Начну необычно – с личного. Хотя рецензенту и положено быть объективным, но ничего не попишешь, когда речь идет о такой неоднозначной группе, как Necro Stellar. Итак, личное – всегда хотелось, чтобы вся история этого коллектива, весь тот пафос, налет эзотерической зауми и многострочные матерные заверения в собственной гениальности на деле оказались бы хорошо продуманным стёбом, пародией на «темную сцену», тогда бы этот коллектив, как это ни парадоксально, можно было бы воспринимать более серьезно. Впрочем, хватит о личном.
Альбом «Расширяющаяся Вселенная», вышедший под самый занавес 2009 года, содержит материал, записанный на протяжении двадцати лет. Это, опять же, если верить членам группы – при прослушивании как-то не возникает ощущения временного разброса, все вещи звучат как единое целое, впрочем, вполне может быть, что старые композиции были переработаны под новый формат. В предварявших релиз интервью Юрий Звездный сотоварищи (забегая вперед, отмечу, что на сей раз голос его Поднебесной подруги звучит очень редко, поставляя в основном эротические стоны на фоне отрывка из радиоспектакля «Маленький принц», да и не факт, что это была она) заявляли, что этот альбом станет чуть ли не революционным – отказ от англоязычной лирики, закрытие такой все еще актуальной темы как «electro», и еще больший уход в готик-рок с элементами краут-рока. Революция в последнее время снова стала модной в определенных кругах – вот и Necro Stellar нашпиговывают «Расширяющуюся Вселенную» отрывками из патриотических фильмов («Как закалялась сталь», «Бессмертный гарнизон», «Мы из Крондштата»), посвящают песни молодежному восстанию в Греции в декабре 2008 года, и логично констатируют «П****ц эпохе капитала». Кстати, не только из-за этих строк на обложке есть предупреждение о ненормативной лексике – музыканты себя стараются не сдерживать, и рубят правду-матку (желающие могут поискать в Интернете интервью и просто заметки Звездного, чтобы убедится, что с помощью русского мата ему есть что сказать). В начале альбома мы услышим взбудораженный голос человека, который или переел галлюциногенных грибов, или употребил что-то более существенное, из-за чего его внутренняя Вселенная стала стремительно «расШиряться», и ему открылись все тайны мироздания. Все это ложится на прямолинейный электронный ритм, украшается довольно примитивной (это не упрек, в данном случае две-три ноты, извлеченные из синтезаторов, вполне ожидаемы и актуальны) мелодией, которую опутывают многочисленные слои электронных звуков, холодных и неуютных, выражающих ту самую Necro-эстетику. Отвечает за вокал сам Юрий Звездный – поет он по-прежнему голосом вокалиста «Технологии», если нужно донести свои мысли доступно и пафосно, а орет периодически совсем как покойный Егор Летов, с творчеством которого его роднят не только вокальные партии, но и запредельная психоделия в текстах, которую, действительно, можно передать только воплем и рычанием. Часто на первый план выходят жужжащие гитары, ритм замедляется и начинает ломаться, трансформируя безудержную музыку в тот самый обещанный готик-рок, тревожно звенят скрипки – надо признать, что со звуком группа проделала большую работу, отчего «Расширяющаяся Вселенная» звучит практически безупречно (особенно на фоне прочих представителей нашей «темной» сцены). Из общей массы выделяется финальный отрезок альбома, в частности, «Ставшее далью», являя миру очень глубокий и интересный эмбиент – пространственный, глубокий и темный, наполненный неуловимыми народными мотивами, выдающими его русское происхождение. Можно, так сказать, немного передохнуть на этой станции пересадки и расслабить мозги.
Что же касается самих текстов, то тут достаточно взглянуть на трек-лист, дабы понять, что ожидает вас во время прослушивания. Энергично выплескивая из себя слова, музыкант опутывает слушателя паутиной из потусторонних образов, в которой можно легко запутаться. Смесь эзотерики и шизофрении – примерно так можно описать этот словесную бомбардировку, причем невозможно отличить, где кончается одно и начинается другое. Впечатлительным подросткам нужно беречься, так как сознание может самостоятельно «отформатироваться», всем остальным поглощать в меру желаний и возможностей. Можно также просто отключиться и потанцевать – музыка к этому вполне располагает. Медленного кружения вальса никто не обещал, но дикие, экстатические пляски с костями в руках выйдут на славу. На славу группе Necro Stellar, разумеется. В одном из интервью коллектива, опять же, было сказано, что каждый новый релиз привносит в ряды их поклонников от восьми до десяти тысяч неофитов – нет ни малейшего повода думать, что «Расширяющаяся Вселенная» способна снизить эти показатели.

Maeror3  29 июн 2010

Певцы «мировой финансовой системы», в чем-то даже пророки (еще на «E$chaton», кажется, прослеживалась тема грядущего финансового, да и вообще глобального кризиса, и вот, пожалуйста, получите), дуэт Cyclotimia настолько активен, что финал 2009 года почти полностью посвящен их творчеству. Сначала один из участников группы отметился сольным альбомом под именем Sphere Rex, затем сообщество лейблов издало сразу два релиза, которые можно назвать «новыми» - диск «Styx» (о нем речь чуть позже), и коллекцию ранее неизданных композиций, записанных по разным поводам в промежуток с 2003 по 2007 год.
Прошедший год был сложным. Финансисты, менеджеры, в том числе и «топ», политики и аналитики периодически хватались за сердце, а самые слабые духом прыгали из окон, совсем как в годы Великой депрессии, или сводили счеты с жизнью другими способами. Понятное дело, что после таких переживаний нужен отдых – и слово «Lounge» не зря фигурирует в названиях некоторых треков с этого сборника. Cyclotimia раньше (да и сейчас тоже) очень часто величали индустриальным проектом, и долгое время дуэт нес это знамя, правда, не слишком активно им размахивая и предпочитая экспериментировать с более «массовыми» формами музыки. На «Timebank» удобно же расположилась музыка для того самого отдыха – легкие, иногда прямолинейные, а иногда приятно изломанные суховатые ритмы, фон из неуловимого эмбиента, пара незатейливых проигрышей, и много звуков аналогового оборудования, которые как-то сразу отсылают назад в прошлое, во времена Kraftwerk. Но, как известно, люди, связанные с финансами, даже на отдыхе предпочитают быть в курсе дел, – именно поэтому в большинстве композиций непрестанно звучат «сводки с полей», в которых ведущие передач в компании с аналитиками и экспертами обсуждают котировки, курсы и перспективы роста ценных бумаг. Где-то в глубине покачивающегося ритма мелькнет терменвокс («Venture»), а самая настоящая флейта подскажет забывчивым офисным работникам, что пора бежать на йогу и чистить чакры («Magiclerx»). Тем же, кто предпочитает более активный отдых, «Nocturne» предложит прокатиться на дорогих машинах (в треке слышен рев их моторов) под более упругий и плотный бит и трансовые «примочки». Балансировать на грани «звуковых обоев», «винтажной электроники» и «нью-эйджа» «Timebank»» будет довольно долго, не являя миру особо запоминающихся мелодий (они и не должны отвлекать на себя внимание), но постепенно настроение диска начнет все-таки меняться. Не совсем «неизданная ранее» вещь «Oil-for-Food» (она уже звучала на сборнике «Черный квадрат») проведет некую черту, за которой начнут сгущаться сумерки. Ритмы станут более тревожными и будоражащими, общий фон потемнеет, и будет состоять из концентрированного нервного напряжения, даже голоса дикторов станут суетливыми, порой даже паническими. Появится больше разных деталей, черными ангелами с неба спустятся хоралы («WSJ Theme»), отсылая к ранним альбомам группы, и будет трудно поверить, что и эти композиции, и те, с которых начинался альбом, были записаны в одно и то же время. Ну, а чтобы было не трудно поверить в то, что музыка Cyclotimia хороша еще и в «живом», импровизационном виде, под финал издатели подготовили сюрприз, разместив «Economic Meditation» - фрагмент одного из выступлений дуэта. Интересная вещь из долгих секвенций в традициях семидесятых, буйства несвязанных между собой электронных звуков и постоянно присутствующим женским голосом, конечно же, вещающим все о том же - сводках, цифрах и котировках акций.
Оценка релиза, безусловно, «Да». Может быть, он излишне прост, как это кажется на первый взгляд (если сравнивать с ранними дисками), но слушаешь его с интересом, да и концепция группы все еще способна вызывать уважение. Жертвы кризиса, которым посвящен этот альбом, могут спать спокойно.

Maeror3  29 июн 2010

Вот и настало время для нового, седьмого по счету полноформатного альбома Cyclotimia - альбома, который даже издающими лейблами заявлен как самый «мэйнстримный» в дискографии проекта. Поворот лицом к самым широким массам слушателей (наметившийся и на предыдущих дисках), несмотря на «опасения в опопсении» вышел очень удачным, – отмечу, что из последних релизов московского дуэта этот наиболее интересен. В «Styx», с его мрачной символикой, выраженной в названии, упор делается на использование ритмов. Собственно, процентов шестьдесят альбома уложены на одну и ту же повторяющуюся ритмическую конструкцию, которая иногда чуть замедляется, иногда чуть ускоряется, но, в принципе, остается стабильной от трека к треку. На фоне этих ломаных, жестких и «качающих» битов музыканты позволяют себе если не все, то очень многое, раз за разом выдавая все более удивительные и приятные для слуха сочетания. Конечно же, характерные приемы Cyclotimia представлены здесь в полной мере – голоса дикторов, передающие сводки с биржевых полей о курсах и процентах, мрачноватый фоновый эмбиент от синтетического оркестра, показывающий всю бесперспективность современного мироздания, и намеренное игнорирование ярких и запоминающихся мелодий. Вместо них есть сложная круговерть сэмплов и звуков, аналоговых и самых современных, упорно вызывающих ностальгию у тех, кто любит и ценит электронную музыку. На уровне подсознания, на фоне звона кассовых аппаратов и хитро переставленных местами слов, только и успеваешь отмечать про себя: «О, это что-то из KLF?» («Rich & Famous»), «Неужели это похоже на «Oxygene» Жарра?» («Discovery»). Если музыканты сознательно затеяли эту игру со слушателем, то они молодцы, получилось у них отменно, и мерзкое слово «плагиат» даже не ночевало среди восторгов по поводу проделанной работы – это не прямые заимствования, это, как говорится, по мотивам. Нынче, где танцы, там и гламур – и он не забыт авторами, которые добавляют в общую замысловатую круговерть щелчки фотоаппаратов папарацци, энергию клубной музыки во всей ее прикладной красе, и все еще модный среди менеджеров рекламных отделов пляжный chill-out («Landscape»), наполненный, правда, бесконечной грустью о чем-то уходящем. Надо всем этим сгущаются тучи и поднимается с земли пепел, готовый занести с головой и многочисленных экспертов, и беспечных менеджеров всех звеньев этой цепи – практически посередине альбома «Rendezvous» берет некоторую паузу, показывая пустой мир, перемолотый неожиданным апокалипсисом. Медленная и красивая вещь – опять же, без мелодий, но с эмоциональной аранжировкой «под оркестр», и с равномерно накатывающимися пульсациями ритма. Вещь, которая многим понравится, но не многих остановит в движении по этой самой реке Стикс, за которой притаилось забвение для одних, и, возможно, новая реальность для других. Пока же – танцы, финальный ремикс на «Rich & Famous» очень этому поспособствует…

Maeror3  29 июн 2010

Святые, воздев глаза, с интересом наблюдают не за явлением Христа и прочими чудесами, а за шариком из культовой игры «Pong», в честь которой альбом «Archon Orchestra» и был назван. Этот коллаж, помимо каких-то метафизических намеков, способен дать представление о смысле и звучании диска. Можно сказать, что музыка Archon Orchestra - это взгляд на классицизм глазами современного человека, которому близок как Бах, так и саундтреки из игр фирмы «Atari».
Собственно, от сравнения с Бахом автору этого альбома никак не уйти, да он влияния великого немца и не скрывает, напротив, всячески подчеркивает, используя быстрые секвенции-калейдоскопы, сыгранные на органе, который, в свою очередь, звучит не совсем привычно, заставляя «грешить» на программные средства и на аналоговое оборудование. В этом звучании, скорее всего, главный смысл проделанной работы и скрыт. Мотивы барокко, стремительные переливы звуков, женский голос открывают этот диск, сливаясь в музыку предельно спокойную и возвышенную, возносящую куда-то прямиком на небо. «Orpheus» при всем этом напоминает не только Иоганна Себастьяна, но американку Констанс Дэмби, которая добивалась очень похожего звучания на своем альбоме «Sacred Space Music», используя электронику и дульцимер. А вот «Golconda» - это «академизм» в чистом виде, без излишних сложностей и фонов, пять минут монументальности и размеренности. Идущая следом композиция «A Stone Among Stones» задумчива и уже более экспрессивна, способна и взбудоражить, и заразить светлой грустью. «Counterpoint», формально продолжая начатое дело, строится полностью на электронных звуках, напоминающих 8-битный саунд «приставочных» игр, базируясь на постоянно повторяющихся стремительных секвенциях, в которых слышаться отголоски экспериментальной музыки 90-х. После этого, достаточно безжизненного трека, следует эмоциональный пик альбома, композиция «Adagio (Mechanical)», вещь словно не отсюда – минорные клавиши, рождающие гармоничное и яркое произведение, зарисовки, перетекающие от одного ложного финала к другому. «Canto» отсылает к началу диска, снова проявляется женский вокализ, вступающий в диалоги со скрипкой, паузы между которыми заполняет ярко выраженная восточная тематика, характерная для «берлинской электроники», чей вклад в творчество «Archon Orchestra» также неоспорим. Это ностальгическое звучание присутствует и в «Fantasie (For Electronic Harp)», чья «синтетическая» арфа словно подчеркивает, что скоро на смену музыке «живой» придет череда холодных цифровых сигналов. Двадцать минут «Pong» - это размеренность, отстраненность и автоматизм, в котором слышаться мотивы ранних «Kraftwerk», музыка для разноцветных пикселей.
Этот альбом можно воспринимать как рассуждение о смысле музыки, о пути её эволюции, и кто-то (в зависимости от своих убеждений) скажет, что «Archon Orchestra» повествует о смерти (или ассимиляции) «классики» в эпоху бездушной «электроники», а кто-то на это возразит, сказав, что музыка остается музыкой в любом виде, меняются только времена, люди, их восприятие окружающей действительности и способы передачи информации и звуков. Если вы от таких рассуждений далеки – воспринимайте «Pong» как красивую, гармоничную, интересную, и, пожалуй, очень редкую работу, этакий «штучный товар», знакомство с которым будет весьма приятным.

Maeror3  29 июн 2010

Noluntas стал очередным воплощением идей белорусского музыканта Воиста Ангираса, который внес свой вклад в существование групп Mysteries of Blood and Soul и UDUMBAL, а широкую славу заслужил, создав проект Pragnavit, об альбоме «Svietacjam» которого не высказался (причем, как правило, в восторженных интонациях) только ленивый. На сей раз Воист сменил не только название, но и звучание, вооружившись аналоговыми синтезаторами, сэмплами из фильма Йоса Стеллинга «Летучий голландец» и совершил своеобразное путешествие к истокам электронной музыки, сумев, однако, по большей мере избежать затертых штампов и прямолинейного подражания «классикам». Пресс-релиз, конечно, не зря отсылает к Kraftwerk - должен же слушатель иметь перед глазами (ушами) ориентир, покупая диск. Вот только с роботизированной бригадой немецких экспериментаторов Noluntas роднит лишь использование подчеркнуто холодных и «неживых» звуков винтажного электронного оборудования, из которых выстраиваются минималистичные мелодии, положенные на пульсирующий ломаный ритм. По звучанию, конечно, на Kraftwerk похоже, но гораздо логичнее поставить Noluntas в один ряд с Tangerine Dream, с которыми можно проследить идейную близость и даже некую преемственность. Их роднит и тяга к Космосу (как микро, так и макро), и желание придать своим композициям оркестровую мощь и красоту (струнная секция, видимо, взятая из вышеупомянутого фильма, очень гармонично вписывается в электронные зарисовки «Concealed», наполненные плеском прибоя, голосами актеров, детским плачем, и положенные на плотный tribal бит). Даже растекающиеся в пространстве дребезжащие партии электронного органа в «AMOUR» неуловимо напоминают что-то из раннего периода творчества «мандариновых» музыкантов. Но именно напоминают, не являясь клоном – автор прекрасно знает, как менялась музыка со времен рассвета «берлинской» электроники, он и сам менялся, впитывая новые звуки и стили. Та же «AMOUR» стилистически близка все-таки к dark ambient, своими неторопливо циркулирующими звуками вырисовывая картину черного, безграничного и безжалостного к такой мелочи, как человек, космического пространства, а в «Noluntas Divina» на фоне сложного напористого ритма слышны отголоски martial-эстетики, более характерные для Pragnavit. В музыкальном таланте автора многие давно уже лично убедились, теперь пришло время оценить его немного с другой стороны, послушав самобытную музыку, для которой не важны понятия времени, места или стиля. Минимализм и внимательное отношение к деталям, холод вселенной и теплые всплески ностальгии, слияние идей и возможность заглянуть во внутренний мир человека, – ищите все это здесь.

Maeror3  25 июн 2010

Российское, и, более того, юбилейное переиздание (ровно десять лет минуло с того момента, как альбом «Ancient Tales» впервые увидел свет) одного из ранних релизов австрийской группы со сложно произносимым названием, успевшей под этим самым названием выпустить несколько успешных дисков и даже немного прославиться. Но это было чуть позже, когда Алекс Вейсер чуть сменил музыкальную ориентацию и пошел по стопам последователей Толкиена, воспевая всякие Сильмариллионы в компании со сладкоголосыми вокалистками. Здесь же все брутальнее и примитивнее – собственно, об этом заявляет надпись в буклете, лучше всего представленную музыку характеризующая так: «raw & primitive black metal ambient». Здесь рецензию можно было и начинать, и заканчивать, потому что все нижесказанное – лишь более детальная расшифровка этих слов. Никаких эльфов и назгулов, пока что Вейсер повествует утробным, мало разборчивым рыком о подвигах на поле боя, о славных походах северной дружины, о богах и о земле, покрытой кровью и снегом. Из исторических фильмов надерганы шумы сражения, крики ярости и агонии, треск щитов и лязг мечей. Оборудованием Алекс в то далекое время, видимо, был обделен, поэтому пафосные оркестровые мелодии и возвышенные хоралы (которые так удачно вписались в звучание его другого, на 100% фэнтезийного проекта Uruk-Hai) перекочевали оттуда же. Но шаги в сторону эмбиента и «сказочной музыки» он делает уже вполне уверенные (с оглядкой на Burzum), пусть у него под рукой только дешевый синтезатор, из которого атмосферные звуки и спецэффекты извлекаются, как правило, долгим нажатием двух-трех соседних клавиш. Впрочем, синтезаторы здесь не главенствуют – с них большинство композиций начинается, но потом в дело вступают наглухо проваленные примитивные гитарные риффы (чаще всего их звучание можно охарактеризовать как «шум»), монотонная акустика, размеренный бой боевых барабанов, под который хорошо маршировать, редкие бластбиты (запрограммированные и сведенные так, чтобы они гарантированно «разъезжались» с гитарами в разные стороны), и тот самый вокал, слушая который, представляешь себе огромного викинга, у которого в одной руке полупустая кружка с пивом, а во второй - окровавленный топор. Качество записи всячески говорит о том, что писался материал в домашних условиях самыми простыми и дешевыми способами. Микрофон от перегрузок кряхтит и трещит, «грязи» местами едва ли не больше, чем музыки – в данном случае Hrossharsgrani берет, что называется, «нахрапом», обрушивая первозданную, архаичную мощь, для выражения которой (по мнению большинства музыкантов, играющих raw black metal) хорошее качество звучания не только не важно, но еще и вредно. Тех поклонников, которые начинали знакомство с австрийской группой хотя бы с альбома «Schattenkrieger», «Ancient Tales» может от себя и оттолкнуть, а вот любителям «сырого» звучания и коллекционерам редких вещей известных коллективов, а также упертым «викингам», этот релиз может прийтись по душе. Второй диск, к тому же, содержит массу редкостей.

Maeror3  25 июн 2010

От одних только названий треков с альбома «Aura Imaginalis» польского музыканта Радослава Каминского (Ab Intra) веет затхлой, но по-прежнему будоражащей умы эзотерикой, восходящей к Кроули и прочим личностям с интересными идеями в голове и зияющими пробелами в биографии. «Аркана», «Поток», «Астральные крылья» - читаешь эти слова, и сразу понимаешь, что музыка будет наполнена загадочными атмосферами, отсылками к мистическим ритуалам, потусторонними звуками и голосами, и столь необходимыми в этом деле недомолвками, когда слушатель сам должен догадаться, о чем все-таки идет речь.
На самом деле, речь идет о том, что в лагерь эзотерического dark ambient`a Ab Intra плетется вслед за вторым (если не третьим) эшелоном чрезмерно расплодившихся музыкантов, преследующих те же цели, что некогда будоражили создателей Raison D`Etre, Inade, Lustmord и Endvra. Гнетущий «подземный» гул, будоражащие нервы и слух отголоски чего-то непонятного и пугающего, лязг кандалов, пульсирующие ударные и гулкие раскаты вдалеке, комья земли, падающие на крышку гроба, скрип покачивающихся ставень и тревожный крик ворон – попытайтесь сосчитать на пальцах, сколько раз вы все это слышали вместе и по отдельности, потом позовите всех родных и близких, и все равно, пальцев не хватит. Радослав, правда, в своем музыкальном развитии не отставал от модных тенденций, и четко уловил, что сейчас ко всему вышеперечисленному принято добавлять еще и элементы неоклассики. Нужно признать, что тревожные, трагичные мелодии струнной секции и повторяющиеся неторопливые лейтмотивы привносят в музыку Ab Intra такую необходимую эмоциональность – дух не захватывают, но внимание фиксируют легко, заражая в какой-то момент непроницаемой меланхолией и желанием упомянуть пару раз фразу «а что, очень неплохо». Так что любителям коллективов, упомянутых выше, можно обратить внимание на «Aura Imaginalis» - от Raison D`Etre здесь взята «готичность» и склонность к мистицизму (а также колокола, шуршание и скрежет железа, да давящая тяжесть соборных сводов), у Inade подхвачены космические мотивы, а дыханием черной стороны (а также азами по построению грамотного звука) поделился Lustmord. К явным минусам можно отнести разве что чрезмерную многочастность композиций – почти все они разбиты на несколько коротких отрывков, на которых не всегда успеваешь сосредоточиться, а целостность альбома рассыпается из-за этого на десятки кусочков. Во всем остальном – крепкая работа. Если бы на данном этапе у dark ambient`a просматривалось бы будущее или хотя бы какое-то развитие, можно было бы говорить о потенциале автора.

Maeror3  25 июн 2010

Terra Teratos – это псевдоним девушки, которая ответственна за создание музыки, записанной на «Meditations about Secret of My Dark Destiny part 2». Девушек среди авторов, истоки творчества которых так или иначе лежат в «черном металле», не так много, и они не всегда на виду – тем интереснее ознакомится с тем, что же сочинила и записала эта загадочная жительница Воронежа.
Когда начинает звучать «Evil, My Evil», трудно поначалу сдержать вздох разочарования, ибо с первых секунд в уши слушателя начинает вливаться типичный синтезаторный black ambient, с мрачными электронными подложками, сгенерированными голосами похоронного хора и пронзительной синтетикой атональных клавиш. Затем приходит ощущение, что все не так уж и плохо – сотни и даже тысячи групп уничтожили тонны алюминия, потратив их на печать дисков, содержащих монотонное нажимание двух-трех соседних клавиш «Корга» или «Роланда». Терра же подошла к творчеству гораздо более творчески и изобретательно. Уже «The Frail Insanity» способна одним махом смести зарождающееся недоверие к альбому – здесь все строится на маршево-похоронном ритме, вокруг которого не самыми благополучными, но, безусловно, сильными эмоциями взрываются пафосные и трагические раскаты оркестра, заставляя вспомнить не коллег по цеху, а скорее, образцы классической музыки. Слушая диск, вспоминаешь не Burzum с его тюремными «эмбиентами», а, как минимум, Вагнера. Вагнер, конечно, не программировал свою «Гибель Богов» на компьютере, выжимая из ПО максимум возможностей, но общее впечатление от доброй (вернее, злой) половины альбома именно такое. Подхватывая это особенное, трагически-возвышенное настроение, автор не начинает топтаться на одном месте, вплетает в идущие следом треки блуждающее эхо голосов, прямолинейные ритмы с позвякивающими тарелочками (отголоски привычного блэка и дума), колокольчики, органные партии, флейты («The Twilight»), а в «Archaic» затрагивает медиевальные темы, выраженные в размеренном спокойствии фолковых вкраплений и быстрых партиях клавесина. Да, порой сложно отгородится от «неживого» звука, который крадет у многих композиций так необходимый им размах и перекрывает дыхание возвышенным черным пассажам, но тут уж ничего не поделаешь – где же взять целый оркестр, готовый отыграть подобную музыку? За это автора сложно корить, но есть и то, что можно поставить ей в укор – часто в композициях не соблюдается баланс и гармония, одна партия резко перескакивает на другую, бывает, мелодии могут подолгу топтаться на одном месте, а потом резко обрываться, уступая место не очень логичному продолжению. Треки же с пометкой «live» звучат совсем по-другому и демонстрируют скорее минимализм, когда автор в реальном времени оперирует минимумом звуков (как правило, звенящих на разные голоса) уделяя повышенное внимание вибрациям и резонансам.
Не бесталанный материал – тема «неоклассики» раскрыта, есть здесь место и подлинному катарсису, и сложным переживаниям, есть на что обратить внимание, есть что поставить «на вид». Диск со своим настроением и характерным звучанием, которому многим коллегам по сцене не мешало бы поучиться.

Maeror3  23 июн 2010

Юбилейный, десятый релиз «Assault Crew» полностью состоит из эксклюзивных (записанных специально для этого сборника, что делает его весьма полезным приобретением, в отличие от всевозможных «зе бестов» и сваленного в одну кучу студийного брака из пыльных закромов) треков групп, подписанных этим лейблом. Начинается «Первый урожай» с нагнетающего напряжение и воющего зверем шума и мерной маршевой поступи от Карны, перерождающихся в ритмичный darkwave, не склонный к развитию, но вполне толковый. «Nova» от Deathtrap не нова – прямолинейный грязный чёс с хриплым криком (нечего и пытаться разобрать хотя бы слово) и дымящейся драм-машиной. На фоне этого (и многого другого) отсылающий к трэш-эстетике трек Секты может похвастаться довольно приличным звуком, которому присуща даже какая-то нехарактерная «легкость». Скриминг на месте, голос эффектно разбросан по каналам, текст разборчив, композиция выстроена сложно и гармонично – короче, все хорошо. А вот Soli Diaboli Gloria выдают совсем проваленный звук, утопленные в мутной жиже вопли вокалиста и неожиданно удачно прописанные ударные. Сплошной нигилизм и изнасилование догм и устоев на восемь минут, с финальным outro в виде могильного гитарного эмбиента. Klandestyn начинают с наслоений гитарного шума, который быстро переходит в исполнение заветов норвежских «классиков жанра» - злобная и холодная вещь, выстроенная на чередовании среднего и быстрого темпов. Все, казалось бы, на месте, но чего-то здесь явно не хватает, наверное, плотности звука. Погост играют размеренный неторопливый «северный» блэк, не слишком утруждая себя вокальными партиями. Вроде бы все просто, но способно не слабо зацепить. "Fear of Being Free" претендует на чемпионство по плотности звучания. Жирный звук, пулеметные очереди ударных, ультрабыстрые риффы и утрамбованный во все это голос – благодаря этому Pentsigh выдают в итоге одну из лучших вещей сборника. Как и автор Лихолесья, бредущий следом по темной лесной чаще, в которой колдуны варят свое грибное зелье и устраивают ритуалы для посвященных. Все, что мы привыкли слышать от Севера (дудки, окарина, народные мелодии, залихватский ритм и неутомимая перкуссия) и кое-что еще – например, варган. Кощуны колдуют недалеко от него, в покосившейся избушке, выкрикивая монотонные заклинания и рисуя на полу мелом пентаграммы. Музыка эти образы воплощает при помощи мерного стука в барабаны, смазанных промозгло-сырых риффов, и, по сути своей, служит лишь фоном для голоса, экстатически выкрикивающего о силе девяти слов. Не иначе как «квартирником» назвать трек от Meti Bhuvah не могу – кто-то в коридоре долбит по ведру и тарелкам, гитарист на кухне разводит болото гитарных звуков, а запертый в ванне вокалист что-то орет через закрытую дверь. Найти отличия с предыдущими творениями коллектива чрезвычайно сложно, и, если вам лично творчество этой карельской банды импонирует, слушайте «Without God», не ошибетесь. «SKD» от Stielas Storhett начинается грамотным оркестрово-эмбиентым вступлением, и, завладев вниманием слушателя в начале, музыканты сделали все, чтобы не отпускать его. Адреналиновый восьмиминутный забег на территорию упомянутых выше норвегов, частая смена скорости и упражнения с пластичным, гипнотизирующим гитарным саундом. Еще одна вещь, которую стоит отметить. А вот и самый неожиданный номер компиляции – датчане Sick Room 7. Поначалу они кажутся белой вороной и злостными нарушителями равновесия, со своими «легкими» гитарами и психоделическими синтами, чьи неторопливые «парящие» звуки пропитаны ностальгией по спейс-року. Но потом с ритмом «Vicky God Spooked» сживаешься, начинаешь покачивать ножкой и думать, что жизнь, в общем-то, бывает довольно позитивной. А еще жизнь – это история, эпос, пропитанный чувствами, среди которых есть место для злобы, печали, страха и гордости. Такие мысли приходят с Мором - той группой, из-за которой можно было бы приобретать диск смело, даже если бы все остальные композиции были бы полным отстоем (чего, к величайшему счастью, здесь не наблюдается). Термин «progressive black» лучше всего описывает «Сезоны дождей», но даже он не способен выразить восторг от того, что делают эти музыканты. Сложные, разнообразные гитарные соло, злобный вокал, четкий размеренный ритм заставляют прикоснуться к чему-то большому и важному. Самый достойный финал для сборника из всех возможных.
«The 1st Harvest» - это коллекция разнообразной музыки, к которой часто можно предъявить претензии, но которой не менее часто можно прощать все огрехи за те чувства, которые она способна пробудить. Ждем второго урожая и новых всходов на поле «Assault Crew».

Maeror3  18 июн 2010

Небольшая интерлюдия, не имеющая особенного отношения к последующим мыслеизлияниям – мне всегда импонировали музыканты и исполнители, любящие и ценящие свой родной язык и не прогибающиеся под «англоязычные» стандарты. Некто Antarctis (уже говорящий псевдоним, значит, где-то рядом притаились гимны холоду) родом из Гомеля, говорит и поет на белорусском языке, привнося в музыку столь редкую самобытность. Самобытность этой музыке не помешает по одной, но существенной причине – с первых же секунд дебютного альбома «Vietah» становится понятно, как велико влияние на белорусского одиночку одного недавно откинувшегося зека а.к.а. Burzum.
«Старая луна» (именно так переводится название проекта) выдает атмосферный блэк-метал, идя по следам норвежского волка, вот такая на первый взгляд банальная информация. И тут же требуются пояснения – атмосферность обеспечивается за счет «симфонических» и эмбиентных пассажей синтезаторов (тут, конечно, не будет лишним упомянуть влияние Кристиана Циглера из Vinterriket, который обозначил свое присутствие на этом релизе, поработав над его оформлением, но вот начало «Tliennie» «дудочками» напомнило ранние треки нашего Лихолесья), зацикленных и порой крайне продолжительных дисторшированных гитарных риффах, создающих «трансовый» эффект. Гитары все время находятся на первом плане, записаны качественно, а вот ритм довольно прост, ему упорно не хватает разнообразия, стандартные 4/4 с редкими и недолговечными бластбитами, которым по-настоящему дают разогнаться только в «U Prastoru Pa-za Inszym Bokam». Антарктис свои переживания доносит до слушателей не только инструментами, но и голосом, исторгая хриплый, яростный и отчаянный крик, за который его можно уважать (почти что все тексты разборчивы и понятны, что придает еще больше значимости белорусской лирике), но поначалу трудно принять, подача вокала довольно самобытна, и к нему нужно привыкнуть. Привыкать лучше на протяжении «Zorny Maroz U Dalinie Zimovaj Imgly» - сам трек можно считать разминкой, которая кажется лишенной целостности и довольно хаотична и непоследовательна. Слишком все скомкано, переходы между различными фрагментами, перепады меланхолии и ярости не всегда понятны и мотивированы. Другое дело «Tliennie», здесь уже все на своих местах, все предельно гармонично – от «клавишного» вступления до проявлений doom-metal в самом конце, между которыми холодным принизывающим ветром проносятся жужжащие, искореженные гитары и голос. Далее только «U Prastoru Pa-za Inszym Bokam» можно назвать полноценной песней, кстати, самой быстрой и агрессивной (опять же, местами) на альбоме. «Vietah Dy Samotnaja Zorka» - это три с лишним минуты одного и того же многократно повторенного риффа, а «Adczužanasć» стал неплохим, полностью сыгранным на клавишах эмбиентным эпилогом. Отдавая дань уважения норвежскому музыканту, его гомельский коллега записал (и записал очень хорошо, нужно потрудится, чтобы выдвинуть ему какие-либо обоснованные претензии по качеству, ну разве только ритм, как говорилось выше, мог бы быть разнообразнее) весьма запоминающийся альбом, после прослушивания которого название Vietah хочется отложить в памяти в особую ячейку с пометкой «ждать с интересом следующих релизов и верить, что они будут не хуже».

Maeror3  17 июн 2010

«Песни дождя», единственный на данный момент альбом Skogyr, выполнен в стилистике atmospheric black metal, хотя, если атмосферности здесь хоть отбавляй, то, как такового блэка, если брать во внимание характерное настроение, мрак и темную эстетику, сравнительно мало. Вместо канонической мизантропии – отрешенная меланхолия, выраженная безусловно красивой и эмоциональной музыкой.
Петь здесь будет только дождь – альбом полностью инструментальный. С самого начала автор окунет слушателя в безмятежную атмосферу леса, наполненного щебетом птиц и легким ветром, качающим ветви. Ветром, который спустя несколько секунд принесет дождевые тучи, из которых на лес обрушится дождь, не грозный ливень, смывающий все на своем пути, а прохладные живительные струи, сулящие скорее обновление и продолжение жизни. Неторопливую мелодию для акустической гитары в обрамлении синтезаторного фона с первыми раскатами грома сменят слегка монотонные (как и сам дождь), но разнообразные по своей структуре гитарные риффы, положенные на среднетемповый ритм (который, надо заметить, практически на протяжении всего альбома останется неизменным, лишь изредка, в самых эмоциональных местах, срываясь на скоростные бластбиты). Не надо ждать стандартного «жужжания» и прямолинейного грязного «чеса» - некто Farakh, единственный участник «Skogyr», композиторским талантом явно не обделен и умеет грамотно выстраивать композицию. В результате, хотя здесь никто никогда не услышит ни слова, структура всех четырех частей подразумевает и вступление, и условное деление на куплеты и припевы, и мощные вспышки крещендо, и финал. Стоит также отметить высокий технический уровень записи – ничто не провалено, баланс соблюден, и гитары, и ударные звучат четко и на своих местах (последние, надо отметить, явно имеют «живое» происхождение, а не рождены в недрах драм-машины, впрочем, могу и ошибаться, что, однако, тоже можно записать в плюс записи). Итог – захватывающий и эмоциональный диск, способный легко зацепить с первых же аккордов. Созерцательный, меланхоличный, иногда будоражащий преддверием чего-то грозного и мощного. Музыка первозданной природы, одним словом. Не раз и не два Skogyr сравнивали с Drudkh, я тоже этого сравнения избежать не смогу, да и делать этого не надо. Не самое худшее сравнение, стоит заметить. Однозначные рекомендации.
Что касается бонусного трека, кавера на один из саунтреков к игре «Silent Hill», то он, как и большинство бонусов, в целом необязателен, но место свое занимает не зря – звучит чуть похуже, еще дальше от канонов блэка (местами даже топчется на территории готического металла), но неплохо сыгран и достаточно интересен.

Maeror3  17 июн 2010

Акварельные рисунки, представленные в буклете «Aava Tuulen Maa», служат идеальными иллюстрациями для музыки дуэта Kauan, который этим альбомом, как мне кажется, завершил предыдущий период своего творчества и начал новый. Действительно, как и эти рисунки, музыка, собранная здесь, чиста, прозрачна, меланхолична, задумчива и тепла. Короче – красива. Красива, как может быть красива нетронутая природа, линия горизонта, зеленый лес, полный громкого пения птиц и даже капли теплого летнего дождя, в которых преломляется солнечный свет. Да, прослушивание «Aava Tuulen Maa» пробивает на лирику, но что уж тут поделать, что есть, то есть.
Помнится, словом «Kauan» назывался первый альбом гениальных финнов Tenhi - сравнения наших соотечественников с этим коллективом не избежал ни один рецензент, негоже и сейчас нарушать эту традицию. Замечу только, что до этого в музыке Антона Белова и Любови Мушниковой (впрочем, в первые годы существования состав был немного другой) просматривалась философская и лирическая концепции, позаимствованные у финского коллектива, музыка же была все-таки немного другой. Теперь же найти отличия очень трудно – даже русская лирика, имевшая место быть на предыдущих альбомах, исчезла, уступив место финскому языку, которым Белов владеет весьма хорошо. Размеренный, неторопливый ритм, не особенно изменчивый на протяжении всего диска, лихо закрученные неторопливые партии электрогитар, иногда приобретающие оттенки пост-рока, периодически рычащие «металлическими» риффами для придания чувства тревоги и эмоционального напряжения, а иногда и отсылающие к шугейзингу и дрим-попу, органично существуют на одной территории с виртуозными партиями пианино, проникновенными мелодиями скрипки, акустической гитарой, отвечающей за тот самый «фольк», и синтезаторами, регулярно выдающими что-то на грани прогрессив- и спейс-рока семидесятых. Органично соединяют все это вместе и не дают распасться на кусочки композиторский талант и чувство меры авторов. Они всматриваются в даль (собственно, «Kauan» примерно так с финского и переводится), мечтают и восхищаются окружающим их миром, полным ярких красок, и эти же краски смело добавляют в свои звуковые пейзажи. В конце концов, это их дело, почему они, русские люди, предпочли выражать свои мысли и эмоции на «чужом» языке, главное - результат, а он великолепен.

Maeror3  17 июн 2010

Несмотря на пронизывающий ветер, переходящий в ледяную метель (и дающий возможность услышать аморфные звуки синтезатора на своем фоне), с завывания которого альбом начинается, фотография Измайловского парка на обложке и атмосфера, запечатленная на «The Wind, the Trees and the Shadows of the Past», шум дождя и раскаты грозы говорят о предвестнице зимы, об осени. Листья еще не облетели, бывают еще и теплые дни, но в воздухе уже витает это странное настроение, когда на смену мыслям о будущем приходят воспоминания о прошлом.
Это настроение на дебютном альбоме московской группы The Morningside (всего три композиции с прологом и эпилогом, но зато они «совершают забеги» за пределы десяти минут и слушаются на всем своем протяжении с неослабевающим интересом) передано в полной мере. Doom metal с налетом death и тенями атмосферного блэка и виртуозными (но лишенными прогрессивной «сложности») гитарными риффами, в котором напористая тяжесть периодически перебивается длительными задумчивыми и меланхоличными пассажами, а хриплый скриминг в «The Wind» и «The Trees» сменяется «чистым» эмоциональным вокалом в «The Shadows of the Past» (отмечу для себя как лучшую вещь из представленных). По звучанию альбома можно сделать вывод, что записывали его долго, тщательно шлифуя каждый звук и исполнительскую технику, вырывая из композиций любые фрагменты, из-за которых нить повествования могла бы провиснуть, обрасти скукой или свернуть в неправильном направлении. Создавали этот материал, конечно же, под сильным влиянием Katatonia и, отчасти, Opeth, но местами пробивается нечто в духе Anathema, а упомянутые «тени блэка» вполне могли выйти из ранних работ Drudkh, впрочем, оттуда перекочевало, скорее, само настроение композиций. Музыка созерцателей и грустных романтиков, одним словом – для полного удовлетворения им явно не хватит этих сорока минут в компании с диском «The Wind, the Trees and the Shadows of the Past», который просто обречен на многократное прослушивание.

Maeror3  17 июн 2010

«Слава Богам! Слава Солнцу! Слава Руси!» - слова с обложки, выдающие основные темы и идеи альбома нижегородского one-man проекта Древо. Славу и величие русского народа автор (если верить обложке диска) призывает отстаивать в том числе и с помощью автомата Калашникова, который видится таким же ратным оружием, как щит и меч, показывает, что борьба не закончена и в наше время.
В музыкальном же плане «Величие» выглядит весьма достойно за счет того, что на вооружении у автора не только идеология (которая в плане созидания чего-либо бывает абсолютно беспомощной без творческой подписки), но и композиторский талант, выдающий или врожденный дар, или хорошую музыкальную школу. Заглавная вещь раскрывает суть своего названия во всей полноте – зовущие трубы, будоражащий колокольный звон, напряженный маршевый ритм, красивая, возвышенная и в меру пафосная струнная секция, переходящая в шум кровавой битвы и заканчивающаяся нестройным мужским хором, поющим о Матери-Руси. Славянский martial в чистом виде. Последующие несколько вещей продолжают все в том же духе, обрастая яркими народными мелодиями, сыгранными на свирелях и дудках (то есть, конечно же, синтезированных при помощи цифрового оборудования, но синтезированных без кривизны и «пластмассового» звучания), регулярно ускоряющимися барабанами, эмоциональными и красивыми «неоклассическими» пассажами. Не лишним будет сравнить первую часть альбома с Лихолесьем и, отчасти, с Темноярью, впрочем, здесь есть принципиальное различие в качестве музыки и ее звучания. Из «Белого имени» в «Ледяную Явь» перетекают взрывы и шум битвы, и вот здесь уже ощетинивается и бросается на слушателя black metal, быстрый и яростный, поставленный на рельсы бластбитов с монотонным лязгом медных тарелок. Гитарные партии весьма техничны, клавиши атмосферны. И так будет до седьмой композиции, которая станет перерывом на тишину, о чем нам и расскажет сам автор, декламируя свои стихи. Да, человеческий голос на диске тоже представлен, человек этот один, но голос свой все время преподносит по-разному, или копируя манеру былинного сказа (в духе советских фильмов вроде «Русь изначальная») в «эпических» композициях, или же разражаясь яростным скримингом в блэковых треках. Тексты по большей мере строятся на традиционной языческой философии, перемежаются авторской лирикой и более суровыми строками весьма «правой» направленности («Рассвет»). Дилогия «Зима» показывает двойственную природу «Величия» - первая часть темна и быстра, пожалуй, самая быстрая и злая здесь вещь, вторая делает акцент на вышеупомянутой неоклассике, мерном ритме и вокальных партиях, у меня лично вызывающих ассоциации с манерой исполнения вокалистов new wave/synthpop групп восьмидесятых годов. Достойный финал, на фоне которого перепевка Carpathian Forest кажется необязательной – на нее просто может не остаться эмоций.
Большая и интересная работа проделана музыкантом, вынужденным скрывать свое лицо на фотографиях, размещенных на официальном сайте проекта. Понятно, что в этом есть причины определенного идеологического характера, и альбом содержит слова и призывы, эту самую идеологию поддерживающие. Впрочем, музыка здесь все равно оказалась сильнее – ее и нужно слушать.

Maeror3  17 июн 2010

Двум музыкантам, организовавшим All the Cold, есть что рассказать о холоде – они живут в Мурманске. Свои впечатления о морозной стуже, о метелях и сковывающем все живое льде эти люди передают проверенными способами атмосферного блэк-метала, создавая монотонные гитарные риффы, нервные тремоло, программируя драм-машину на ровный ритм, используя синтезаторы, и исторгая из горла надрывный крик, в потоке которого невозможно разобрать ни слова, как будто все вокальные партии записаны через тряпку, на очень плохой микрофон, и затем еще подвергнуты различным обработкам. Не очень высокое качество записи можно объяснить еще и тем, что «Один год холода» - это не полноценный альбом, а собрание треков с первого демо группы, с нескольких сплитов, а также неизданный до этого материал. Отсюда и разброс в звучании. Две первые вещи построены на плотных гитарных партиях, рассыпающих колючую звуковую крошку, на том самом крике, и на монотонном ритме, поверх которого положены минорные клавиши, прописанные не в пример качественнее всего остального. В этих вещах обозначен один характерный прием группы – резкая смена повествования, когда течение композиции вдруг резко прерывается (или уходит в fade out), уступая место совершенно другой теме, никак с предыдущей не связанной. Так что не смотрите на длинный хронометраж некоторых треков, по сути, это несколько самостоятельных вещей, объединенных волею авторов. В «Coldly to Heart» есть попытка заигрывания с народными мотивами, а после нее наступает время блэку чуть-чуть подвинуться, уступая место протяжной монотонности синтезаторного эмбиента. Никуда не двигающиеся однородные звуки (подобного эффекта можно добиться, если нажать одну клавишу и приклеить ее скотчем, чтобы «не отпускало») образуют несколько слоев «New Day Without Me», которые, сливаясь вместе, вкупе с минималистичными мелодиями звучат в целом интересно, хотя и очень просты. Напоминает итальянский проект Winterblood, если он кому известен. Потом, правда, резко вступают гитары, барабаны и голос, без которого, право слово, было бы лучше всем. На «Message of Silent Space» прорывается акустическая гитара, в начале «Last Sun Before Polar Night» слышен почти что маршевый бой, но все равно, рано или поздно все это покроется толстым слоем тяжелого снега, который рассыпают гитары. «1941-1944. Kola North. War» может похвастаться интересно записанными ударными в самом начале, многочастная «Nurman» увы, не может похвастаться ничем, а «Kingdom of Snow» перекидывается снежками с творениями немецкого Vinterrriket, влияние которого здесь особенно ощутимо.
«Неровная» подборка, показывающая разные грани творчества мурманской группы, о потенциале которой говорить после прослушивания этого материала, конечно, можно, но лучше дождаться от них чего-то более нового и существенного, чем переиздания «лучшего из архива». Фанаты же подобного звучания вполне могут быть остаться довольными.

Maeror3  17 июн 2010

Вот уже несколько лет человек, скрывающийся под псевдонимом Север и единолично рулящий проектом Лихолесье, остается российским лидером стиля с условным названием «folk/pagan ambient», выдавая из года в год альбомы, ожидаемые множеством людей. Выпуская релизы на металлических лейблах и вращаясь в этой субкультуре, Лихолесье выгодно отличается от легиона «эмбиентных сайд-проектов культовых групп», создающих по большей части унылую жвачку путем нажатия двух-трех клавиш допотопных синтезаторов (хотя и среди них, чего уж скрывать, есть творцы, которых иногда пробивает на самое настоящее откровение). Формально имея к эмбиенту малое отношение (все-таки ритмика, перкуссия и народные мотивы никогда этот жанр не определяли), Север с успехом создает музыку задумчивую, эмоциональную и просто красивую. На предыдущем альбоме «Видения» слушателю предлагалось предаться грезам и окунуться в таинственный и сказочный мир, отчего музыка была спокойной, загадочной и тихой (но и, увы, довольно монотонной, прямолинейной). Но «Беспредельная Жажда Иного» демонстрирует мощный пороховой заряд, заставляющий пробудится от убаюкивающей неги и направить свои стопы на поиски чего-то неизведанного. Талант автора растет от альбома к альбому (уже, казалось бы, четвертый диск в дискографии, а от него все ждут чего-то нового и интересного, и, что характерно, дожидаются), растет его техническое мастерство, умение выстраивать и развивать композицию, а также расширяется коллекция инструментов – теперь нет «пластикового» звучания самого первого альбома, и даже «неживые» барабаны звучат так, что многим музыкантам остается только кусать локти, выть на луну и читать книжки по работе с музыкальным софтом. Различные дудочки и свирели, хитросплетение мелодий и мрачные атмосферные пассажи создают музыку зовущую и будоражащую. «Под Свинцовым Небом» задает альбому тон, показывает накопившиеся со времени последней встречи автора и слушателя перемены, передавая эстафету последующим громовым композициям. «В Безмолвии и Отчаянии» звучит точно так, как и называется. А лучший момент диска – «Вороны», с великолепной мелодией, неожиданной гармонью во второй половине, с общей атмосферой серого неба и пылающего горизонта. К сожалению, далее альбом немного провисает и начинает повторяться, путаясь в одинаковых мотивах и ритмах, но в конце он потрясает финальной частью, «К Новым Потерям... К Пустым Горизонтам...», которой не хватает совсем немного – жестких гитарных риффов, чтобы превратится в атмосферный блэк. Но и без гитар эта вещь звучит удивительно энергично, поражая своей холодной атмосферой, и, если Лихолесье продолжит параллельно развиваться еще и в этом направлении, думаю, что многие слушатели и поклонники будут рады. Яркий альбом, одним словом.

Maeror3  17 июн 2010

Концептуальный сплит от мурманских издателей «Assault Records», которые (и многие в этом с ними совершенно согласны) попросили представленные здесь коллективы высказаться на заданную тему, предоставив совершенно новый, эксклюзивный материал, подготовленный специально для этого релиза. Смерть приходит с Севера вместе с тремя разноплановыми, успевшими всё уже доказать и критикам и поклонникам проектами, каждый из которых убедительно показал, что в выбранном ими стиле важна не только идеология и «трушность», но и Музыка.
Сибиряк Север, владыка Лихолесья, дает слушателям то, чего они от него ждут – шаманский варган, акустические вставки, свирели и маршевый ритм, отягощенный мрачным и грозным напором оркестровых аранжировок. Так и видишь суровые северные дружины, идущие по покоренной земле, содрогающейся от их поступи. «Варвары» задают настрой сборника, своим размахом и эпичностью определяя, как будут звучать последующие вещи.
Мурманский Мор представляет эпос «Кольский Крест» из четырех частей. Стилистику коллектива в данном случае можно обозвать прогрессивным блэком, с учетом того, что самого блэка осталось совсем немного. Песни, спетые то гордым чистым вокалом, то тревожным шепотом, а то и криком, строятся на сложных, и, можно сказать, виртуозных гитарных партиях, в то время, как плотным риффам отведена во многом роль второго плана. Четыре главы, сливаясь воедино, постепенно разгоняются, наполняются агрессией, ускоряются и грохочут живые барабаны, оглушая и будоража быстрыми бластбитами в лишенном всякой надежды финале «Безрассвет». Все сыгранное и спетое так сильно захватывает, что на время совершенно не обращаешь внимания, кажется, что эта история пронеслась мимо за считанные минуты, коих решительно мало, чтобы получить полное удовольствие от этой музыки.
Stielas Storhett тоже техничны в своих гитарных изысках, правда, предпочитают партии не усложнять с каждым разом, а растягивать, закольцовывать свои протяжные, тревожные мелодии, притягивая внимание слушателя и гипнотизируя его, вгоняя в задумчивую грусть, истоки которой видны в раннем творчестве Burzum, например. Разборчивый текст песен, созерцательная монотонность, диалоги струн в самом начале «Sic Itur Ad Astra…» и скоростное, обездвиживающее «мочилово» в конце – чувствуются долгие репетиции, тщательная проработка материала и хорошая студийная работа, отчего оба трека радуют (хотя, вряд ли это слово применимо к творчеству Stielas Storhett) своим объемным звучанием и грамотным звуком. С любителями «сырого» и «грязного» блэка этим музыкантам явно не по пути.
Чем хороши названия композиций Лихолесья? Тем, что, прочитав их, сразу понимаешь, о чем пойдет речь. Написано «Безбрежная даль Льда и Холода» и вот, пожалуйста – холодный атмосферный dark ambient, перезвон сосулек, застывающий ритм и воющий ледяной ветер. Здесь правит смерть, и именно ее разносят по земле эти посланники Севера, чьи творения вошли на этот альбом, замораживая и оглушая людей своей пронзительной, яростной, но такой, в то же время, красивой музыкой. Высшие рекомендации.

Maeror3  17 июн 2010

Название этой карельской банды переводится с санскрита как «Земная Ось», и при прослушивании их первого альбома (а также после некоторого раздумья на тему, как связаны между собой Карелия, black metal и санскрит) слушатель может сделать вывод, что «ось» - это характеристика музыки. Она, музыка, у северного трио получилась прямолинейной, без поворотов в какую-либо сторону, твердо придерживающейся направления, заданного еще норвежским культом Ildjarn, на творчество которого, собственно, Meti Bhuvah и ориентируются. Это у них получается так хорошо, что представленные на диске два кавера на упомянутого исполнителя от оригинала отличаются минимально, да и предшествующий им материал традициям примитивного и сырого северного блэка (замешанного на панковских дрожжах) верен до конца. Одним словом, материал для людей, которые презирают в блэке всяческие изыски, заигрывания с сопредельными жанрами и прочие нововведения, способные запятнать чистоту жанра. Только быстрый, грязный, сырой (и сырой именно от слов «мокрый» и «промозглый», несущий в себе гиблые миазмы северных непроходимых болот) и яростный поток звуков, выстроенный из монотонных риффов, непроницаемых, как бетонная стена, из-за которой доносится хриплый бас, быстрый, приглушенный и, зачастую, смазанный ритм, отягощенный одуряющим лязгом медных тарелок. Лаконично, быстро, ясно – напоминает грубый рисунок углем на шершавом картоне. Почти что в каждом из этих коротких отрывков есть вокальные партии, вокалист исторгает хриплый и надсадный крик, разобрать в котором что-либо решительно невозможно (к счастью, для дешифраторов этих словоизвержений есть буклет, снабженный всеми текстами на русском и английском языках), поэтому приходится, ориентируясь на названия треков, выстраивать самостоятельно все эти истории в своем воображении, накладывая образы зимы, гнева, возмездия и грязи на музыку. Еще есть сильное ощущение, что альбом записывался чуть ли не за один присест, и ближе к концу чувствуется легкая усталость – «Punishment» в своем финале звучит помедленней, потише и совсем близко подобрался к панковским корням.
Поначалу кажется, что создавать подобное может каждый, отчего возникает вопрос о надобности этого творчества. Но, в определенный момент, уткнувшись лбом в хрипящие динамики и позволяя необузданной ярости пройти сквозь себя, начинаешь понимать, что Meti Bhuvah пишут музыку не для эстетических заморочек. А ближе к середине альбома начинаешь действительно осознавать, для чего же они ее пишут. Этого понимания всем и желаю.

Maeror3  17 июн 2010

Для гомельских музыкантов, собравшихся для записи второго альбома Diathra (первый диск коллектива был записан задолго до этого, совсем другим составом и звучал по-другому), время, кажется, замедлило свой ход или вовсе остановилось, оставив их в конце 90-х, времени расцвета атмосферного и коммерчески успешного (то есть, понятного широким массам) готического метала, смешанного с думом и с непременным «высоким» женским вокалом. Да, если предъявлять белорусскому коллективу претензии в самом начале рецензии, то в том, что они старомодны и следуют устоявшимся традициям, жертвуя своей индивидуальностью – впрочем, делают они это со всей душой и весьма профессионально, наслаждаясь, так сказать, процессом, и веря в то, что настоящая музыка должна звучать так, и никак иначе.
По сути и по содержанию это типичный «осенний» альбом с извечным посылом «грусть-тоска меня съедает» – унылое и поэтичное время года упомянуто чуть ли не в каждой песне, начинающийся авитаминоз приводит к грустным мыслям о разлуке и бренности всего сущего, а спокойные, меланхоличные баллады сменяются резким пронизывающим ветром скоростных «боевиков». Голос вокалистки Марины Воловик (мужской гроулинг тоже мелькает на заднем фоне, но скорее только как напоминание о неких канонах жанра, когда суровый рев непременно должен оттенять женское щебетание) звучит вполне в традициях эстрадно-джазовых училищ постсоветских просторов, в меру нежен и способен тронуть прочувствованной, светлой грустью. Правда, портят его две вещи – акцент (все эти грубоватые «зе» и «летз би» немного режут слух) и специфическое качество записи, отчего вокал местами кажется «плоским», иногда проваленным (куплет «My Universe» безнадежно испорчен) и приглушенным в тех местах, где как раз нужны размах и «рельефность». Очень хороши и почти что безупречны клавишные партии и разного рода синтезаторные эффекты (вступление «My Autumn Images», например), часто соседствующие (но на первый план не вылезающие) с прямолинейными гитарными запилами и стандартными продолжительными «соляками», не виртуозными, но весьма техничными. Все вместе в целом легко складывается в хороший, уверенный, выполненный на достойном уровне альбом с красивым, пропитанным светлой и не очень (впрочем, никто в этих историях вроде бы не умирает, и слава богу) меланхолией материалом, который приятно слушать. Здесь больше не нафталина, а ностальгии – той самой, которая, как известно, всегда в моде. В подтверждении этого хочется напомнить о том, что журнал «Metal Storm» номинировал «My Endless Sorrow» на звание «Лучшего gothic metal альбома 2008 года». Для современной метал-сцены, взойдя на которую, каждый второй новообразованный коллектив начинает играть нечто в подобном жанре, это что-то да значит.

Maeror3  16 июн 2010

Дебютный альбом гомельского музыканта Антарктиса, единственного участника Vietah, был, чего уж там скрывать, хорош. Попеняли его, конечно, за чрезмерное увлечение Burzum, но работы белорусского одиночки это никоим образом не обесценило. Слушатели сразу же перешли в режим ожидания второго альбома (который по различным причинам не спешил увидеть свет), надеясь, что и здесь автор не ударит в грязь лицом и выдаст материал, как минимум, не хуже.
Можно смело сказать после ознакомления с «Smalisty Zah», что хуже не стало, и гипотетического контакта лица с грязью не произошло. Но нельзя также упрекнуть Антарктиса в том, что все это время он потратил на поиски новых художественных форм, экспериментируя со звучанием. Нет, он выдал достойное продолжение «Zorny Maroz», созданное по тем же нерушимым принципам атмосферного блэка (нужно, наверное, добавить еще и слово «депрессивного», но рука не поднимается этого сделать, ибо как раз ничего особенно депрессивного в музыке Vietah автор этих строк для себя не отметил), при этом потрудившись над усовершенствованием звучания и борьбой с мелкими композиторскими огрехами. Теперь все композиции звучат ровно, не распадаясь на фрагменты, логично развиваются, насыщаясь неукротимой энергией и дикой, яростной красотой. Вместо скриминга теперь грозный и гордый рык, исторгающий гимны окружающей природе. Гитарные риффы прямолинейны (иногда, правда, грешат странным эффектом, делающим их звучание грубоватым, плоским, и как бы «неживым», это заметно в начале заглавного трека «Smalisty Zah»), могут вогнать в гипнотический ступор («Pavolny Paljot Pa-nad Ljasnym Kurganom»), но также способны заставить кровь быстрее бежать по венам, особенно в сочетании с быстрыми, ровными, изредка глуховатыми, ударными (впрочем, не всегда успевающими за гитарами, что есть огрехи сведения, хорошо различимые в только что упомянутой композиции). В «Zdzjajsniennie» основной темой служат бодрые фольклорные мотивы, да и вообще этот трек идеален для того, чтобы попрыгать на месте, борясь со сковывающим холодом предыдущих фрагментов альбома. Фоном часто выступают атмосферные клавиши, до поры до времени на первый план не выходящие (но успевающие насытить своим звучанием а-ля «Vinterriket» трек «Vosienskija Spadarozniki U Nocz»), ждущие своего часа, который наступает в «Paslja Paunocznaja Ciszynja» - красивой, печально-мечтательной и, можно даже сказать, импрессионистской работе, в основе которой лежит простая, но очаровательная (слово «очаровательная» употреблено без приторной сладости, непростительной для блэка, здесь, скорее, нужно вспомнить слово «чары») мелодия. Достойный финал достойного альбома, бонусом на котором идет кавер на Darkthrone, исполнение песни «Quintessence» за автором Викернеса. Нарочито-грязноватый «фирменный» звук и полное следование оригиналу – только белорусская речь дает понять, что эту вещь записали не суровые норвежские викинги.
Отличное продолжение истории Vietah (которая, надеюсь, только начинается) – давно уже гимны про суровую зиму, древние курганы и вспышки молнии, освещающие непроходимые лесные чащи, не звучали так живо и эмоционально.

Maeror3  15 июн 2010

Folkodia – проект очень большой и интернациональный, на данный момент под этим названием свои идеи воплощают в жизнь двенадцать музыкантов из 8 стран (причем не только европейских, есть люди и из США, и даже из Австралии). Перечислять из всех, равно как и коллективы, в которых они принимают участие – дело долгое, этот список способен заменить собой рецензию, ибо человеку, следящему за положением дел на folk/pagan сцене, сможет многое поведать о музыке, которая представлена на новом, третьем альбоме группы.
Впрочем, поведаю немного и я – если говорить о «Battlecry» коротко, то это качественный, очень бодрый folk viking metal, цельное произведение, вобравшее в себя одиннадцать историй-глав, повествующих, конечно же, о воинах Одина, о славных битвах и сражениях, о древних Богах, сказания о которых записаны рунами, об окровавленном лезвии меча, и о радости, что это кровь врага, а не твоя. Стиль этот довольно традиционный, особенным разнообразием никогда не отличался, и нельзя сказать, что многочисленные участники коллектива сделали что-то относительное новое или необычное на фоне всего того, что уже было сказано и спето – другое дело, что они сделали это хорошо. В наличии - быстрый ритм (иногда, правда, обгоняющий музыку), техничные гитарные соло и риффы, чистый мужской вокал (в меньшинстве) и гроулинг (ему отдается предпочтение), редко появляющийся женский голос (вступающий в странный диссонанс с музыкой в «Blood-Red Axes», отчего в дальнейшем его появление совсем не ждешь), плюс обилие «народных» инструментов и разной экзотики – здесь есть многочисленные свирели, дудки, флейты, варган («Eagle’s Blood»), волынка и харди-гарди («Battlecry»). Из этого набора да с таким составом, честно говоря, можно было «выжать» чуть больше. Большинство же композиций альбома созданы на один лад, сочетая в себе неутомимый натиск гитар и прямолинейное «молотилово» барабанов с разухабистым звучанием духовых – хорошо, конечно, но ближе к концу начинает казаться, что играет одна и та же песня. Для борьбы с этим музыканты подготовили несколько баллад с преобладанием акустики («The Oath of Runes», например) и «медиевальных» тем, которые с однообразием усердно борются, но в памяти после прослушивания не остаются, уступая все-таки место безудержной «мужской» энергии северных воинов, всегда готовых к битве. Образцово-показательный для жанра альбом, но, тут уж ничего не попишешь, один из многих.

Maeror3  15 июн 2010

Дискография проекта Senmuth, где за творчество отвечает всего один человек, перевалила за сто релизов – почти что все они доступны для свободного скачивания, автор проекта любит безвозмездно делиться своим творчеством с народом. Правда, очередной альбом, «Weird», стараниями Casus Belli Musica издан на «настоящем» диске с профессиональной полиграфией. Трудно сказать, почему был избран для издания именно он – может быть, потому, что (если верить пресс-релизу), работая над созданием данного материала, автор отошел от привычной для него темы «египетского мистицизма» и обратился к нордической эзотерике? В любом случае, релиз слушается не без интереса (хотя заочно, каюсь, в воздухе витало слово «графоманство»).
В общем, тема «нордической эзотерики» так и осталась не раскрытой, и о ней способны напомнить лишь руны, названия которых стали названиями треков. Звучание «Weird» - это мистериальная музыка древнего Востока (как ее понимают в наше время), в которой, конечно же, преобладают сложные ритмы и дурманящая витиеватая перкуссия. Все (или почти все) это создано на компьютере – но звучит очень живо и разнообразно, почти так, как и должно звучать «в оригинале», когда руки мастера, за движениями которых трудно уследить, выстукивают по поверхности барабанов, каждый раз рисуя новый ритмический рисунок. Еще один главный компонент – электрогитара (плюс различные примочки), ее задумчиво-загадочные партии достаточно мастерски сыграны и записаны (все-таки какой у человека опыт за плечами). Не то чтобы они вызывали бурю восторгов или как-то запоминались, но находятся, безусловно, на своих местах и вступают только тогда, когда этого требует логика композиции. Она, логика, кстати, довольно своеобразна, содержит специфические гармонии, но, если бы не некоторые странные и резкие обрывы повествования (послушайте, как стихийно и нелогично прерываются симпатичные клавиши в начале «Nauthiz»), нареканий и сомнений в том, что автор обладает композиторским талантом, не вызывает. Третий важный компонент музыки – электроника, довольно жесткая и мрачная, часто выходящая на первый план продолжительными трансовыми секвенциями и ворохом спецэффектов. Не менее активно автор использует пэды, имитирующие человеческий голос и хор, отчего музыка раскрашивается ритуальными оттенками, опять же, отсылающими к теме «египетского мистицизма». Да и достаточно послушать пару раз «Berkan» с ее восточной флейтой и бодрым ритмом (кандидат, кстати, на лучший трек альбома, идеальное сочетание ударных, электроники и «экзотики») или «Kano», чтобы понять, что руны и «северные традиции» здесь и не ночевали, а вот традиционный для релизов «Senmuth» колорит представлен во всей своей загадочной красе. Если кому нужны сравнения и аналогии, то можно вспомнить Карла Сандерса из Nile, который придерживается подобных идей в своем сольном творчестве. Финал диска, правда, немного сдает по накалу страстей и мелодике, кажется, что весь материал записывался «за один присест», и в конце музыкант-одиночка немного устал.
«Weird» - хорошая музыка, которую можно слушать не только в качестве фона. Опасения в графоманстве во многом оказались беспочвенными, а имя Senmuth взято на заметку. Осталось только выкроить пару-тройку лет из жизни, чтобы переслушать творческое наследие этого проекта.

Maeror3  15 июн 2010