, которые мало похожи на людей, зато как две ягодицы Сатаны схожи друг с дружкой. Только глупец, влезая в этот поросший плесенью паноптикум, будет искать там призраков оригинальности, новизны или хотя бы разнообразия, да и то – эти злые духи найдут его раньше, да хорошенько проучат, прогнав под аккомпанемент пятой бемольной доли по гулким кольцевым коридорам, где жертва будет оскальзываться на грязной плитке (в тех местах, где она сохранилась целой) и проклинать тот день, когда перестала слушать пост-хардкор, и, поддавшись на уговоры бати (так-то старик давно сгинул где-то в Новом Орлеане, решив половить раков в местных болотах; но беспокойный дух его всё являлся в дождливых осенних снах и требовал уважить его память шестикратным рипитом третьего альбома Black Sabbath), переключилась на ретро-думец.

Автор давно утратил порыв к подобным глупостям,автор не желает искать ничего (вы, гончие паноптикума, слышите меня? Я больше ничего там не ищу!..) нового в нарастающих стаях мартенсовских потомков, дорывших тоннели аж до Матушки-Руси, потому они его пока и щадят: и вот намедни, оказавшись (хранит вас провидение, от знания, как) в ленинградской канализации (сбережет вас судьба от понимания, зачем), он встретил в одном из ветхих, тронутых гниением подземных миазмов, источаемых костьми, на которых, как всем известно, город тот и зиждется, одного из таких кошмарных созданий. Облик его напоминал вооруженного примитивной монтировкой грузного Конана с неизгладимой печатью печорского происхождения на низком покатом челе. Однако существо отпустило автора этих строк невредимым (кроме, разве что, чуть пошатнувшегося рассудка), но с требованием: поведать о нем в вышнем мире, в деталях и с подобающим персонажу величием; в противном случае – было обещано весьма близкое и исключительно неприятное знакомство с монтировкой.

Так вот: трио Sheva записало весьма крутой и смачный EP, который, впрочем, позиционируется ими самими как концептуальный альбом (да, потому что у нас длинные треки и тексты по Лавкрафту). Материал представлен двумя полноценными треками в русле Conan, Electric Wizard и Crowbar (т.е., это очень качевый, риффово-ориентированный doom с сильным мужским чистым вокалом), записанными с помощью предельно лампового оборудования (фузз-педаль Boss FZ-2, усилитель Orange Thunderverb 200 и прочее) и доведены до релиза с минимумом звукоинженерных правок, в целях придания записи живой энергетики (за что и спасибо, поскольку на выступлениях эти композиции исполняться не будут), а также выполненными на аутсорсе эмбиент-зарисовками от проекта Nightmares & Dreamscapes. Вот, собственно и всё, что можно о нем сказать (не надо монтировок, господи, не на…).



Сутулый старик в грязном восточном халате рассказывает в тупиковом переулке сказки на потеху толпе: про древних Богов, тень крыльев которых закрывала солнце, а поступь раскалывала землю, про чуждые города, населенные теми, кто заблудился в собственных снах и грезит о нашей реальности, про обжигающий свет Полярной звезды, который тревожит незаживающую рану вины. Голос его вкрадчив и зычен, истории его влекут слушателей снова и снова, но остерегайся: те, кто внимают им слишком рьяно, становятся героями его новых, поистине ужасных сказок, и нити их судеб в нашем мире рвутся, дабы накрепко привязать их к миру иному. Иногда кто-то видит, как из-под полы халата мелькает судорожным порывом ...щупальце? Но нет, то лишь тени бегут по земле, тени от незримых крыльев, что под толщей вод вечно хранят на себе радиоактивную печать солнечного поцелуя.
Oakim   3 фев 2019

AC/DC

   1985   

Fly on the Wall


 Hard Rock
Fly on the Wall
8/108/108/108/108/108/108/108/108/108/10
Еще один альбом великих австралийцев, не ставший суперхитом, продажи в США – скромно 1 000 000 экземпляров (для сравнения «Back in Black» (1980) - 22 000 000). Множество любителей творчества группы считают «Fly on the Wall» одной из самых провальных работ коллектива.
Данная пластинка записана без оригинального барабанщика группы Фила Радда, который был вынужден после ссоры с Малколмом Янгом покинуть группу на десять лет. Как следствие: другой ударник – другой звук ударной установки и звучания в целом. Если Радд был адептом сухих тяжелых барабанов и оригинальной манеры акцентирования тарелок, то пришедший ему на смену Саймон Райт привнес в группу более современный, на тот временной отрезок, гулкий объёмный саунд.
«Fly on the Wall» записывался и сводился под руководством братьев Янгов, Мэтт Ланг, однозначно причастный к успеху трех альбомов рубежа 1980 года, был уволен еще после записи «For Those About to Rock (We Salute You)» (1981). Старшего брата Джорджа Янга, участвовавшего в продюсировании альбомов AC/DC до 1978 года, тоже не позвали, его время еще не пришло. Кстати, возможно, у многих пытливых поклонников группы возникает вопрос, а почему Янги отказались от услуг успешного Мэтта Ланга? Смею предположить, что все очень просто. Деньги. Стоимость работы Ланга в студии начиналась от отметки в сто тысяч долларов США.
Надо сказать, что 85 номерной, у меня лично, один из самых любимых. Я могу его слушать всегда и в любом настроении, с любого места. Есть тут какая-то магия, мне непостижимая. Я прекрасно вижу и слышу достоинства альбомов «Back in Black» или «Highway to Hell», но жесткие резкие гитары вкупе с бодрыми воплями Джонсона на «Fly on the Wall» мне дороже.
Одной из основных причин, по которой «Муха на стене» у многих зачастую удаляется из плей-листа в пользу творений опять-же 1979,1980,1981, 1990 годов, мне представляется мелодическая составляющая припевов. На «Fly on the Wall» многие припевы похожи просто на выкрикивания каких-то лозунгов, как то песни «Stand Up», «Hell or High Water» или «First Blood». Да и вообще звук стал тяжелее и жестче, а структуры песен прямолинейнее по отношению к альбомам периода Бона Скотта.
Ну а что касаемо продаж, есть мнение, что всем трем альбомам, записанным после 1980 года, на которых еще только разворачивался Брайан Джонсон («For Those About to Rock (We Salute You)» (1981), «Flick of the Switch» (1983) и «Fly on the Wall» (1985)), здорово помешало решение рекорд-компании выпустить в США в апреле 1981 года пластинку 1976 года «Dirty Deeds Done Dirt Cheap», ранее не издававшуюся в Северной Америке и оттянувшую на себя очень много внимания и денег. Как-никак, аутентичный тяжелый сырой рок-н-ролл от AC/DC, да еще с покойным Боном Скоттом на вокале.
В целом, я оцениваю «Fly on the Wall» на семь баллов, но ставлю восемь, что является обыкновенным проявлением моего личного субъективизма.
Volot   3 фев 2019

Slade

   1980   

Slade Smashes


 Glam Hard Rock
Slade Smashes
7/107/107/107/107/107/107/107/107/107/10
После вялой реализации невразумительного LP 1977 года "Whatever Happened To Slade" группа получила вполне ожидаемую отставку от Polydor Rec. Int. И следующий свой студийный альбом музыканты начали готовить уже без своего продюсера Часа Чандлера, того самого, который в своё время их, что называется "вывел в люди". Однако новая для Slade компания с названием Barn Records решила не рисковать и выпустила эту пластинку ограниченным тиражом лишь в Англии и Голландии, где группа была особенно популярна. Это была тёмная история, завершившаяся финансовой неразберихой, в результате которой квартет оказался на грани развала. Строго говоря, какое-то время группа Slade как единая боевая единица и в самом деле не существовала. Нодди Холдер и Джим Ли на скорую руку собрали трио с безымянным барабанщиком и отправились на заработки со старым проверенным слэйдовским багажом. Впрочем, та авантюра продлилась недолго, клон Slade не встретил должного понимания у взыскательной европейской публики;
И пока в рядах некогда знаменитого коллектива наблюдались разброд и шатания, Час Чандлер совместно с Polydor Rec. Int. организовал выпуск сборника, в который по замыслу организаторов был помещён самый что ни на есть убойный материал, своего рода ретроспектива творческого наследия Slade на протяжении целого десятилетия 70-х годов. Идея запустить в производство эту компиляцию для попытки спасения терпящей бедствие команды каким-то чудесным образом совпала с внезапно возникшей для группы возможностью принять участие в престижном рок-фестивале в Рединге, где квартет в пожарном порядке заменил Оззи Осборна, снявшегося буквально перед самым его началом.
Каких усилий стоило Часу Чандлеру собрать четвёрку вместе в классическом составе, знал по всей видимости только сам Ч. Чандлер, но на сцене Рединга Slade устроили настоящий фурор. Столь нежданное, да ещё и удачное выступление на фестивале вызвало всплеск возродившегося интереса к угасающей группе. И на этой волне как нельзя кстати оказался выход в релиз сборника "Slade Smashes". Два этих фактора и способствовали тому, что четвёрка осталась на плаву и не канула в пучину забвения.
1 ноября 1980 года компиляция из 20 треков поступила в продажу и совсем уже скоро объёмы её продаж преодолели "золотой" рубеж. Что же это за феномен такой, возможно заинтересуется кто-то? На мой застенчивый взгляд - ничего особенного. И оценку этой пластинке следует давать не исполнительскому мастерству музыкантов, а выбору её продюсера. Люди, хорошо знакомые с творчеством Slade того времени с 1971 по 1978 год, должно быть уже по названиям композиций определили для себя, чего эта подборка стоит. И как для любого сборника для какого угодно исполнителя разброс мнений и масштабы критических замечаний и в нашем случае будут запредельными. Потому не называя песен, без которых по моему мнению этот сборник будет не сборник, или наоборот, которые в нём совершенно не по делу (а те и другие в нём присутствуют), выскажусь так: три-четыре номера заменил бы не задумываясь, ещё столько же вызывают разного рода сомнения. За оставшиеся голосую обеими руками.
Другое дело, как этот альбом был оценён компанией-производителем по итогам его реализации. Так вот, каждый из четвёрки музыкантов получил от Polydor Rec. Int. по золотому именному диску. Судя по всему, не просто так.

Manic Depression

   2001   

Who Deals the Pain


 Thrash Metal
Who Deals the Pain
8/108/108/108/108/108/108/108/108/108/10
Московские трешеры Manic Depression в представлении не нуждаются: уже почти двадцать лет мужики рубят качественный Thrash и радуют отечественных, и не только, слушателей альбомами и горячими выступлениями. В последнее время, пережив несколько встрясок и смен состава, команда активно подвизается на почве разнообразных музыкальных экспериментов, то перезаписывая наиболее значимые свои номера на русском языке, то выпуская "симфонический" EP с оркестром: проекты вполне пристойные для состоявшейся уже группы, что называется, с историей. И, пока фанаты сосредоточенно ждут нового материала, Manic Depression решают тряхнуть стариной и к этой самой истории обратиться, переиздав на лейбле Meat Stocks Records своё первое демо 2001 года "Who Deals The Pain". Результат — лаконичный, но стильный диджипак с оригинальным артом, но новым логотипом, оказался в наших шаловливых ручонках.

Подумаешь, демо! — скажет иной индивид, — да все те же самые песни можно услышать на альбоме 2003 года, да ещё и в качестве, зачем мне тратиться на ещё одну болванку? Данный индивид забывает лишь об одной простой вещи: подобные диски издаются прежде всего для фанатов группы или всего направления. Для них и, наверняка, для самих музыкантов, заново обратиться к материалу, ставшему отправной точкой для многолетней истории группы, это большое дело, равно как и собственно обладание артефактом той, уже давно ушедшей эпохи. Не стоит забывать и о том, что новое, ремастированное издание звучит всяко лучше хрипящей запиленной кассеты, вышедшей семнадцать лет назад, которую сейчас, к тому же, днём с огнём не найти. Так что, для фанатов, собирающих физические носители, релиз, как ни посмотри, хорош: есть, что послушать с комфортом, на концерте подписать и на полочку поставить. Ну, а тем, кто не собирает, им и так ни хрена ничего не нужно, эта штука не про них.

Теперь, что касается музыки. Почитателям MD со стажем, само собой, рассказывать ничего не нужно, они в теме. Для тех же, кто только решил ознакомиться с командой посредством данного издания, скажем пару слов. "Who Deals The Pain", это классический, ортодоксальный и чистопородный Thrash metal на стыке европейской и американской школ. Тем, кто фанатеет от признанных работ Sodom, Kreator и Slayer, будет приятно осознать, что в России, на заре двадцать первого столетия, выходили релизы ничем не хуже. Добротное, техничное исполнение, классические жанровые риффы и конструкции, разбавленные оригинальными соло, традиционный вокал: демо звучит словно релиз европейской или штатовской Thrash-команды тех времён, чего, надо полагать, музыканты и добивались. Нельзя сказать, что материал особенно оригинален, но жанровыми экспериментами Manic Depression начнут заниматься чуть позже. Данный же релиз, равно как дебютный альбом, хорош именно в своей первозданной верности традициям. Пусть заголовок "демо" вас не пугает, в конце концов, это демо двухтысячных, так что со звуком там все обстоит вполне пристойно, разве что ударные глуховаты и кастрюльны.

В одном из интервью лидер группы Виталий Новожилов заметил, что в нынешние времена классический олдскульный Thrash отошёл на второй план, и на чистом олдскуле сегодня может выехать разве что группа, участникам которой по 15-16 лет. Но, на самом деле, интерес к классике вкупе с ностальгией всегда будут подогревать интерес к подобным релизам из-за желания вернуться к простоте форм, к истокам жанра. И, выпустив подобный экскурс в историю, Manic Depression только подтверждают это правило.

(Диск предоставлен Meat Stocks Records).
Nerferoth Juventino  29 янв 2019

Methedras

   2018   

The Ventriloquist


 Thrash Death Metal
The Ventriloquist
9/109/109/109/109/109/109/109/109/109/10
Много ли вы знаете музыкальных групп из Италии?
Италия известна не только как страна с богатым историческим наследием и кухней, но и как колыбельная таких музыкальных жанров, как диско (легендарная “дискотека 80-х”) и уже более современный альтернативный металл (ярчайшие представители - Lacuna Coil, Evol, Cadaveria).

Группа Methedras (Милан) относится скорее к жанру thrash/death metal. Набирающие популярность в России, на родине они выступают с 1996-го года, не изменяя первоначальному звучанию, делая его с каждым годов все интереснее и качественнее. Их отличительная черта – хорошо различимый вокал, позволяющий насладиться не только тем, как группа звучит, но и смыслом песен.

7-го декабря ушедшего года музыканты представили миру свой пятый по счёту студийный альбом ‘The Ventriloquis’ – ‘Чревовещатель’. Альбом вышел на немецком лейбле Massacre Records, и стилистически он отличается от первых произведений группы: на этот раз звук стал более современным, ярким и вместе с тем плавным, гармоничным (насколько это возможно для thrash/death metal). Музыканты на этот раз отказались от резкости и грубости звука, присущих типичному трэшу, в пользу мелодичности звучания и запоминаемости мелодий.

Темы песен классические – оккультизм, сделки с темными силами, ненависть ко всему живому, но подано это без излишнего пафоса, без штампов, зрелый качественный музыкальный продукт. Отдельно можно выделить следующие треки:

“A Deal With The Devil” (“Сделка с дьяволом”) – первая композиция сразу же задает настроение всему альбому, давая ответ на вопрос о том, способен ли человек жить без сердца? Клип к песне тоже хорош – непривычно видеть металлистов в классических строгих костюмах. Казалось бы, обычная съемка группы “из зала” - дергающаяся камера, быстрая смена ракурсов – но внимательный зритель может увидеть весьма интересное развитие событий на этом странном концерте.

“Sham Knockout” (буквальный перевод – “Переворот”), об участи того, кто решится все-таки отвергнуть свое настоящее. Здесь уже на первый план выходит личность самого “Чревовещателя”, история человека, сомневающегося в себе, самого себя спрашивающего и тут же самому себе отвечающего на извечные вопросы - “Кто я есть в этом мире и для чего я живу?”

“Alive Or Convict” (“Жив или осужден”) повествует о заевшей обыденности, вторичности человека в огромном мире, когда в голову невольно приходит мысль о том, будет ли это продолжаться вечно, или же есть какой-то конец всему этому? Беспомощность человека перед обстоятельствами, его нерешительность, чувства пленённого жизнью человека.

Схожая ситуация, но в более символичном воплощении - “Into The Maze” (“В лабиринте”). Попавший в смертельную, бесконечную ловушку герой ищет выход, умоляя Создателя ему помочь… и получает отказ. Теперь он наедине с собой, ищет спасение, стараясь не отчаиваться и выжить в поединке, прежде всего, с самим собой.

Продолжает историю трек “Fire Within” (“Огонь внутри”) – огонь ненависти, подпитываемый самим его носителем, служит единственным источником энергии для героя, заставляя идти вперед, уничтожая все на своем пути, не задумываясь о последствиях.

Альбом ‘The Ventriloquist’ наверняка понравится поклонникам жанра “живым”, чистым звучанием, необычным построением мелодий, новым прочтением старых тем - копания в себе и поиска в себе чего-то тёмного, и для самого себя пока что непонятного.
Принять ли сторону добра? Сложно ответить на этот вопрос. Принять ли новую группу в свой плейлист? Однозначно да, тем более что итальянцы полюбили выступать в России - и, надеемся, скоро снова посетят нашу страну с новым альбомом.
Aleksei Rokk  28 янв 2019

Phantom Winter

   2018   

Into Dark Science


 Post Metal
Into Dark Science
8/108/108/108/108/108/108/108/108/108/10
При всем уважении к огромному количеству коллективов жанра post-metal – стагнация в этом направлении наметилась уже достаточно давно. Слушать релизы Mouth of the Architect, Rosetta, Amenra и многих других сегодня уже нет никаких сил. В отсутствии даже желания привносить в свою музыку какую-то новую струю, команды топчутся на одном и том же месте едва ли не все 2010-ые года. К когорте обозначенных коллективов вполне можно было бы приписать и Phantom Winter, чьи первые два альбома иначе, как с зевотой слушать было просто невозможно. Однако, надежда умирает последней – и попавшийся под руку «Into Dark Science» оказался едва ли не самым толковым альбомом за последние года. Конечно же, в основании релиза лежат все те же самые базовые настройки по-настоящему кондового post-metal – внедрения же в оного black и dark ambient сотворили, по-настоящему, чудеса. Приятно чувствовать и слышать, что музыканты постарались максимально разнообразить палитру релиза, сочетая разномастные элементы и подавая их под соусом агрессии аналогично, например, Dragged Into Sunlight. Дань уважения хочется отдать гитаристам, которые, наконец, поняли, что в жанре можно использовать не только одну струну – да и барабанщик нет-нет, да ввернет в свою партию какую-то самобытную сбивку. Безусловно, сочетание достойного инструментала и всевозможных форм экстрим-вокала дает альбому особую атмосферу, в дымке которой сложно заметить какие-то изъяны (да и нет их, по большому счету). Некое провисание пластинки можно отметить, как ни странно, именно на одноименной с LP композиции – на ней участники коллектива, кажется, позволили себе расслабиться и выдать нечто, скорее напоминающее предыдущий релиз «Sundown Pleasures». Тем не менее, заключительная «Godspeed! Voyager» возвращает всё настроение на круги своя, финальным штрихом подводя пластинку к концу. По итогу, «Into Dark Science», конечно же, совсем не тянет на хит, оставляя, вместе с тем, действительно положительное впечатление. А это в настоящее время уже совсем немало!
crabvpi13  27 янв 2019
[ 1 ] 2 3 4 ... 10
>
\ /
/\\Вверх
Corvus Corax Рейтинг@Mail.ru

1997-2019 © Russian Darkside e-Zine.    Если вы нашли на этой странице ошибку или есть комментарии и пожелания, то сообщите нам об этом