Впервые альбом «Prophecies of the Dying» норвежских музыкантов «Enthral» увидел свет в 1997 году, а теперь, спустя 13 лет, пришла пора его переиздания, со старым, нетронутым оформлением, но с обязательным ныне ремастерингом и с эксклюзивным бонусным треком «Awaiting the Rise of the Forestgod», представляющим собой первую студийную запись группы. Честно говоря, начинать прослушивание лучше с данной композиции – этот по-норвежски холодный «ортодоксальный» блэковый трек, быстрый и зашумленный, с трагическим синтезаторным (довольно грязным) проигрышем, демонстрируя ранние шаги коллектива, прокладывает путь к его дальнейшему творчеству, наполненному не характерными для северного металла философскими образами (см. тексты и названия песен), и несущему как следы этой самой «ортодоксальности», так и налет «прогрессивности», столь актуальной сейчас. По своей сути весь «основной» материал «Prophecies of the Dying» - это скоростной и жесткий, бескомпромиссный блэк, в меру монотонный (тайминг треков этому способствует), со скачкообразным развитием композиций (раскатистые гитарные соло, скоростные тремоло и вязкий бас могут за долю секунды, и, кажется, без какой-либо логического оправдания, сменится акустическими вставками и минорными переборами струн, а затем снова вернутся «на круги своя»), с дэтовыми гитарами, образующими несколько слоев, хриплым «вороньим» криком вокалиста и ударными, которые постоянно вступают в диссонанс со всеми остальными элементами, то катастрофически запаздывая, то обгоняя их. Ударные, кстати, выглядят здесь совсем не обязательным элементом – они плоские и «глухие», их не всегда слышно; не понятно, то ли это такая задумка группы, то ли студийные проблемы. Музыканты еще на первом треке «Salig Er Den Som Lir» делают попытки (в данном случае не совсем удачные, но в дальнейшем ситуация налаживается) соединить все и сразу – и блэк, и дэт, и трэшевые элементы, в дальнейшем эту эклектику подпитывая индустриальными шумами, высоким женским сопрано («A Divine Tragedy», самая привлекательная и сбалансированная вещь на альбоме), и даже отголосками хард-рока. Эдакий fusion black – довольно интересный, подхватывающий «ледяное» звучание «северных легенд», и находящий силы зайти на смежные территории тяжелой музыки. Любителям небанального черного металла придется по вкусу.

Maeror3  20 авг 2010

Один из тех дисков, в комплекте с которым должна обязательно идти таблетка антидепрессанта – на всякий случай, ибо музыка «Namnlös Og Bortglömd» навевает не самые светлые чувства, усугубляя и без того подавленное состояние сознания. Нехарактерная для жанра (хотя вот с идентификацией жанра могут возникнуть некоторые трудности) обложка в этом особенно «помогает» - в конце концов, лесные чащи, покосившиеся кресты и таинственные в своей монохромности пейзажи нам, жителям мегаполисов, сняться только в снах, а эти серые, бесконечные железные ленты рельсов, заброшенные дома и напряженно гудящие провода – вот они, рядом с нами, мрачные, безжизненные и унылые. Есть отчего развиться депрессии. Впрочем, по этим самым рельсам лучше вернутся непосредственно к «Namnlös Og Bortglömd», трехтрековому EP от Svart, материал которого был изначально записан для сплита с какой-то блэковой группой, но не сложилось. Большая часть диска, композиции «Den Hemlöses Klagosång» и «Den Sista Droppen Utav Liv» - это depressive black metal с порезанными низкими частотами, причем свою депрессию он черпает, скорее, в эстетике doom metal, откуда перекочевывают довольно мелодичные, «обтекаемые» гитарные партии, прекрасные в своем одиночестве, проявляющиеся тогда, когда вокалист перестает обреченно выть и реветь на заднем плане, а приглушенные барабаны притормаживают до ритма похоронной процессии. Когда этого не происходит, музыка чуть разгоняется, уплотняется, подзаряжается энергией, гитары выдают монотонный и грязный звук, атакуя напористыми риффами. Вообще, монотонность – это характерная особенность Svart, подхватывая какую-нибудь тему, автор, известный под именем Draug, начинает использовать только ее одну, неторопливо сплетая вокруг слушателя паутину, благо, продолжительность композиций, превышающая семь-восемь минут, позволяет ему делать это почти беспрепятственно и неторопливо, полностью отдаваясь процессу. Последняя, она же заглавная вещь «Namnlös Og Bortglömd» превосходна и вполне достойна того, чтобы диск прослушивали только ради нее, хотя ни барабанов, ни вокала, ни гитар здесь нет, только пианино и однотонный синтезаторный фон. Минорная музыка, опускающая от темной грусти в бездну отчаяния и вновь вырывающаяся на свет, символ некоей борьбы, происходящей в душе музыканта, и просто красивая в своей беспросветности вещь, демонстрирующая коллегам по «тяжелому цеху», как нужно использовать клавишные инструменты. Каким бы коротким этот диск не казался поначалу, этих трех фрагментов, вырванных из сумрачного мира Svart, вполне хватает, чтобы по достоинству оценить потенциал проекта, его постепенную эволюцию, умение создавать не яркие, но впечатляющие по силе эмоционального воздействия композиции.

Maeror3  18 авг 2010

Свой второй альбом белорусские музыканты готовили долго и основательно, и это хорошо слышно. Учли они незначительные ошибки дебютника, улучшили и без того достаточно качественный звук, плодотворно поработали над записью, пригласили друзей-музыкантов – одним словом, успешно решили «проблему второго альбома», выдав в итоге практически образцовый релиз.
Большое место здесь отведено зарисовкам, дающим возможность прикоснуться к житию-бытию людей, связанных с землей, историей, песенной и устной традицией родного края. В этих коротких композициях сквозь буран бредут мужчины, распевая нестройным хором песни, в ночи тоскуют свирели, старушечий хор соседствует с атмосферными синтезаторами и происходит много чего еще, заполняя пространство альбома объемными звуковыми картинами. Что касается остального материала диска, то он несет в себе гораздо больше элементов death metal, чем его предшественник. Как правило, это очень быстрые песни, положенные на скоростной ритм, от напора которого перехватывает дыхание, и техничные, заряженные по максимуму энергией гитарные риффы; песни, исполненные чистым мужским голосом, для которого предусмотрено множество вариаций, вплоть до лихого многоголосья, разложенного по стереоканалам. Все это соседствует с «фольклорной» частью, присутствие которой заметно увеличилось по сравнению с дебютом – дудки, флейты и жалейки демонстрируют целую гамму эмоций, от тягостного раздумья и светлой грусти до разудалого веселья, которое музыканты лихо подхватывают в «Колазвороте», демонстрируя молодецкую удаль, которую не стыдно показать перед родными и почетно – перед врагами, на борьбу с которыми музыканты не замедлят призвать своих соратников. Успевая восславить род в «У Вякi Вякоў!» и лютых богов в «Дзева Смерцi», ближе к окончанию диска исполнители становятся более задумчивыми и сосредоточенными – их тянет на размышления о смысле бытия и прочих мировоззренческих вещах, которые так и просятся быть поданными в стихотворной форме и исполненными под аккомпанемент акустической гитары и разного рода эффектов, вроде шума дождя и шороха падающих листьев. Эти элементы dark folk`a («Жар-Крада-Агонь», «У Чысценькiм Полi…») вроде бы кажутся необязательными, но без них потом трудно представить «Пяруне» цельным произведением. Меланхолия сгинет в самом конце, когда в финальном треке кто-то начнет размеренно колотить в бубен, дабы разбудить медведя, пробуждению которого и посвящен праздник Камаедзiца. Этим музыканты как бы подчеркивают ритуальную суть своей музыки, пытаясь, наверное, донести, что же будет с врагами, когда медведь, наконец-то проснется. Ну и к тому же, это событие – символ прихода весны и обновления, знак того, что все идет своим путем.
Отличный альбом, превосходящий дебют. Слушая данное переиздание сейчас, понимаешь, что идеи и образы, вложенные в этот диск 2008 года, витают в воздухе, оседая, в том числе и на последних релизах таких «столпов», как Norturnal Mortum и Темнозорь. К одному источнику силы эти люди подключены, не иначе.

Maeror3  17 авг 2010

«Падение нравов» (состоявшееся не в полной мере, судя по тому, что наиболее «интересные» части тела девушки из буклетных фотографий все-таки стыдливо прикрыты всевозможными кибер-девайсами) - первый полноформатный релиз немецкого проекта Schallfaktor, слушая который, как-то автоматически определяешь его создателя в категорию музыкантов, для которых главное не музыка, а танец. Действительно, под «Sittenverfall» лучше всего танцевать – а еще лучше отрываться и колбаситься. Если просто слушать данный диск в спокойной обстановке, то могут выйти проблемы с идентификацией и восприятием музыки. Прежде всего, большая часть диска заточена именно под танцпол и чрезвычайно однообразна по своей сути. Всегда в наличии – прямолинейный монотонный «мясной» ритм, не сильно меняющийся от трека к треку и поблескивающий от обилия жирного баса, россыпи цифрового шума, жестковатые партии синтезаторов, необязательные «трансовые» эффекты и мрачновато-атмосферные бесформенные фоны, заполняющие пустоты между припевами и куплетами, а также периодически появляющиеся в роли вступлений. Голос вокалиста, мало того, что подвергнут дисторшену, так еще и пропущен через вокодер, что, соглашусь, дает необычный эффект, который, однако, довольно быстро приедается. Вот, наверное, и все – очень грамотно записано и сведено, но не вызывает какого-либо дикого меломанского восторга, даже без скидок на то, что в подобном ключе играют сотни более известных и «топовых» групп (можно вспомнить и Agonoize, и Suicide Commando), чьи релизы также не грешат особым разнообразием. Осталось, впрочем, упомянуть о малой части альбома – расположившись на второй половине диска, несколько треков вполне позволяют снять клеймо однообразности с «Sittenverfall». «Seelenfresser» замедляет темп и приобретает некую серьезность, «Infinity» пропитывается красивой и загадочной экзотикой в духе Enigma и поляков Oxyd, экспериментируя к тому же с ломанным и «парящим» в воздухе ритмом. «Aroused» близка к жесткому minimal techno, и здесь талант звукорежиссера выявлен в полной мере. А вот «Menschen» как-то неоправданно резко снижает градус, переходя на территорию довольно невыразительного future pop`a, являясь по сути простенькой и незамысловатой поделкой. Делая выбор в пользу «Sittenverfall», не забывайте о его прикладном значении – танцпол, танцпол и еще раз танцпол, вот где это будет вполне актуально в малых дозах. Еще хорошо под это втопить педаль газа и нестись по трассе, но это уже другая история и другая категория музыки.

Maeror3  10 авг 2010

Вторая часть трилогии шведского музыканта Граава заметно отличается от того, что он преподнес слушателям на первом диске из серии «Kapitel». Альбом «Besvartade Strofer», по прежнему пропитанный холодным духом северных окраин, теперь уделяет должное внимание рассказыванию различных историй, фоном для которых служат эффекты вроде лязга цепей, различных стонов и вскриков, и даже «готического» органа («Syner») – историй, одним словом, не очень позитивных. Граав, чувствуется, сделал выводы по итогам отзывов на первый альбом, и, оставив так всем понравившееся примитивно-депресивное звучание, занялся усовершенствованием и украшательством своих композиций, разбивая их на несколько частей-глав со своим особенным темпом и звучанием, а также ощутимо увеличил их хронометраж, дабы улучшить погружение слушателя в воссозданные им миры легенд и обрядов. Теперь большинство треков начинаются с заторможенных пост-роковых зарисовок, к которым добавлены всякие колокольчики и атмосферные синтезаторы. Безмятежность эта способна обмануть, но ненадолго, так как следом за ней все равно вступят прямолинейные гитарные риффы (менее грязные, но более приглушенные, чем на предыдущей работе музыканта), вместе с лязгающими тарелками и относительно медленным (местами чуть ли не думовым) перестуком драм-машины задающие общий ритм песни. Швед все также избегает скриминга и гроулинга, и все также предпочитает представлять себя гордым викингом, спрыгивающим с борта драккара на пустынную поверхность промерзшей земли. Его вокал здесь чист, пафосен и размерен, активно используется речитатив (что подчеркивает эпичность и сказочность материала) и всевозможные шепоты по углам, заставляющие воображение вырисовывать всяческих злобных персонажей из северных легенд и немного сожалеть, что не знаешь шведского языка и не можешь понять, о чем идет здесь речь. По итогам прослушивания и сравнения с тем, что было раньше (а было, надо заметить, тоже очень неплохо) – однозначно интересный и рекомендованный к прослушиванию диск со своим настроением и атмосферой, показывающий, к тому же, что автор не собирается останавливаться в своем музыкальном развитии.

Maeror3  10 авг 2010

Выкидыши болезненного сознания, украсившие буклет «Bottomfeeder Central», да и само название группы, вписанное на обложку тревожно-красными буквами, еще до прослушивания диска навевают подозрения, что эти одиннадцать песен слушатель просто так, без последствий, не переварит. На деле же знакомство с очередной работой датчан оказалось вполне «комфортабельным». Наигравшись в металлических коллективах у себя на родине, участники Sick Room 7 словно решили немного отдохнуть и записать ту музыку, которую хотели бы слушать сами, без оглядки на каноны существующих жанров. Их музыка не прогрессирует и не регрессирует, она просто отошла немного в сторону и существует сама по себе. Не без издевки над слушателем создатели альбома именуют свой стиль ambient doom/downtempo, и с первым определением вполне можно согласится, а вот второму лучше не доверять.
Первые три трека J.N. и C.N. (так зовут авторов) еще по привычке топчутся возле границ doom metal, словно боясь отойти на неизведанные территории, отчего песни звучат в едином каноне, или, говоря проще, несколько однообразно. Драм-машина выколачивает похоронный марш (ритм, кстати, на всем альбоме довольно скуп на сюрпризы, в рамках каждой песни его рисунок практически неизменен), басы обнажают выпуклые рельефы, параллельно существуют несколько слоев гитарного звука, от монотонного полязгивания до прозрачных акустических моментов. Вокалист неторопливо, грубо и явно спросонья о чем-то медленно вещает себе под нос. Правда, уже в «Four Walls and Heavy Air» внедряются готические клавиши, и звучание гитар на несколько минут становится более атмосферным, а в заглавной «Bottomfeeder Central» все партии ложатся на чуть ускоренный трип-хоповый ритм. На само же деле истинное «лицо» альбома открывается на «Your World Imploding» - все еще неторопливые ритмические конструкции начинают увеличиваться в пространстве за счет многократного эха, гитарные партии приобретают пост-роковую заторможенность, а лидер-гитара одиноко и продолжительно грустит на фоне ровных, безжизненных электронных эффектов, проносящихся мимо. Единственное, что со всей этой грустной красотой не вяжется, так это вокал, который принципиально не меняется, оставаясь, пусть и заспанным под стать этой музыке, но довольно агрессивным и несобранным. Продолжая преподносить сюрпризы, датчане используют в «Heartless Rule» отсылки к ретро эстетике, выдавая восьмидесятнический hard`n`heavy, ненадолго возвращаются к думу в «Arms Strapped to Wheels», отяжеляя его болезненными шумами, снова внедряют трип-хоп и суховатые риффы, а под конец выдают заряд бодрости под названием «7 Knots on the String of Life» (самый быстрый трек альбома) не без помощи психоделики, которая, видимо и заставляет их под конец альбома растекаться мыслью по древу, завершая всё пространственными эмбиентыми пассажами, в которых гораздо больше тишины и пустоты, нежели каких-либо звуков. Впечатления от этого диска Sick Room 7 остаются хорошие, в воздухе витает слово «необычно», а от каждого трека (даже при втором или третьем прослушивании альбома) продолжаешь ждать чего-нибудь неожиданного. И ведь дожидаешься. Необычный взгляд на привычные вещи пошел датчанам на пользу.

Maeror3  10 авг 2010

Очень лаконичный (всего восемь с половиной минут) миньон давно не существующей норвежской группы, выходивший в 1997 году на виниловой «семерке», а теперь доступный на CD. Мало – скажут некоторые, но давайте вспомним о том, что бриллианты тоже весьма малы, однако как их ценят. Так вот, то, что вы услышите здесь, тоже можно смело назвать бриллиантом. Черным, естественно.
Посмотришь-послушаешь поначалу – все вроде бы вполне традиционно, классический северный folk black metal. Драм-машина, не мудрствуя лукаво, выбивает непрерывный ритм, лязгают тарелки, жужжат, не нагружая лишней тяжестью, гитары, на первое место периодически выходит бас, мужской вокал делит пространство с женским. Из всего этого музыканты собирают в итоге цельный, весьма запоминающийся, и даже, не побоюсь этого слова, «хитовый» материал, не без оглядки на Isengard, не без влияния Bathory, но в своем самобытном стиле. Первая песня миньона, «From Haavardstun» представляет собой скорее балладу, положенную на рельсы неторопливого и не особенного тяжелого блэка. Вокал (характерный для тех авторов, кто населяет свои музыкальные миры ордами викингов и их суровыми богами) сперва кажется скучным, но ближе к припеву это пройдет, и вокалист еще выплеснет свои эмоции, в то время как над атмосферными гитарными тремоло будет витать почти что ангельский женский голос. Вторая композиция – более энергичная и боевитая «De Siste Tanker» с уже хорошо выделенными фольклорными мотивами, здесь в куплете солирует девушка (запись ее голоса далека от совершенства, отчего кажется, что у нее проблемы с попаданием в ноты), с распевными партиями которой вступает в диалог чистый и мощный мужской голос. Выкладываясь по полной в этих коротких вещах, музыканты находят изящные и не банальные (прямолинейный чёс их явно не интересовал) композиторские решения, обходят подводные камни не самой качественной записи, и вообще, проделанная ими работа заслуживает самых высоких похвал. Это, конечно, артефакт из серии «не повторяется такое никогда», подарок из прошлого, которое, как известно, всегда вызывает больше положительных эмоций, чем настоящее.

Maeror3   5 авг 2010

В активе у бельгийских музыкантов «IC 434» опыт работы с Дирком Иверсом (Dive, Sonar, Klinik), а за спиной ещё и маячит наследие легендарных соотечественников «Front 242», быть похожими на которых у участников этого дуэта, названного в честь туманности Лошадиная Голова, получается с каждым альбомом все лучше и лучше. Не факт, что это когда-нибудь поможет им вписать свое имя в историю, как это сделали «фронтовики». В конце концов, после них выросла целая поросль музыкантов, нещадно эксплуатировавших то, что придумали и развили «отцы-основатели», и постепенно переваривших принципы «Electro Body Music» в такие одиозные музыкальные формы, как dark electro, например.
Не оставляя в покое прошлое, «IC 434» не забывают оглядываться по сторонам и следить за тем, что творится на современной «индустриальной» сцене. Оттуда в их композиции перекочевывает клубная прямолинейность, агрессивный техно-угар и необязательные атмосферные клавиши, заполняющие паузы и пустоты – элементы, столь актуальные в наше «танцующее» время. Те композиции альбома «Bacteriate», которые «заражены» всем вышеперечисленным («Dysthymia», например), наверное, следует пропустить, но можно и вставить их в какой-нибудь микс на потеху публике – тут у музыкантов не то чтобы получилось плохо, но как-то безлико. Зато когда дело доходит до «старой школы», бельгийцы выступают удачно. Кто знает, может быть у населения Бельгии какой-то специальный «EBM-ген» в ДНК (иначе как объяснить такое количество людей, развивающих этот жанр в этой маленькой стране?), или во всем виноваты бактерии в местной воде, но, так или иначе, при прослушивании этого диска приступ ностальгии неизбежен с первых же минут, когда закончится вступление «Mankind Denied» и начнется настоящее «рубилово» – заглавная вещь «Bacteriate». Тут уже и голос Де Мейера вспомнится не раз (равно как и вокалист «Project Pitchfork», но в меньшей степени), и характерные сэмплы, и фирменные звуки, когда-то повлиявшие на рождение транс-музыки, и монотонный, прямолинейный ритм. Плюс выброс энергии, отточенные минималистичные аранжировки и «хитовый» потенциал. Стоит отметить, что «IC 434» не очень любят разгонять ритм, придерживаясь среднего темпа (что несколько портит альбом однообразностью), быстрых вещей здесь мало, и некоторым трекам («Insomniac», отсылка на сей раз к «Tyske Ludder») отчаянно не хватает скорости. Зато с эмоциями все в порядке – и тревожно-пафосные атмосферы «Release» заставят мурашки бегать по телу, и протест против корриды «La Corrida De Toros» всколыхнет тело и сознание (второй явный хит альбома, настоящий адреналиновый выброс). Одним словом, хорошо, что такие группы есть – они поддерживают определенный баланс в современном индустриальном мире, они пишут грамотную музыку, под которую можно и оживить воспоминания, и непроизвольно сжать руку в кулак, стиснув зубы в охватившей ярости ко всему тому, против чего они сражаются посредством своего творчества. Не лишний в коллекции альбом плюс крепкий мостик между музыкальными эпохами.

Maeror3   4 авг 2010

Переиздание первого альбома проекта «Lekamen Illusionen Kallet», ответственность за существование которого полностью лежит на музыканте, известном как Graav – представителе шведской тяжелой сцены, всегда способной преподнести интересные сюрпризы. Black metal с окраин северных земель (скупость и пустота которых прекрасно отражены в оформлении диска, и без того оригинальном в своей цветовой гамме, из которой практически изгнан привычный черный цвет), простой, монотонный и депрессивный. При этом самому автору, видимо, тесно находиться в узких стилевых рамках или хочется с молодецкой удалью объять все и сразу. Он с удовольствием вспоминает о панковских истоках «черного метала», активно используя вязкие и грязные басы, внедряет в свою неторопливую музыку элементы готики («Hate to the Human», неожиданная вещь с клавишами, позаимствованными из дешевого ужастика, зловещим шепотом и плотными гитарными риффами). Да и доносить свои впечатления о безжизненных просторах, хтонической мощи природных стихий, а также мировоззренческие мысли предпочитает не посредством скриминга (лишь изредка крича вороном) и гроулинга, а «чистым» голосом, при первых же звуках которого вспоминаешь суровые дружины викингов, оккупировавших альбомы последователей folk metal. Судя по звучанию, «Kapitel I: Må Ljuset Aldrig Nå Oss Mer» записывался где-нибудь в гараже или подвале при минимуме инструментария, состоящего из гитары, драм-машины, синтезатора и микрофона, но категорических претензий к качеству записи, как это не странно, не возникает. Есть и сырость, есть и грязь, пару раз возникают перегрузки, рассыпающие колючий треск, а барабаны звучат суховато, но, повторюсь, в целом все достаточно терпимо, многие музыканты начинали с гораздо более худшего звука. Если за что шведа и нужно укорить, так это за то, что все песни довольно короткие. Выбранная им монотонность вполне оправдана, если нужно передать слушателю необходимый настрой и помочь ему проникнуть в мир, созданный автором, но сделать это за четыре-пять минут очень сложно. А так – весьма интересный альбом, создающий «правильное» настроение и способный легко завоевать симпатии у любителей депрессивной северной музыки.

Maeror3   4 авг 2010

Не стареющий душой ветеран электро-индастриала Клаус Ларсен, после затяжного молчания, случившегося с ним в период с 2000 по 2005 годы, набрался сил и принялся усердно бомбардировать уши своих поклонников новыми релизами и разбухшими от бонусов переизданиями лучшего из его обширной дискографии. На сей раз на творчество его вдохновила леденящая душу история Дагмар Овербие, убившей в начале прошлого века в Дании по меньшей мере 25 детей с целью сделать из них настоящих ангелов. Углубляясь в тему, Ларсен активно подгоняет под свои стандарты хиты Depeche Mode, The Beloved, Front and Fantasy, перепевает знаменитую «Lili Marlene» на языке оригинала, открывает двери в мрачное французское кабаре с солирующей на сцене тоскливой гармошкой и делает еще много чего – благо расширенный до нескольких дисков формат альбома вполне способствует обильному самовыражению.
Начав с испуганного детского голоска, молящего о помощи, и заверений маньячки о том, что все будет хорошо, Клаус, как это у него заведено, неторопливо разгоняет монотонные прямолинейные ритмы, не очень быстрые (собственно, настоящих скоростных и танцевальных «боевиков» тут не очень много, из них «Dying to Live» заслуживает всяческих похвал), добавляя к ним атмосферные «готические» клавиши, оркестровки и ангельский хор, немного цифрового шума, немного «кинематографических» сэмплов, немного гитарных риффов и много тяжеленных басов, обильно украшая все это своим характерным вокалом, варьирующимся от вкрадчивого злого шепота и речитативов приказного порядка до истошных дисторшированных воплей. Его холодная и злобная электроника не поразит особенным разнообразием искушенного слушателя – ритм неизменчив на протяжении всего трека, аранжировки сведены к минимуму, лишь изредка привлекая внимание эмоциональными темами («We Are Dust», «When You`re Inside Me »), схема припев-куплет неизменна, как золотое сечение. Leaether Strip здесь часто заходит на территорию :Wumpscut:, может подойти к нему и, похлопав по плечу, сказать: «Ну что, брат Руди?», не погнушавшись скопировать коллегу («Anger»). При том, что половина композиций похожа друг на друга, как две капли воды, слушается «AengelMaker» легко и непринужденно – нужно отдать должное тому, кто грамотно раскидал композиции по двум дискам, отложив, к тому же, все самое лучшее напоследок. Начиная с «La Danse Macabre» Ларсен пребывает явно в ударе, под финиш второго диска выдавая более интересный и разнообразный материал. Кстати, версии «чужих» хитов Клаусу здесь особенно удались – он бережно сохраняет оригинальное настроение песни, ее ритм и основные темы и особенности, представляя их через призму своего творчества, но не посягая на глобальные перемены и не претендуя на новое видение.
Переваривая свои идеи, явленные миру не единожды под маркой Leaether Strip, Ларсен выдает характерную и легко идентифицируемую музыку. Может быть, чуть меньше льется ярости, чем раньше, может быть, заметна легкая усталость, вылившаяся в привлечение «стороннего» хитового материала, чуть больше алчности, заставившей искусственно растянуть «AengelMaker» на несколько дисков (в «родном» издании их вообще три) – но это все тот же Leaether Strip, который мы всё еще хотим слышать.

Maeror3   3 авг 2010

Progressive atmospheric sympho black metal – видимо, только при помощи нагромождения этих слов можно примерно описать то, что ждет слушателя на втором альбоме шведов Drapsnatt, о которых еще недавно мало кто слышал, а теперь говорят об их музыке, заимствовавшей, кажется, все лучшее, что есть на темной сцене, не без восторженного придыхания. Льет дождь, жужжат хорошо записанные монотонные гитары, молотят барабаны, истерично орет вокалист, захлебываясь злобой и отчаянием, а в это же время где-то за сценой сидит тапер, наигрывая на пианино нечто, очень напоминающее похоронный марш – и это только начало альбома, первые минуты «En Ensam Sol Gar Ner», композиции, которая, не без некоторой сумбурности, будет планомерно нарушать скоростной режим быстрыми бластбитами, замирать задумчивыми акустическими вставками на фоне падающих мелким бисером клавиш и атмосферного синтезаторного фона. Здесь скриминг сменится гроулингом, на смену которому придет высокий чистый голос. Показав в первые пять минут чего нам ждать от «Hymner Till Undergangen», шведы начнут развивать свои (и чужие) идеи и дальше, выдавая многослойные и многоуровневые композиции, все части которых будут идеально подогнаны друг к другу и отполированы качественной студийной работой. Музыка Drapsnatt напоминает по своему эффекту контрастный душ. Только-только трэшевые гитарные риффы неслись навстречу друг другу, сталкивались, смешивались и обрушивались непроницаемой стеной – а уже все замирает в предрассветной дымке, акустические гитары мечтательно звенят струнами, темным облаком опускается гул синтезатора, спокойствие которого тут же, без предупреждения, нарушает вопль и лязг тарелок. При этом нет ощущения, что музыканты никак не могут определиться, что и как они хотят играть. Совсем наоборот, слушая эти композиции, сразу понимаешь, что так все и должно быть в этом задумчиво-агрессивном мире музыкантов. Которые, перевалив за середину альбома, окончательно впадают в транс и уходят от реальности, попутно вываливая и маршевый ритм, и оркестровый пафос, и варяжский хор, и леденящий душу лязг гитар, и даже пост-роковые элементы («Somna In»), эти холодные, размытые гитарные медитации, сэмплы, уловившие чьи-то шаги по пустой студии, и морозные клавиши. «Ve Er» эталонно-красивая вещь, а идущий за ней эпос «Tonerna De Klinga» как бы дает понять, что в ближайшие минут десять (в которые входит и «En Besvuren Plats») группу будет интересовать исключительно «симфо-блэк», с раскатами оркестра, распевным «викинговым» вокалом и неизбывным пафосом. И только слушая монументальную композицию «Gasten», понимаешь, что в какой-то неуловимый момент альбом «развернулся» и начал движение к тому, с чего он начинался, оставляя наедине с шумом проливного дождя, рвущим горло криком и растворившимися в тишине и темноте эмоциями и чувствами, которые здесь просто фонтанируют, не давая отвлечься ни на минуту. Отличный диск.

Maeror3   3 авг 2010

Прежде всего, поражает размах новой работы «Арконы» - десятки приглашенных музыкантов и вокалистов, хор Гнесинки, многоголосье живых инструментов, размашистые, эпические песни. Да уж, по всему видно, что к работе над «Гой, Роде, Гой!» музыканты подошли со всей ответственностью. Результат – если не лучший альбом в своем роде, то, по крайней мере, яркий образец того, как в наше время можно и нужно записывать подобную музыку.
Не секрет, что творчество коллектива держится на харизме и таланте ее лидера, Маши «Scream», получившей это прозвище вполне заслужено. Здесь она дает своему голосу развернуться во всю ширь, выдавая (часто в рамках одной композиции) и яростный гроулинг, и скриминг, и «чистые», хорошо поставленные вокальные партии, в которых, когда этого требуют обстоятельства и замысел композиции, слышны и напевные, чисто «женские» мотивы (их воспринимаешь на уровне генетической памяти, осознавая, что наши предки пели именно так, провожая воинов на войну, устраивая буйные праздники, и обращаясь к богиням за помощью и защитой), и экстатические воззвания к русским Богам, непременно со вздернутыми в небо руками и закатившимися глазами. Что касается музыки, то в этом стремительно разливающемся потоке звуков особое место занимают народные инструменты – жалейки, сопелки, комуз, балалайка, бубен и многие другие. Их настолько много, что несущийся на полной скорости тяжелый гитарный чёс и дымящиеся от скоростной бомбардировки палочками барабаны часто отступают на второй план, давая возможность «фольклорному» материалу выйти вперед, но все время, даже незримо, присутствуют рядом, соблюдая четко выверенный баланс. Несколько слов о народном творчестве. Чувствуется, что участники «Арконы» живут тем, о чем поют, отчего из их музыки доносятся не «лапти и валенки» (чем, чего греха таить, грешат многие folk metal коллективы), а тот самый «русский дух», гордый и несгибаемый, запечатленный в неплохих, «аутентичных» текстах. Все обращения к богам, все эти боевые кличи, выкрики разухабистой гульбы и женские плачи в данном случае совершенно не кажутся данью моде, следуя которой, многие хотят закидать ворогов портянками, ничего за душой не имея.
Есть, впрочем, на альбоме и свои странности, на которые хотелось бы обратить внимание: например, аккордеон. Он однообразно звучит в первой половине диска (вторая более «ритуальная» и в ней уже, помимо суровой металлической «начинки», преобладают бубны и варган), кочуя из трека в трек, напоминая (особенно в «Тропою неведанной»), извиняюсь, «колхозный панк» в духе «Сектора Газа». Во всем остальном – практически безупречный диск, поднимающий «Аркону» на совершенно новые, невиданные ранее высоты. Эталон для «паганистов».

Maeror3  30 июл 2010

Последние лет пять были для польского проекта «Horologium» удачными: поток релизов не иссякал, выступления собирали приличное количество народу, а само это слово мелькало в статьях и обзорах с завидной регулярностью. Подобные обстоятельства требовали незамедлительного переиздания самых ранних работ музыканта, изданных на малотиражных «болванках», которые теперь могут спокойно рассыпаться той самой пылью, упомянутой в названии этого релиза – итак, впервые альбомы «A Handful Of Dust» и «Opium» на одном диске, плюс три «живых» трека.
Честно говоря, легко поверить, что подобная музыка могла в дальнейшем переродиться во что-то реально значимое и путное, чтобы это потом ринулись издавать самые известные индустриальные лейблы Европы, но сейчас эти треки, датируемые 2005 годом, вряд ли имеют какую-то еще ценность, кроме исторической. Повсюду разбросаны следы «Deutsch Nepal» – зацикленные механические ритмы, (доходящие до шаманизма в «живом» треке «The Chase»), короткие и постоянно повторяющиеся сэмплы, надерганные из кинохроник, вращающиеся механизмы станков, перемалывающие голоса диктаторов (надеюсь, всем понятно, чей голос звучит в композиции «Franco»), французский шансон и эротические вздохи. Также здесь широко раскиданы семена martial-эстетики – маршевый ритм, хлесткие удары, гнетущие атмосферные эффекты и расползающийся ядовитым газом, заполняющим пережившие не один налет вражеской авиации городские улицы, статичный «темный» гул. Композиции, тут надо признать, не лишены кинематографичности. Слушаешь начало «Opium» – и живо представляешь толпу беженцев, молчаливо бредущих по снегу. Слушаешь «Secrets Of The Continent» – и видишь Европу времен Первой Мировой, чей воздух звенит от пафосных призывов не сдаваться, голосов вернувшихся с фронта раненых бойцов и песенок, доносящихся из окон. Но все эти образы могут быть разрушены удручающей монотонностью – такое чувство, будто автор просто сваливает в один трек некое количество семплов и гоняет их по кругу, иногда меняя очередность. Это особенно заметно в «A Handful Of Dust». Материал «Opium`a» будет поразнообразней, в нем уже есть следы и нарождающейся неоклассики с необходимыми хоралами, и неплохие композиторские решения. Стоит отметить, что самое интересное на этом релизе – миниатюры, в количестве четырех штук плюс одна безымянная. Это такие короткие, опять же зацикленные фрагменты, сыгранные на органе и «украшенные» шорохом запиленных пластинок и радиопомех. Настоящие кусочки большого искусства, оторванные от творений Баха. Они задают настроение альбому, заражая меланхолией, тоской, и словно наносят на ладони слой пыли и пепла, оставшихся от большого мира вокруг. В целом «A Handful Of Dust And Ashes» весьма стандартный релиз, который можно послушать на досуге, особенно если музыка «Horologium» и его многочисленных коллег по индустриальной сцене, эксплуатирующих тему всеобщего упадка и заката Европы, для вас что-то значит.

Maeror3  29 июл 2010

Коллекция лучших композиций коллектива «Caprice», давным-давно установившего прочную связь между академической музыкой, утонченной поэзией и сказочными мирами, в которых обитают эльфы, гномы, и прочие волшебные существа. «Think Caprice» отражает путь коллектива от самых первых шагов, минует знаменитую «эльфийскую трилогию», выхватывая оттуда большую и лучшую часть, дает возможность услышать музыку, записанную для сказочных представлений, и подводит к последним работам группы, в которых уже отчетливо слышны неожиданные инновации. Для привлечения внимания слушателя открывает сборник весьма оригинальный ремикс на «The Dole Of The King's Daughter» - трип-хоповый ритм, басы, речитатив, атмосферные электронные эффекты и чуть ли ни скретч. И все это под Оскара Уальда. А вот «Enter Laoris» демонстрирует легко узнаваемую стилистику – песни на языке фей и яркие мелодии, которые если и можно с чем-то сравнить, то с солнечными зайчиками (они такие же легкие, подвижные и неуловимые). «Dundellion Wine», напротив, представляет «Caprice» с другой, многими еще не изведанной стороны, уклоняясь почти что в «альтернативу», с плотными и тяжелыми гитарами, вступающими в спор с воздушными скрипками, которые, похоже, одерживают победу. Тут уже не до эльфов, скорее, это музыка гномов, тех самых, которые представляются многим любителям ранних альбомов «Dvar». Этот трек, как и «Kywitt! Kywitt!», с неожиданной лирикой на немецком и уклоном куда-то в готику аля «Sopor Aeternus», представляют самый странный альбом группы, который так и назывался, «Kywitt! Kywitt!» (согласитесь, даже название напоминает «Dvar»). Между этими треками, равно как и за их пределами, Антон Брежестовский сотоварищи основной линии своего творчества верны, изредка перемежая порхающие песенки фейри с меланхоличными языческими балладами Туманного Альбиона и достижениями современной академической школы, на которые у Антона есть свой, особенный взгляд. Современное положение дел наглядно демонстрирует новая версия композиции «Of True Thomas and Faerie Queen», где журчание ручья, крики чаек и шум ветра в листве соседствуют с пощелкиваниями цифровых эффектов, и, казалось бы, при всей своей несовместимости, отлично слушаются вместе, не вызывая удивления или меломанского дискомфорта. Композиция на стихи Толкиена «Shadow Bride» звучит так, как и должна – с масштабом и пафосом музыканты разыгрывают целое театральное действо, в котором есть место и битому стеклу, и злобному смеху карликов. Идущая за ней и фактически замыкающая сборник баллада «To My Sister» на самом деле в свое время открыла творчество «Caprice» для многих слушателей. И сейчас, по прошествии лет, прослушивание ее превращается в ни с чем не сравнимое удовольствие и от соприкосновения с великолепной музыкой, и от встречи с замечательной поэзией (которую разве что самую малость портит акцент вокалистки, присутствовавший на тот момент).
Часто можно было услышать, что «номерные» альбомы «Caprice» способны вызывать скуку. Особенность этой компиляции как раз в том, что скука здесь и не ночевала – настолько грамотно, с умом, подобраны все композиции, позволяя по-новому взглянуть на творчество «капризных» музыкантов. Действительно, это – лучшее из того, что услышали, увидели и донесли до нас музыканты, побывавшие в волшебном мире.

Maeror3  29 июл 2010

У меня в руках переиздание первого альбома белорусской команды «Kamaedzitca», впервые увидевшего свет в 2004 году и уже тогда доказавшего, что у музыкантов есть внушительный потенциал и желание его реализовать. Версия, подготовленная лейблом «Lesoskog», от оригинала отличается только новым оформлением (впрочем, на обложке снова ревущий медведь, ведь именно пробуждению этого лесного царя и посвящен праздник Комоедица, да и для участников группы этот зверь стал своеобразным тотемом), и включает хорошо известные песни, смешивающие в своем звучании традиционный pagan с элементами death metal. Очень много «фольклорных» вставок и мелодий – дополненные атмосферными клавишными, задумчиво грустят («Шлях», почти что эмбиентное вступление альбома, постепенно раскрывающее все подготовленные авторами сюрпризы) и искренне радуются (праздничная «Вясна Iдзе!», полная какой-то светлой удали) духовые инструменты, характерные для белорусской народной культуры. Сами «Дети леса» начинаются с волчьего воя, а вокалист усердно ревет, стараясь быть похожим на медведя, причем от этого разборчивость слов отнюдь не страдает, так же, как и тогда, когда вокал становится (ближе ко второй половине диска, отмеченной границей в виде красивого и меланхоличного инструментала «Вышэй Зорак») «чистым», редко прорываясь эмоциональным и пафосным криком. Альбом, необходимо отметить, очень ровный и сбалансированный, все песни звучат в единой манере, отражая основы языческого мировоззрения – Богов, природу, битвы, призывы к освобождению родной земли (зарождающийся переход группы к NS-тематике отражен в «боевике» «Падымайся, Брат!!!»). Но в этом притаился и главный минус «лесных детей». Уже во «Усхваленне Вялесу» перекочевывают мотивы, слышанные чуть ранее, а «Пабраушы Мячы...» грешит совсем очевидными самоповторами, в частности, задействованы мужские партии, уже представленные в «Мой Продак – Мядзведзь», да и сама песня воспринимается как вторичная. Что касается композиций в целом, так сказать, то они состоят из нескольких чередующихся частей, зачастую разнящихся по настрою, когда на смену лязгающим гитарам и четко прописанному басу приходит неторопливая акустика, а скоростные продолжительные бластбиты неожиданно замирают, вязнут в клавишном мареве и пении свирелей и дудок. Но все эти переходы вполне обоснованы и логичны, это суть музыки, ее эмоциональная, не выразимая словами, составляющая. Выбивается только сглаживающий всю запредельную энергетику альбома кавер на песню группы «Gods Tower», длинный и довольно однообразный. Трудно перестроится на его прослушивание после отбушевавшей музыки «Kamaedzitca».
Этот альбом – по-настоящему уверенная, запоминающаяся музыка, отлично записанная и исполненная, пропитанная любовью к истории и традициям своей Родины. Релиз, легко выделяющийся из неимоверного количества ему подобных.

Maeror3  29 июл 2010

Переиздание виниловых релизов Troum - дело выгодное и практически беспроигрышное. Поклонников у немцев хватает, количество их прирастает год от года, и среди них велико число тех, кто обделен «вертушками» и считает ниже своего достоинства «сливать» музыку любимых исполнителей из интернета, к тому же непонятно кем и как оцифрованную с такого коварного и сложного носителя.
Произведения бременских музыкантов, изданные на пластинках и на компакт-дисках, существенно между собой разнится, и по качеству, и по звучанию, и по тому эффекту, который они способны оказать. Это можно объяснить по-разному, в том числе и так – создавая CD-альбом, можно не особенно заботиться о продолжительности материала, и здесь «Troum» предпочитают погружать слушателя в запредельное забытье неторопливыми звуками, многослойным гулом и медлительными, наполненными грустью и меланхолией пассажами. А вот в случае LP вопрос о времени стоит более остро, и тут немцы предпочитают брать нахрапом, не медленно выдавливая сознание человека за границы реальности, а прошибая эту невидимую стену механическими способами. И «Autopoiesis» и, особенно, «Nahtscato» это наглядно демонстрируют. В них, конечно же, есть все то, за что Troum можно любить (или ненавидеть) – развернутые вспять гитарные пассажи, безжалостно растянутые во времени и пространстве и переплетенные друг с другом; манипуляции с голосами; заторможенный и непроницаемо плотный гитарный гул. Но теперь все это, записанное и сведенное с хаотичной грязью и приправленное нарочитыми дефектами и шумами, положено на механические, индустриальные ритмы, вырванные из недр захлебывающихся грозными пульсациями драм-машин, а гитары действительно звучат как гитары, выдавая не только гулкие бесформенные объекты, но и жесткие психоделические риффы. Вращаются огромные механизмы, перемалывая потусторонние хоралы, лишь изредка прекращая свою монотонную работу и выбрасывая слушателя на бескрайние пустоши, наполненные забытыми отголосками и проплывающими в вышине аморфными гитарными «перевертышами». Сложный и незаурядный материал, но другого от Troum ждать не приходится. Ложка дегтя – много, излишне много самоповторов. Особенно показательны два бонусных трека, стандартных до такого состояния, что, кажется, будто слышал их до этого не один десяток раз, только под другими названиями. В целом этот диск все-таки претендует на украшение любой индустриальной коллекции.

Maeror3  28 июл 2010

Принципы такого одиозного стиля музыки, как dark electro, давным-давно прописаны первопроходцами, скрижали с заповедями розданы всем последователям, отчего при прослушивании очередного диска очередной многообещающей группы часто приходит мысль о том, что сам стиль давно уже держится на бесконтрольном клонировании одних и тех же идей, когда новичков уже сложно отличить от «классиков», что не делает чести ни тем, ни другим
Новый альбом ростовской команды «Sleetgrout», успевшей уже и выступить с именитыми коллективами на одной сцене, и поучаствовать на различных компиляциях, и наделать ремиксов на вещи коллег, прямо так и называется, «Principle of Dark Electro», коим уверенно, хотя и без излишнего «изюма» следует. Правильно назвать этот релиз сборником ремиксов – здесь представлены лишь несколько новых треков (один из которых, «Bog», и стал предметом для препарирования и трансформации), плюс версии композиций с предыдущего EP «Rotten Reverie», тоже не грешившего обилием оригинального материала. О Боге «Sleetgrout» вещают истошным вокалом, который после злого дисторшна влетает в уши слушателя мелкой гранитной крошкой, в то время как музыканты выдают прямолинейный (честно говоря, не самый выразительный и «качающий», но с этой проблемой некоторые авторы ремиксов, такие, как «Sin.Thetic Squad» и «Eden Synthetic Corps», благополучно справляются) ритм, на который положена основная музыкальная тема плюс различные эффекты, перекочевавшие сюда из trance music. Именно с этой темой коллеги «Sleetgrout» и работают, каждый в меру своих возможностей, оставляя звучание коллектива или почти что без изменений (подавляющее большинство музыкантов стремится уйти на танцпол, варьируя стилистику от жесткого хардкора до снимающего на время напряжение клубноориентированного синти-попа да реверансов в сторону полузабытых «U96» и «The KLF», расслышанных в версии от «Wavefall»), или же замуровывая ее в герметичный сосуд постапокалиптического индастриала (см. версию от «Sal Solaris»). Что касается других «новых» композиций, то «Another» служит продолжением «Бога», запоминаясь довольно впечатляющей музыкальной темой припева, а вот «The Bad Dreams Transmission», в которой смешиваются женский и мужской голоса, медлительна и не обязательна к прослушиванию. Если рассматривать «Principle of Dark Electro» в целом, то можно сделать вывод, что сами виновники торжества, будучи стабильно сильными авторами, на фоне своих друзей и соратников немного теряются, ибо последние, работая с предложенным материалом, в котором, в принципе, не очень много хитового потенциала, предпочитают развивать свои собственные идеи, что у некоторых получается хорошо – настолько хорошо, что диск можно рекомендовать к приобретению. Если, конечно, принципы dark electro для вас близки, и вы не приемлите перемен на этом фронте.

Maeror3  27 июл 2010

Прочитав названия композиций и бегло ознакомившись с текстами песен, кое-кто может сделать вывод, что третий альбом немецкого (а для синти-попа данная национальная принадлежность давно уже стала знаком качества, спасавшим зачастую и весьма заурядных музыкантов) коллектива «Minerve», названный «Please» - это «синти-поп для девочек», романтичный и печально-карамельный. Правда, между строк пару раз мелькает слово «fuck», да и открывающие диск танцевальные, ориентированные на клубную публику боевики «Hold Me» и «Every Day», (в которых в разы больше futurepop`a с характерными аранжировками в стиле «прогрессивного хауса и транса») первое впечатление вполне способны переменить. Ритм быстрый и прямолинейный, энергия бьет через край, вокал эмоционален, хотя к акценту вокалиста, как и раньше, надо привыкнуть. Проблема у этих треков одна - подвигав под них телом без малого десять минут, вы вряд ли сможете напеть их по памяти спустя некоторое время. «Down to the Ground» вроде бы и продолжает ритмические атаки на слушателя, но уже ощутимо тяжелеет, обрастая «аппетитными» и не банальными звуками, и словно подводит слушателей к тому, что дальше «Please» будет говорить не только с телом, но и с душой. Кстати, эта композиция может напомнить манеру исполнения американцев «Iris» времен «Disconnect», а вот идущая следом и претендующая на звания хита «Life is an Illusion» заимствует что-то из стилистики «Mesh», что ей, безусловно, идет на пользу. Затем следует хит «для девочек», который мальчикам послушать совершенно не стыдно - «You Don't Know Me», начинаясь с симпатичных клавишных, в меру грустен, лиричен, пропитан эмоциями, и вообще, звучит довольно оригинально за счет «живых» элементов аранжировки. «Don't Ask Me Why» снова приглашает танцевать, на сей раз напоминая «T.O.Y», и снова своим звучанием обозначает направление, по которому альбом будет двигаться дальше. Вниз по шкале времени, аккурат в конец восьмидесятых, с жесткими ритмами и минималистичными аранжировками («Phoenix»), чтобы потом сразу же перенестись лет на десять позднее, к финалу девяностых, во времена «De/Vision» и «Melotron» (кстати, продюсер последних приложил руку к «Please», так что любые аналогии будут не случайны). Обидно, но «Read in My Memories» не хватает сущей малости (немного не доработали, не дотянули вокальную часть и не до конца дали припеву раскрыть всю лирику и мощь трека), чтобы полюбить эту песню всем сердцем. Заглавная «Please» передает привет «новым романтикам», «Forbidden Love» салютует в знак уважения «De/Vision», как и финальный трек «Save Me», также выполненный по лекалам именитых коллег. Три ремикса на вещи с предыдущих альбомов от русских друзей «Minerve» звучат качественно, хотя и демонстрируют совсем иной уровень звука, все больше заражая слушателей ностальгией (особенно удачно это делают «Para Bellvm» со своей версией «My Universe»).
На фоне вышесказанного трудно признать этот альбом «Minerve» оригинальным - это работа по известным шаблонам, попытка использования всем известных стандартов, определяющих современное звучание синти-попа. На стороне немцев - отличный программинг, грамотное продюсирование и желание показать себя с лучшей стороны, этакими продолжателями традиций. Минус диска - отсутствие пробивных хитов. Там, где почти что у всех перечисленных выше коллег по цеху заводная мелодия и яркие, выразительные тексты выдают в итоге «бомбу», под которую состоится отрыв крыши и спустя много лет, у «Minerve» выходят хорошие песни, образующие в итоге ровный и стильный альбом, которые, однако, не так легко оседают в памяти, как хотелось бы. Впрочем, правы те люди, которые говорят о подобном явлении применительно к общему состоянию современной сцены, на которой немецкие музыканты занимают вполне достойное место, откуда они легко могут дотянуться до душ и тел многочисленных поклонников.

Maeror3  27 июл 2010

В последние годы Шесть мертвых болгар начали активный подъем из глубин русского андеграунда, регулярно выпуская новые релизы, отмечающие смену направления музыкальной деятельности коллектива от индустриально-шумовых экспериментов, запечатленных на малотиражных самодельных кассетах, к эклектичному смешиванию народных мотивов с электронной основой. Следом за успехом Moon Far Away музыканты обращаются к культуре и традициям родного Архангельского края, извлекая на свет бесконечно длинные и откровенно странные песни, в которых трудно разобрать, чего больше – сакрального смысла или одуряющей бессмыслицы, необходимой лишь для коротания времени за утомительной работой или вынужденным отдыхом долгими зимними вечерами. Впрочем, на одних только песнях музыка группы не строится, не они здесь главные. Упражнения с вокальными партиями, все эти наложения, задержки, эффект «ангельских хоралов» и чуть ли не сэмплы из Deep Forest в весьма обманчиво-спокойной «Колыбельной», деревенская самодеятельность и голосок Кати Зориной, щебечущей скороговорки, размеренное повествование Алексея Шептунова (от которого перепадает и стилистика «Голымбы», родственная нынешнему звучанию Moon Far Away) – лишь часть сложного набора звуков, над которыми нависает тень не только великой северной традиции, но и английского лейбла «Warp», в то время, как под этой тенью находится место даже для Петра Мамонова (он сам читает свое стихотворение в открывающем диск «Архангельске», еще несущем отпечатки шумового «болгарского» прошлого). Скорее всего, после прослушивания «Типов Архангельской губернии» в памяти осядет именно музыка – качественная «интеллектуальная» электроника (в массе своей проходящая под аббревиатурой IDM), бессистемно шуршащая, ломающаяся и попискивающая, совсем как у поздних Autechre, или же разгоняющаяся до боевитого «мясного» ритма, как у раннего Apheх Twin, по пути засасывающая в себя саксофон (добавляющий изрядную порцию психоделии и без того весьма «кислотному» «Очень Скорому Поезду»), варган, балалайку, живые ударные и разные трубки и свирели. Качественный уровень всего этого весьма высок, особых претензий звучание диска не вызывает, умело расставленные сюрпризы в виде изменчивых ритмов, резких, но обоснованных смен настроения и появления новых, колоритных эффектов и партий скучать не дают. Такую музыку хорошо «погонять» на мощных колонках, вывернув громкость на безопасный максимум. Передает ли все это «северную» красоту, демонстрирует ли те самые типы, которые многие хотели бы увидеть и услышать без виртуозных технических прикрас и наворотов – это вопрос спорный. От стандартов «фольклорной антологии» этот диск точно очень далек, а древняя песенная культура прочно интегрирована в современную музыку, такую, какой ее видят участники коллектива, становясь лишь кирпичиком, набором сэмплов, которым предстоит стать некоей абсолютно новой субстанцией. Сами носители этой культуры подобных экспериментов точно бы не поняли, так что связь времен распадается, принося нам, современным слушателям, лишь полузабытые отголоски, в которых слова и смыслы заглушены напором хитроумного цифрового оборудования.

Maeror3  27 июл 2010

После довольно долгого молчания Эрика Данэм представила публике свой второй полноформатный альбом «Moving On», который наглядно продемонстрировал во всей красе, что девушка, грубо говоря, созрела. Юношеский максимализм, заставлявший ее в самом начале творческого пути копировать Noisex и Converter, а после обильно обливать себя и окружающих бутафорской кровью, распевая про «Sick Fuck» в духе Suicide Commando, слава богу, прошел, явив миру артистку, способную делать небанальную музыку. Прежде всего, Эрика вспомнила о своей половой принадлежности – многие слушатели, прослушавшие ее дебютный диск «The Failure Epiphany», потом долго удивлялись, что это все спела (точнее, проорала в микрофон) довольно хрупкая девушка, настолько сильно ее голос был подвергнут обработке. Теперь же она, не растеряв своей любви к дисторшену, к вокальным партиям, равно как и ко всему остальному, подходит с большим вниманием, стремясь разнообразить звучание своего, не очень сильного, голоса, окружая слушателя хрипящим шепотом, «роботизированной» отстраненностью, страстными придыханиями, яростным криком и прочим разноголосьем. Вспомнила Эрика и о уроках игры на пианино, которые она получила в детстве – эмоциональные вирши ее теперь сопровождаются не удушающим цифровым шумом, а меланхоличными клавишными проигрышами, порождая, вместе с ломанными хитросплетениями ритмов, металлическими ударами и незатейливыми хоралами музыку затаенных женских обид, заряженную типичными девичьими эмоциями, но, при всем прочем, насыщенную «fuck`ами» и призывами к кому-то побыстрее и помучительнее сдохнуть («Visceral, Venom of My Being»). И при этом «Moving On» - исключительно атмосферный альбом, наполненный неторопливыми и грустными синтетическими звуками, медленно растекающимися по округе, которыми пропитаны даже сто процентные «танцевальные боевики», с которыми здесь дело тоже обстоит достаточно хорошо. Двигать телом можно и нужно под «I Can't Be the One» (под нее вообще противопоказано сидеть на месте, может быть, это один из лучших треков, сотворенных Эрикой на сегодняшний день) и «Hypocrite and Contradict», погрустить можно под жесткий синтипоп «Tear Down the Walls», а удивиться придется при прослушивании «The Mercy Seat», в которой Данэм выдает чуть ли ни рэп и сдвигается в сторону какой-то навороченной «альтернативы». В целом, диск очень равномерный, ближе к финалу он все так же затейлив и не навевает скуки, более того, с каждым новым треком словно еще немного набирает обороты – если первые композиции, «Journey to Descent» и «Moving On» еще могли вызвать недоумение не обоснованными перепадами ритма и настроения, то вторая половина альбома воспринимается на «ура» целиком, без лишних претензий. Одним словом, девушка со вторым альбомом справилась более чем успешно (хотя, может быть, это заслуга Клауса Ларсена из Leaether Strip, который участвовал в процессе создания «Moving On»?), показав совсем другую, более интересную и богатую на эмоции и переживания сторону своего творчества, нежели ту, которую мы могли слышать и лицезреть пять лет назад.

Maeror3  23 июл 2010

Black metal проект двух участников фольк-группы Громовник открывает путь в заснеженный и мрачный мир Зимы, которым правят древние боги смерти, а по занесенным полям и лесным чащам бродят духи умерших, с которыми общаются колдуны и шаманы. Слушая альбом, понимаешь, что эстетика «черного метала» используется здесь с весьма прикладными целями, может быть, чтобы привлечь больше слушателей, или просто добавить необходимой тяжести в ритуальную музыку, в которой больше внимания уделяется ритму шаманского бубна и перкуссии, завыванию метели и волчьему вою, свирели и прочим духовым инструментам, варгану и голосам, которые вещают о неукротимой природе и богах (разборчивый вокал, далекий от традиционного скриминга, и понятные тексты являются сильной стороной альбома). Много здесь атмосферного «эмбиентного» фона и клавишных партий, выдающих узнаваемые народные мотивы, по первости очень напоминающие Лихолесье («Ледяная Звезда»), но в дальнейшем становящиеся вполне самостоятельными и весьма выразительными, хотя, чем дальше, тем больше грешащие самоповторами. Ударные почти всегда выдвинуты на первый план, меняют ритм от среднетемпового до быстрого, надежно оттесняя на задний план гитары, звучащие очень «по-домашнему», не несущие особой энергетики и не занимающие много места, а зачастую даже кажущиеся лишними со своим разреженным дребезжанием на фоне вьюги. Чувствуется, что музыканты сильны именно в работе с «живыми» инструментами, с традиционными мелодиями, они умело подают свои авторские тексты, смешивая их с молитвами Морене и Чернобогу, от которых неподготовленному слушателю может стать не по себе – слушая их, понимаешь, что вот здесь-то задумка Навьи раскрывается в полную силу, демонстрируя что-то очень древнее и сакральное, находящееся по соседству с нами. После одного из таких заговоров («Воспевание») идет, пожалуй, самый запоминающийся номер альбома, грубо говоря, «хит» «Мара» - песня, сочетающая все вышеперечисленные приемы, не тяжелая, скорее, очень энергичная, и волны этой энергии не отпустят вас долгое время. Три же последние композиции неожиданно выстраиваются в NSBM-триптих, над которым витает горечь за отчизну, порабощенную врагами, коим надо дать последний бой, и пресловутая 282 статья. Этим особенно отличился «Северный Штурмовик», второй условный «хит», в котором вместо бубна и метели есть тяжелая поступь солдат, пулеметные очереди, разрывающиеся снаряды и призыв стоять до конца на фоне «зиг хайль», что кажется, честно говоря, не очень уместным, если принимать во внимание посыл и смысл всего, прозвучавшего ранее. Заставляет задуматься, когда же музыканты были искренними – когда воспевали родную землю, ее традиции и ее природу, или когда призывали сплотиться под выкрики тех, кто эту самую землю хотел покорить и уничтожить? Оставляя этот вопрос на совести авторов, остается отметить, что «Колокольцы мар», при всей своей угловатости (спишем на первый опыт музыкантов на новой территории) звучат довольно неплохо, заигрывая с блэком по каким-то личным мотивам, хотя, чует сердце, если бы этого заигрывания не было, получился бы просто отличный фольковый, атмосферный альбом, поднимающий интересные темы и умело их интерпретирующий.

Maeror3  22 июл 2010

Это сейчас канадский дуэт Nadja известен больше в металлических кругах, но слушатели, следящие за развитием группы и ее основателя, Эйдана Бейкера, помнят, что начинал он (и успешно сотворил себе огромную сольную дискографию, внося в нее посильную лепту и по сей день) с гитарного drone ambient`a, двигаясь изначально по стопам немецкого коллектива Troum. Шли годы, оба проекта успешно укрепляли свой культовый статус, а между тем многие поклонники надеялись, что однажды эти люди встретятся не только на сцене, но и в студии. «Встреча на Эльбе» произошла в апреле 2008 года в одной из бременских студий, когда ничто уже не помешало четверым музыкантам взять в руки инструменты и как следует поимпровизировать, облекая свои спонтанные образы, идеи и видения в многослойную трансцендентальную музыку.
Отмечу сразу, что «Наде» здесь особенно развернуться не дали, - то ли так и было задумано, то ли настроение у Бейкера и его супруги было более умиротворенным в тот весенний день. Впрочем, начало второй части диска демонстрирует временное главенство канадского дуэта, терзающего гитары, выдающего плотные басы, и выталкивающего на первый план аритмию сломанной драм-машины, аккурат поверх «перевернутого» гитарного гула от Troum, в котором вязнет эхо ангельского хора и облако шумовых спецэффектов. Первая же часть «Dominium Visurgis» призвана ввести слушателя в особое «пограничное» состояние, добиваясь этого при помощи повторяющихся дроновых наплывов, шорохов, голосов, еле уловимых монотонных мелодий, выстраиваемых из гитарных партий, зашумленных «Надей». Третья часть наиболее гармонична и интересна с точки зрения музыки как таковой, - двадцать пять минут надежно отсекают слушателя от любых мыслей о реальности, сомнамбулический гул растекается в замкнутом пространстве внутреннего космоса, на дальних подступах к которому ревут и агонизируют гитары, оглашая мир тревожным лейтмотивом, еле сдерживаемой «оркестровой» мощью и нагромождением шумов. Удачный саундтрек для снов, от которых хочется поскорее пробудится, и, в то же время, так и тянет досмотреть их до конца.
«Dominium Visurgis» - ожидаемо хорошая работа музыкантов, которые не могут сделать плохо уже в силу своего опыта. Каких-то открытий чудных ждать не стоит, удвоения качества тоже не произошло, что-то из этого набора звуков можно было услышать на более ранних релизах обоих коллективов, но ведь и ни к этому авторы стремились. Они просто в очередной раз бросили взгляд за грань, пригласив с собою и в этот раз всех желающих.

Maeror3  16 июл 2010

Воспевая на этой пластинке руины утра, канадский дуэт Nadja (Эйдан Бейкер и его супруга Лея Букарефф) почти на сорок минут уводят слушателя в мир своей странной, сомнамбулической музыки, то заполняя пространство задумчивой неподвижностью, то взрывая все вокруг многослойным, вязким гитарным шумом. На первой стороне они еще спокойны, пребывая, видимо, в каком-то заторможенном состоянии. Медленные переборы струн, проваливающиеся в гудящие басом бездны, делят здесь место со звуками гармоники и находящимся в прострации Бейкером, который размеренно цитирует что-то из своих поэтических сочинений. Кажется, что здесь дуэт делает шаг в сторону психоделического фолька, а еще кажется, что эта музыка будет звучать чуть ли не вечно, делая пространство и время вокруг такими же вязкими. На определенном этапе «Ruins of Morning I», видимо, немного устав от самой себя, уходит куда-то в разреженный атмосферный гул, возлагая обязанности по связям с реальностью лишь на драм-машину, запрограммированную издавать похоронный doom`овый ритм. Правда, в самом конце этой части гитары, оглашая эфир своим ревом, все-таки прокладывают мостик на вторую сторону, как бы давая понять, что этот сон скоро закончится. Действительно, как только слушатель перевернет пластинку и поставит иглу на дорожку, на него обрушится несколько тонн гитарного «мяса», грязного и очень сырого. Зашумленный звуковой поток перемешан с глубоко утопленными потусторонними голосами (то есть, понимаешь, конечно, что это бормочет свои вирши все тот же Бейкер, но теперь ощущения становится совсем другими), грузными басами и растекающимися атмосферными проигрышами, создающими весьма гипнотический эффект. Словно перегородка между пространствами прорвалась, и на слушателя выплеснулся бурный поток образов и видений с той стороны. Развивая эту тему, музыканты постепенно очищают композицию от грязи и шума, оставляя, тем не менее, ощущение нависшей тяжести, которое так и не исчезнет до самого конца, даже когда от всех звуков и ритмов останется лишь тихий гул да несколько развернутых задом наперед гитарных риффов со следами усталости от всего того, что творилось чуть ранее. Положа руку на сердце, надо признаться, что ничего особенно оригинального Nadja здесь не выдают, - у них в дискографии огромное количество винила и компакт-дисков, на которых все, из чего состоит «Ruins of Morning», уже было досконально изучено и переварено. С помощью этого релиза можно начать знакомство с творчеством канадцев (на нем представлены некоторые основополагающие грани их творчества), а можно просто слушать его и получать удовольствие, если музыка этой семейной пары находит отклик в ваших сердцах. Если она этого не делает - эта пластинка совершенно не для вас.

Maeror3   3 июл 2010

Прошло пять лет после издания «Беловодья», и группа Moon Far Away наконец-то представила свой новый альбом «Minnesang». Дебютный релиз архангельских музыкантов, «Lado World», считается первым «готическим» релизом в нашей стране, будучи во многом копией, весьма удачной, с «раскрученных» образчиков европейской и мировой сцены, от Dead Can Dance до The Moon Lay Hidden Beneath a Cloud. Второй альбом, «Sator», продолжил интеграцию Moon Far Away в мировое готическое пространство, но по-настоящему оригинальным и запоминающимся стал третий альбом коллектива, «Беловодье», наполненный той истинной «русскостью» (без экспортных матрешек в багаже многих фольклорных коллективов) и душевностью, голосами и образами русского севера, связывающих людей с Традицией. Этот диск был настолько хорош, что многие легко простили коллективу пятилетнее молчание (нарушенное сборником ремиксов и модным форматом «сингл»), лишь бы еще раз услышать нечто в том же духе.
Новый альбом называется «Minnesang» (средневековый жанр любовной поэзии), сами музыканты провокационно величают его «поп-альбомом», и посвящают свое творение женским архетипам, коренящимся в сознании каждого человека и неразрывно связанным с такими понятиями, как мать, рождение, жизнь, плодородие, родина, любовь, прекрасная дама, муза, природа. Для выражения своих идей Moon Far Away отметают многие ограничения, создавая эклектичную по своей сути музыку, в которой все еще слышны отголоски Dead Can Dance, заметно влияние Ataraxia, сохранена сакральная сила и напевность русского языка («Олюшка», подходя очень близко к границам фолк-рока, звучит «хитово»), которому вторят тексты Джона Донна и Шарля Бодлера, братская сербская речь и строки из Евангелия от Иоанна. При этом все композиции звучат достаточно ровно, в меру задумчиво и в меру драйвово (а вот бонус трек «Будем Жить» необычен и тяготеет скорее к синт-поп стилистике), не разбивая пространство альбома на разрозненные кусочки мозаики. Пульсирующий, раскатистый и мерный ритм, акустическая и бас-гитара, флейты, орган, электроника, арфа (присутствующая во второй части сказочного «Путешествия Королевича» и заставляющая вспомнить Daemonia Nymphe) – вот почти весь инструментарий музыкантов, при помощи которого им удается добиться подобного звучания.
Одно из ключевых понятий на «Minnesang» - это единство. Единство прошлого и настоящего – на диске, помимо новых вещей, есть композиции, уже известные слушателям по участию в тематических компиляциях («Deus Amet Puella», «Witchcraft by a Singing») и подходящих «по смыслу», хотя звучащих чуть иначе и демонстрирующих, какой путь прошла группа в своем творческом развитии. Единство образов и мотивов, которые всегда старались разъединить – так, в «новом гимне России» «Мама Русь» («поп-альбом» предварялся по всем правилам синглом, которым и стала эта композиция) есть место и для архангельских напевов, славящих грядущую весну, и для языческих обрядов плодородия, и для отражения бегущей воды на золотой глади куполов. Гимн этот, конечно же, духовный, а не официальный – стоять на торжественном мероприятии под него и подпевать строкам «Мама Русь» было бы как-то странно. Взывает он, как и весь альбом, к чему-то потаенному, теплому и светлому, загадочному и мистическому, к познанию чего так стремились поэты и музыканты всех эпох. Moon Far Away это сакральное, безусловно, в очередной раз уловили. Для тех же, слушателей, которых просто интересует, похож ли «Minnesang» на «Беловодье», отмечу, что он другой – но не менее интересный и замечательный.

Maeror3  30 июн 2010