Изящнейший progressive, который как бы находится в тени мелодичности музыки, ибо она здесь выдвинута на первый план. Ни замороченные пируэты на инструментах, ни злоупотребление сложными, экстравагантными музыкальными средствами и импровизациями, чем, собственно, так и славится progressive metal, и что лучше всего припасти для свободного музыкального джема, нежели для работы над музыкальным альбомом, на «Parallels» вы не найдёте. Вместо этого - воздушные мелодии, прекрасно аранжированные, прекрасно сбалансированные и не менее прекрасно обогащённые ударными инструментами. Mark Zonder - воистину гениальный барабанщик, потому что создать настолько эмоционально заряженную атмосферу за ударной установкой - великое мастерство. На мой взгляд, альбом является одним из самых показательных в рок-музыке с учётом не только грамотных, но и, если так можно выразиться, пестрых ритмических рисунков - тонкие, но, с другой стороны, упругие удары ровно в такт, приторные перкуссии... всё это подобно полёту фантазии, это именно то, к чему во всех смыслах применимо понятие art. Великолепно!
Ray Adler поёт так, будто голос льётся откуда-то из душевных глубин, будто его потоки продиктованы самыми глубокими чувствами и даже страданиями. Гитара Jim'a Matheos'a настроена так, будто она звучит в оправдание названию альбома действительно параллельно с вокалом, за счёт чего воссоздаётся музыкальная картина лёгкости и безграничности пространства. Подобная атмосфера напоминает какой-то призрачный мир духовных сущностей, не имеющих физических оболочек, а всё действие разворачивается где-то вне физического мира, может быть, и на небесах...
Но, быть может, музыканты неспроста так гипнотизируют слушателя? Быть может, не просто так слушатель ощущает нечто пограничное между миром физическим и духовным, между Землей и Вселенной? Если внимательно ознакомиться с лирикой альбома, своим ощущениям можно найти объяснение. Не могу, конечно, утверждать, но на мой взгляд, альбом представляет собой концептуальное полотно, на котором изображён человек, пребывающий в потоке сознания (то, что в английском языке предельно точно передаётся термином stream of consciousness).
Взгляните на обложку диска, и вы увидите лежащего при смерти человека. Каждая песня - это некоторая сцена из жизни, некоторое наваждение, воспоминание, внутренний монолог или диалог с воображаемым собеседником и прочее. Именно поэтому музыка на альбоме полна напряжения, эмоционального обострения и беспокойства, перемежающегося с болью и безнадёжностью. Однако искусство музыкантов здесь в том, чтобы боль передать легко и гармонично и тем самым принести слушателю мир, ностальгию и задумчивость.
Но, более не отвлекаясь от поднятой темы, далее скажу, что завязка музыкального повествования здесь - это и есть первая песня «Leave the Past Behind», где находясь в агонии, человек никак не может расстаться с некогда вставшей перед ним дилеммой и не может сделать выбор, испытывая страх:

I stood at the door to a new beginning
the future called and frightened I turned away...

Но перед ним лежит дорога в вечность, ибо он уже скоро уйдёт из жизни, поэтому прошлое нужно оставить - leave the past behind!
Сцена под названием «Life in Still Water», на мой взгляд, своего рода ощущение лирическим героем жизненной тщеты и одиночества:

living life in still water
blinded by what we've become
YOU get tired of screaming
when you're not reaching anyone...

«Eye to Eye» - это воспоминание о возлюбленной девушке, от воссоединения с которой лирическому герою мешают внутренние противоречия:

what was it YOU saw last night
when YOU gave yourself to me
was it the thread of a common bond
or the touch of cold reality

eye to eye
and the miles still divide
we can move each other to tears
but we can't see
eye to eye
and the miles still divide
each of us alone in silence
when we meet
eye to eyes...

Мне кажется, в этой песне Ray Alder спел наиболее удачно - он напоминает самого настоящего оперного певца, завораживающего зрителя чувствами, которые он вкладывает в свою речь.
Композиция под названием «The Eleventh Hour» - ещё одно воспоминание о неразрешенном конфликте и о потерянных возможностях изменить всё к лучшему, о напрасно прожитом времени в разногласии, о чём-то недосказанном, что могло бы сблизить и... простить:

somewhere along the way
we exchanged our dreams for selfish pride
there was a common goal
but somehow that vision has died

is it so hard to understand
the facts that YOU ignore
we've grown so tired of trying
wasting our time criticizing
and nothing's easy anymore
nothing's easy anymore...

«Point of View» - это своего рода логическое продолжение (тематическое, но не музыкальное) предыдущей музыкальной сцены, в нем лирический герой не может забыть той дисгармонии и той боли, которая была вызвана бесконечными разногласиями и неспособностью понять. Поэтому всеми фибрами души он желает всё расставить на свои места и в мучениях требует правдивости:

parallel lives running parallel with YOU
to the point where our horizons divide
my opinion is just a point of view
and your position is the other side

caught up in our convictions
we forget how our senses
distort things we see
we can't accept our differences
but we can always disagree...

Тревожный монолог «We Only Say Goodbye» - горькое признание самому себе, что именно тогда, когда есть возможность к примирению, прощению и сближению, люди её упускают и... only say goodbye:

always somewhere we only say goodbye
going nowhere we only say goodbye
there's never time to say
all the things we need to say
when it's too late
we can only say goodbye

tonight I felt your presence again
as we shared the sorrow
we've always known
but I heard the distance in your voice
and I knew I was alone...

«Don't Follow Me» - это своего рода кульминация альбома - попытка силой освободиться от конфликта и разорвать то, что, быть может, долгие годы омрачало жизнь:

if YOU want to know
just what I see
look at yourself
and don't ask me
and if YOU want to know
where we're going
keep your distance
and don't follow me...

Развязкой служит заключительная композиция на альбоме «The Road Goes on Forever», где лирический герой окунается в вечность:

sometimes I lose sight of where i'm going
fanned by a flame I can't remember
but distant lights still burn bright
and the road goes on forever forever...

Вероятно, подобная интерпретация альбома является ошибочной, но, как мне кажется, всё же имеет право на существование.
Итог: в 1992 Dream Theater выпустят похожий по музыкальной стилистике альбом под названием «Images and Words», который окажется, так или иначе, не менее романтичным и красивым, но более сложным технически (как вспомню сейчас композицию «Metropolis, Pt. 1», возникает ощущение громоздкости и натянутости, хотя не без приятных эмоций). «Parallels» же - абсолютное равновесие между понятными и красивыми музыкальными формами и виртуозностью музыкантов, иными словами, классика. Рекомендую...
Спасибо...

niksailor   7 янв 2010

Перед нами самый настоящий romantic metal (по-другому его назвать не получается), жанр, в котором соединились воедино стихии огня, страсти, одиночества и какой-то отшельнической дикости, сближающей человека с природой и дающей долгожданную свободу. Альбом написан на одном вдохновении, прекрасно аранжирован, имеет бесподобное звучание. Мальмстин здесь наиболее удачно продемонстрировал не только свои способности, стоящие, безусловно, вне всякой конкуренции, но и приложил их к написанию поистине красивой музыки, не подвластной времени.
Великие мастера гитарного ремесла, как правило, в порыве самовлюбленности слишком увлекаются техникой игры, пренебрегая всякими законами музыкальной гармонии, но на данном релизе просто поражает выразительность, воздушность и легкость восприятия музыки. Безошибочно следуя музыкальному чутью, Мальмстин синтезировал наиболее удачные музыкальные мотивы, характерные для балладного жанра, и почерпнутые из классики XVII-XVIII веков. С другой стороны, музыкант не прогадал, использовав шикарные speed metal и hard rock вариации. Вообще замечу, что когда музыка исполнителя зиждется, так сказать, на наиболее удачном сочетании некогда разработанных блестящих музыкальных приёмов, идей и традиций, на том, что, собственно, и принято называть классикой, не придавая значения принадлежности к жанру, результат оказывается выше всяких похвал. Данный альбом - яркий тому пример, ибо на нем талантливый, и даже гениальный человек направил весь свой потенциал в нужное русло.
Я не любил особо вокал Джо Линн Тёрнера, но услышав, как он поёт здесь, я стал питать к нему самые восторженные чувства. Описывать вокальные достоинства смысла не имеет, это нужно слышать.
В принципе, всё остальное уже описано рецензентами выше, поэтому ограничусь итогом.
Итог: альбом принадлежит к тем, которые развивают вкус и приобщают к самой выдающейся музыке. Таких единицы, в настоящие дни их уже создавать не способны, так же как и неспособны, по-видимому, многие современные слушатели воспринимать такую музыку, сложную благодаря своей глубине и чувственности. Не должно подлежать сомнению, что место «Одиссею» Ингви Мальмстина - в самых недрах сокровищницы рок-музыки двадцатого столетия. Этот альбом как бы венчает собой закат той поры, когда тяжелый рок был преисполнен особой духовной силы, безвозвратно ушедшей. Далее ещё будут 90-е, и то их начало... но тенденции делать бездуховную музыку наметятся уже тогда. Поэтому наслаждайтесь и развивайте вкус, пока такие творения доступны и не забыты. От всей души рекомендую.
Спасибо...

niksailor  26 дек 2009

Группа Psychotic Waltz, безусловно, относится к тому эшелону групп, музыкальная деятельность которых охватывает сравнительно небольшой отрезок времени, ну скажем, десяток лет. Но за это время музыкантам удаётся "намузицировать" настолько отменный материал, что даже гранды жанра или околожанрового музыкального пространства, здравствующие лет по двадцать пять, не способны на подобные подвиги. Молодые и талантливые ребята, потенциал которых с годами только возрастает, определённо чувствуют свою нишу и независимость, ориентируются на собственное музыкальное чутьё, которое точно не подведёт.
На "Mosquito" присутствует та волшебная и любимая мною музыкальная мазня, при которой расслабленность исполнения слита с какой-то абсолютной безвременностью и, как бы это лучше выразиться, беззаботностью музыки. Мол, не важно, чего придерживаться, какие правила и каноны соблюдать, но главное в тему импровизировать и растягивать импровизации только до размахов собственной фантазии. Альбом совершенно гипнотический и вводит в состояние какого-то наркотического опьянения, в состояние приятного отупения и равнодушия к своему существованию. Граница между тем, что здесь и сейчас и потусторонним загробным миром настолько остро ощущается, что только беги на шестнадцатый этаж, вставай на подъем, находящийся на краю крыши, расправляй "крылья" и падай спокойно вниз... Но, разумеется, делай это ночью во сне, а не наяву. Всеобщей психоделичности способствует довольно истеричный и колкий вокал, который как будто выражает какой-то острый протест - протест против человеческих насаждений, предрассудков и комплексов. Музыкантуы тянут в разные стороны, подобно канату на соревнованиях, упругую резину из музыкальных хитросплетений, удобоваримых драмов, которыми барабанщик порой начинает как бы в несерьёзной манере пошаливать. Вокалист иногда доходит до самого настоящего речитатива ("Locked Down" или "Lovestone Blind"), приближаясь к тому, что, видимо, принято называть rap core. Его слова впиваются кинжалами в нежное и стройное музыкальное тело, высекаемое благодаря всевозможным ммм... элетронным?... фишкам. "Mosquito" настолько гибок и эластичен, что выйди он на ринг против тяжеловеса, не знающего, что такое танец тела, он одним своим тонким комариным (в переводе же "комар", если я не путаю) хоботком аккуратно утрёт ему нос. Или другая ассоциация: "Mosquito" - это лечебная грязь, которую аккуратно и старательно растерают по всему телу ради хорошего усвоения, с виду вроде такой неприятный стафф, но полезный изнутри, а процесс растирания - это импровизирование от музыкантов. Сами инструменты певучи и ласковы, за счёт чего музыка приобритает оттенок какого-то отдалённого стона или жалобы. Вообще, рассматриваемый альбом представляет собой очень удачное предложение уравновесить металистическую тяжесть внеземным звуком вселенского пошиба (как, например, в "Shattered Sky"). Альбом лично для меня оставляет впечатление мрачного и несколько пронзительного повествования, носящего маску, или даже не маску, а лик благородности и решительности. Композиция, которая запала мне здесь в душу - это "Haze One", рифф которой почему-то воссоздаёт образ человека, созерцающего своим стеклянным взглядом всю несправедливость, которая есть в нашем физическом мире. Не знаю, почему такие мысли, но всё же...
Итог: качёвый (что крайне редко встречается в музыкальной природе) psychodelic prog-metal, сделанный со вкусом. Приятная находка для людей, которые тащятся от развязных и приджазованных или прифанкованных выкрутасов.
Спасибо...

niksailor  29 сен 2009

Музыкальный коллектив в лице Ронни Джеймса Дио, Тони Айомми, Гизера Батлера и Винни Эпписа в принципе синонимичен понятиям качества и профессионализма в мире heavy metal. Ребята, ещё в начале 80-х годов сразившие мир наповал блестящими альбомами, уже давно снискали себе славу творцов тяжелого музыкального искусства и даже если ничего нового в рамках стиля они уже по вполне естественным причинам предложить не могут, всё равно сотни раз переработанный и перемиксованный ими материал будет отмечен маркой качества. Ветеранам, пожалуй, экспериментировать в музыке и не подобает, потому что однажды достигнув наивысших высот, им остаётся как минимум держаться если и не на них, то хотя бы поблизости. Айомми не будет играть круче и наворотистее, потому что внутри heavy doom metal это будет выглядеть нелепо, Гизер Батлер по-прежнему будет аккуратно сдобрять ритм-секцию своим сочным басом, а Дио как непревзойдённый мастер (на мой субъективный взгляд, опять же) грустного балладообразного пения, делать композиции ещё более трагичными и романтическими. Вот, пожалуй, и всё, чтобы напомнить нам о потерянной уже давно эпохе восьмидесятых годов, эхо которой, к сожалению, всё реже и реже доходит до наших дней.
Но в распоряжении музыкантов теперь превосходный современный саунд, ибо цифровые технологии - часть нашей жизни. Айомми также радует своим подходом представить слушателю довольно разнообразную технику игры на гитаре, начиная от балладоподобных переборов и незамысловатых риффов и кончая традиционным speed metal в соло. Альбом преимущественно проникнут мраком, но весьма изящно. Именно здесь такая форма doom metal'а, которая элементарно способна слушателя заинтересовать в этом направлении, ибо трагичность и тяжесть становятся всего лишь средствами окраски при лидирующих мелодиях. Трудно выделить что-то определённое, ибо риффы Айомми не сказать, чтобы были очень оригинальными, впрочем, так оно и должно быть, потому что всё было разработано десятилетиями назад. Но то, что играет Айомми, можно понять, не зная по именам участников проекта Heaven and Hell, всё-таки его школа просто налицо.
Итог: альбом рекомендуется тем, кто является поклонникам «олдскульного» традиционного хэви и дума и тем, кто начинает знакомиться с ним (например, представителям молодёжи). Это одна из тех редких современных работ, которая действительно приобщает к лучшему, что есть в истории метала.
Спасибо...

niksailor  25 сен 2009

Очень качественная металическая работа, способная появиться на свет только при максимальном старании, самоотверженности и преданности музыкантов своему делу. Представляет огромную ценность, если брать в расчёт самые разнообразные школы металла, взятые за основу при создании музыки. «Night of the Stormrider» - это и эхо классической Металлики середины 80-х годов, и стилистика Iron Maiden, которая особенно узнаётся в мелодичных соло, и натиск Judas Priest, которым мы имеем удовольствие вдоволь насладиться на их «Painkiller». Практически идеальный продукт скрещивания наиболее классических течений в тяжёлом металле.
Жирный и тугой звук гитары Джона Шаффера, который так и хочется поставить в пример многим пусть даже легендарным thrash-командам, которые почему то избрали кашеобразное, шероховатое и ржавое звучание при извлечении thrash-риффов, поражает своей сочностью и раздробленностью. А если вдуматься, насколько неординарны музыкальные идеи и как они переплетаются на протяжении композиции, можно вообще с легкостью сказать, что данный альбом ничем не уступает легендарному творению Metallica 1986 года - тот же мрак, те же апатия и чувства, врезающиеся в душу наподобие заноз, заштрихованы настолько искусно и оригинально, что испытываешь эйфорию. Почти все композиции интересно-сложны, содержат те «загадочные и закрытые в себе» мелодии, воспринять которые можно, пожалуй, только с отменной записью. А запись на альбоме действительно хороша - звук разливается и содрогается очень эффективно, особенно четко выделена ритмичность всего материала, которая в thrash metal'е очень значительна. Вокал на альбоме очень вариативный, что также вызывает массу приятных ощущений. Почти каждая песня - как своего рода череда разнообразных зарисовок с отсутствием единого сюжета, с постоянным крахом и возрождением агрессии, с многочисленными проигрышами, перемежающимися с риффами и небольшими интер-элементами. Это делает музыку необычайно реалистичной, служащей как бы музыкальным сказанием. Слова к песням мне тоже понравились своей волшебной притягательностью и, вместе с тем, доступностью для лиц, не попадающих под категорию native speakers.
Несмотря на взятые ориентиры, Iced Earth так или иначе вносят в музыку собственную лепту - это прежде всего заинтересованность ближневосточной мелодикой и стремление вдохнуть в традиционные heavy metal solo новую, свежую жизнь, что и увенчалось успехом, ибо соло Джона Шаффера, несмотря, конечно, на их непростую усвояемость, имеют свой неповторимый музыкальный подтекст.
Итог: блестящая работа из рубрики «скрещивание классиков метала». Слушается абсолютно без скуки!
Спасибо...

niksailor   7 июл 2009

Я считаю, что писать такую изобретательную музыку, какую мы слышим на дебютном альбоме группы Sadist «Above the Light» - занятие не совсем, фигурально выражаясь, безопасное и таит в себе массу препятствий, преодолеть которые порою не представляется никакой возможности. Чем сложнее становится музыка, тем, скорее всего, она будет больше отдаляться от своего идеального облика. Подобно тому, как во время химической реакции по ошибке можно потерпеть несчастный случай, смешав соответствующие «враждебные друг другу» вещества, в музыкальном сочинительстве также возможно испытать своего рода коллапс в виде столкновения друг с другом и неминуемого конфликта звукообразований самой разной природы. Но ни в коем случае нельзя говорить, что эти строки я пишу именно в адрес Sadist'а. Тогда причём они здесь? А притом, что сложная музыка, наподобие sadist-овской, навряд ли может получить однозначную оценку... особенно тогда, когда находятся едкие критики вроде меня, не стесняющиеся докапываться до музыкальных неполадок, впрочем, задевающих за живое исключительно их и остальным определённо приходящиеся по нраву. Ну так вот, мой пессимистичный тон задан, теперь можно переходить непосредственно к анализу.
Продукты музыкальной «мануфактуры», близкие к «Above the Light», можно относить к двум несколько отстоящим друг от друга категориям: либо это качественно новое музыкальное образование, генетически отличающееся от своих «сородичей», у которых примерно та же внешность, но разительно иные психические и физические возможности, либо это очередной представитель серой массы себе подобных, но лишь заново отлакированный, выхолощенный и не так дурно воспитанный. А вот альбом «Above the Light» занимает какое-то одинокое положение между двумя «этническими группами», но отнюдь не ущемлённое. Всему причина - практически равноправное функционирование синтезаторов и гитары. Казалось бы, задаётся уклон в art rock, но нет, на горизонте появляются приближающиеся death-образные гитары, своей животной, дикой грубостью, просто на уровне инстинкта, стремящиеся испепелить печальные, весом в пух, клавишные мелодии. Но не тут-то было, ибо гитарный низкочастотный скрежет явно не в силах соперничать с утончённостью, ненавязчивостью и благовоспитанностью клавиш и даёт им вволю насытиться своей грустью. Но подобные «любования» друг другом в кульминационных моментах перерастают в нечто большее, и это нечто - танец стихии, где два таких разных начала сливаются в один поток (характерный пример - конец композиции «Sometimes They Come Back» и большая часть «Sadist»).
Я был несколько в недоумении, увидев, что клавишник и гитарист - это одно и то же лицо. Принимая во внимание тот факт, что музыка определённо нездорова, особенно в глазах людей, далёких от металла в принципе, можно вообразить, что некий Tommy - просто, говоря образно и в шутку, шизофреник, и ввиду раздвоения личности способен пребывать в двух состояниях - грубом, неуравновешенном, агрессивном и, напротив, меланхоличном, усталом, но нежном и ласковом. Но шутки в сторону, потому что лично мне приходиться изрядно потужиться, чтобы оценить, насколько такое «раздвоение личности» идёт на пользу музыке. Боюсь, что музыканты всё-таки не справились с задачей (ну если вообще её ставили) удовлетворить далеко не один музыкальный вкус, потому что невольно ощущается перевес в сторону агрессии, то есть, разумеется, death'а. Я же, как любитель более мягких музыкальных блюд в art rock'овом соусе, не могу с восторгом воспринимать слишком «перченое» кушанье. Но, с другой стороны, подобное «брожение в желудке» компенсируется прекрасными музыкальными водянистыми струеобразными соло почти в каждой композиции.
Вообще, всё, что наполняет существо этого альбома - это своего рода совокупность дихотомий. Возьмём непосредственно музыку, и понимаем, что она представляет собой дихотомию жесткости и, напротив, мягкости и воздушности. Обратим внимание на атмосферу, и ощущаем, что и она распадается на две противоположных друг другу стихии - ураган, апокалипсис, да что угодно, и мёртвая спокойная пустота, очередное затишье перед грозой. Даже сам гитарный механизм неоднороден - здесь мы сталкиваемся с противовесом вязких, не блещущих мелодичностью, death-образных риффов и гитарных, по структуре напоминающих легато, слишком расплавленных по звучанию, гитарных мелодий... Одним словом, любитель классического рока здесь найдёт своё, приверженец экстрима в метале - своё.
Но главный недостаток (а для кого-то - огромное достоинство) - это слишком ярко, слишком жирно очерченная полоса между этим самым экстримом, водоворотом и чем бы то ни было, что имеет отрицательную коннотацию в данном случае, и изящными, обтекаемыми, приятно-гладкими формами той же металической, по сути дела, музыки. Спросите, почему недостаток? Для меня потому, что вызывает колебания и разрушает целостность восприятия - приходится метаться в поисках истинного наслаждения от альбома, так его, по-видимому, и не уловив.
Ещё один огрех, который не учли музыканты - приглушённость ударных, которые невообразимо интересны на альбоме. Диапазон звуковой волны, распространяющейся от них, практически сводится к нулю, и получаются самые невыразительные постукивания, которые потенциально могли бы преобразить всю масштабность и абстрактный характер музыки. Не менее приглушённым оказался и бас, что также явно не является украшением. В принципе, на мой взгляд, чем более многослойной получается музыка в жанре «метал», тем яснее и даже острее должны атаковать слух инструменты. А за счёт некоторой слишком выраженной демонстративности гитары на альбоме, музыка местами теряет в гармоничности, становится угловатой и слишком давящей своим шумом. Впрочем, «Above the Light» скорее предназначен для наиболее совершенных музыкальных систем, способных сгладить изъяны в записи инструментов.
Итог: танец «красавицы и чудовища» - это довольно оригинальная находка в мире тяжёлого метала. Музыкальная антитеза всегда привлекает, но и ставит в замешательство, потому что её саму по определению составляют две противоположные грани, а середины нет (даже если она и есть, то не на альбоме Sadist). Именно за счёт отсутствия этой «золотой середины» приходится непрестанно перебегать «в тыл врага», так и не занимая окончательно ничью сторону. Вернее, сторону то занять можно, но тогда альбом окажется неполноценным и общую оценку ему придётся занизить. Sadist'овское «чудовище» в танце с «красавицей» неуклюже то и дело наступает ей на ножки - оно и понятно, ибо ему не хватает гибкости и плавности движений. Но придаёт ли это привлекательность альбому? Резкие и как будто умертвляющие гитарные ходы на фоне более понятных мелодий (воспроизводимых не только клавишами) смотрятся весьма убого. Мне, честно, удивительно, что Tommy, способный на такие искусные и стройные импровизации, не решился отказаться от death-традиций и внёс стандартные death-оподобные приёмы, хотя потенциально способен был бы усовершенствовать и их, по меньшей мере, попыхтев над мелодикой.
Ладно, все эти придирки оставлю лучше при себе. Объективно, альбом - произведение искусства, пусть и не идеальное, но от того всё равно манящее к себе. Даже если и хочется что-то исправить, это происходит только с сознанием того, что мы услышали подлинных мастеров тяжёлого метала... Я не хочу ставить в данном случае оценку, но поскольку без неё не обойтись, ставлю то, что вы видите ниже...
Спасибо...

niksailor   5 июл 2009

Альбом являет собой что-то промежуточное между такими стилями тяжёлой музыки, как hard rock, heavy metal и как вы думаете чего ещё. Благодаря чрезвычайно интересной и даже, я бы выразился, интеллектуальной музыкальной обработке на гитаре в исполнении Рэнди Роудза музыка на альбоме отдаёт той непередаваемой романтичной атмосферой классической музыки, которая для 1980 года для тяжёлого рока уж точно нехарактерна. Сразу хочется сказать, что именно поэтому альбом «Blizzard of Ozz» является даже чересчур прогрессивным для своего времени. Если раньше в хард-роке упор делался прежде всего на ритмичность, порядочную танцевальность и хорошую энергетику, то на рецензируемом альбоме подобное возведено в квадрат и совершенно потрясающим образом развито опять же за счёт гитары Рэнди Роудза. Этот талантливый музыкант, ушедший преждевременно из жизни, уже на дебютном альбоме Оззи широко раздвинул просторы тяжёлой музыки и обогатил её своими не просто техничными соло-сопровождениями, а очень умной и гармоничной музыкой, что в хард-роке в принципе встречается редко. Способность импровизировать и мыслить - вот отличительная черта Рэнди, который, на мой взгляд, оказал большое влияние на всё дальнейшее развитие neoclassic rock/metal направление. Те приёмы, которые мы слышим на «Blizzard of Ozz» от маэстро Роудза, в дальнейшем будут переигрываться и видоизменяться Ингви Мальмстином. Если бы Оззи Осборну не повезло с гитаристом, альбом оказался бы в несколько раз хуже. Бесспорные шедевры здесь - это «Crazy Train» и «Mr. Crowley», последний - своего рода мини-справочник, как неоклассику синтезировать с хард-роком. К слову, на композиции «Revelation (Mother Earth)» клавишник Don Airey как бы вторит гитаристу и великолепно оформляет классические мотивы, использованный Роудзом. В принципе, на фоне самой музыки меркнет даже сам вокал Оззи, который, на мой субъективный взгляд, никогда особенно не отличался выразительностью и глубиной.
Итог: альбом если не революция для своего времени, то уж совершенно точно откровение, ибо, по-моему, никто так успешно и не сумел внести элементы классической гитары в тяжёлую музыку до его выхода в свет. Black Sabbath с Ронни Дио в 1980 году выпустили, конечно, альбом на порядок мощнее и красочнее, но не более того. Здесь же романтизм и интеллектуальность наполняют всё содержание музыки. По существу, этот альбом - наглядное пособие, как классическую музыку объединить с тяжёлой.
Спасибо...

niksailor  26 июн 2009

Работа из тех, что, видимо, по-разному воспринимается в зависимости от настроения. И одна из тех, которую целиком будет возможно безболезненно переварить только в том случае, если окажется «съедобным» и даже «вкусным» любая отдельная композиция, присутствующая на ней.
Для того чтобы понять хотя бы слабые очертания этого довольно сложного творения, можно, например, представить себе одержимого безумными идеями дирижёра, который орудует двумя палочками в обеих руках. Он не только даёт команды оркестру, но и успевает выписывать в воздухе беспорядочные кривые с языками пламени, которые дотрагиваются даже до слушателей в зале. А в это время оркестр сливается в настолько неимоверные визжащие стоны, что невольно ощущаешь, будто тебя медленно, но непреклонно убивает какая-то ноющая боль внутри. Но ощущение распадается в прах, когда ты внезапно переключаешься на человека во фраке, уже не только размахивающего руками вокруг себя, но и помогающего себе всем телом, якобы не желая терять власть над музыкой.
Удивительно, но я понимаю «Altars of Madness» только в музыкальном контексте ударных, которые, не побоюсь сказать этого слова, потрясающи здесь. На мой взгляд, именно они несут основную музыкальную нагрузку, а не, как бывает более традиционно, гитары. Пит Сандовал задаёт жару, постоянно меняя комбинации стуков разной природы, Трей Азагот окаймляет каждый стук чем-то особенным, будь то нелепое ржавое «лошадиное ржание» или череда аккордов, понять которые весьма непросто. Но выплескивается новый магический клубок ритмических единиц, и гитарист начинает играть как бы «задом наперёд» или выдаёт не совсем внятное, но создающее прекрасный фон соло.
Однако только моё внимание переключается на гитарное исполнение, как все прелести альбома начинают ускользать. Странно, но ощущается, что если приглушить ударные, останутся бессмысленные гитарные наработки, абсолютно независимые друг от друга. Но если ритм-секцию вернуть обратно и расставить каждый удар по своим местам, а на гитары ровным счётом наплевать, то получается интересная музыкальная насыщенность, напоминающая собой что-то вроде описания катастрофы или всеобщего помешательства.
Придираясь, однако, всё-таки можно разглядеть изъяны - нет, не всё так чисто и взвешенно, как хотелось бы. Быть может, хочется большего рационализма, быть может, ещё чего-то, что близко человеческой натуре, но альбом таков, каков он есть, не больше, не меньше.
Итог: работа примечательна тем, что всё здесь подчиняется ритмике, или, по крайней мере, создаётся такое впечатление. Хорошенько закутавшись в лоскутное одеяло ритмики («одеяло» она потому, что является неразрывным целым, подобно ткани), можно нарыть немало богатства... которое распадается, однако, в песок, если отвлечься на постороннее или второстепенное. Воздержусь назвать альбом шедевром, но то, что это не «пустышка», это факт, большая часть музыкального материала здесь всё-таки представляет собой слитный механизм ритма и бэкграундного гитарного оформления... неплохо и со вкусом
Спасибо...

niksailor  10 апр 2009

На «Nursery Cryme» Genesis придерживаются примерно тех же музыкальных ориентиров, которые были взяты на чудесном и “невесомом” «Trespass». Здесь же, по-моему, стержнем всех задействованных инструментов является меллотрон, да и чувствуется, что музыкантам очень комфортно постоянно пребывать в этом «ложе с чистым и звонким звуком». Гитарное оформление предстаёт на суд слушателя практически только в начальной композиции под названием «The Musical Box», сложной и громоздкой даже по современным понятиям.
Вся музыка на альбоме настолько как будто бы отстранена от слушателя, что кажется, будто бы ты порхаешь в безграничном и каком-то масляном пространстве. Эта «намасленность» - всё то же влияние меллотрона, хозяина здесь, которому все остальные инструменты с радостью прислуживают. Меллотрон не только делает музыку на альбоме именно жирной, но и свежей. Такая свежесть на время заставляет отвлечься от навязчивой мысли, что на понятные тебе составляющие произведения Genesis в жизни не разложишь. Нет, их даже песнями в традиционном представлении этого слова называть не хочется. Они больше напоминают какие-то полусказочные, несколько символичные, но в меру экспрессивные эпизоды жизни, к которым подобрано соответствующее музыкальное сопровождение. Такое сопровождение отличается абсолютной безобидностью и нежеланием что-либо внушать. Оно просто ласково предлагает взглянуть на события со стороны, не принимая в них участия и не давая оценок. В этом - большая заслуга Genesis. Это сопровождение - некое отражение некой рутины, осев в которой, знаешь уже наперёд, что никаких потрясений тебя не ждёт. И поэтому можно говорить о чём угодно, особенно не возмущаясь. С этой точки зрения музыкальный язык очень демократичен на альбоме.
А по сравнению с предыдущей работой степень музыкальной вариации здесь, как мне кажется, на порядок выше. Есть место и юмору, и сарказму, и сказочному повествованию. У альбома также удивительное свойство - под конец, ровным счётом не запоминая ничего, хочется перейти на начало и вновь увидеть этот размытый сон в надежде, что, быть может, краски окажутся в очередной раз более яркими.
И не стоит здесь цепляться за каждую композицию в отдельности, разграничивая плохие и хорошие номера. Все они едины и связаны похожими музыкальными идеями.
Итог: артистизм, вдохнувший в себя эстетическую неприкасаемость и привилегированность. Попробуйте эту музыку слушать в Гайд Парке и вы будете удивлены, как на этом музыкальном фоне пейзажи парка раскроют вам свою душу и поведают, как хорошо живётся в давно устоявшихся, мирных, но от того скучных английских условиях жизни.

niksailor  27 мар 2009

Непросто слушать на протяжении целого часа музыку, целиком проникнутую мраком и депрессией, но альбом концептуальный, и каждая композиция должна в себе нести частичку общей темы. А тема одна - постепенное разрушение личности лирического героя на фоне бедствия, произошедшего в его жизни - потери возлюбленной.
Выслушивая бесконечные страдания, которыми переполнена лирика песен, невольно становишься свидетелем безумия, и, честно, даже начинает болеть голова. Тяжесть музыки, которая здесь выступает своего рода проводником самого настоящего ада в сознание слушателя, имеет не очень приятное давление, и к концу альбома возникает жгучее желание впасть в глубокий сон, чтобы дать себе долгожданный отдых. Но не всё так безнадёжно и отталкивающе, как казалось бы...
При абсолютно беспросветном мраке на музыку жаловаться так или иначе не приходится. Построение её очень технично и не лишено даже занимательных моментов. Многим композициям здесь присущ агрессивный риффинг, но музыкальные ходы такого риффинга вызывают восторг: ты как будто находишься перед музыкальной сценой в тот момент, когда всё начинает сверкать, подчёркивая головокружительность исполнения музыкантов. Это как будто совершенно другое измерение, в котором стремительная звуковая волна заставляет тебя совершать сальто в воздухе, но не даёт тебе упасть, равно как и передохнуть. Учащённый скрежет гитар, напоминающий безумную погоню, с необозримыми просторами для мелодий, которые в силу их линейности, непросто уловить, убеждают в мастерстве музыкантов. Такая «красота» не растёт на поверхности, а является как бы вещью в себе и познаётся она скорее не видимой, а только позволяющей соприкоснуться с нею.
Отдельного упоминания стоит ударник, напоминающий своей техникой ударника Dream Theater - артистическая и вымеренная дробь с пряностями.
Итог: высокий уровень музыкантов - почти единственное, чем лично мне интересен этот альбом. Но вот сама музыкальная атмосфера порядком неприятно нагрузила меня. Это во многом и определило оценку.
Спасибо...

niksailor  25 мар 2009

Thrash metal с изрядной "позолотой" в качестве рок'н'ролла. Именно с налётом золота, потому что чистый слиток этого столь дорого человечеству металла появится только в 1990 году в виде "Rust In Peace". Рассматриваемый же альбом полон приятных на слух вещей, но вот однако нет того уровня, когда эти "приятности" переливают через край. Он скорее как бы "иллюстрирует характер человека довольно неповоротливого, но тем не менее пронырливого, когда нужно". Неповоротливость эта резко ощущается, потому что далеко не во всех композициях органично построение, напрашивающийся квази-прогрессив иногда портит картину. Но этот огрех, так сказать, живо компенсируется мелодичностью композиций, опять же, взятой из рок'н'ролла: довольно виртуозные аккомпанементы и интересные обыгрывания в риффах, пожалуй, характеризуют Megadeth уже в начале творческого пути. Другое дело, что иногда эти "заигрывания с инструментом" не совсем вписываются в картину, и создаётся ощущение нагромождённости музыкальных пластов, но это не является серьезной помехой. Лично мне сама атмосфера альбома очень понравилась - есть в ней место разгулу и хорошей разрядке, да и вполне яркие очертания всё это веселие обретает благодаря хорошей технической подготовке музыкантов - ребята своей игрой порою заставляют тело совершать колебания в разные стороны. Капельку понасыщеннее была бы ритм-секция, почаще бы пускал в действие ударник верхние и нижние конечности, было бы несравненно больше эйфории, по крайней мере у меня. Но по большей части ритм-секция, не считая гитар, держится на относительно стандартной для thrash'а дроби, то ускоряющейся и хаотичной то, наоборот, замедляющейся и более ритмичной. Вокал Мастейна остаётся более на "бэкграунде", что вполне удовлетворяет, ибо его вокальные данные, хотя и своеобразные, но не совсем поставлены, как требуется.
Итог: неслабая работа, которая, фактически, и вырисовывает тот Megadeth, который всем известен. Хотя и бестолковая, но от того ничуть не разочаровывающая. Но до предельной органичности здесь ещё работать, и работать...
Спасибо...

niksailor  21 мар 2009

О да, heavy metal со speed-привкусом, идеальный практически во всех отношениях. Почему идеальный? Да прежде всего потому, что своей жесткостью, эмоциональностью и воинственностью просто подавляет волю и вовлекает в свой круговорот. «Painkiller» - это для меня своего рода воплощение мужской сущности в рамках хэви-метала, настолько мощным и сокрушительным предстаёт на альбоме звучание. Плотная ритм-секция сопровождает внушительные риффы, которые оформляются превосходными визжащими спид-металическими соло... Что ещё нужно для того, чтобы твоё сердце началось биться чаще, а энергия окрыляла?
Хэлфорд здесь как только не поёт, что правда, то правда - масштабы его вокала варьируются от самого «нездорового» визга (лично на меня это действует безотказно) до трагичного и даже плачевного. Не беруюсь судить вокал (хотя, честно, он далеко не любимый), но чувственность, которую Хэлфорд вкладывает во фразы, просто сражает наповал.
Это только первое время кажется, что композиционность на альбоме не блещет разнообразием, но потом понимаешь гораздо больше... Если первые четыре песни - это просто высококачественные и сильные номера, способные растерзать слушателя в клочья своим напором («All Guns Blazing» и «Leather Rebel» так вообще бесподобны), то далее ощущаются нововведения. «Metal Meltdown» - первая вспышка гнева и даже злорадства от Хэлфорда, а впереди ещё более 20 минут отборной агрессии и стихийности. «Night Crawler» привлекает меня тем, что вокал Роба здесь какой-то судьбоносный, ибо нашествие «ночного пресмыкающегося» откуда-то из ада не знает противодействия, и гибели не миновать. В «Between the Hammer and the Anvil» манера пения вокалиста исполнена печали и боли. «A Touch of Evil» очень напоминает творчество Black Sabbath с Дио на вокале - совершенно особенная атмосфера кладбища, смерти и нависшего над землёй ада. И, наконец, «One Shot at Glory» - в некоторой степени музыкальное «резюме» всему музыкальному материалу, представленному здесь, пожалуй, ключевая вещь, если не считать «Painkiller».
Игра музыкантов поражает скорее не замороченностью, а, напротив, относительной обыденностью музыкальной мысли, но доведённой просто до пределов всякого мастерства. Абсолютно беспроигрышная тактика - жёсткие риффы, не отличающиеся сложными задумками, но оформленные просто блестяще. Результат налицо - о музыке не думаешь, а ловишь истинное удовольствие. И не имеет значения, что всё это давно утратило свежесть - это просто исполнено должным образом, так как и должно звучать, без ненужного коверкания, переусердствования, экспериментов и... снисхождения.
Итог: хэви-метал и должен звучать именно так, и это точка.
Спасибо...

niksailor   2 мар 2009

По-моему, новые музыкальные продукты ветеранов какой бы то ни было металической сцены следует оценивать по всей строгости, руководствуясь всеми возможными критериями оценки, которые только могут прийти в голову. К музыкантам со стажем, насчитывающим не один десяток лет, не может быть однозначного отношения. Ими можно восхищаться, воспринимая некогда созданные ими альбомы за беспрецедентные шедевры, и оставаясь в плену своего очарования, просто закрывать глаза на огрехи, которые наш несговорчивый слух, к сожалению, может уловить на новом музыкальном наделе. В них можно и, напротив, разочароваться, если ощутить, что они слишком кардинально изменили столь привычное нашему уху звучание. Впрочем, почему бы и нет? Всё живое должно эволюционировать, нравится это кому-то или нет. И пусть поначалу такая эволюция кажется деградацией, в действительности дело обстоит иначе, потому что, однажды чему-то научившись и со временем усовершенствовав своё умение, уже никогда с ним не расстанешься. Можно пускаться в поиски неизведанного, сохранив свой опыт до поры до времени и уже когда-нибудь скомбинировать его с новшеством. Наконец, матёрых музыкантов можно попытаться рассмотреть вне их биографии, но, разумеется, не как новичков, а просто как создателей очередной серии музыкальных номеров, которые по-своему уникальны и самодостаточны. Скорее, этим я и займусь.
С первых минут прослушивания ты уже не сомневаешься, что материал написан уверенными и «закалёнными в музыкальных боях» людьми - столь непреклонно и неподкупно всё звучит. Отчеканенная до предела ритм-секция, изобилующая великолепными ударными всплесками самой разной мощности и формы, легато, воспроизводимые без каких бы то ни было недоразумений и как нечто, что уже навеки вросло в игру музыкантов, да и их активное сопротивление замедлить музыкальный бег и вдуматься в то, что они делают, в принципе, говорят нам о том, чтобы мы и не пытались разгребать весь этот драйв, ибо он здесь просто незаменим.
Но повторюсь и скажу, что Kreator в 2009 году не может быть оценен поверхностно, и вооружившись только драйвом и искрометностью, команде никак нельзя поразить не менее вооружённого слушателя; с неподготовленными слушателями ситуация, скорее всего, будет иной, поэтому их в счёт брать не стоит.
Так вот, музыканты на альбоме столь искусно прикрылись своими первоклассными наработками и своей наигранностью, что могут легко сбить с толку. Однако именно эта наигранность имеет свою обратную, не сказать, чтобы положительную сторону. Наигранность означает отсутствие натуральности, а последнее в свою очередь то, что музыка, как ни крути, останется мёртвой. Нет, вероятно, этот «мертвец» способен двигаться и даже резвиться под быстрые ритмы, но душа уже давно покинула его и где-то летает. Именно такое впечатление производит нынешний Kreator: при показном техническом оснащении музыкантов, которое, безусловно, радует и будоражит, отсутствует художественность, которая бы преобразовала музыку из бестолкового энергетичного «завода по производству роботов» в «обладающий разумом музыкальный микромир со своим особым жизненным течением». Подозреваю, что многие со мной не согласятся, сославшись на ограничения стиля, но скажу, что Kreator - музыканты зрелые и вполне могут быть способны на большее, чем стандартный скоростной thrash, уже ставший просто серой и потускневшей от времени профессией.
Возвращаясь к музыке, скажу, что по большей части почти каждая песня - это конгломерат изрядно разученных музыкальных оборотов. Но только показатель «изрядно» спасает ситуацию - они действительно отработаны до блеска и неприступны к претензиям. В остальном - справедлив всем известный арифметический закон: от перемены мест слагаемых сумма не меняется. Так и здесь - если поменять местами условно выделенные части, то получится точно такое же кислое, но взрывоопасное соединение, однако смысла не прибавится.
Выручают разве что небезынтересные приёмы, как то местами необычная дробь, весьма неоднородные соло с искажением звука и, опять же, с разной техникой исполнения. Но, с другой стороны весом и недостаток - интересных риффов, достойных именно Kreator, не хватает, ровным счётом почти ничего экстравагантного, всё относительно ровно и бесхитростно.
А вот звучание превосходное, легко различимо абсолютно всё, и, самое главное, нет этой смеси, этих беспорядочно наложенных друг на друга музыкальных пластов, что является главным врагом thrash-направления, на мой субъективный взгляд.
Итог: за повторенный урок, некогда не просто выученный, а вызубренный, можно похвалить: ну да, молодцы, мастерство вы уже не забудете, если только не получите физические травмы, не дай бог... Но не нужно так любоваться собой и своей подготовкой - думайте о музыке в конце концов, если, разумеется, есть, чем думать...
Спасибо...

niksailor  25 фев 2009

Уже на дебютном альбоме музыканты из группы Coroner заявили, что знают свою работу и, похоже, разбираются в своём деле получше многих своих коллег. Ребята определённо очень неплохо усвоили музыкальную грамоту и с поднятыми вверх подбородками, с несколько презрительным взглядом на окружающих и с чувством самодовольства выдали то, что навряд ли будет высоко оценено первыми встречными.
Чуваки из Coroner спокойно могли бы играть понятную всем музыку, играть грамотно, играть легко, не утруждая себя выжимать из мозгов всякие причудливые, но действенные муз-фигуры, недоступные для дилетантов, и, поверьте мне, без труда утёрли бы нос группе Metallica, не говоря уже и об остальных. Как-никак, а уклон в классическую музыку открывает чересчур обширный потенциал для thrash metal'a. Но Coroner выше этого, слишком себялюбивы, чтобы идти на поводу у простых людей - нужно сразить наповал самого едкого и неподкупного критика. Что ж, кашу заварили очень густую и богатую ингредиентами, а вот расхлёбывать кто будет?
Рискованно всё-таки на протяжении всего альбома играть исключительно то, что понятным в корню, скорее всего, не окажется. А если и окажется, то нескоро... Нелинейное построение здесь говорит только о том, что постигнуть целиком можно только в том случае, если постигаешь кусками. Но кусать не нужно, нужно откусывать, тщательно пережёвывая и прислушиваясь к своим органам обоняния. Допустим, вы далеки от классической музыки - тогда считайте, что композицию вы не усвоили, незачёт вам! Предположим, вам странно слышать разрыв в такте, происходящий за счёт ударных - вы опять попали...
«R.I.P» на самом деле таит в себе очень много приятных неожиданностей. Уловив хотя бы одну из них, вы как минимум минуту-две будете музыкантам благодарны. Порой самый смак притаился где-нибудь в середине композиции, а по обеим сторонам ничего, собственно говоря, из ряда вон выходящего, только технично и ловко. Но есть у «Риппера» одна чудесная особенность: ну почти каждая композиция - это какая-то свежая мысль, какая-то совершенно независимая часть творчества, в которой предложено что-то своё, со своим собственным запахом. Например, «Nosferatu» - явная метал-неоклассика, «Suicide Command» - неоклассический трэш, «Spiral Dream» - хэви-металический трэш, ну и в том же духе. Здесь раздолье для ударных с импровизацией в виде звона тарелок, там выделен бас; на правом фланге - несколько скрипичные соло партии, на левом - жёсткие и всегда такие неодинаковые риффы.
В общем, чтобы раскусить сей крепкий орешек, потребуется напряжение, а после эдак третьего прослушивания понравится. Вот только неугомонность музыкантов не знает границ. Здесь чувствуется даже не желание быть первым, а стремление к самосовершенствованию. Не думаю, что на «Рипере» это стремление воплотилось в жизнь в полную силу.
Я скажу только одно: «R.I.P» - это продукт людей, креативных по своей природе, это источник новых потрясающих ощущений, для получения которых нужно заплатить определённую цену.
Итог: техничный thrash metal - сложно, болезненно, но уже очень скоро весомо и полно совершенно несвойственной многим энергии. Я бы хотел иметь этот диск в коллекции, потому что музыканты слишком хороши... а что скажите вы?

niksailor   2 фев 2009

Альбом, на который лучше всего смотреть с высоты нынешнего года XXI века. Всматриваясь в давно минувшие времена, ясно видишь, сколько всего чудесного, грандиозного и даже парадоксального пережила тяжёлая музыка за последние лет 25 и, слушая «Show No Mercy», нельзя не признать, что самые фатальные, самые неспокойные и переломные повороты в истории тяжёлого метала приходились именно на те далёкие года.
Именно на те далёкие года, когда музыканты жаждали перевернуть человеческое сознание, а вместе с ним, пожалуй, и целую цивилизацию, как после мировых войн, и родился на свет «Show No Mercy». Скорость ликует, музыкальная атака на всё человеческое существо сковывает железными цепями или, напротив, выпускает из него тех маленьких злых демонов, которые уже давно ждут, как бы поскорее совершить саботаж; а кровь начинает бурлить всё сильнее, и адреналин достигает своего критического максимума. Трудно себе представить, что делала такая музыка с человеком в начале 80-х годов, если и теперь она действует как самое будоражащее средство, которое только можно найти. А что она делает, скажите мне, с самими музыкантами?
Первый трек «Evil Has No Boundaries» уже знаменует собой приход новой металической эпохи. Замечу, что легендарный Helloween на дебютном альбоме «Walls of Jericho», который вышел двумя годами позже, бесстыдно скопировал эту, безусловно, сильную песню и назвал её «Ride the Sky» (кому интересно, можете проверить сходство, надеюсь, мой слух меня не подводит).
Далее слееровцы решили копать ещё глубже, чуть ли не до самого ядра музыкальной планеты под названием thrash metal и представили весь свой остальной убойный материал в стиле, который можно условно охарактеризовать как «speed'n'roll». Пьяно-раскрепощённое поведение в совокупности с отсутствием каких бы то ни было тормозов, порождает самый настоящий ад, настолько соблазнительный, что проклинаешь весь этот мир. Более десятка мелодичных и настырных музыкальных монстров, никаких пушистых ласковых зверушек в подарок, никаких снисхождений, никаких помилований и никаких разговоров не по теме. Именно поэтому, как только кончается «Chemical Warfare», чувствуешь, что тебя пропустили через соковыжималку и выжили все твои комплексы, оставив только дикое, звериное нутро...
Даже не посмею и заикаться о том, чтобы альбом был более музыкально продвинутым. Slayer не пойдут ни на какой компромисс, только, пожалуй, дадут жару. Не могу подумать и о том, чтобы хоть что-то было в более замедленном воспроизведении, потому что пощады не будет.
Одним словом, самоутверждение музыкантов - вот то, что обескураживает меня и лишает дара речи и мысли...
Итог: ну а если серьёзно, то хотя альбом и имеет непосредственное влияние на всю последующую музыкальную поросль, из которой выросли могучие дубы, но если обломать ему крылья и выйти за рамки speed thrash metal, то его песенка спета... но разве разумно рецензировать что-либо, проводя параллели с чем-либо потусторонним? В своём жанре, наверно, да не наверно, а совершенно точно, увековечившая себя работа и противоядия этому факту нет, уж простите...
Спасибо...

niksailor  29 янв 2009

Название альбома «Requiem - Mezzo Forte», в принципе, уже говорит само за себя, и особо много про этот альбом не скажешь...
Ну, какую ещё музыку мы можем слушать, если не doom... metal... хотя метал здесь если и не остаётся на заднем плане (как-никак, а уже в середине реквиема «тёмно-девственные» открыто утяжеляются), то скорее почивает под оркестровым симфоническом навесом.
Реквием со своим траурным настроением предъявляет свои требования к музыке: mezzo forte, то есть умеренно громко; неспешно, вдумчиво, с приличной долей самоанализа; с нежеланием замечать что-либо вокруг себя и вдоволь «насладиться» своими чувствами; до самых краёв испить чашу скорби. Малейшее содрогание музыкального воздуха в виде смены размера на более ускоренный и динамичный неминуемо испортит всю эту торжественную картину. Но назначение этих doom'ообразных риффов вполне ясно: это не внешняя суета, это не дуновения ветра, не смена погоды, а скорее те невидимые движения, которые происходят внутри нас, когда мы полны печали. Погружаясь в неё всё глубже, мы обрекаем себя на ещё большие истязания и начинаем воспринимать мир как раскалённый металический сплав, который вот-вот нас обожжёт.
Вот только нас подстерегает одна маленькая неприятность - вернуться в обычное уравновешенное состояние будет стоить очень больших душевных сил и... времени. Вот и Virgin Black решили поначалу мельком взглянуть на хаос, творящийся в их душах, но не смогли устоять перед искушением его рассеять - вот и погрязли в своём исступлении. Только на самых последних минутах реквиема музыканты немножко приходят в чувства, открывают глаза - и по-прежнему видят эту безмолвную процессию, чёрные мантии и опущенные сухие лица...
Вся музыка оркестра - в этих словах:
«Sorrow ever awaits on joy
And has rendered me to (pieces)
Requiem, Kyrie, requiem».
Да, реквием, друзья мои, поэтому даже и не думайте о том, чтобы свалить с места действия куда-нибудь на пляж... солнце хотя и припекает, но все как будто отмахиваются от него и прячутся в своих холодных пещерах траура и пустоты...
А говоря о самой музыке, трудно выделить что-либо особенное: да, эти синтетические гитары подходят, да голоса хороши (но не более), да, постепенно, оступаясь, но непреклонно мы плывём вперёд по музыкальной реке, которая, однако, не выходит из своих берегов и поэтому не представляет опасность и не таит в себе никакого очарования... одним словом, очередной небогатый, но уверенный в себе и определённо состоявшийся doom metal, с одним лишь исключением - он вырядился в симфонические шелка, нескромный такой...
Итог: конечно, озираясь на проделанную музыкантами работу по синтезу оркестровой и металической форм музыки, рука не поднимается поставить низкую оценку альбому. Объективно - это самая твёрдая «8», хотя мне, честно не понравилось, но о собственных капризах не может быть и речи. Почему «8»? Во-первых, можно было бы чуть-чуть сделать оркестр внушительнее, невзирая на doom'овую простоту. Во-вторых, малость вывести голоса на ступеньку выше... хотя у каждого «свои тараканы». Любителям готики понравится, вопрос в том, понравится ли остальным?
Спасибо...

niksailor  27 янв 2009

Альбом, ингредиенты которого, похоже, так и не усвоились у меня. А наличие их здесь весомо, однако. То слишком откровенные классические приёмы, на которых висят штампы, то собственные, но далеко не факт, что шибко свежие, густые соло-аккомпанементы.
Альбом-оборотень: пытаешься сосредоточиться исключительно на нём, как он меняет человеческий облик, превращается в чудовище (и даже не в волка), и никак не хочет с тобой завести дружбу. Нет, всё вроде качественно и на высоком уровне: образцово-нескромная такая игра гитариста и клавишника заодно, блестящие переходы с гитары на клавесин, с клавесина на симфонические пируэты и пошло-поехало... как в волшебной сказке с феями и колдунами, да ещё этот романтичный вокал Рассела Аллена. Нет, ничего не хочу сказать, мне очень нравится... напоминает проект Ингви Мальмстима рубежа 80-х и 90-х.
Альбом также строится на удивление приятно - с неоклассических заморочек, от которых легко может переклинить в мозгах, музыканты где-то на песне "Whispers" вновь превращаются в людей и начинают наконец-то щадить слушателя - уже более различима сама мелодика, уже становится понятным выбор музыкантов, как обыграть взятые музыкальные ходы.
Прогрессив, конечно, прогрессивом, но иногда он явно не на руку музыкантам - они начинают заигрываться и вместо того, чтобы поразить одной стрелой, выпускают из тетивы сразу несколько штук... Вероятно, нужно послушать ещё тысячу и один раз, чтобы уловить всю смысловую нагрузку музыкальной игры.
Но встречаются такие моменты, когда ты понимаешь - схватили музыканты, что называется, быка за рога и выдают чертовски нашпигованные соло-серии, от которых захватывает дух.
Всё, мне больше сказать нечего - альбом опять ушёл в себя. Как на зло.
Итог: знание музыкантами своего дела, не сказать, что идеально вяжется с самим музыкальным ремеслом - какая-то интрига так или иначе заставляет во время прослушивания напрягать мозг. Скажете, что это хорошо? Не думаю, тем более для шедевра, до которого "The Damnation Game" расти и расти...
Спасибо...

niksailor  23 янв 2009

Альбом, который подкупает своей ненавязчивостью и спокойствием (относительным, конечно), но с другой стороны, обращает на себя внимание своей аккуратностью и опрятностью.
В принципе, практически каждая композиция на альбоме состоит из двух основных пластов - это музыкальный фон и маленький оркестр из постоянно меняющих друг друга и солирующих инструментов. Музыканты создают прекрасную полифонию, заботясь не только о развитии музыкальной мысли, но и о её выразительности: здесь внезапно проявляется крещендо, в скором времени перетекающее в диминуэндо; легко уловимы переходы между форте и пиано, а также их различные вариации. Ведь одним из ключевых инструментов здесь является электро-пианино, а Энтони Бэнкс часто использует натуральное фортепианное звучание.
Вся музыка «Trespass» подобна здоровому сну, увидев который, вы просыпаетесь утром бодрыми и в хорошем настроении. В каждой песни немало запоминающихся моментов - они легко остаются в памяти главным образом не благодаря партиям постоянно активных инструментов, а благодаря различимой музыкальной платформе, на которой всё и выстраивается. Альбом, по-моему, характеризуется очень неплохим контрапунктом (фактически, параллельным ведением нескольких музыкальных голосов). Такой термин я применяю не зря, потому что Genesis - это действительно музыкальный ансамбль.
«Trespass» - второй альбом в дискографии группы, а в музыке ребят, на мой взгляд, уже чувствуются зрелость и как будто бы давно сформировавшийся музыкальный «стержень». Впрочем, это неудивительно, потому что уже на дебютной работе при всём её (незаслуженном, на мой субъективный взгляд) провале музыканты отметились умением сочинять хорошую (!) музыку.
Для меня альбом абсолютно не перегружен, но в каждом инструменте ощущается своя особенная творческая сила. А музыка и не пасмурна, и не слишком жизнерадостна, она тревожна, но с другой стороны как бы говорит нам, что все раскрытые здесь проблемы - часть нашего с вами бытия и не должны слишком обременять нас. В меру затаённая в самой себе, в меру обращённая к нам лицом, она внедряет лёгкость, но в такой же степени и глубокомысленность.
Выделяется, пожалуй, разве что «The Knife». Она звучит тяжелее своих предшественниц и частично подпадает под основы классического хард-рока (мне почему-то сразу же вспомнились Rainbow).
Вообще, слушая такую музыку, задумываешься над тем, как же всё-таки по большей части беден рок и метал, замешанный на обыкновенных риффах - такой простой музыкальной форме.
Итог: art rock - название говорит само за себя - полноценная и многосторонняя музыка во всех отношениях, которую невольно и укоризненно ставишь в пример всем тем, кто горазд состряпать перлы на нескольких аккордах. А что касается «Trespass», то я его оцениваю очень высоко, исключительно благодаря довольно выразительному и действительно красивому музыкальному материалу, представленному здесь. Строго рекомендую... Эх, ведь умели же когда-то люди писать настоящую музыку...
Спасибо...

niksailor  20 янв 2009

Вот это я понимаю, написать музыку, красота которой, вероятно никогда и не откроется в своём истинном облике. Загляните под мантию, за которой скрывается что-то привлекательное, ибо вы это чувствуете, но чётких очертаний никогда не увидите, потому что чрезвычайно тонкая грань отделяет доступное понимаю и вечно загадочное.
Не надейтесь, с первого прослушивания, и даже со второго и третьего постигнуть «Loudspeaker» не удастся. Маэстро Фридман одел свой изумруд в чешую, потому что хочет сказать слушателю нечто большее, более сокровенное, чем то, что выражает примитивный и до боли знакомый каждому третьему инструментальный метал. Приходится кидать этот изумруд с высокой-превысокой скалы, чтобы тот, падая, с силой ударялся о выступы и, постепенно, трескаясь, выпускал свою приправленную специями начинку наружу.
Свершилось - изумруд дал сок - необыкновенно рельефный, порой доходящий до абсурдной музыкальной пустоты, заправленный трудноуловимыми, но крайне питательными соло, иллюзорный, но чрезвычайно реалистичный, «Loudspeaker» действительно звучит так, как должна звучать музыка в XXI веке. Смотрим далее...
Многие сочинения здесь - это такие большие связки зигзагов, на которых никогда не знаешь, что ждёт тебя впереди. Мчишься на предельной скорости и веришь, что уже ни за что не попадёшь в эту тягучую трясину - ан нет, всё-таки заносит, приходится сбавлять скорость - а раз уж попал в болота, то изволь перейти с качевых драйвовых риффов на доходящих до фьюжина нестандартностей, но всё равно очень скоро выберешься на ровную дорогу и... опять начинается всё сначала.
Марти действительно разработал на альбоме очень несложную, но продуктивную и действующую безотказно формулу - в промежутках между простыми, но резкими и несущимися сломя голову аккомпанементами вставить настолько неправдоподобные механизмы солирования, что только даёшься диву - нет, правда, чертовски круто! А дальше снова шум ударных и это свободное падение или вечный двигатель, от которых получаешь свободу и чувствуешь себя вне времени. Ну просто класс и непристойный визг!
И так строится, по крайней мере, первая половина альбома. Свои восторги особенно связываю с композициями «Elixir» (именно она вводит в возведённые Фридманом музыкальные просторы, богатые сами знаете чего), «Street Demon» (ещё более вызывающая вещица, манящая чем-то, непередающимся словами), «Paradise Express» (символично солнечная и такая горячая композиция, погружающая в прекрасный и вязкий зной), ну и произведение с малопонятными японскими символами (возвращаемся к истокам - чувства радости, дурачества и безмятежной любви ко всему живому гармонично уживаются опять же с чем-то посторонним - ...мда, это что-то). Короче, треки 1-5 - это своеобразная музыкальная полисемия (знаете, что это такое?), где под первым значением выступают форменная летящая вдаль мелодика, а под остальными - что подскажет ваша собственная фантазия... В этом, собственно, вся гениальность Фридмана и состоит.
Далее под шестым номером идёт конёк, моя самая любимая композиция – «Glycerine Flesh». Ну, вот тут уж точно сталкиваешься с ограниченными возможностями естественного языка, чтоб хоть как-то описать её чудное содержимое. Знаете, она напоминает нашу с вами жизнь, в которой после преодоления очередной проблемы, после перешагивания через очередную житейскую суету, отделяющую нас от столь дорогой нам спокойной рутины, от нашей ниши, мы обретаем временный покой и входим в собственную струю, но ненадолго... однако, входим с чем-то новым внутри нас и поэтому всё равно радуемся жизни. Браво, Марти!
«Stigmata Addiction» представляется мне, с одной стороны, самым тяжёлым музыкальным номером, с другой - в своей тирании и неумолимости он несёт потрясающую чувственность, особенно когда Марти перегибает палку в хорошем смысле слова и доходит до крайностей в развитии соло, до музыкально-температурного максимума. Вдохновляет не по-детски! Второй по силе номер на альбоме после «Glycerine Flesh», собственно.
«Viper» - в духе Вая-Сатриани - живенько и «верхом на мчащейся лошадке» - очень мило.
Есть ещё «Coloreas Mi Vida» - продолжаем скакать - как-никак, а на нас поставили немалые ставки и подвести равноценно гибели... боже правый!
Ну и наконец, «Static Rain» и «Devil Take Tomorrow» предлагают на закате дня присесть на брёвнышко возле своей хижины где-то в прериях и, смотря вдаль, вспоминать чудесный день, полный приятных переживаний и новых открытий - как-никак, а позади - долгий маршрут, полный приключений и опасностей. Сыграны последние две композиции более отречённо, более душевно и с желанием отдалиться от мирской бессмыслицы.
Итог: поздравляю, господа, вы слушаете, или вам только предстоит послушать искусство инструментального метала... очень рекомендую, но ленивых предостерегаю - получите массу неприятных впечатлений, потому что здесь просто так сидеть и слушать нельзя... можно, например, сесть на стул и представить себя наездником, а можно станцевать.
Спасибо...

niksailor  17 янв 2009

Этот альбом я бы назвал классикой progressive metal'а... Вообще, если честно, после выпуска настолько монументальных и атмосферных работ, по-моему, самое время остановиться и либо полностью поменять свои музыкальные ориентиры, либо совсем уйти с музыкальной сцены, но уйти, оставаясь в глазах почитателей непревзойдёнными и верными себе мастерами.
Альбом «Metropolis Part 2: Scenes from a Memory» наиболее полно характеризует тот музыкальный феномен, который и носит несколько загадочное и броское название Dream Theater. Если на более ранних работах музыканты уже зарекомендовали себя как профессионалов, пишущих чрезвычайно сложную, но грамотную и легко усвояемую музыку, то на данном альбоме мы имеем счастье слушать Dream Theater во всех его ипостасях - и как талантливых композиторов, занимающихся предельно осложнённым, интеллектуальным и оставляющим «оркестровый» эффект музицированием, и как несколько авантюрных музыкантов, не страшащихся экспериментов и добивающихся фантастических результатов, наконец, как прекрасных умельцев делать концептуальные и по-настоящему «театральные» музыкальные полотна-«постановки». Именно такую склонность к написанию музыкального материала, раскрытие своего рода художественного вкуса участников коллектива нам и предстоит прочувствовать на данном альбоме.
А “второй” «Метрополис» действительно получился и отчасти новаторским (за счёт слишком плотной смеси самых разных стилей) и, безусловно, авангардным по понятиям жанра metal, в неменьшей степени выразительным, главным образом благодаря наличию драматичной музыке и вообще тем альбомом, который имеет все права установить каноны и традиции стиля progressive metal'а.
Опираясь на звучание и масштабы этого эталона (который, впрочем, является таковым, возможно, исключительно для меня) нетрудно определить, что скрывается за определённо хитроумным и неоднозначным термином progressive metal... Нет, сверхсложных академических гармоний и аранжировок, а также причудливых ритмов недостаточно для понимания сущности этого стиля. Нет, это даже не продолжительность композиций, зачастую выходящая за десятиминутный интервал. И даже не явно ощущаемая сложность музыки как таковая. Вероятно, progressive metal – это, в принципе, попытка в тяжелой форме преподнести на суд слушателя многообразные музыкальные проявления, будь то фольклор, фьюжн, поп, экстремальная музыка, электронная музыка, умиротворяющая музыка, данс и прочее, но больше в академическом и нередко неоклассическом и довольно эстетическом музыкальном ключе, разумеется, сохраняя все уже упомянутые мною выше свойства. Но это так, пожалуй, «лирическое» вступление к обзору диска.
Музыкальный сюжет альбома если не уникален, то, по крайней мере, оригинален. Музыканты умудряются оставить прочный след в слуховой памяти благодаря тому, что заканчивают свою работу в тех же тональностях - и даже не тональностях, а совершенно неизменных музыкальных темах, проскальзывающих в таких композициях, как «One Last Time» и «The Spirit Comes On» - любому слушателю станет ясно, что это всё те же «Regression» и «Overture 1928», достаточно удачные для повторного воспроизведения в заключении. Вернее, не совсем в заключении, потому что есть ещё «Finally Free», где на самом деле предостаточно новизны. В принципе, каждое музыкальное произведение представляет здесь особый интерес, претендуя на звание саундтрэка к какому-нибудь фантастическому фильму, а так называемый «прогрессив» реализуется не только в музыкальном письме, но и, если понимать под «прогрессивом» определённую переходность, изменчивость, контраст наконец, то нечто, что мы назовём «прогрессивом», связывает все двенадцать «сцен» воедино - ожесточённые, я бы выразился, «галлюцинационные», свирепые и почти что «фатальные» музыкальные исполнения в лице «Strange Deja Vu», «Fatal Tragedy» c её молниеносным и уничтожающим соло-оформлением, «Beyond this Life» с занятным построением, при котором агрессия, то свирепствующая, то, наоборот, покидающая «сцену», наконец переходит в облегчение на последней минуте; великолепно разбавляются медитативными и миролюбивыми мотивами «Through My Words» и «Through Her Eyes». Благодаря этому «развитию» (т.е. progressive, иными словами) музыканты подготавливают слушателя пережить новую трагедию, новые острые впечатления, а может быть и страшные, ужасные до мозга костей откровения.
Именно такие сцены, по крайней мере, предстают в композиции «Beyound this Life», в которой наш главный герой Николас собственными глазами видит ту злополучную ночь, когда не стало девушки Виктории, которой он был очарован в своём прошлом. Пожалуй, весь «Метрополис» можно расценить как переживания главного героя и готовность пройти через что угодно ради обретения истины. Честно говоря, очень непросто интерпретировать все эти тексты, имеющие некоторый психопатический, не совсем стандартный подтекст - скорее я бы назвал это различными психическими процессами главного героя и их отражениями на приёме у гипнотерапевта, но, разумеется, не все. Пожалуй, чтобы докопаться до сути, нужно всё это видеть собственными глазами на сцене театра. А корнями вся эта жуткая история уходит в композицию «Мetropolis, pt1...» на альбоме 1992 года. Не буду утруждать себя вспоминать, о чём там речь и ограничусь строками, написанными выше. Но в заключении всё-таки скажу, что наш герой Николас, ведя монологи с самим собой, пребывает в различных состояниях какого-то гипноза и его слова не следует понимать буквально, тем более что они полны абстракции.
После смерти Виктории, от которой аж кровь стынет в жилах и некоторого облегчения или, вернее, частичного просветления Николаса, наступает следующая кульминационная часть драмы - композиция «Home», где перед нами предстают сами The Mirracle и The Sleeper, видя и слыша которых, Николас понимает причину смерти девушки. «Home» - не только самая эмоциональная, но и самая необычная вещь на альбоме - исполненная в ближневосточной фольклорной музыке, местами переходящей в неоклассические гитарные соло-легато, с мелодичным и взрывным припевом троих персонажей, включая Николаса, оставляет очень сильное впечатление. «The Dance of Eternity» - это «вывернутая наизнанку» «Metropolis: The Miracle and the Sleeper» c альбома «Images and Words» - практически схожее музыкальные элементы из разорванных тактов и сумасшедших импровизаций - это самая «прогрессивная» в самом прямом понимании этого слова композиция на альбоме. Кстати, её особенностью является использование музыкальной формы рег-тайма в середине, очень распространённого в США в начале XX века, если я не ошибаюсь. Музыкальный кавардак здесь полностью оправдывает название – «Танец вечности» - бескомпромиссно, сверх всякого рационализма, исключительно на уровне духовных субстанций...
Я не буду комментировать последние три музыкальных номера, просто сказав, что развязка «скитаний» Николаса близится. Как я уже отметил в начале рецензии, здесь наблюдается повтор начальных тем, т.е. Николас возвращается к отправной точки своих «путешествий».
Из музыкантов я только выделю Джордана Рудесса, который проделал просто колоссальную работу. Как он только на альбоме не играл - это просто волшебство! Наряду с Андре Андерсоном из Royal Hunt и, наверное, Риком Уэйкманом Джордан Рудесс - сильнейший клавишник современности в тяжёлой музыке. Говорить о Джоне Петруччи и Майке Портном нет смысла - выдающиеся музыканты, определённо воспитанные в академическом духе, что, безусловно, резко их выделяет. Единственное, что осталось немножечко приглушённым на фоне всего «концерта» - голос ЛаБри, ставший здесь более альтернативно направленным. Впрочем, быть может, так оно и задумано. Всё достоинство вокалиста состоит в том, что он передал абсолютно все характеры, задействованные в постановке, причём совершенно отлично друг от друга.
Итог: назову эту работу уникальной - настоящий художественный progressive metal, резко выделяющийся на фоне различных подделок и совершенно безликих работ в этом направлении... альбом, на который нужно ориентироваться и пытаться достичь такого же уровня, бессмысленно пытаясь его преодолеть... классика, которую не испепелит время... а кто со мной не согласен, мне того очень жаль...
Спасибо...

niksailor  16 янв 2009

Первый раз я посмотрел этот DVD ещё летом прошлого года, вернувшись из Англии, где его и приобрёл. Я не послушал и середины концерта, как просто не выдержал и «сменил пластинку». К моменту написания сей рецензии этот концерт я смотрю, или, по крайней мере, пытаюсь смотреть раз третий или четвёртый.
Признаться, я никогда не имел «счастья» лицезреть Therion, поэтому представлял себе я группу несколько по-другому, и мои ожидания оказались ошибочными. Честно, даже не хочется вдаваться в объяснения, а выразить всё простым человеческим словом - пошло, товарищи!

Такого отвратительного «антисимфоничного» вокала, признаться, я не слышал давно. Всё равно, что провести кастинг на улице, отобрав людей, у которых есть от природы слух и не плохие связки, чтобы кричать, орать, визжать, но никак не петь. Я промолчу о женской половине, потому что столь нелицеприятные слова, которые готовы сорваться с моих уст, не только нелицеприятны, но и нецензурны, но мужской вокал просто убил наповал - где те великолепные мужские хоры, которые я слышал на аудио-записях, где те протяжные, мощные и чистые голоса, благодаря которым музыканты тебе импонирую? Что ж, уже само наличие такой извращённости, выворачивающей наизнанку всё потенциальное величие того, что в моём понимании является подлинным symphonic metal, принуждает меня поставить самую низкую оценку.
Мне не совсем понятно, где здесь вообще симфоничность, или любой визг и фальшь уже принято называть симфоническими атрибутами?
Далее, само выступление группы представляет собой бездушный, какой-то максималистки-ребяческий тряс, сквозь который различим только драйв - всё! Извините, но мне лично такой подход к делу не то чтобы противен, но скорее несерьёзен и примитивен - это больше похоже на злободневную эстраду, с той лишь разницей, что её просто облачили в металистическую «одёжку». Мне также непонятно, к чему эта псевдо-эротическая танцовщица и не менее гнусные эротические оголения вокалиста в самом конце? Не знаю как вам, а мне это видеть и странно, и смешно. Я лишь являюсь свидетелем какого-то полуциркового, полунеформального и непонятно ещё какого шоу, где вместо настоящей музыки сплошная пародия.
Да, когда-то я бы, наверно, не поверил своим глазам и ушам, услышав такое, но поверьте, то, что представлено на DVD, слишком по-детски, хотя музыканты как будто бы претендуют на почётное звание зрелых и мудрёных мастеров своего дела... ха!
Единственное, что хоть как то ублажило мой капризный и, наверно, слишком испорченный слух, это игра барабанщика Петера Карлсона - действительно профессионально и впечатляюще. Кристиан Ниман тоже хорош, придраться не к чему, да и сам Кристофер не остался в стороне, хотя ему и не положено уходить в тень.
Но всё оставляет впечатление настолько мрачное и убогое, что даже не хочется размышлять, что же ещё так испортило представление. Впрочем, если я начну писать всякую ахинею дальше, эту рецензию можно будет помещать в другую рубрику, а некоторыми она будет воспринята слишком остро и болезненно...
Итог: послушав однажды «Theli», я сразу прочувствовал всю вероломность музыкантов, однако на более поздних работах многое доведено просто до совершенства, которое берёт за живое. Посмотрев этот концерт группы, я раз и навсегда определил, кто для меня Therion - кучка безвкусных и пошлых музыкальных деятелей, слишком и даже чересчур громко заявивших о себе... Простите меня и не принимайте близко к сердцу...
Категорически не рекомендовано к просмотру людям, слушающим подобную (не как здесь, на концертнике, а как продиктовано жанром) музыку уже относительно давно, новичкам и только-только расширяющим свой музыкальный кругозор слушателям вполне подойдет, также понравится детям в возрасте от 12 до 17.
Спасибо...

niksailor  10 янв 2009

Слова Ula Gehret, цитируемые мною из буклета к этому альбому "as metal music gets older, it becomes even more difficult for bands to present something truly original. At this point, anything that can be done with a guitar, bass, drums and a singer has been done before, and in most cases, done better" заставляет слушателя насторожиться перед тем, как нажать кнопку "play".
Рубеж десятилетий, и в мире тяжёлого метала какие только просторы не исследованы. Встаёт дилемма: играть то, что привычно человеческому уху или решаться на эксперименты? Выбирая второе, музыкант, пожалуй, действительно ставит себя в ответственное положение перед слушателем; впадая в крайности при написании музыкального материала, наврядли можно сделать себе репутацию общепонятного и всеми любимого исполнителя, ограничившись самыми искушёнными и даже экстравагантными ценителями музыки. Но сделать прорыв в музыкальном мире, отдав дань уважения уже устоявшимся музыкальным тенденциям и сохранив по меньшей мере духовную связь со всеми почитаемыми грандами жанра дано не каждому. Получилось ли это у "атеистически"-направлеенной группы Atheist на дебютном альбоме (если не считать наименее ценные демо-записи)?
Technical death metal, с упором на первое определение этого направления... "Атеистическая" музыка, несколько "атеистические" тексты к отдельным песням, наполненные философским содержанием, "атеистический" гитарист Kelly Schaefer, который, будучи левшой, направлял гриф своей гитары вправо, то есть играл нестандартно (самый яркий пример - Тони Айомми из Black Sabbath), не менее "атеистичекое" построение музыкальных композиций... таковы впечатления от первого прослушивания альбома. Слушаем второй раз... Нельзя не признать, что музыка на "Piece of Time" отчасти бессюжетна, отчасти бессодержательна, слишком перегружена, бессвязна, не подлежит никакой строгой логике и слабо поддаётся собственноручной интерпретации.
Если не спешить с выводами, то можно допустить, что вся эта "сверхмузыкальная" предельно скоростная и ритмически беспорядочная смесь, имеющая какой-то техногенный и неестественный, а, может быть, слишком приторный запах, имеет полное право на существование. Почему? Потому что музыканты, воспроизводящие подобное, уж точно "не от мира сего", но в самом хорошем смысле.
Прежде всего впечатляет барабанщик Steve Flynn, который, подобно магу с его непостижимыми простому смертному колдовскими выходками, выдаёт настолько противоестесственные, контрастирующие с остальными инструментами, ритмические финты, что задаёшься вопросом - воспринимает ли сам музыкант адекватно все свои последовательности? Способен ли он в точности воспроизвести подобные структуры вживую? Или же это просто плод его воображения, который всякий новый раз будет обретать новую форму? Одним словом, что бы это ни было, своё грандиозное влияние на слух такая ритмическая неупорядоченность имеет и возводит барабанщика в ранг наиболее искусных мастеров своего дела, если ещё учесть и тот факт, на какой скорости удерживается этот "шум".
Басовая партия Roger'a Patterson'a в не меньшей степени выделена и делает из общей ритм-секции единый разветвлённый и утончённый механизм. При многократном прослушивании становится понятным, что именно ритмическая составляющая является у "Атеиста" и наиболее продуманной, и наиболее чёткой и наиболее вразумительной, если брать в расчёт человеческие чувства и их предрасположенность ко всякого рода ритмической головокружительной экстремальности.
Не знаю, но на мой слух, гитарная наслоенность получилась в меньшей степени удачной, и на это есть ряд весомых причин. В основном, объяснение состоит в том, что при столь стихийной мелодике (если музыкальная схема вообще подпадает под такой термин) добиться правильного шумообразующего, при этом размеренного соло эффекта на гитаре задача трудновыполнимая, потому что в большинстве случаев происходит смещение тональностей, гармоническая разорванность и прочее. Говоря простыми словами, все музыкальные партии всех инструментов становятся независимыми друг от друга и разобщёнными.
На "Piece of Time" примерно половина всех соло партий не вписываются в музыкальную составляющую, лишь в некоторых местах достигается идеальная взаимосвязь всех инструментов. Всё-таки слишком рискованно снабжать бесконечными хаотичными реактивными гитарными соло сложноструктурированную музыку. Не знаю, в какой степени правомерно называть такую музыку прогрессивом, но, по-моему, "атеисты" давно превзошли сам прогрессив и ушли куда далее, впрочем, я бы не сказал, что в лучшую сторону. Это скорее похоже на какой-то "переливающийся на солнце многочисленными оттенками цветной фон", ибо проследить единую мелодию невозможно, её просто нет. А что есть взамен? Местами виртуозный и удачный "джем", местами просто музыкальная "бездна". Лишь изредка музыканты вспоминают о классических трешеподобных, иногда, наверно, грайндкоровых возможностях, но используют их, надо сказать, скудно, предпочитая беспросветный хаос. Если постараться описать, как формируется музыкальная база композиции, то одна пятая здесь занята под стандартные ритмообразующие риффы, а остальная часть - неумолкаемые взрывные соло-сопровождения, непонятно, к чему относящиеся, ибо по большей части они самодостаточны, что, пожалуй, можно отнести к недостатку.
Вокалист Kelly Shaefer обладает интересной манерой петь, проглатывая слова, но честно, на меня это подействовало - есть в этом какая-то "острота" и "колкость" что ли, выражаясь более фигурально.
Итог: при всей своей вымученности, "атеистичности", нерациональности и, вероятно, высшей эстетической направлености, а может и не эстетической, а напротив, деградационной, истерической, альбом кажется продуктом весомым, утончённым, творческим и даже грациозным. Воображение по крайней мере рисует хотя и сложные, но стройные силуэты, а в душе остаётся чувство полноценности, как после какого-нибудь фантастического подвига, который, кроме тебя, мало кому удаётся совершить. Скорее интеллектуальный, нежели примитивный, приятно-брутальный, нежели подавляющий, с сущностью глубоко потаённой, нежели бесчеловечный и налицо грубый получился альбом. Он и не менее интересен для простого ознакомления, потому что как никак, а высокий уровень исполнения - являние непреходящее и заметное непременно.
Спасибо...

niksailor  27 дек 2008

Очень хороший альбом получился у ветеранов хард-рока. В меру приятно динамичный, в меру ненапряжённый, спокойный и размеренный. Но главное достоинство альбома - это лиричность. Deep Purple всегда обладали, обладают и будут обладать той согревающей душу музыкальной лиричностью, которой многие музыканты не отдают должного внимания, а зря. Сделать весьма простую мелодию наполненной лиризма - и слушатель сразу растворяется в приятных гармониях, забывая про техническую сторону музыкального материала. Но в отношении Deep Purple говорить о каком-либо уровне владения инструментами просто бессмысленно и нелепо – «Bananas» - это предельно зрелая, музыкально обогащённая работа, которая абсолютно не требует вдумчивости и детализированного описания. Профессионалы знают, как сделать так, чтобы воздействовать на человеческие чувства, по крайней мере, при прослушивании альбома у меня даже слеза навернулась на глаза, такой я получил кайф. Не имеет смысла даже выделять какую-либо песню, потому что они все направлены на то, чтобы доставить слушателю удовольствие. Кому-то нравятся композиции в быстром и даже скоростном темпе, кто-то находит частичку блаженства в протяжных балладах... а Deep Purple - это просто мелодически понятная и духовно насыщенная музыка, которую воспринимаешь не только на слух, но и сердцем...
Итог: в музыке не нужно искать, понимать и думать, предельно искренняя и просто красивая музыка всегда будет доступна сама и обязательно оставит приятные впечатления... рекомендую этот альбом всем!
Спасибо...

niksailor  18 дек 2008

Ладно, пришло время и мне оставить пару слов об альбоме...
Видимо, альбом вполне отвечает духу времени. 2008 (вернее, уже его конец) год, и ждать в тяжёлой музыке, если не прорыва и революции, то хотя бы чего-то выдающегося и художественного не приходится, увы. Быть может, «художественным» в наши дни считается по-быстрому «налабать» аккорды, быстренько состряпать скоростное «соляццо» и сыграть, главное, потяжелее - всё, ребята, трясите хайром и наслаждайтесь. Хотя хочется верить, что дела со вкусами обстоят гораздо лучше. Что такое «Death Magnetic»? Можно описать, рассматривая этот опус по-разному. Но так я предпочитаю описывать, когда альбом представляет собой хоть что-то, а здесь... трудно сказать. Первая половина песен на меня абсолютно никакого впечатления не произвела - а если так, то ничего кроме слова «занудство» для хоть какого-нибудь охарактеризования их мне в голову не приходит. Очень безвкусно, очень приземлённо, очень, позвольте выразиться, «недалёкого» формата. Впрочем, это звучать объективно не будет, у каждого своё восприятие. Но всё, что я услышал, очень ярко нарисовало такую картину: Metallic'у показывают по mtv, они выступают в промежутке между... эээ... Робби Уильямсом и ... каким-нибудь Ашером на какой-нибудь поганой церемонии вручения премии за достижения в музыке, а красивые попсообразные девочки-блондинки тупо трясутся, имитируя кайф и показывая «козу»... Ну ладно, стёб в сторону, а говоря серьёзно, первые полчаса прослушивания альбома мне очень хотелось поставить что-нибудь другое, в особенности «Master of Puppets». Но начиная с композиции «Cyanide» я вроде как начал проявлять интерес, поскольку именно с неё начинается что-то, что отдалённо напоминает первоклассный энергетический thrash.
После прослушивания альбома начинает постепенно вырисовываться такая картина: здесь музыканты попытались приблизиться к своей классике, используя псевдо-классные технические выкрутасы, как, например, Хаммет в своих соло - пустой технически-непростой «шум», заполняющий середину композиции - быть может, всё и продумано, выверено, но, извините, в «яблочко» маэстро так и не попал. Вокал Хэтфилда мне поначалу показался неплохим, но вскоре последовало разочарование - баллады человек петь просто не умеет! Что ещё сказать? Всё, больше слов нет, только огорчение... впрочем... поставлю что-нибудь заводное)
Итог: я не знаю, как это принято говорить – «коммерческий» альбом? Думаю, этот ярлык можно сюда навесить... Только с учётом удовлетворительной (!) второй половины альбома поставлю то, что вы видите внизу. И переслушивать не хочу! Слава богу, есть с чем сравнить, и рассматривать под лупой удачные музыкальные моменты на альбоме не буду!
Спасибо...

niksailor  14 дек 2008