Этот мини-альбом группы Godspeed You Black Emperor! в более доходчивом и сосредоточенном виде показал любовь группы к классике. Формат EP не позволил группе растекаться мыслью по древу и заставил их выражать свои мысли более лаконично и сжато, сконцентрировано. К сожалению, экспериментальные куски здесь практически не встречаются, материал очень ровный, без надрывов и психоделических мозгоразрушений.
“Moya” начинается с фирменного гудящего саунда группы (куда уж без него!). Чуть позже группа в очередной раз демонстрирует свою тягу к струнным оркестровкам, которые здесь звучат очень собранно, напряженно и даже жестко. После звона колокольчиков вступают ударные, и красивая атмосферная меланхолия, воплощенная в музыку, продолжает течь плавно и тревожно. Напряжение все нарастает, опять терзают душу скрипка и виолончель… Одно время музыка бешено топчется на месте, наращивая мощь, но потом все, к несчастью, становится слишком предсказуемым, не теряя при этом красоты.
В “Blaise Bailey Finnegan III” музыканты GYBE! налегают на задокументированные ими монологи (вспомните вступление к “Providence”). Здесь, по-видимому, использована технология «передать все как есть». Говорящий рассуждает об американском правительстве и приводит случай из своей практики, иллюстрирующий произвол судебной системы. Когда он доходит до самого волнующего момента, он почти кричит. Первая часть монолога заканчивается утверждением: “America is a third world country, and people don't recognise it...”. Во второй раз спрашивают его мнение о положении дел в будущем, и человек особенно мрачно произносит: “No way. Things are just gonna get worse and keep on getting worse…”. В самом конце речи он зачитывает свое стихотворение.
Все это оформлено мрачной, давящей, но просветляющейся в момент бунта индивидуума музыкой. После первой кульминации набирает обороты новая музыкальная тема, культивирующая инструментальный гул (что особенно получит отражение в следующей монументальной работе группы). Во время второго монолога фоном звучат фортепьяно и скрипка. Затем они довольно быстро выливаются в грозно звучащую тему с маршевыми интонациями, а позже в тревожную и динамическую с выходящими на первый план струнными. Последние 2 с лишним минуты заполнены пронзительным драматическим солированием виолончели и скрипки.
Позволю предположить, что не этого мы ждем от GYBE! Их музыка должна затрагивать струны наших душ и при этом удивлять. Меланхолическая классика – один из компонентов полноценного пост-рока, но при этом явно не доминирующий. Ощутимо не хватает радикальных решений (разве только обложка слегка...).

Blackknot  22 сен 2006

Дебют Mogwai еще раз подтверждает то, что у пост-рока не было поры незрелости, и он был максимально силен буквально с первых же лет своего появления, тогда как в более позднее время большинство групп банализировало свой саунд.
Альбом, как и вся стилистика группы, построен на контрастах, контрастах между расслабляющей, предельно спокойной инструментальной музыкой с ведущим задумчивым басом и классическими гитарными звуковзрывами. Причем чем безмятежнее музыка в начале, тем волнительнее и бескомпромисснее она в этих «буйных» частях. Примером этого может служить одна из центральных композиций альбома – “Like Herod”, которая время от времени постепенно затихает до полной глухоты с тем, чтобы сильнее дать по мозгам слушателю в следующую секунду, когда он меньше всего этого ожидает. Mogwai на этом альбоме, впрочем, более, чем где-либо еще пользуются достижениями традиционного инди-рока: эксперименты сводятся к неистовому distortion- эффекту и посткульминационному feedback-у, которые качественно преображают минималистическую музыкальную картину. Особенно крупными порциями музыканты подают искаженный гитарный саунд в продолжительном инструментале под интересным названием “Mogwai Fear Satan”. Надо сказать, это потрясающая по красоте композиция: гипнотические энергичные ударные, то пылающие ярким пламенем, сокрушительные гитарные запилы, то плавные инструментальные партии с миролюбивой флейтой.
Помимо гитарно-ориентированных композиций, немало и номеров с доминирующим фортепьяно. Соответствующие партии несут на себе печать декаданса, и от них веет холодным академизмом. Таковы “Radar Maker”, “A Cheery Wave from Stranded Youngsters” и “With Portfolio”. Правда, последняя из перечисленных композиций вполне может испортить репутацию остальным: по логике Mogwai, где классицизм, там и нойз. Берегите психику!
Вокала на «Young Team» как такового нет, но зато есть голоса. Голоса кого-то, кто погружен в себя и как будто мыслит вслух. Часто это будто бы случайные монологи, звучащие, вероятно, в записи. Задокументировано, как у GYBE!, но звучит совсем по-другому: в сочетании с печальной музыкой самодостаточно эмоционально, вызывает чувство сопереживания (тяжкое чувство одиночества) без обязательного соотнесения с атмосферой (у канадцев бесстрастные голоса приобретают выразительность за счет фона). Среди таких инструменталов с голосовым сопровождением хотелось бы выделить “Tracy” и “R U Still in 2 It”. Также хотелось бы упомянуть особую версию “Summer” как наиболее бесхитростную и хитовую инструменталку альбома.
Проблема данного альбома заключается в том, что некоторым композициям явно не хватает более искусной отделки. То ли не хватает разнообразия инструментов, то ли формула пост-рока еще сохраняет реликты альтернативности… Когда же у группы появилась рафинированность звучания, идеи стали, как мне кажется, менее интересными. Вот незадача!

Blackknot  22 сен 2006

Mogwai – шотландская пост-рок группа, выпустившая в 2003 году свой четвертый альбом.
Тут музыканты добавили симфонизма струнных аранжировок, став звучать несколько похоже на Sigur Ros, что в совокупности с красивым клавишным фоном и фирменным мягким гитарными нойзом группы слушается очень интересно (насколько пост-рок вообще может вызывать интерес).
Неповторимая особенность музыки группы в том, что, несмотря на кажущиеся холод и безразличие их музыкальных пейзажей, они неожиданно приобретают и эмоциональное звучание, и инструментальную выразительность. Если у других представителей пост-рока выразительно почти все и сразу, то Mogwai может мучить нас безвестностью и ощущением растерянности (“что они хотят этим сказать?”), т.е. поначалу совершенно статичным и никак не окрашенным саундом. Композиционная тактика, включающая два спокойных пассажа, разделяемых ярким гитарно-ориентированным крещендо, оправдывает себя на все 100%. Еще один важный момент – практически полностью инструментальный характер музыки. Я никогда бы не подумал, что замороженный вокодером голос, сливающийся с атмосферной палитрой музыки, способен вызвать у меня положительные эмоции, но это оказалось действительно возможным (кстати, вокальные партии на «Happy Songs for Happy People» исполнили практически все музыканты группы, кроме основного вокалиста; и правильно: вокодер все стерпит…).
Настроение диска – грусть-печаль, временами пустынность. Несмотря на это, «Happy Songs for Happy People» наполнен достаточно богатым для пост-рока набором эмоциональных оттенков: это и тяжелейшая безысходность, задавленная прессом эпического спокойствия в “Moses? I Amn’t”, и довольно светлая печаль, выливающаяся во что-то вроде оптимизма в “Killing All the Flies”, и сонная отрешенность от мира в “Boring Machines Disturb Sleep”, и параноидальность “I Know You Are But What Am I?”.
Теперь эти же номера с музыкальной точки зрения:
“Moses? I Amn’t” – мрачные небесные звуковые ландшафты, формируемые синтезатором с добавлением дополнительных эффектов и редких ударных, а также с участием гнетущих струнных, заставляют представить мир не в лучшем свете.
“Killing All the Files” – меланхоличная музыка, мягко движущаяся за счет гитары, клавишных, баса и ударных; вокал здесь ведет главную мелодию, а скрипка добавляет драматизма. Медленно, но уверенно Mogwai продвигаются к своеобразному климаксу и последующему катарсису.
“Boring Machines Disturb Sleep” – гудящий, трещащий эмбиент с неожиданно чистым вокалом и появляющимся во второй части композиции неспешным ударным ритмом.
“I Know You Are But What Am I?” представляет собой крайне минималистическое биение по 1-2 клавишам фортепьяно, с постепенно подключающимся стуком драм-машины и клавишными.
Все бы хорошо, но есть один момент: не очень цепляют композиции откровенно светлые, нет в них какой-то интриги. В этом смысле советую желающим ознакомиться сначала с дебютом группы «Young Team», более рОковым, может быть, более экспериментальным, но в любом случае более интересным.

Blackknot  11 сен 2006

…А вот к этому диску безоговорочно подходит определение «минимализм во всем, начиная от…». Как известно, у данного альбома нет буквенного названия. Но есть другое. Знаков препинания Sigur Ros не пожалели и поставили скобки. У песен названий тоже нет. Изначально они именовались мудрыми серийными номерами “Untitled 1”, “Untitled 2” и т.д. Потом, однако, для удобства исполнения им были придуманы вспомогательные названия. Некоторые из них подчеркнуто бесхитростны: “Fyrsta” (“Первая (песня)”), “Dauðalagið” (“Песня смерти”), “Popplagið” (“Поп-песня”); другие, напротив, чрезвычайно интересны: “Njósnavélin” (“Механизм слежения», насколько я понимаю), “Vaka” (имя дочери ударника группы Орри). Группу, кстати, назвали «Sigur Ros» в честь сестры Йонси Биргиссона, которая родилась в день основания коллектива. На «( )» музыканты, как видим, пошли по этому пути дальше. Вообще языковая и, в частности, фонетическая и лексическая ситуация группы довольно любопытна. Весь «( )» исполнен на языке «Hopelandic», причем создается впечатление, что во всех песнях используется один и тот же незначительно варьирующийся фонетический комплекс.
Ну, хватит об этом. Перейдем к музыке. Содержание, как я уже говорил, так же минималистично, как и форма. «( )» очень аскетичен и не содержит в себе ничего лишнего. По отношению к этому мрачноватому, даже одноцветному альбому, «Takk…» – буйство красок и безудержный полифонизм. Когда я в рецензии на последний на сегодняшний момент альбом Sigur Ros сказал, что «особого разнообразия материала и запоминающихся мелодий здесь нет», я, каюсь, имел в виду, предельно широкий, общемузыкальный подход, без скидки на пост-рок.
Здесь же композиции не сильно отличаются одна от другой даже в рамках жанра. Вокальные партии не отличаются практически ничем. Фортепьяно воссоздает такую невозмутимую классическую (здесь мы уже ведем отсчет от другой классики) атмосферу, которую не потревожат ни спокойные ударные (в духе неторопливого Ника Мэйсона), ни лишенная четких очертаний гитара. Если «Takk…» – это свет насыщенный, то «( )» – это свет едва пробивающийся. Музыки тут немного. Бас и ударные, по признанию самих музыкантов, были записаны за один уик-энд, поиск же нужного звучания и настроения занял гораздо больше времени. Я вообще теряюсь, когда пытаюсь распознать, где заканчивается собственное музицирование участников группы, размазанное эхо-эффектом, и начинаются оркестровые аранжировки.
Альбом разделен на 2 части (мягкую и тяжелую по эмоциональному воздействию, различные по инструментальной четкости). Разделителем между ними являются 36 секунд тишины после “Untitled 4”. Возможно, лишней иллюстрацией такого деления стало название альбома.
1-4 песни – грустные, но светлые. “Untitled 1” начинается с очень печальной игры фортепьяно, создающей тягостное впечатление. Вокал, лишенный семантической нагрузки, содержит в себе одни эмоции. Ближе к концу композиции он внезапно выражает надежду, а музыка просветляется. Чтобы адекватно воспринять всю вселенскую тоску этой песни, необходимо посмотреть высокохудожественный клип на нее (кстати, отхвативший какую-то премию). В “Untitled 2” уже появляются размеренные ударные и ясно различимые гитарные проигрыши, но вокал еще более размыт. “Untitled 3” содержит красивую повторяющуюся мелодию фортепьяно, которую окружает чистейший эмбиент, а затем и нарастающий симфонизм. Это снообразно, но нисколько не печально. “Untitled 4” начинается так монументально, как будто музыканты, играющие это, смотрят с вершины высочайшей в мире горы вниз. Эпические ударные и звучащие как будто издалека воздушные мелодии – это грандиозно. Тут же вам и очередная сотня вариаций все той же вокальной темы. Эта песня, известная также, как “The Nothing Song”, прославилась тем, что прозвучала в фильме «Ванильное Небо» (правда, в живой версии).
5-8 песни – действительно мрачные и безысходные. “Untitled 5” и ”Untitled 6” – темный, бесцветный эмбиент с умирающими ударными и протяжным вокалом, в конце сменяющийся красивым и, что главное, конкретным симфо-роком. “Untitled 7” представляет собой более трагическое и невыносимо длинное истолкование основной музыкальной линии Sigur Ros. Но вот “Untitled 8” возвращает нам сбалансированную музыку с меньшим содержанием эмбиента: после спокойной первой части (вариации, вариации вокала…), с 7-ой минуты берет начало отличный путь к кульминации всего диска – экспрессивному крещендо с бушующей ритм-секцией и доносящимся как бы издалека вокалом. Буря и натиск. Шум и ярость…
Надо отдать должное Sigur Ros: минимализмом своего творчества в пределах этого альбома они помогают людям думать и развивать творческие способности. Именно в этих целях страницы буклета остались пусты – чтобы дать слушателям место для интерпретации, возможно, даже визуальной, песен альбома.
Мой друг назвал концепцию альбома скудоумием. Но я по-прежнему утверждаю: минимализм – это сила! Другое дело, когда минимализм усугублен
эффектом «эпической заторможенности». Тут уже начинаются проблемы…

Blackknot  11 сен 2006

Этим альбомом Jethro Tull как никогда заявили о силе своей хард-рок энергетики и живописности фолкового колорита. Он более доступный, чем его предшественник «Benefit». Если сказать, что с альбома 1970 года лучше не начинать знакомство с Jethro Tull (хотя я его очень люблю), то следует также сказать, что если Вы начнете с ЭТОГО альбома, Вы непременно продолжите знакомство с группой.
«Aqualung» очень артистичен и стабилен в своей хитовости. Это один из тех альбомов, которые, не будучи полностью концептуальными, обладают сквозным идейно-эмоциональным настроем и особой изобретательностью, т.е. искусством приковывать внимание слушателя.
Для начала можно сказать, чем этот альбом типичен и в этом качестве полезен для поклонников хард-рока. Он буквально до краев заполнен риффами, могущими составить конкуренцию маститым работам Led Zeppelin, Deep Purple, Black Sabbath. Примеры рассыпаны по всему альбому. Что и говорить, Jethro Tull – группа широкой специализации, а Мартин Барр – из плеяды недооцененных гитаристов.
Далее сам мозг группы и главный фолк-агрессор рок-музыки. Йэн Андерсон проделал замечательную работу сразу в нескольких категориях: язвительный и проницательный текстовик, человек, умеющий варьировать свои вокальные способности, наконец, виртуоз флейты. Как лирик, он глубоко проникает в гущу жизни и представляет нам разнообразные ее картины, окрашенные богоборческой и не только философией. Как вокалист, он заложил фундамент разнообразия музыки Jethro Tull, заключающийся в интересных переменах темперамента и пафоса: то мы слышим его тихие лирические напевы в “Cheap Day Return”, “Wond'ring Aloud”, “Slipstream” (здесь это зависит от формы), “Mother Goose”, то грубоватый и прямо нахальный голос в “Cross-Eyed Mary” или циничный в “My God”. Флейта – стол и квартира Йена Андерсона. Он потрясающе ловко использует ее, как никто другой давая почувствовать спонтанность своей игры. Если, например, Питер Гэбриэл осторожен и щепетилен в отношении ее применения, то Андерсон с ней, без сомнения, на «ты».
Jethro Tull обладает искусством быстрого переключения внимания слушателя на каждый вновь зазвучавший инструмент (гитара, флейта, фортепьяно). Это нужно приписать скорее не пресловутой прогрессивности группы, а свободе их творчества, представление о которой складывается при прослушивании (трудно поверить, что Андерсон был таким уж кровавым диктатором). Jethro Tull себя не ограничивают, но преобладающий вектор их движения – фолк-ориентированный хард-рок.
Прогрессивный козырь альбома – содержательная и в немалой степени театрализованная “My God”. Тут вам и интересные партии акустической гитары, и драматичное фортепьяно, и мощная электрогитара Барра, и находчивая флейта, которая с издевкой руководит хоровыми партиями. Хиты на все времена – “Aqualung” и “Locomotive Breath”. В первой песне, прославленной своим разнообразием, особенно великолепны вокал и продолжительное гитарное соло. “Locomotive Breath” проходит странный путь от джазового фортепьяно к блюзовым запилам Барра, а затем появляется этот знаменитый ритм и знаменитые слова “…the train won't stop going – no way to slow down”. Что касается 2-х минутных песен, то они живо напоминают о «Benefit», но кажутся намного более светлыми.
Что сказать в заключение? Лучше не говорить ничего и просто поставить оценку. Да, я еще забыл похвалить художественность обложки: увидев раз, уже не забудете.

Blackknot   5 сен 2006

«Benefit», третий альбом Jethro Tull, я склонен сравнивать с третьей же работой Led Zeppelin. Те как раз уединились в сельской местности и полной грудью вдохнули фолковый воздух. Jethro Tull он присущ изначально. Тот альбом также был необычайно умеренным и достаточно спокойным. «Benefit» вышел достаточно грустным, может быть даже мрачноватым. По крайней мере, от Андерсона не дождаться оптимизма и достаточно бодрых мелодий флейты. Играющие параллельно акустика Андерсона и электрическая гитара Барра очень гармонично дополняют друг друга. Как всегда (и в т.ч. на следующем альбоме) заметен идеальный баланс инструментов.
Что касается конкретного материала, то это искренние, честные композиции, сыгранные легко, но заставляющие задуматься. 10 песен – и нет ни одной, которая не привлекла бы внимания своей неповторимостью при всей скромности отделки.
Это балансирующая на грани флейты, звучащей как привет из далеких стран, и электрогитары “With You There to Help Me”; завораживающая тихой риффующей гитарой и неподражаемым вокалом “Nothing to Say”; мягкая композиция “Inside” с доминирующим фортепьяно и интересной инструментальной частью в конце; “Son” c ленивым вокалом и такой же гитарой и битлоподобной средней вокальной частью; удивительно простая и гармоничная “For Michael Collins, Jeffrey and Me” c красивейшим запоминающимся припевом… Так, переведем дух… Поехали дальше… Одна из сильнейших песен альбома “To Cry You a Song”, риффингом и соло-выкладками напоминающая Led Zeppelin, но намного более разнообразная, чем всякие аналогии; фолковые “A Time for Everything” и “Teacher” c красивыми партиями флейты и великолепным вокалом; с еще одной захватывающей мелодии флейты начинается “Play in Time” (там же звучат экспериментально-шизоидные звуковые эффекты); наконец, венчает все это фолк/хард-роковое очарование самобытная песня под акустическую гитару “Sossity, You're a Woman” с запоминающимся припевом под флейту.
Прошу прощения за в немалой степени статистический характер моей рецензии, но таким образом я хотел показать абсолютную оригинальность каждой из песен (невзирая на приведенные мной аналогии).
Мое мнение – ставить здесь нужно никак не меньше 9 баллов, так как это один из лучших альбомов Jethro Tull.

Blackknot   5 сен 2006

Вторая часть знаменитой трилогии Gong под общим названием «Radio Gnome Invisible».
«Angel’s Egg» – это эклектика группы, поднявшаяся на новый уровень. Здесь Gong на все 100% реализовали свои творческие устремления в области синтеза психоделии и джаз-рока. Добавилась и этническая составляющая. В целом все звучит изысканным музыкальным калейдоскопом. Общая атмосфера альбома настолько четко выверена и филигранна, что аналогии с шедевром напрашиваются сами собой. БОльшая атмосферность «Angel’s Egg» и кажущаяся полная оторванность музыкантов от реальности позволяет предположить, что теперь уже они парЯт наравне с «летающими чайниками». Тим Блейк в ударе, и он, наверное, единственный, кто выкладывается по полной, ибо присутствие других инструментов кажется факультативным (разумеется, кроме фирменного саксофона). Нет, я погорячился: здесь в очередной раз представлен полный музыкальный демократизм. Разнообразнейшие эмбиентные полотна поражают красотой отделки, а когда в дело вступают саксофон Малерба, гитара Хилледжа, перкуссия Морлена, бравый интернациональный состав играет умопомрачительный по легкости восприятия и увлекательности эклектический рок.
В открывающей “Other Side of the Sky” космическая атмосфера после серьезного монолога о бесчисленных мирах постепенно насыщается мягким саксофоном, ударными, экспрессивной гитарной игрой, а самом конце звучат непонятные (и бессмысленные) заклинания, выкрикиваемые с восточным акцентом: “Hare hare supermarket!... Hare hare London bus!”. Gong не престанут удивлять нас, представив затем рэггиподобную “Sold to the Highest Buddha” с запоминающимся припевом (“Hang on to your head…”) и замечательной инструментальной частью в конце. Далее Тим Блейк сольно продолжает свою космическую сагу в композиции “Castle in the Clouds”, а Джилли Смит продолжает эротично нашептывать всякий бред (противоречит сама себе) по-английски и по-французски под старомодную музыку вроде той, что была в “When I’m 64” у The Beatles (“Prostitute Poem” – название, впрочем, говорит само за себя…). После шуточного хора в духе застольных пиров “Givin’ My Love to You” нашему вниманию представляется загадочная песня “Selene” с неземной игрой клавишных Блейка, мечтательной гитарой и расслабленными вокалами, а также с бредовым блеянием (?) в конце.
Экзотическое соло Малерба на флейте в “Flute Salad” постепенно возвышается до космического саунда и переходит в без преувеличения шедевральную в вокальном плане композицию (куплеты, припевы!) “Oily Way”, заключающую в себе полное перечисление пантеона Gong. “Outer Temple” и “Inner Temple” представляют собой мягкие и загадочные эмбиенто-джаз-роковые зарисовки в лучших традициях Gong. “Percolations” – бытовые, околомузыкальные шумы.
Конец альбома – подлинный парад талантов планеты Gong и взятие ими вершин
эксцентрически захватывающей музыки.
Это относится к “Love Is How Y Make It” с перкуссией (т.е. маримбой) в духе Gentle Giant того же, 1973-го, года; к “I Never Glid Before”, которая радует запоминающейся, ставшей уже классической партией саксофона, классным гитарным соло Стива Хилледжа и забавным ускорением темпа ближе к концу; к “Eat Phone Book Coda”, сильной вокалами с ритмической поддержкой саксофона и частыми сменами темпов; наконец, к финальной песне, имеющей длиннющее название “Ooby-Scooby Doomsday or the D-Day DJ's Got the D.D.T. Blues”. Уже ради одного барабанного боя с духовой секцией (прямо военный марш!), а также разнообразнейших вокальных партий в данной песне стоит послушать этот диск!
Альбом просто великолепен; каждая песня имеет неповторимое звучание; заметна идеальная инструментальная гармония при полной нездоровости творческих идей. Даже не могу сказать, какой из трех альбомов «Radio Gnome Invisible» лучше (но это точно не Vol.1).

Blackknot   5 сен 2006

Первая часть программной трилогии Gong под общим названием «Radio Gnome Invisible».
Хитро придумана своеобразная мифология группы: Planet GonG – Pot Head Pixies – Radio Gnome – Flying Teapot. Кратко о главном. Gong эксцентричны и загадочны. Тим Блейк сообщает музыке таинственную атмосферу путем психоделических эмбиентообразных звукоизвлечений, саксофон на этом фоне звучит бесподобно. Игра Дидье Малерба вообще отличается необычайным изяществом и всегда уместна. Музыка при том, что в группе имеется яркий лидер, кажется очень демократичной и сбалансированной в инструментальных партиях.
Начинается этот «чудной» альбом с вполне ожидаемого эксцентричного, детсковатого (каким, впрочем, является и весь альбом) вступления, точнее введения в тему. Ко(с)мическая вокальная работа, настороженная игра всех инструментов: необходимо и нагнать таинственности и не забыть о юмористической стороне дела. Как и раньше, над Gong тяготеет темное наследие Сида Баррета. Между прочим, отдельные моменты этого опуса напоминают “Atom Heart’s Mother” Pink Floyd. Песню “Radio Gnome Invisible” и одноименный альбом отличает эклектичность.
“Летающий чайник” начинается с мрачной психоделии, что служит отличным контрастом для предыдущего трека и тем, каковым будет данный номер в ближайшие несколько минут. Довольно светская, прямо танцевальная музыка, представленная четкой басовой линией и прямолинейной игрой ударных (не забудем и о гитаре), приобретает ярко выраженный джазовый оттенок с появляющимся вскоре саксофоном. Песня имеет несколько вокальных партий, характеризующихся затверженностью и абсолютной второстепенностью по отношению к музыке (хотя “Have a cup of tea, have another one…” – это очень остроумно). Заметно, что синтезаторные импровизации Блейка постоянно норовят вторгнуться в джаз-ориентированнные музыкальные пейзажи Gong, стремясь придать им ирреальный, космический колорит. Финальная часть с несуразными вздохами-криками, хаотическими ударными, перкуссией, эпизодически появляющимся басом и фортепьяно выполняет норму по НЕнормальности.
“The Pot Head Pixies” кажется обычной поп-песней психоделической эры. Впечатляют повторяющиеся партии “I am - you are - we are - crazy!” и комически звучащий монолог существа, представившегося настоящим «Pothead Pixie».
“Octave Doctors and the Crystal Machine” – электронный пассаж, являющийся данью эре космического рока и зарождающейся электроники в духе Жана-Мишеля Жара и Kraftwerk.
“Zero the Hero and the Witch's Spell”. Очень интересная тема, включающая в себя такие разные вещи, как эмоциональное признание в любви и атмосферно-психоделические стенания в сочетании с элегантной игрой саксофона. В самом конце музыка эффектно раскручивается.
“Witch's Song / I Am Your Pussy” – спорная вещь. Я думаю, что это был не лучший вариант для завершения альбома. Яростные противники «космического шепота» Джилли Смит должны напрячь все свои силы, чтобы дослушать эту комически-эротичную вещь до конца. «Смех ведьмы» здесь также раздражает каждого второго. Хотя саксофон Малерба и гитара очень оригинальны и игривы, а оставшиеся вокальные партии довольно забавны.
Я считаю, что в 1-ой части знаменитой трилогии музыканты показали, что способны на многое, и в то же время мне представляется важным подчеркнуть невыдержанность альбома. Инструментальные партии безупречны, но лично мне мешают некоторые особенно попсоватые вокальные партии, которые лишают альбом благородности. Не каждого может зацепить своеобразный юмор Gong. Следующая рецензия покажет, правомерны ли такие претензии.

Blackknot  29 авг 2006

Юмор и музыка. Кто предложит нам эти жизненно важные элементы бытия, смешанные в неповторимый по вкусу и аромату коктейль? Правильно, Фрэнк Заппа! Его музыка прямо светится жизненной энергетикой и заряжает оптимизмом, заставляет смотреть на вещи абсолютно по-другому. Залог всего этого – не только установка на все светлое и радостное, но и спонтанность музыки, безудержность музыкальной фантазии, полная импровизационность во всем. Так, каждая композиция – увлекательнейшее путешествие, во время которого у слушателя появляется уникальная возможность увидеть экзотические краски воображаемых стран и причудливые музыкальные ландшафты. Сразу надо заметить: Фрэнк – не только большой шутник и провокатор, но также человек с необыкновенной музыкальной эрудицией. Весь его недюжинный композиторский талант воплощен в этих 6 композициях.
Начинается вся эта феерия с эксцентричного и жизнерадостнейшего номера с красивым названием “Peaches En Regalia”, который сходу предлагает целый набор цепляющих тем. Это стопроцентный участник всех «best of» Заппы. Во время прослушивания этой вещи не рекомендуется убирать идиотическую улыбку с лица.
“Willie the Pimp” – вещь, отмеченная гостевым присутствием легендарного Капитана Бифхарта (на вокале, естественно). В самом начале Жан-Люк Понти играет на фоне незамысловатых ударных запоминающуюся скрипичную мелодию. Затем идет уже вокальная часть, чуть позже сопровождающаяся перкуссией. Крупномасштабное гитарное соло Фрэнка Заппы начинается уже на второй минуте и имеет суммарную продолжительность около 7 с половиной минут. За полминуты до конца композиции вновь появляется скрипка.
“Son of Mr. Green Genes”. Главная тема – это кивок Заппы уже больше в сторону классической музыки с ее полифоническим звучанием. Затем, однако, вновь появляется все тот же яркий фьюжен с неизменно оптимистической энергетикой. Отдельного упоминания заслуживают искрометнейшие клавишные и духовые партии (Йэн Андервуд) и еще одно яркое гитарное соло Заппы.
“Little Umbrellas” имеет слегка восточный колорит благодаря духовой секции, в целом же можно сказать, что это вполне «ресторанный» джаз.
“The Gumbo Variations” – инструментальный джем в лучших традициях джаз-рок/фьюжена. Включает замечательные соло саксофона Йена Андервуда (0:30-7:30), скрипки Шуга Кэйн Харриса (7:30-12:20), техничные гитарные запилы и незамысловатую, но очень красящую музыку ритм-секцию. Трудно удержаться от комментариев по поводу продолжительности этой вещи.
С финальной композицией “It Must Be a Camel” Заппа окончательно уходит в джаз. Замечательны диковинно звучащие на спокойном джазовом фоне перкуссии. После вступления подключается саксофон, а через некоторое время ритм начинает ломаться под воздействием авангардного видения Заппы. Вторая часть композиции – уже довольно быстрый джаз-рок с замечательной музыкальной палитрой.
Главные достоинства альбома – разнообразие и абсолютно непередаваемая словами атмосфера праздника, своеобразный парад изящных искусств. Фрэнк, без сомнения, не знает границ в своих искусных импровизациях. Все настолько гениально придумано и профессионально и цепляющее сыграно, что даже на затянутость 5-ой песни можно с чистой совестью махнуть рукой.

Blackknot  29 авг 2006

Прошло целых 4 года, прежде чем VDGG разродились новым альбомом. «Godbluff» продемонстрировал неувядающую драматическую мощь группы, обрамленную красивыми, иногда мягкими, иногда более жесткими инструментальными партиями с четким влиянием джаза. Альбом 1975 года показал музыку коллектива более гармоничной, умеренной, во всяком случае, лишенной крайностей «Pawn Hearts». Стремление к умеренности нашло отражение и в форме композиций: теперь здесь не услышишь эпика в 20 с лишним минут. Отчетливо видно и стремление к более земному, доступному звучанию, т.к. альбом начисто лишен психоделии. Орган Хью Бентона всегда создает высокохудожественный фон для неповторимых вокальных линий Питера Хэммилла, саксофон Дэвида Джексона радует запоминающимися соло (теперь уже его игра не кажется столь агрессивной), а Гай Эванс по-прежнему неплохой ударник.
Первым номером на альбоме значится “The Undercover Man”. Это довольно спокойная вещь, начинающаяся с флейты Дэвида Джексона и тихого органа. С подключением ударных выясняется, что вокал Хэммилла здесь все еще так же артистичен, с резкими переменами интонаций и переходами на высокий, патетический стиль. Орган и ударные затем подчеркивают яркий вокал и экспрессивный саксофон. Мне эта песня кажется немного скучноватой ввиду предсказуемости музыки.

“Scorched Earth” гораздо более жесткая тема. Здесь и громкие ударные в милитаристском стиле в самом начале, и тревожный орган, и возбужденный вокал Хэммилла. Джексон и Бентон по всей композиции превосходно согласовывают партии саксофона и клавишных. Ближе к концу 5-ой минуты звучит частичная реминисценция композиции “Man-Erg” с альбома 1971 года. Около 7-ой минуты песня приобретает уверенный ритм, и вскоре Гай Эванс демонстрирует свою замечательную ударную технику, а Бентон и Джексон играют так ярко и энергично, как только может VDGG.

“Arrow” предлагает нам классные джазовые ударные партии Эванса, интересный бас и космический саксофон. Далее не очень продолжительное затишье. В следующую затем спокойную инструментальную часть с грустным саксофоном неожиданно вторгается резкий вокал Хэммилла, и вскоре музыка лишается мечтательного колорита, и становится яркой, тревожной. Джексон исполняет одно из своих лучших соло на саксофоне. Заканчивается композиция медленно затихающим саксофоном и звоном тарелок. Эта песня – одна из ярчайших вокальных работ Хэммилла. В финале – космические клавишные.

“The Sleepwalkers”. Самая доступная песня на альбоме и наименее любимая мной из всех представленных здесь. Открывается она легкой мелодией и таинственным вокалом Хэммилла, продолжается коротким латино-джазовым фрагментом, а потом группа играет энергичный арт-рок с солирующим саксофоном. Заканчивается композиция космическими клавишными пассажами.

Я считаю, что расцвет творческих способностей группы пришелся на «Pawn Hearts», но у этого альбома есть не один достойный (но более умеренный) наследник. Собственную, ни на кого не похожую магию звучания VDGG не потеряли, но размах уже не тот, и бурю эмоций данный альбом у меня в свое время не вызвал.

Blackknot  29 авг 2006

Sigur Rós – исландская пост-рок группа. Природа этой страны, стало быть, располагает к созданию такой медитативной, странной музыки (чтобы понять, насколько странной, достаточно вспомнить еще одну исландскую исполнительницу). Но нет, участники Sigur Rós отрицают какую-либо зависимость их музыки от географического фактора.
Музыканты конструируют свои альбомы так, что при этом им не нужно волноваться по поводу их цельности и законченности – никакими другими они быть и не могут.
Неконцентрированный, разреженный поток звука льется плавно и безмятежно. При этом представляется то ли сладкая смерть (во сне), то ли жизнь растений – минимализм (относительный) исландской природы. Особого разнообразия материала и запоминающихся мелодий здесь нет – бесконечный белый свет не позволит четко разглядеть и осязаемо воспринять то, что доносят до нас Sigur Rós. Это еще и потому, что, к примеру, вокалист, помимо использования родного, исландского, вокабуляра, произносит какие-то непонятные слова, которые невозможно расшифровать с позиций какого-либо существующего языка. Изобретенный им язык (“Hopelandic” – названный по первой песне, исполненной на нем – “Von”, т.е. “Hope”) можно услышать на песнях 7,8,9 с этого альбома.
Чем же создается эта меланхоличная, донельзя эмбиентообразная музыка? Sigur Rós подошли к этому вопросу очень серьезно, приложив все креативные силы для формирования самобытного звучания. Лидер группы Йонси Биргиссон играет на гитаре смычком, он же практикует 2 вида вокала: меланхоличный в стиле Тома Йорка и чаще использующийся, более радикальный фальцет – подлинный инструмент, ведущий всю музыку. Гигантское музыкальное пространство отдано звучанию не сверхъестественного, но необычайно красивого фортепьяно. Бас и ударные часто слышны предельно четко и порой прямо сотрясают музыку. Этот нехитрый инструментарий дополняют более экзотические вибрафон и челеста, а также духовая секция (особенно заметная в конце “Sé Lest”).
Поскольку название альбом переводится как «Спасибо…», то в нем соотвественно очень много света и тепла. Мое внимание особенно привлекли такие волшебные композиции, как “Glósóli”, "Sæglópur”, “Gong” (идеальный музыкально-иллюстративный материал для экологических программ), в которых происходит переход от мудрой созерцательности к бурному взаимодействию с миром. Хороши также атмосферные интерлюдии “Takk…” и “Með Blóðnasir”.
Наверное, многие, кто слышал музыку Sigur Rós, думают, что это идеальный саундтрек для засыпания. Не знаю, меня больше тянет в сон при прослушивании пауэра. А так как я еще очень люблю воздушное звучание Pink Floyd в их лучшие года, то слегка завышаю оценки подобным альбомам. А уж размаха и вселенской масштабности в этой музыке хватает… И все же чуть больше разнообразия в наполнении альбома не помешало бы. Хотя, по сравнению с «()», его (разнообразия) здесь, действительно, выше крыши. Наверное, это все-таки шедевр.
9,5 ~ 10.

Blackknot  23 авг 2006

Godspeed You Black Emperor! – такое оригинальное название носит канадская (г. Монреаль) группа, творящая в таком нечасто встречающемся жанре прогрессивного рока, как пост-рок. Название было взято из малоизвестного японского черно-белого документального фильма 1976 г. режиссера Митсуо Янагимаши, рассказывающего о банде байкеров (правда, там акценты были расставлены несколько иначе – «Godspeed You! Black Emperor»). Музыку GYBE! можно описать как симфонический арт рок, доведенный в своей атмосферности до drone-ambient-а. Отличительные черты музыкальных полотен группы – их масштабность (что и следовало ожидать), предельная деконцентрация и концентрация (70/30) и отсутствие (!) клавишных инструментов. Забегая вперед скажу, что постоянный состав установился только к концу 1998 года: гитара (3 шт.), бас-гитара (2 шт.), виолончель (1 шт.), скрипка (1 шт.) и ударные (2 шт.) – итого 9 человек в группе. Эти музыканты – крайне таинственные личности: ПЫТАЮТСЯ избегать каких бы то ни было интервью, предпочитают быть зафиксированными на размытых фотографиях, не любят (но не очень успешно) светить свои имена. Таким поведением они пытаются приблизить к себе атмосферу андерграундной неизвестности, недостатка информации о музыке, которая имела место в далеких 70-х. Эту ностальгию вполне можно понять: художественный мир без тайны неполноценен. Теперь самое главное в лицах: основали группу Эфрим Менук и Мауро Пеззенте. Первый – главный концептуалист. А вокруг GYBE! и из этого же теста возникла туча сайд-проектов (самый известный - A Silver Mt. Zion).
Эмоциональная сторона творчества GYBE! полнейшим образом раскрывается в прозаических строках лирики к открывающему альбом номеру “The Dead Flag Blues”: просто океан депрессии, тонущая в мире безысходности надежда, так называемая «романтическая агония». А в начале “Providence”, видимо, случайный человек передает нам слова священника о конце света, хотя сам очевидно не верит в это. Неумолимо тянет к соучастию и сопереживанию.
Итак, перед нами 3 монументальных полотна суммарной продолжительностью около часа. В этой музыке можно плавать, погружаться и не выныривать. Еще под нее хорошо размышлять, воскрешать картины из прошлого. Иногда музыка кажется слегка затянутой, но динамические сдвиги (сыгранные в ритме “One of These Days” Pink Floyd и быстрее) и порой мрачная психоделичность скрашивают томление ожидания. В “The Dead Flag Blues” нас ждут нежные, апокалиптические партии скрипки и виолончели, грозные звуки разгоняющегося поезда и восхитительные инструментальные зарисовки в духе Эннио Морриконе. В “East Hastings” сначала можно услышать волынку, потом нечто в тональности похоронного марша, затем постепенно набирающую силу и скорость тревожную музыкальную тему с тяжелым симфоническим налетом, а завершают все это безумие психоделические эксперименты, бросающие вызов психике слушателя.
В “Providence”, длящейся целых 30 минут, помимо своеобразной «музыки сфер», которая составляет в общем не менее 50% музыкального полотен альбома, можно услышать и какие-то библейские мотивы, и подлинный марш, воскрешающий к новой жизни, и даже ожесточенную ударную молотьбу в самом конце. Между этой, последней, частью и предыдущей находится полоса выразительной тишины, позволяющей почти забыть о том, что поставлен диск. Кстати, «J.L.H» – это John Lee Hooker.
А что изображено на обложке? Вот примерно такие слайды и демонстрируются на концертах этой группы. Artwork представлен все теми же черно-белыми красками, философскими континуумами, объясняющими мироздание и разводящими по углам слова-сигналы –
по горизонтали: F# - regret – A# - desire;
по вертикали: ∞ - fear – ∞ - hope
– чертежами, документами…
Оформление, в общем, пахнет, кинетизмом.
Эффект музыки GYBE! можно описать и путем сравнения с компьютерной игрой – проникнутая предчувствием приближения конца света «Fahrenheit (Indigo Prophecy)» подойдет лучше всего. А этот альбом всего за 60 с лишним минут перенесет Вас во все точки земного шара и даст почувствовать рассеянные в воздухе Страх и Надежду.

Blackknot  23 авг 2006

В 2000-м году все обалдели: Radiohead вконец отошли от клише британской гитарной музыки (вы знаете, как она называется) и записали (неожиданно) экспериментальный альбом. Англия, естественно, не Америка, но и тут могли удивиться. Что поделать, у Radiohead ситуация к моменту создания нового альбома напоминала то, как было у Pink Floyd после «DSOTM» и перед «WYWH» (надеюсь, подобные аналогии не будут выглядеть кощунством). Идей не было, зато было сильное желание поменять стиль, уйти от назойливого внимания поклонников, хотевших одного и того же, и критиков, так щедрых на ярлыки.
Атмосферность была усугублена отсутствием живых инструментов и внедрением стерильной электроники. В эмоциональном плане здесь было вообще все запущено: беспросветная депрессия, навеянная опять же эффектом современных технологий (альбом-то вроде как концептуальный и рассказывает о жизни человеческих клонов). Этим дышала и лирика, и музыка! Вот теперь-то оказалось, что Radiohead действительно прогрессивны! Кстати говоря, в группе можно выделить две ключевые фигуры. Первую знают все, а вторая, возможно, часто остается в тени – это ведущий гитарист группы Джонни Гринвуд. Он-то и проявил к электронике, пожалуй, больше всего интереса.
Этот альбом почти не раскручивался, но интерес к Radiohead после «Компьютера» был такой, что этого и не понадобилось. Малопонятно, с чего это все потребители мэйнстрим-рока вдруг стали такими любителями нестандартной музыки.
‘Everything in Its Right Place” – холодные, почти статичные клавишные с заунывным, как никогда, вокальным исполнением. Неровен час, и врожденная меланхолия группы эволюционирует в тягчайшую депрессию. “Kid A” представляет мягкие клавишные точечные проигрыши под прерывистый стук драм-машины (слышится здесь что-то японское). Вокал Йорка в этой песне невозможно узнать, настолько он завялен электронными фильтрами. “The National Anthem” – это настороженная бас-линия под электронно-звучащие бесстрастные живые ударные с последующим подключением разнообразной духовой секции (создается отличный эффект винегрета). С “How to Disappear Completely” мы возвращаемся к привычным вокально-инструментальным Radiohead образца «Ok Computer» и «The Bends». Изначально присутствуют: тихая игра акустической гитары и светло меланхоличный вокал Йорка. Постепенно тема обогащается атмосферными созвучиями. “Treefingers” – это вообще нечто неземное. Таким глубинным эмбиентом необходимо иллюстрировать съемки огромных и полностью пустынных аэропортов. Убийственно. “Optimistic”... Думаете, в этом альбоме трек с таким названием может оправдать его (название)? Звучит он, конечно, поживее, но не настолько, чтобы… Такая песня вполне могла бы оказаться на «The Bends» или «Ok Computer».
“In Limbo”. Еще одна вполне нормальная рок-песня с гипнотизирующей тихой гитарной игрой и спокойными ударными. Несомненно, говоря о «нормальной рок-песне» необходимо сделать скидку на изначальную странность музыки Radiohead.
“Idioteque” – моя самая любимая песня на альбоме и одна из фаворитов из всего творчества Radiohead. Мощный электронный бит (похожий на 2-step, вытеснивший drum ‘n’ bass на английских танцполах в начале нового века) с динамичной электронно-экспериментаторской озвучкой и упадочный (в хорошем смысле) вокал Тома Йорка, в припевах уходящий в откровенное нытье (также в хорошем). Это-то место и нравится мне больше всего: “Here I’m alive everything all of the time…”. “Morning Bell”. Грубоватый предыдущий трек несколько смягчает этот, чуть более доступный, но экспериментов в области звука здесь тоже хватает. Зацикленный электронный бит, как будто не получивший развития drum ‘n’ bass, мягкие клавишные и как всегда спокойный вокал.
Ну а напоследок Radiohead приготовили то, что действует как эмоциональная разрядка после трудного пути, сопровождаемого страданиями (приходит на ум “Outside the Wall” c сами знаете какого альбома Пинк Флойд). Отлично функционирует и отсутствие названия у этого трека – “Motion Picture Soundtrack” – совершенно ни о чем.
Не хотелось бы произносить дежурных фраз, вроде «этот альбом не хуже предыдущего, он просто другой», но так есть на самом деле. Но, как по мне, «Kid A» музыкально слабее своего предшественника, хоть и намного более новаторский.

Blackknot  23 авг 2006

Radiohead этим альбомом сделали многое. Обывательское сознание получило новый объект для нарекания его титулом «новый Пинк Флойд». В каждый исторический промежуток появляются новые герои, которых считают воскресителями былого и проводниками связи между музыкальными эпохами. Конечно же, люди, не сильно разбирающиеся в прогрессивной музыке, склонны преувеличивать заслуги этого коллектива. С другой стороны, в ярых прогрессивных кругах группу часто недооценивают.
Все-таки рискну сказать, что «Ok Computer» заслужил свой легендарный статус. Он имеет неповторимый вкус классики XXI века, опираясь на вершины космического рока 70-х, но устремляя взгляд в пост-роковые дали. Вот как говорит об «Ok Computer» Том Йорк: “Большая часть нового альбома – это бегство от действительности. Вам надо прослушать этот диск не меньше пяти раз, чтобы понять о чем он”. А он о том, о чем и нужно рассказывать сейчас, в ближайшем и дальнейшем будущем – о темпе современного города, о технологизации, об эмоциональной опустошенности и одиночестве.
1) “Airbag”. Мягкая, спокойная меланхолическая музыка с соответствующим вокалом, не лишенная космического звучания. Помимо гитары, звучащей с атмосферностью меллотрона, интерес представляют также трип-хоповые моменты со скрэтчами а-ля британский проект U.N.K.L.E. Первоначальное название композиции – “Last Night an Airbag Saved My Life”.
2) “Paranoid Android”. Очень харизматичная песня, одна из лучших у Radiohead. Музыка со сказочно-мечтательным оттенком и протяжное пение Тома Йорка – вот то, чем отмечена условно 1-ая часть композиции. Вскоре в музыку потихоньку вкрадывается таинственность (бас-линия). В 2:42 музыку сотрясают жесткие риффы и следующее за ними соло Джонни Гринвуда с мощным дисторшеном и ярким экспериментаторским началом. А после этого психоделического взрыва мы слышим нечто вроде реквиема, который имеет пост-апокалиптический оттенок (здесь очень радуют ухо отлично выстроенные многоуровневые вокальные партии). Где-то после 2-х минут этой расслабляющей музыки нас ожидает повторение жесткой инструментальной части и сходное по построению соло.
3) “Subterranean Homesick Blues”. Название происходит от песни Боба Дилана “Subterranean Homesick Blues”. Очень атмосферная музыка: звучащие откуда-то издалека клавишные и гитара, в некоторых местах напоминающая Дэвида Гилмора.
4) “Exit Music (For a Film)”. Музыка для заключительных минут фильма. Глубоко депрессивно. Поначалу мы слышим только скупую акустическую гитару и одиноко звучащий голос Йорка, но в припеве присоединяются и темные хоралы. Когда Том поет второй куплет, появляются звуки непонятного происхождения и после нескольких секунд звучания тарелок под мощный бас вступает меллотрон, и пение Йорка становится очень эмоциональным. Заканчивается эта композиция словами: “We hope that you choke that you choke”, опять источающими одиночество.
5) “Let Down”. Одна из моих любимейших песен на альбоме. Эталон музыки “Chill-out”. После удушающего предыдущего номера можно наконец-то вдохнуть полной грудью. Магия звука, призванная гармонизировать внутренний мир слушателя, создается при помощи космической гитары, замечательного мягкого вокала (который особенно великолепен на словах “You know where you are with…”) и неплохих ударных. Удивительно мягкое выражение восприятия движения и скорости.
6) “Karma Police”. Моя самая любимая песня Radiohead, наряду с “Creep” и “Idioteque”. На мой взгляд, гениальная композиция, которая также провела много времени в мэйнстриме. Начало – это игра фортепьяно и акустической гитары. Через некоторое время вступают громкие ударные, и Том Йорк затягивает свою грустную повесть. Припева тут как такового нет - слова “This is what you get” произносятся подчеркнуто невыразительным, тихим голосом (может быть, в этом и заключается их выразительность?) на фоне прекрасного фортепьяно и чуть слышной акустической гитары. После второго куплета все опять повторяется. “For a minute there I lost myself” – эти слова звучат с особенной болью и тоской. Они подчеркиваются хором и еще какими-то электронными эффектами, а вскоре музыку заслоняют собой электронные шумы, по которым, я думаю, теперь можно безошибочно узнать песню. Популяризации “Karma Police” способствовала эффектная экранизация песни.
7) “Fitter Happier”. Филлер-интерлюдия. Компьютерный голос, излагающий принципы рациональной жизни, звучит подчеркнуто холодно также благодаря красивой и меланхоличной игре фортепьяно.
8) “Electioneering”. Эта песня выбивается из контекста альбома, так как в ней Radiohead показали свое уже почти утраченное альтернативно-роковое лицо. Интересно слушаются эти прямолинейные рок-н-ролльные риффы после эмбиент-ориентированных звуковых пейзажей первой части альбома. Ближе к концу музыка становится очень громкой, благодаря мощному гитарному соло и ударным. Даже как-то ранние The Who вспомнились…
9) “Climbing up the Walls”. Продолжение рефлексивно-медитативной линии альбома. Голос Йорка искажен и иногда как бы стремится слиться с космической аурой песни. Во второй половине песни в музыке происходит взрыв, но инструменты и вокал по-прежнему звучат предельно нечетко и размыто.
10) “No Surprises”. Эта вещь должна быть знакома многим, так как была хит-синглом и имела видео-воплощение. По музыке – типичная колыбельная, в названии которой и заключается ее наиболее точная характеристика.
11) “Lucky”. Меланхолично, печально, трогательно. Появление такой песни на этом альбоме особенно необычно. Небесные гармонии а-ля Pink Floyd наиболее заметны ближе к концу композиции.
12) “The Tourist”. Мне думается, что этой песней Radiohead предвосхитили свое погружение в более-менее пост-роковые эксперименты. Хотя здесь их музыка еще слишком тепла, душевна и, стало быть, далека от отстраненного и попросту брутально-депрессивного характера следующего альбома.
В итоге можно сказать, что в 1997 году у Radiohead вышла ни в коем случае не коммерческая поделка, не претенциозное эпигонство, а (лучше сказать) околопрогрессивная классика 90-х годов. Впрочем, данная группа даже слишком «на любителя» и «под настроение». При этом она не хватает небес с неба, а просто играет чертовски эмоциональную музыку. Я должен быть честен с собой и признать, что очень люблю этот альбом, чтобы быть объективным. Надеюсь, все почувствовали мою самокритичность.

Blackknot  23 авг 2006

Видимо, поняв бесплодность попыток достичь какого либо знаменательного прогресса в сфере джаза и смежных с ним областях, Роберт Фрипп двинулся наконец в ярко выраженную рОковую сторону. Смена состава существенно омолодила звучание, но это в большей степени поворот к традициям дебютного альбома. Полностью новый состав, за исключением ядра группы, конечно, смог создать нечто неожиданное, и вместе с тем каноны соблюдены: узнаваемые балладные структуры, жесткий вступительный номер, повсеместное стремление к экспериментам.
Начинается альбом с композиции, в которой заложены атрибуты нового периода KC: подчеркнуто жесткая гитара, обилие перкуссии, необычайно уместная, придавшая музыке группы новые оттенки скрипка. “Larks' Tongues in Aspic. Part One” – абсолютная тайна.
Сначала это интригующие перкуссии, держащие слушателя в напряжении. Затем звучат ничего не объясняющие тревожные скрипка и гитара. Эта часть – одно из самых интересных «затиший» перед бурями в прогрессивном роке. Мощный риффинг сразу же воскрешает в памяти золотые времена “21st Century Schizoid Man”. Следующий затем инструментал радует глаз пестротой вездесущей перкуссии Мьюира и ударных Бруфорда, вызывая ассоциации с увлекательнейшим остросюжетным детективом. Скрипка – как раз то, чего очень бы не хватало новому KC для заострения контрастных углов, и в этом мы можем убедиться, послушав соло (очень «английское») Дэвида Кросса после предшествующей динамичной части. Затем скрипка на некоторое время пропадает из поля зрения (слуха) и возвращается, играя тревожную мелодию, которую сопровождают какие-то голоса. Новый взрыв, и теперь музыка становится похожей на кисель образца ранних Pink Floyd. Заканчивается тема тихим звоном.
“Book of Saturday” демонстрирует нам, что Джон Уэттон – достойный последователь Грега Лэйка, красоты и эмоциональности вокальной работы ему не занимать. Гитара и нежнейшая скрипка отлично обрамляют и пронизывают его вокальные партии. Песня имеет оптимальную продолжительность, чтобы немного разбавить экспериментальность предыдущего номера, а главное, ничего не стучит, не звенит…
“Exiles”. Начало очень угрожающее. Освобождение от груза неизвестности и просветление наступает внезапно. Перед нами предстает красивейшая инструментальная работа, сильная единством составляющих ее партий: лиричная скрипка, чудесные акустическая и электрическая гитары, меллотрон, исконно «кримзоновский» стиль ударных. Вокал опять безупречен.
“Easy Money”. Голос Уэтонна очень тих, зато бас внушителен. С самого начала отлично запоминаются вокальные партии, громоздкие ударные, гитара. Нельзя не упомянуть гитарное соло Фриппа, которое в сочетании с разнообразными эффектами очень соответствует содержанию песни. Заключительная его часть приходится на разбушевавшиеся ударные и перкуссии.
“Talking Drum”. Все африканское проходит в пределах первых 2-х минут. А далее – без предисловий. Переплетающиеся соло-партии скрипки и гитары под мощнейшую ритм-секцию звучат поразительно современно и не по времени жестко.
“Larks' Tongues in Aspic. Part Two”. Вторая часть данной композиции уже куда более предсказуема, но не менее интересна. Начинается эта вещь с жесткого риффинга в духе Led Zeppelin. Через 50 секунд мелодия получает умиротворенное симфоническое оформление. А 4-ая минута дает музыке уже хаотическое направление. Видимо, борьба противоположностей и является смыслом этой композиции.
Ну что ж, замечательный альбом. Интересен исторический момент: в 1973 году кульминировали symphonic art rock и space rock, а Фрипп с новой командой и старым названием тем временем осваивали уже металлические вершины прогрессивной музыки, заботясь о наследниках. Становится понятно, почему кумирами Tool являются King Crimson. Что касается моего отношения к «Larks' Tongues in Aspic», то этот альбом все же не произвел на меня такого впечатления как “In the Court of the Crimson King», но, естественно, за свежий взгляд и основание новой серии альбомов группы ему нельзя не поставить оценку, близкую к 10 баллам.

Blackknot  16 авг 2006

Одновременно с выпуском концертного альбома Фрипп решил пошутить. Недолго думая, он решил связать свою шутку с этим событием. Но эта шутка из разряда черного юмора.
Главное, что отличает этот концертник, это чудовищно плохой звук, который откладывает свой отпечаток на звучании всех инструментов и общем впечатлении от пластинки. То, что звучало очень в тему в студийном варианте, здесь рельефно выводится на первый план, выставляя напоказ на этот раз свои уродливые углы. Именно таков характер этого концертника – угловатый, неуклюжий, ужасно дисгармоничный.
Очень удачным было решение Фриппа не помещать сюда многое из студийного арсенала группы. Тем не менее, две широко известные композиции все же были исполнены.
Знаменитая “21st Century Schizoid Man” начинается просто ужасно: каша звука, приличная всему, только не арт-року. Более всего звук портит основную тему, с вокалом. Лучше всего звучит соло Мела Коллинза и кое где растянутая инструментальная часть в середине.
Джазовый инструментал “Peoria” звучит вполне удобоваримо, поскольку плохое качество звука не сильно сказывается на игре на саксофоне Мела Коллинза, басу Баррела и ударных Уоллеса. Будьте готовы: с 5-ой минуты Бозу взбредет в голову петь всякую чушь, и в это же время Коллинз уступает место гитаре Фриппа, который и будет играть что-то не очень яркое до конца.
“The Sailor's Tale”. Опять мимо кассы. Музыканты сходу начинают играть инструментал с середины, и вообще я не почувствовал, что они хотели добиться хоть какого-то эффекта цельности. Это даже «собраньем пестрых глав» не хочется называть.
Заглавная вещь начинается с одиноко стучащих ударных. Вновь лидирующий саксофон, вновь поющий ни о чем Баррел. По традиции с 4-ой минуты саксофон сменяет солирующая гитара Фриппа. Музыка ну никак не оправдывает название.
“Groon”. Интересное вступление, примечательное абсурдистско-авангардным звучанием. Джазовая ритм-секция, кричащий саксофон. Затем почти то же, что мы слышали на треках 2 и 4. Около 6:30 берет начало соло на ударных Уоллеса. Звучит сыро, поначалу кажется живым и оригинальным, но вскоре зацикливается. Камнем преткновения опять же является звук. В самом конце 11-ой минуты появляется космический нойз, сварганенный знаменитым аппаратом VCS3 (памятным по «DSOTM» Pink Floyd).
В итоге можно сказать, что King Crimson подвело и качество звука и однообразие материала, поскольку приоритет отдан исключительно саксофону. Инструмент, конечно, хороший, но на одном этом далеко не уедешь. Первый явный прокол за всю историю творчества детища Роберта Фриппа.

Blackknot  16 авг 2006

«Islands» – мир и спокойствие глазами King Crimson. Фрипп подумал-подумал, да и решил сделать тихий альбом (впрочем, не первый), броские цвета в котором не играют существенной роли, а бал правит медитативная составляющая. По-прежнему для нас играют Мел Коллинз и Кит Типпет, а это значит, что King Crimson продолжают свои заигрывания с джазом. Это неплохо, учитывая класс музыкантов и результат, увековеченный на двух предшествующих альбомах. Кроме того, перед нами новый вокалист. Боз Баррел – идеальный пример вокалиста на один альбом (пардон, ему «посчастливилось» позориться вместе с группой на «Earthbound»). Басист он не особо сильный, зато силен хореографией. Вот только интересно, как мы можем убедиться в этом (ботинком он ритм, что ли отбивает?). Уоллес стучит очень достойно, на уровне с предшественником.
Начинается альбом с созерцательной музыки, которая отражает искусство группы в плане плавного, спокойного развития темы (в противовес жестким контрастам их же творчества). “Formentera Lady”, открывающаяся игрой контрабаса, которая сразу же настраивает на полусонное состояние, замечательна гармоничным дуэтом фортепьяно и флейты, формирующим расслабляющие звуковые ландшафты. Вокал Баррела тут же получает возможность зарекомендовать себя с лучшей стороны, как наиболее соответствующий атмосферной палитре музыки. С безболезненным переходом в “Sailor’s Tale” подключаются акустическая гитара и саксофон, и вместе со стенающим вокалом они создают очень загадочную атмосферу. Впечатляет неожиданно быстрый инструментальный джем после нехитрого ритмического рисунка тарелок, в котором постепенно все четче обозначаются ударные и саксофон. Гитарные импровизации Фриппа, как мне кажется, не совсем на месте, но прилично работают на контраст. Вторая часть инструментального джема приобретает всю силу выражения, благодаря быстрым барабанным дробям Уоллеса и тревожному меллотрону. Еще раз отметим эффектное завершение инструментала.
“The Letters” поначалу очень спокойная и печальная, но тяжелая духовая секция и искаженная гитара Фриппа не оставляют от былой гармонии и следа. После этого нам предлагают еще раз убедиться в таланте Мела Коллинза благодаря его коньку – саксофонному соло. Второе пришествие Боза Баррела отличается резкостью и болью в голосе. Композиция оставляет ощущение недосказанности.
“Ladies of the Road” удивляет битловскими вокальными гармониями и общей похожестью ритма на “Come Together”. Обращает на себя внимание удачная стыковка гитарного соло Фриппа и саксофонного Коллинза. Данная композиция звучит вполне в духе KC, благодаря инструментальным партиям, но зачем нужно было использовать такую стандартную блюз-роковую манеру?
“Prelude: Song of the Gulls” – вещь, за которую чаще всего критикуют альбом. Действительно, такая красноречивая претензия на захват еще одной музыкальной области команды с таким, и так далеко не самым узким профилем, как у King Crimson, вполне может вызвать недоумение. Однако в качестве инструментала, предвосхищающего в высшей степени одухотворенную заглавную песню, “Прелюдия” очень даже сойдет.
“Islands” – очередная удачная баллада от King Crimson, хотя для Фриппа и компании такое определение вряд ли применимо. Мягкий вокал, восхитительные в своей нежности и плавности партии фортепьяно и флейты, умиротворенный меллотрон и ностальгирующий корнет ближе к концу. Красота этой композиции трудновыразима, но она должна входить во все учебные пособия как образчик совершенной гармонии.
Итог. Эта работа выполнена, как и все предыдущие, на высоком уровне, но не все номера можно назвать удачными или хотя бы достаточно выразительными. Посему ставлю 8 баллов.

Blackknot  16 авг 2006

Для тех, кто не понял… Джефф Уокер – не только необычайно креативный человек, но и большой приколист. Тут же вам и подтверждение – в буклете на симпатичном плакатике, копирующем обложку, только с одной небольшой, но чрезвычайно важной для понимания смысла альбома деталью. А написано там следующее: «Hey, Fuck ‘Em If They Can’t Take A Joke!». Красноречиво и очень точно выражена мысль-отношение к окружающим старины Джеффа. И это далеко не последний прикол на этом диске. Перед нами необычайно драйвовая, искренняя и колоритно передающая кантри- атмосферу работа. Никакого пафоса, все просто, без претензий. Слово «Carcass», по-моему, было вставлено в название не для того, «чтобы альбом хоть как-то продавался», а для того, чтобы лишний раз приколоться: вот такую «зверскую» музыку делают Carcass в новой жизни (ждете гор-тематику, гроулинг и тяжелые риффы от Билла Стира, остервенелый скриминг Джеффа Уокера и бластбитовые проходы Кена Оуэна – тогда получайте, и не говорите после этого, что Nile играют брутальнее). Кстати, микроскопическая доля бластоподобных ударных все же была привнесена в этот альбом. Видимо, для смеха.
А если серьезно, то от Carcass здесь мало что осталось, наверное, только драйв времен «Swansong». Поскольку гитарную линию здесь гнут многоуважаемые Томи Койвусаари и Еса Холопайнен, то саунд отчетливо напоминает Amorphis. Старина Билл Стир украсил альбом своими новыми «tools of the trade» - губной гармошкой, слайд-гитарой и своей на 100% блюзовой манерой игры. Кен Оуэн не исполнил никаких ударных партий, а только произнес пару слов в начале альбома. Вокал Уокера все матереет и матереет.
«Welcome to Carcass Cuntry» наполнен невиданной жизненной энергией, подобно произведениям Гоголя из всем известных циклов. Поэтому анализировать материал на предмет хитовости нелегко. Творческая бригада под руководством тов. Уокера умеет играть как быстрые, энергичные номера, так и неспешные, харизматичные, так, что они, безусловно, зацепят слушателя.
Лично мне пришлись по душе и застольная “I Can't Help It (If I'm Still in Love with You)”,
и хорошо сгодившаяся бы для тех же целей разудалая “Mississippi”, и крайне мэйнстримовая “You're Still on My Mind” (которую я слышал еще до выхода альбома),
и элегически грустная “The End of the World” (имеющая, кстати, странное окончание: шаги, звук закрывающейся двери), и один в один напоминающая вокальную манеру одного легендарного фолк-рокера “Rocky Mountain High”. Особенно стоит отметить очень самобытную песню “I Just Dropped in (To See What Condition My Condition Was in)” c блестящей блюзовой игрой Стира (в т.ч. на фоне аккуратного бластинга). Очень удался музыкантам также заключительный номер программы – “Keep on Rocking in the Free World”, который своей неописуемой энергетикой как бы ставит жирную точку в этом альбоме.
Альбом стопроцентно рекомендуется любителям нестандартных подходов, носителям здорового чувства юмора и более всего тем, кто устал от городской суеты и хочет вырваться на зеленые просторы деревенской жизни. Лично меня он заставил вспомнить и переслушать отличные фолк-роковые альбомы раннего Боба Дилана.
Побольше бы таких экспериментов от Джеффа (но только не в стилях «рэп», «нью-метал» и иже с ними). В данном конкретном случае он не виноват, что, когда он играет каверы кантри исполнителей, у него не получается грайнд или хотя бы дэт.
Альбом необычайно уместен. Кто слушал, тот также меня поймет.

Blackknot  15 авг 2006

Этот альбом, поначалу не понятый мной, до сих пор постоянно бередит мою душу и всем своим многогранным великолепием буквально кричит о том, что является тем, чем и должен был явиться – шедевром. Мне по-прежнему не совсем понятны объективные причины его культового статуса, но я и мысли не допускаю, что он его не достоин. Ребята сделали огромный шаг по сравнению со своим чисто грайндовым прошлым. Внедрение прогресса в дэт-грайнд – это еще слабо сказано. Этот альбом сам является олицетворением дэт-металического прогресса! На самом деле «Necroticism - Descanting the Insalubrious» - сложное, синтетическое образование, вызывающее необыкновенное совокупное впечатление. Carcass – действительно самобытная группа, и на этом альбоме (как, впрочем, и на других) их стиль не спутаешь ни с чем. Музыкальные полотна пестрят разнообразными риффами, причудливыми ритмами, блистательными по технике и эмоциональной окрашенности гитарными соло и нетривиальными ритмическими рисунками ударных. Все это, а также общая нецелостность, обладающая всеми преимуществами гармонии, делают из «Necroticism»-а легендарный альбом, наглядно продемонстрировавший, как можно смело избегать штампов, идти на эксперименты, ломать стереотипы. Кто скажет, что здесь нет диалектики грайндкоровой (хаотической) брутальности и чисто английской лапидарности, упорядоченности дэт-металических риффов? Не здесь ли лицом к лицу столкнулись агрессия и кошмарный цинизм по отношению к человеческому телу после смерти и потрясающие поэтические мотивы ностальгии по уже утраченной жизни (или еще только медленно, но неумолимо покидающий пределы бренного тела) и чистой, искренней меланхолии. Не исключаю, что назвал далеко не все чудеса и удивительные крайности этого альбома. Список может быть продолжен…
Что же можно отнести к составляющим успеха? Помимо недюжинного композиторского таланта, который группа показала в полной мере во всех 8 композициях альбома, нужно упомянуть великолепную сыгранность и индивидуальный вклад каждого участника группы. Командная игра – залог непременного успеха. Итак, пройдемся по этой аллее звезд, состоящей из восьми кирпичиков цельного золота. Как там сказал Уокер?
“Orchestral horrors I vehemently conduct…” (“Carneous Cacoffiny”).

1) Первая песня – великая “Inpropagation” – до сих пор кажется мне чрезвычайно трудной для понимания. По крайней мере, мне она не нравилась очень долгое время, и я считал начало «Necroticism…» смазанным. Начинается первый столп «Некротицизма» с атмосферного вступления, на фоне которого бесстрастный женский голос со всем холодом научной логики вводит слушателя в мир царство паталогоанатомии. Но вот, после энергичнейшей ударной сбивки Кена Оуэна и еще одного проигрыша мы переходим к одному не очень быстрому, но очень беспокойному ритму. Голос Уокера звучит очень резко и обладает максимальным отрезвляющим эффектом. Между делом, проскальзывают грайндовые куски. Во время следующего куплета просыпается соло-гитара Стира (“Dust in the mausoleum”). А в 3:11 звучит уже эффектный лид-запил Эмотта (“Compost humous horticulture”), подчеркивающий грандиозный характер альбома. Еще один быстрый фрагмент, и около 4:11 (у Carcass, как в аптеке) имеем дело с еще одним красивым проходом (коих в альбоме вообще немало) с грамотно солирующей гитарой Стира (“Humanure”). Далее музыка становится как будто спокойнее, и соотвественно увеличивается количество заковыристых ритмических рисунков. На последних секундах композиция отчаянно пытается закончиться, и, в конце концов, у нее это получается.
2) После небольшой лекции о трудностях идентификации расчлененных тел мы переходим к номеру под замысловатым названием “Corporal Jigsore Quandary” – практически визитной карточке альбома. Стоит заметить, что уже появляются признаки некой концептуальности «Necroticism»: тематика, заявленная в названии песни, явно связана с содержанием речи, предваряющей ее. После сложных ритмических дебрей “Inpropagation” нам предлагается более прямолинейная и драйвовая композиция. Здесь прекрасны и классическая ритм-секция с участием 2-х бас-бочек, и мощный, зубодробительный саунд гитар, и захватывающий стиль каркассовского повествования с участием 2-х рассказчиков – носителей 2-х разных вариантов вокала: Уокер преподносит нам основную сюжетную линию, в то время как Стир как бы уточняет и дополняет ее. Прекрасно достраивают картину витиеватые соло в исполнении Стира (“Human Jigsaw”) и Эмотта (“A heaving organic puzzle”), как будто пытающиеся раскрыть загадку, заявленную в названии песни, но все больше запутывающиеся.
3) В следующей песне “Symposium of Sickness” некий (патологоанатом?) говорит о том, что какие-то «святые последних дней» обвиняют его в нарушении моральных устоев. Заканчивается пассаж странным “Prepare to Die…” и… и начинается великая грайндкоровая рубка (лесопильные гитары и зверские бластбиты). Сразу после этого композиция становится очень динамичной: буквально не успеваешь уследить за логикой музыкального развития, бешеным чередованием вокальных партий Уокера и Стира. Неожиданную передышку обеспечивает соло Эмотта (“Necrononism”), уносящееся куда-то в космос. В остальное время изменения происходят исключительно в заданных рамках композиции. А вообще “Symposium of Sickness” перенасыщена текстом. Но это и понятно – Symposium все-таки… Но и мелодических выкладок соответственно на порядок больше. Кстати, в этой песне находятся соло с самыми красивыми названиями. Это и неожиданно появляющаяся в середине 4-ой минуты лид-партия Стира (“Eschatological excavation”), и мелодично-меланхоличная дуэль между Эмоттом и Стиром на последней минуте (“Corpsereality”и “Cold logistic language” соответственно).
4) “Pedigree Butchery”. О, это знакомое слово! Да и в коротком спиче говорится о предназначении людей в пищу собакам. После этого мы слышим бодрый риффинг, периодически заканчивающийся акустическими вкраплениями. Гитарные соло Стира (“Gutted, hashed and deboned”) и Эмотта (“Prepared on the slab”) очень романтичны, и в то же время несут в себе какую-то страшную тайну! Далее мы можем слышать почти веселый дэт с вокалом Уокера (и изредка Стира). Грайндовым бластбитам (в случае с Carcass я привык относить их именно к грайнду) нашлось место и в окружении такой оптимистической и в немалой степени интеллектуально звучащей музыки. Особенно приятен риффинг после очередного соло (“Choicest, prime cuts”) от Эмотта в пределах 4-ой минуты. После еще одного мозаичного соло Стира (“Firm, meaty chunks”) нам предстоит насладиться околоджазовым фрагментом (в духе Cynic), наполненным восхитительной игрой акустических гитар, производящей релаксирующее воздействие… Заканчивается композиция также божественной грустной гитарной игрой, правда, чуть слышной и быстро уходящей из поля слуха. Так заканчивается эта антигуманная песня, не брезгующая душевнейшим лиризмом.
5) “Incarnated Solvent Abuse”. Под гул, царящий в медицинских лабораториях (операционных, пост-операционных), женский голос вещает нам о том, что в случае невозможности визуального опознания тела патологоанатом может взять отпечатки пальцев. Опять сложности… Эта композиция, начинающаяся с грайндовой долбежки, на самом деле является наиболее легко воспринимаемой песней альбома в силу незамысловатости своей структуры и большой дозы драйва, содержащейся в ней. Классные прямолинейные риффы с энергичным драммингом Кена Оуэна сменяются столь же прямолинейными, но уже намного более медленными и тяжеловесными риффами. Порой Оуэн переходит вместе с остальными музыкантами на веселые, раздолбайские панковские ритмы. Первое соло (“Glue stiffing”) – Билл Стир играет в очень динамичном ключе, проскакивают авантюрные мотивы. Второе соло (“Viscous residue snorting”) – Эмотт выдает душещипательную партию, исполненную поистине шекспировского трагизма (кровь стынет в жилах, сердце рвется из груди!). После такого – только эхо свершившегося катарсиса, но и тут настроение весьма неоднозначно! Завершают песню как всегда красивые, запоминающиеся риффы и то, с чего все и началось – мясорубка.
6) “Carneous Cacoffiny” – удивительно размеренная и спокойная (в 1-ой части) вещь, служащая контрастом для предыдущей песни. Уже в самом начале некто, невозмутимым тоном рассказывающий о том, где были обнаружены человеческие останки и как это все пахло, сообщает песне колорит рефлексии (даже не знаю, серьезно или комично это звучит). Риффы в условно первой части композиции прямо-таки эпически выдержанные, впрочем, как и ударные. И только вокал Уокера, поддерживаемый грозным ревом Стира, вносит дисгармонию в этот дэт-металический марш английских джентльменов. Но вот музыка неумолимо скатывается в бездну…бездну скорости и реликтового грайндового драйва, вершиной которого, конечно, является бластбитовый пассаж. Но музыке не суждено долго оставаться в лапах скорости. Так, соло Билла Стира (“The ascent to eternal pandemonium and tabulature”) вновь сообщает песне спокойный темп и трогательную эмоциональную окраску. Ну а потом опять скоростные проходы! После этого музыка движется как будто по кольцевой автотрассе, становится предсказуемой, но от этого не мене экспрессивной и мощной. Она, я бы даже сказал, переводит маршевые интонации в скоростное и разрушительное русло. Кен Оуэн, как обычно, неподражаем.
7) “Lavaging Expectorate of Lysergide Composition”. Вот он, эталон структурированного дэта, обладающий железной логикой и не менее глубокой эмоциональной составляющей; наглядный пример того, что и дэт-метал может возвыситься до звания произведения искусства. Эта композиция, пожалуй, до сих пор является моей самой любимой из всего творчества Carcass. Прежде всего, привлекает продуманность музыкальных ходов, а также мощь гитар и ударных. А какие соло! Если после первого, так сказать, вводного от Эмотта (“Administration of toxic compounds”) еще можно прийти в себя, то после 2-х частной соло-партии Стира (“Gross Disorientation”) чувство гитарного великолепия просто парализует. Услышав данный пассаж в первый раз, я моментально дополнил список своих любимых гитаристов еще одним (даже двумя) именами. С не меньшим удовольствием, кстати сказать, в это же время можно слушать игру на ударных Оуэна.
8) “Forensic Clinicism / The Sanguine Article”. Чем ближе к концу, тем грустнее становятся соло и совершенно исчезают предваряющие песни монологи. Правда, напоследок Carcass оставили не самую спокойную в целом композицию. Первые 4 с лишним минуты дэт борется с грайндом и, наконец, побеждает, навязывая композиции монументальное звучание. С 4:50 и начинается новая эра – где риффы как будто точат мозг, а ударные заколачивают в голову множество гвоздей. Первая часть соло (“The Sanguine Articles”) еще несет в себе мятежное начало, но вторая демонстрирует полное смирение и такую грусть, передать которую средствами дэт-метала, казалось бы, невозможно. Гениальное завершение гениального альбома!

Да, на таких альбомах нужно учиться, учиться, и еще раз учиться. Групп, настолько креативных и изобретательных, а главное отличающихся безукоризненным вкусом, в металлической музыке немного. А эта, ни много, ни мало, стала моей любимейшей, наряду с Pink Floyd.
Я бы не сказал, что все великолепие «Necroticism» на виду; в него все же надо хорошенько вслушаться, понять – а необходимость именно этого пути познания и означает, что перед нами без преувеличения выдающийся альбом.

P.S. Эту «больную» рецензию я написал по поводу приобретения оригинального диска. Каково же было мое удивление, когда я, наконец-то, узнал, что вокальные партии действительно исполняли все участники группы! Хоть я и не первый говорю об этом, но все таки...

Blackknot  15 авг 2006

Техничный и цепляющий, предельно жестокий и душевно мелодичный – это все он! Второй альбом Carcass. Развитие, по сравнению с дебютником, просто невиданных масштабов! Материал обогащен интересными поворотами, непредсказуемой сменой грайнда на дэт и наоборот. По этому альбому можно понять, что Carcass в некотором роде деградировали, снизойдя до структур «куплет-припев» в своем последнем студийнике «Swansong» (однако, не перестали при этом играть великолепную музыку). В «Symphonies of Sickness» виден потенциал к прогрессивным начинаниям более поздних альбомов и, в частности, к абсолютной оригинальности «Necroticism».
Можно сказать, что на данном этапе Carcass уже научились писать хиты. К таковым можно отнести “Reek of Putrefaction”, “Exhume to Consume”, “Embryonic Necropsy and Devourment”, “Swarming Vulgar Mass of Infected Virulency”. Вообще первая часть альбома значительно хитовее второй. В наличии имеются внушительные инструментальные фрагменты (иногда значительные по продолжительности, как, скажем, в начале “Crepitating Bowel Erosion”, в конце Empathological Necroticism”), украшенные либо гитарными соло-партиями Билла Стира, либо воодушевленной ударной техникой Кена Оуэна. Соло Стира, кстати, очень красивы и изящны: взять хотя бы те, что в “Exhume to Consume” и “Cadaveric Incubator of Endoparasites”. Билл вполне может гордиться тем, что он стал фактически изобретателем грайндовой гитарной техники.
О всяких каркассовских фишках композиционного плана я уже разглагольствовал, поэтому скажу только, что “Embryonic Necropsy and Devourment” представляет собой превосходный образец этого и, возможно, является лучшей песней на альбоме.
Хотя эта оценка стала стереотипом на этой странице, я все же поставлю ее еще раз. Она наиболее адекватна музыкальному содержанию.

Blackknot  15 авг 2006

«Reek of Putrefaction» – альбом, безусловно, классический. Я бы сказал, что он интересен с множества точек зрения. Его по сей день окружает какой-то мифический ореол, на обстоятельствах его записи лежит печать таинственности.
Действительно, как показали многие предыдущие рецензенты, в этом альбоме при желании можно найти много плюсов. Объяснение этому простое: это Carcass – группа, которая всегда держит марку.
Фирменный грайнд Carcass значительно тяжелее и брутальнее своих конкурентов по жанру; неудачи со звукорежиссурой – ерунда, и не повод снижать оценку. Сочный нойз был нужен этому альбому до зарезу! Почему? Потому что это не просто грайнд. Это, друзья мои, гораздо круче и поэтичнее – GORE grind. Иначе говоря, для того, чтобы завоевать репутацию радикальных патологоанатомов, точнее, раздвинуть границы обывательского сознания, группе категорически нельзя было мыть инструменты (скальпели, щипцы, ножницы и пр.), им нужно было быть грязными и мерзкими на звук, т.е. остаться максимально экстремальными и, как следствие, андерграундными.
Начинается альбом с монументальной, поднимающей gore-антиэстетику на высокий пьедестал “Genital Grinder”. Далее – с “Regurgitation of Giblets” по “Malignant Defecation” нашему вниманию предлагается мощный грайнд со звуком на уровне демо-записи.
Еще раз обращу внимание на своеобразное звучание инструментов: кашеобразные ударные с приглушенными бласт-битами на высоте – музыкальный материал очень украшает именно такое звучание; гитара Стира уже здесь достаточно технична, чтобы не формировать представление о грайнде как о непроходимо тупой музыке (риффы энергичные и приятные, но соло пока что грязные и какофонические – уже здесь они имеют названия), бас спрятан глубоко. Вокальная работа стала эталоном для всего последующего поколения брутал-дэтстеров & гор-грайндеров; главная отличительная черта – разнообразие, пестрая гротескность партий.
Общее впечатление – сверхбрутальная музыка, сыгранная малоопытными, но уже подающими большие надежды музыкантами. Звукорежиссеру нужно поставить памятник.
Я беру на себя роль того сумасшедшего, который вычленит в этом бурном потоке «музыки» примечательные композиции. Не ради красного словца, выделю: тотальный ужас “Carbonized Eyesockets”, “Fermenting Innards” c полусумасшедшим риффингом (которая, кстати, была с блеском исполнена группой на Peel Sessions в 1990 г.), весьма комичную на первых порах, но серьезную и достаточно брутальную все остальное время “Burnt to a Crisp”. Замечательно оканчивается последняя песня альбома, как будто освобождающая от цепких лап ужасной музыки. Но при внимательном прослушивании выясняется, что материал очень интересный и нисколько не прямолинейный!
И последнее. Музыканты всячески старались убедить публику, что движущая сила текстовой основы их музыки – юмор, специфический английский черный юмор. Об этом ни в коем случае нельзя забывать. Фильмы ужасов поскучнели, и появился веселый Carcass.
Между прочим, коллажи на обложках первых двух альбомов выявляют недюжинные арт-способности Джеффа Уокера: интересно, сколько он перевел учебных пособий своей сестры на изготовление этих шедевров?
Я вдруг подумал: если я признаЮ за «From Enslavement of Obliteration» право называться культовым альбомом грайндкора, если некоторые люди ставят (и я их не упрекаю в этом) альбому тех же Napalm Death «Scum» 10 баллов, в чем виноват «Reek of Putrefaction»? Но классика классикой, а истина дороже.

Blackknot  15 авг 2006

Ephel Duath – группа, которая, наряду с норвежскими экспериментаторами Arcturus и Ulver, открывает новые горизонты в блэк-метале (одновременно все больше и больше удаляясь от него с каждым альбомом). Черное Искусство в понимании музыкантов этой итальянской группы – это блэк с совершенно неповторимым феерическим и чарующе-гипнотическим звучанием. Музыкальное полотно наглядно показывает, что такое таинственность и авангардная непредсказуемость в музыке: здесь и оглянуться не успеешь, как бласт-бит сменится техноидными ударными и электронными ритмами, а в следующей песне умиротворенно заиграет акустическая гитара. Но при этом всегда наличествует атмосфера – типично арктуровский «инфернальный маскарад», правда, изрядно ускоренный, более электризованный и обладающий сомнительной, я бы сказал, претензией на здоровый вкус. Мозаичность музыкального полотна совершено не вызывает ощущения несовместимости разрозненных компонентов, ведь Ephel Duath создают мир, в котором не действуют законы традиционной логики.
Недурно было бы привести несколько примеров организации музыкального пространства у экстравагантных итальянцев. Однако описывать эту музыку бессмысленно. Ее можно сравнить с фейерверком на ночном небе, и ее своеобразие заключается в контрасте легких неуловимых мелодий и роботизированных ударных. Ударные зачастую причудливо меняют ритм, кружатся в вихре вместе с клавишными мелодиями. Отсюда другая ассоциация – метель. Конечно, для такой изысканной музыки неплохо было бы поставить преимущественно чистый вокал, а то преобладающий скрим на таком фоне слушается как-то странно. Странно, но эффективно.
Из всех композиций хотелось бы выделить неожиданно спокойный инструментал “Myriad” c некоторым средневековым, фольклорным оттенком.
Вот такая здесь музыка. В дальнейшем состав команды существенно обновится, и музыканты бросятся в другую крайность – джазовые импровизации.
А этому альбому я, жутко сомневаясь, ставлю 10. Эта музыка как раз и призвана порождать сомнения.

Blackknot   4 авг 2006

Звания «шедевр» так просто не даются. Но этот альбом его заслужил. Гениальная задумка, получившая блестящее и сверхоригинальное воплощение. Тут налицо и талант, и что самое главное, актерское мастерство, театрализация. Музыку можно представить в виде алмаза с множеством граней, который сияет ими, тем самым визуально передавая множество музыкальных тональностей. Ясно, что добавить что-то существенное к вышесказанному (не мной) – просто непосильная задача, а охарактеризовать атмосферу диска лучше, чем это сделал предыдущий рецензент, попросту невозможно. Ближайшие литературные ассоциации – Гофман и Лермонтов (куда же без его теории масок?).
Начинает альбом пугающая и одновременно чарующая “Master of Disguise”, освещающая художественные горизонты темного представления и в то же время окутывающая все тайной. Все здесь обладает (и будет обладать в течение всего альбома) особой притягательностью: меланхоличное фортепьяно, то призрачная, то ярко различимая гитара, артистичный вокал Гарма и, наконец, целостно оформленное художественное построение. Вторым номером идет потрясающая по создаваемой атмосфере и опять же безупречно эстетическая в композиционном отношении “Ad Astra”. Это поэтичное ожидание чего-то, завершающееся динамичным путешествием «к звездам». “The Chaos Path” – возвращение на землю и первое, так сказать, реальное соприкосновение с миром маскарада. Конечно же, в освещении Arcturus этот акт приобретает гофмановский, ирреальный оттенок и фантасмагоричность, а особая театральность композиции напоминает пинкфлойдовский “The Trial”. Больше всего мрака и таинственности, бесспорно, нагоняет зацикленная заглавная вещь. После нее хоть потоп… Он и наступает. Симфонический. Начинается, пожалуй, со вступления к “Alone” (классно звучат филигранный симфонический фон и выведенный на первый план довольно сырой бласт-бит). В последующих композициях заметно меньше уникальности, но больше стабильности и плавности. Хотя по названиям этого не скажешь...
Ну ладно, хватит. Шедевр. Комментарии излишни. Окиньте взглядом оценки из предыдущих рецензий - я что, сумасшедший?

Blackknot   4 авг 2006

Первый альбом Behemoth был подготовлен приличным количеством неполнометражного и чисто демонстрационного материала. Качество записи наводит на мысли, что так и должны звучать наши братья-славяне, так скромно и непритязательно. Вообще же блэк здесь не сильно мрачный, зато позволяющий чувствовать этническую близость и пробуждающий патриотические чувства. Главное же, что его отличает, это наличие доли (и немалой) вселенской грусти. Действительно, такие моменты альбома, как “The Touch of Nya”, “Ancient” и “Hell Dwells in Ice” позволяют говорить о чем-то большем, чем просто об истинном блэке времен подъема жанра.
Музыка в целом не является твердолобым «тру» рубиловом, материал довольно гибкий и оригинальный. Удивляют высказывания некоторых критиков, утверждающих, что группа никогда не шла своим путем, а все время копировала своих более успешных и самобытных коллег. Так вот, в этот период Behemoth вовсе не копирует идеи Immortal, а схож с ним только в одном – в творческом подходе, исключающем зацикленность и плоскость зрения.
Музыку трудно разбирать по составляющим, ибо творческий импульс здесь задан именно атмосферой. Гитары очень размыты, а ударные резко очерчивают свой профиль только в сбивках, производя впечатления грома… Акустика добавляет данной работе той самой архаичности и жизненного правдоподобия, что так важно для языческих по тематике произведений. Печальный надрывный скрим Нергала втягивает в целостное художественное образование под названием «Sventevith (Storming Near the Baltic)» и заставляет душевный мир эмоциально перестраиваться (интонации его воплей воскрешают в памяти образ знаменитого арестанта Варга Викернеса в первых альбомах Burzum). Честно говоря, другого такого почти что светлого и в хорошем смысле позитивно-мрачного альбома в жанре блэк-метал я еще не слышал, а ведь создал эту работу известный польский злобарь Нергал!
Впрочем, во второй половине альбома, как было сказано выше, краски сгущаются. Но не особенно. Особняком стоит последняя композиция, отличающаяся несколько другим звуком и большей агрессивностью.
Особенного внимания заслуживают открывающая, движущаяся к какому-то эмоциональному надлому “Chant of the Eastern Lands” c пронзительным гитарным соло в конце, коим этот надлом и выражается; достаточно спокойная и атмосферная “Hidden in a Fog” и… оправданная временем (сейчас-то это звучит не шибко оригинально) картина мира под названием “Hell Dwells in Ice”. Как-то слишком отстраненно она звучит, учитывая характер альбома в целом. Стаи волков, безлунная ночь и пр. – готовый учебник по практической мизантропии. Особенно силен образ луны, покрытой свежим мясом.
Итак, это очень хороший альбом, который, может быть, даст повод любителям дэтового Behemoth полюбить его блэковый период. К этой категории отношусь и я.

Blackknot   4 авг 2006