Лейбл «Tympanic Audio», выдавая с каждым годом все больше релизов и привлекая в свои ряды молодых и зачастую даже интересных электронных музыкантов, не забывает также переманивать под свое крыло авторов, до этого имевших контракты с весьма именитыми и даже культовыми конторами. Вот и французский проект Zeller не стал продлевать отношений с «Hymen Records» и передал свой новый альбом «Turbulences» американскому издателю, сохранив при этом верность своему хаотичному и почти что антигуманному (точнее, исключающему человечество из цепочки эволюции) стилю. Названия треков пропитаны космической тематикой, но не стоит увлекаться и заправлять в планшеты космические карты – по степени разрушительного воздействия музыку Zeller можно сравнить с последствиями компьютерного вируса, поразившего мозги всех жителей планеты Шелезяка и приведшего их за грань разрушительной войны, перемесившей в мясорубке все микросхемы, сервоприводы и кремниевые процессоры.
Холодный, безжизненный звук. Ломанные, а точнее, разломанные и снова собранные как попало ритмические конструкции. Нагнетающий, обступающий со всех сторон эмбиентный фон, сквозь прорехи в котором вываливаются отстраненные голоса, крики, шум и гам улиц, обитатели которых еще не знают, что по задворкам и подземельям уже шагает апокалипсис, выбрасывая губительные порции яда. Мелодиями француз не злоупотребляет (услышана всего одна внятная тема в «Dark Matter Observatory»), выбирая в качестве костяка композиций не гармоничные звуковые структуры, а абразивные цифровые шумы, угрожающие частоты и ритмы, к конструированию которых подходит с маниакальной дотошностью, стремительно перемещаясь между стилистикой breakcore, IDM-мной заумью, индастриалом и техногенным rhythm`n`noise, выдавая каждый раз абсолютно разный, но в равной степени интересный, изрядно раздражающий неподготовленный слух результат. При этом создатель Zeller не лишен иронии и успевает попутно поиздеваться над клубными танцульками, потрепав изрядно приевшиеся сэмплы («Child Robots Contine»), но все же серьезность сохраняет до конца, отстраненно присматривая за созданными им техногенными чудовищами, которые гарантируют хорошую встряску вашей нервной системе. Мощный, сложный и «мясной» релиз.

Maeror3  14 окт 2010

Слепая Елань - так называется болото, заросшее травой, и такое же название носит загадочный проект из Подмосковья, о котором ровным счетом ничего не известно. Сохраняя таинственность, музыкант(ы) даже не дает названия трекам, зато охотно признается в любви (см. буклет) ко многим именитым коллективам, часть из которых относится к категории «тяжелой музыки», остальные обитают в стане «post industrial» - упомянуты, в частности, Maeror Tri, Sun O))), Dusk, Karjalan Sissit, Khanate, Summoning, Lustmord и Старуха Мха. Где-то на музыкальных просторах, порожденных этими формациями, «Неизбежность» и существует в своем угрюмом бытие, балансируя на грани темного эмбиента, коим полны альбомы разномастных блэкеров, и индустриальной, зачастую еще более мрачной, построенной на статичном и шумном гуле продукции, «конкурентоспособной» реализации которой в данном случае мешает лишь простота используемых автором средств звукоизвлечения.
Принцип этой музыки прост – сначала порождаются звуковые волны, монотонные, записанные зачастую с большим перегрузом; выгибаясь, пересекаясь и рассеиваясь вязким гулом в необозримом и безжизненном пространстве, они, не торопясь выстраиваться в осознанные мелодии, но и не чураясь их, обрастают мелкодисперсионным шумом, который, создается такое впечатление, присутствует здесь для того, чтобы обозначить претензии на «индустриальность», - убери весь этот песок, заполняющий стереоканалы, и останется тот самый black ambient, атмосферный, холодный и донельзя минималистичный (читай «сыгранный одним пальцем на домашнем синтезаторе «Casio»»). Цифровой ветер, вторгаясь в эти простые конструкции, спутывает ветряные колокольчики и тревожит подвешенные металлические предметы, заставляя их издавать немного истеричный лязг и скрип. Вдали, за горизонтом событий и в глубине болота бухают раскатистые удары, отраженные эхом. Все эти элементы часто концентрируются в довольно агрессивные и шумные звуковые конгломераты, но большую часть времени проводят все же в медитативном самосозерцании, обитая где-то среди заброшенных деревень, затопленных полей, гнилых, покосившихся деревьев, одиноко доживающих свой век на сырых кочках, в ночных полях, тишину которых нарушают странные звуки и голоса. Cхожие образы способны породить многочисленные творения одиночек-мизантропов, но Слепая Елань среди этого множества, надо отдать должное, выглядит вполне достойно, хотя и без особых изысков. До многих обозначенных выше групп подмосковному проекту, понятное дело, далеко, но, надо понимать, что никто и не ставил целью скопировать тот же Lustmord, - речь идет об источниках вдохновения, об ориентирах, а они у проекта правильные. Впрочем, связь с музыкой Старухи Мха, особенно с альбомом «Rusali», прослеживается более чем явная, а некоторые моменты гула в сочетании с шумом радиопомех заставляют вспомнить о «Норме Реакции», это если говорить о явных параллелях, на которые нужно ориентироваться слушателю, выбирающему этот диск для прослушивания.

Maeror3  12 окт 2010

За свое недолгое существование такой стиль электронной музыки, как IDM (под странные и изломанные разными шизофрениками ритмы которого мало кто танцевал, но многие охотно слушали, прирастая той самой пресловутой интеллигентностью), следуя суровым реалиям жизни, проделал путь из рэйверского прошлого с его амфетаминовой беззаботностью до мрачного постиндустриального настоящего, приобрел суровость, напряженность, подружился с шумными и ритмичными коллегами и обзавелся приставкой «dark», став в таком виде снова весьма актуальным и востребованным. Музыкант из Орегона Тейннер Вольц, если верить пресс-релизу, электронной музыкой занимается с начала девяностых, и уже успел «наследить» релизами на лейблах «n5MD», «En:heg» и «Piehead Recordings», а вот в 2008, почувствовав, куда дует ветер музыкальных перемен, организовал проект Anklebiter, в рамках которого стал выставлять на суд публики тот самый dark IDM – меланхолично-тревожную музыку, базирующуюся на задумчивых мелодиях (выдающих интерес автора к ретро-эстетике), как правило, неторопливых пульсирующих ритмах, изрядно потрепанных суровым дисторшеном (порой все-таки разгоняющихся от истеричной аритмии до вполне жизнеспособного равномерного пульса), и набитую под завязку шумными кусочками цифрового мусора, создающими в итоге пресловутый sound design. Не знаю, чего ожидал сам автор, давая такое название своему второму альбому, но мы, простые слушатели, дождались практически образцового электронного релиза. Мелодии на грани светлой грусти и депрессии эмоциональны, выверены и хороши, показывая, что именно в них скрыта сильная черта Anklebiter, - а вот когда Вольц начинает заигрывать с абстрактными формами звучания, изгоняя лирику и наслаивая друг на друга бесформенные эффекты («132»), результат ухудшается в разы, точнее, становится обычным. Отдельное спасибо автору за следующие композиции – «Absolution Is a Plushtoy» (странно, но открывающая альбом вещь одновременно и выдает с головой все, что будет услышано в дальнейшем, и, в то же время, оставляет сильное желание безостановочно прослушать диск до конца, в надежде найти что-то столь же захватывающее), «I Will Wait» (самая «лаунжевая» и спокойная композиция, под нее хорошо дремать по утрам, желательно в компании, ограниченной одним, но очень близким человеком), «Accessible» (наглядно демонстрирующую пройденный IDM`ом путь на «темную» сторону) и «Frigid» (постоянно расширяющийся в пространстве техноидный монстр с акцентом на «симфоническую» масштабность, замешанную на эстетике саундтреков для старых хорроров). Ложка дегтя характерна, увы, для многих релизов «Tympanik Audio». Чем ближе финал альбома, тем более устало звучат треки, из них выветривается напряжение, ломается костяк, остается лишь навороченный и шумный «звуковой дизайн», предрекая не самое радужное будущее электронной музыки. Перед нами – ее, электронной музыки, осень, не устоявшийся еще баланс тепла и холода, света и тьмы, но вполне предсказуемая победа последней. Recommended, как пишут «у них, на Западе».

Maeror3  12 окт 2010

Над созданием материала для этого сплита потрудились два весьма уважаемых музыканта, в реальной жизни разделенные Атлантическим океаном, что совершенно не помешало перекинуть через него мосты дружбы, а канадцу Pagan Hellfire даже предоставить белорусу Folkvang партии ударных. От этого ли господин Ветер так выигрышно звучит на фоне бескомпромиссных треков Инкарнатуса, или же по какой другой причине, но Folkvang являет миру, безусловно, достойную всяческих похвал музыку, слегка отодвигая зарубежного коллегу в сторонку.
Начинаясь с традиционного и ни к чему не обязывающего акустического вступления, «Water, Fire, Air and Earth» быстро перескакивает в тревожно-возвышенное настроение, подчеркнутое монотонной мелодикой плотно сбитых гитарных риффов, сплетенных в гипнотические гармонии, лязгом перкуссии и напористым ритмом, от которого сбивается дыхание. Эту хтоническую мощь подхватывает и развивает следующая композиция, «Renovation» - подлинный шедевр, без шуток. Напоминающий раннее творчество Drudkh тщательно выверенный поток вполне себе хитовых мелодий, яростного скриминга, разгоняющихся барабанов и завораживающих гитарных переливов. Песня, после которой хочется побыть в тишине и попытаться осмыслить, что же только что Folkvang разрыл своей музыкой в глубине души, отчего там стало так пусто и тоскливо? «Night Is When We March» - это кавер на одну из вещей Pagan Hellfire (сделанный, видимо, в обмен на барабаны), демонстрирующий скорее дэтовое звучание, менее атмосферное и более «приземленное». «Murder» тоже нельзя назвать самостоятельным творением Ветра, это вариант хита «Кататонии», вариант хороший, выполненный с душой и со всем уважением, но запоминающийся почему-то только необычным эффектом блуждающих по стереоканалам гитар.
Звучит Folkvang насыщенно и разнообразно, особенно на фоне того, что выдал здесь Pagan Hellfire, истоки творчества которого бьют из ледяных и отравленных родников скандинавского блэка – перегруженные и искаженные дисторшеном гитары (звучащие гораздо резче, нежели у предшественника), монотонно выводящие одни и те же высокочастотные хриплые риффы, бластбиты, выведенные на передний план, истошный крик, доносящийся издалека, минимум развития и холодная, депрессивная атмосфера – из этого набора сложены «A Symbol of Unity» и «To Take Up Arms», песни, перетекающие друг в друга и оказывающиеся в итоге своеобразной дилогией. На «Impact of Gods» барабаны притормаживают, звучание становится более смазанным и тяжеловесным, концентрация шума еще слегка увеличивается, прорываясь в начало «Erdennacht» - тоже кавер-версии, причем канадец соригинальничал, переработав одну из знаковых вещей культовой дарк-фолковой группы Forseti. Здесь Инкарнатус уже смело бросается в пучину эксперимента, внедряя в поток шумящих-хрипящих гитар пафосный маршевый ритм и отстраненный речитатив, незаметно переводя композицию в плоскость martial-экстетики.
«Firmament Eclipse», безусловно, хорош, и достоин рекомендаций. Музыканты из разных стран и с разных полюсов «темной» музыки проделали сложную работу, добиваясь впечатляющего результата. Кому-то понравятся эмоциональные композиции Folkvang, кого-то очарует пронизанная мизантропией реальность Pagan Hellfire, но обиженным, как говорится, не уйдет никто.

Maeror3   8 окт 2010

«The Distances of Cold» - компиляция, собравшая песни белорусской группы Ordo Templi Orientis, которые до этого были раскиданы по сплитам и малотиражным EP. Если вбить в Интернет-поисковике название коллектива, то первым делом выдастся информация об известной оккультной организации, а уже потом всемирная сеть расскажет о дуэте из сопредельного государства, деяния которого на металлическом поприще немногочисленные сетевые авторы описывают чаще всего как самый настоящий raw & depressive black metal, не гнушаясь также слова «культовый».
В случае «The Distances of Cold» эта информация будет верна лишь отчасти, точнее, она будет немного неполной, не раскрывающей в полной мере сути происходящего на этом диске. Конечно же, в основе всего лежит чрезвычайно депрессивный, суицидальный блэк, как и положено по канонам жанра, записанный грязно и сыро, что, однако, не мешает наслаждаться (если это слово в данном контексте уместно) музыкой – медленной, наполненной истеричным криком и промозглой атмосферой склепов, кладбищ и подземелий, затекающей в уши вязкой болотной жижей, нашептывающей на ухо о пользе ванны, наполненной теплой водой и острой бритвы в руке. Здесь все правильно и верно, никаких вопросов даже у упертых ортодоксов не возникнет – свое черное дело белорусы знают четко. Но это еще не все. Ordo Templi Orientis играют еще и….шугейзинг, ту его разновидность, которую вполне уместно назвать black shoegazing. Девушка (некто Miss Rayne Force) мечтательно о чем-то поет, выпадая из реальности, гитары выводят сыроватые неторопливые партии и тревожные тремоло, с помощью которых музыканты легко добиваются гипнотического эффекта, то тут, то там мелькают клавишные – это не Cocteau Twins, но очень близко. Точнее, это можно представить как джем-сейшен Cocteau Twins и Burzum (просто вообразите себе такую ситуацию) – девичий голосок соседствует с воплями и стонами, глуховатые ударные разгоняются до монотонных бластбитов, клавиши тонут в густом гитарном тумане, сумрак становится тьмою и все приходит к своему концу: болезненному, страшному, но неотвратимому. Эффект, надо заметить, получается неожиданно сильный, пожалуй, гораздо более сильный, чем от прослушивания финальной части альбома, которая от всех нововведений и смешивания стилей отказывается напрочь и вываливает на слушателя качественный олдскульный мрачняк, концентрация которого только возрастает на протяжении двух-трех последних композиций. Экспериментальный материал «The Distances of Cold» выглядит весьма достойно, пробуждает интерес (хотя, поначалу, не скрою, было легкое чувство отторжения, которое, впрочем, быстро испарилось) подкупает желанием сделать что-то необычное «на старых дрожжах», оставляя при этом за группой право называться «каноническими», идейными блэкерами.

Maeror3   6 окт 2010

Candle Nine, проект одного человека, проживающего в Чикаго, представляет на своем дебютном альбоме примерно то же, что демонстрирует подавляющее число «подписантов» лейбла «Tympanik Audio» - неуемную тягу к эклектике, попытки собрать свои композиции из всего, что так или иначе определяло электронную музыку в последние лет двадцать, желание создать абсолютно новое, и при этом легко узнаваемое звучание из этих, во многом уже «ретро»-компонентов. Сегодня «темная электроника» звучит так – сочно и мощно (благо современное программное оборудование сравнительно легко и быстро позволяет «накрутить» звук), шумно, агрессивно, порождает мрачные галлюцинации и видения урбанистических пейзажей, несовместимых с нормальной жизнью (оптимизм и вера в будущее, когда-то присущие электронике, теперь воспринимаются как пошлость и заблуждения).
Итак, «The Muse in the Machine» - экскурс в недалекое, но овеянное легендами прошлое, с заходом в гости к Download и Haujobb, перекур на пороге дома Ричарда Джеймса, непременный заход в офис Ant-Zen и братание со шведскими индустриальщиками и их мрачными симфониями, мизантропию которых Candle Nine смягчает меланхоличными клавишными партиями, почему-то вызывающими ассоциации с клочками газет, пойманными в локальные ветряные смерчи на задворках улочек. Бесформенный эмбиент и утопленные в бурлящую бездну атмосферные эффекты здесь положены на дисторшированный ритм, гулкими ударами сокрушающий стены и заставляющий сердце биться в такт ломанной чехарде, которую автор сверх меры уродует неожиданными сбивками, паузами, ускорениями, провалами, «стонами» умирающих сигналов – всем тем, что принято называть браком, но что вполне способно привнести в музыку жизнь, злобную и необузданную, прорывающуюся сквозь бетон городских джунглей. Прорывается она жесточенным rhythm`n`noise («Penumbra»), несется по стальным трубам коммуникаций в ритме «Come to Daddy» от Aphex Twin («Imperfect»), но, сбросив напряжение и пережив все трудности, остается довольно спокойной и размеренной, лишь изредка еще ощетиниваясь на окружающую реальность колючками цифрового шума («Wintermute»). Такова жизнь – и такова музыка. Заслуга автора Candle Nine в том, что музыку (надо думать, и жизнь) он чувствует хорошо, держит руку на пульсе и внимательно следит за правильным развитием каждого трека, делая их энергичными, сбалансированными и вполне себе осмысленными. Все остальное – дело техники, которая музыканта тоже не подводит. Итог – действительно хороший материал, которому трудно простить только некую безликость как результат безукоснительного следования концепции лейбла – это само по себе не плохо, но этим заняты почти что все коллективы и исполнители, имеющие дело с американской конторой, отчего среди них очень легко потеряться и стать клоном тех же Access to Arasaka, например, которые отметились здесь своим ремиксом.

Maeror3   5 окт 2010

Чем быстрее мы несемся навстречу будущему, тем больше наша потребность узнать свое прошлое. Восстановить не просто цепочку событий, протянувшуюся до сего дня – восстановить культурные и этнические мотивы, пробудить то, что дремлет глубоко в памяти, передается от поколения к поколению. Заставить снова звучать забытую музыку. Сборник «Ритуал», изданный культурным центром «Scythian Horn», собрал исполнителей по большей мере неизвестных, энтузиастов, которые своими силами пробуждают эту память звуками и песнями. Два диска – первый из них отдан российским исполнителям, второй собрал творцов из самых разных стран.
Первая половина сборника начинается с песни Евгения Бунтова «Селезень» - тут же хочется отметить «аутентичность» исполнителя. Нет, не показную «лубочность», чем грешат многие стилизаторы, а точное попадание в образ – этакий простой мужичок-сказитель, бродящий по деревням и весям со свирелью, деревянной флейтой и гуслями, и распевающий простые, но трогательные песни. Кемь и ВеданЪ КолодЪ (собственно, это одни и те же люди), безусловно, наиболее заметные исполнители здесь, – женское многоголосье и простые мелодии, сыгранные на древних инструментах, полностью передают атмосферу дохристианской культуры Сибири. Не придраться, люди настолько хорошо знакомы с материалом и настолько погружены в музыку, что срабатывает «машина времени», переносящая человека в те далекие времена, о которых эти голоса ведут речь. Последующие исполнители то подхватывают посыл предшественников, извлекая на свет плачущие флейты, шаманские ритмы и протяжные, гипнотические напевы, то двигаются в сторону актуального арт-фолка, сочиняя тексты «по мотивам» и добавляя электрогитары и синтезаторы. Замечено, что, чем ближе исполнитель к Москве, тем более «современно» он звучит, легко заходя на вытоптанную той же Пелагеей территорию. И наоборот, чем дальше от столицы – тем ближе его музыка к истокам. Выбивается немного Живая Вода с перепевкой казачьей «Степи», да ура-патриотические песни Сколот, которым (особенно в случае с «Князем») не хватает только гитарных риффов, что пополнить армию pagan-metal банд. Все остальные треки хороши, но несколько однообразны – как в подаче материала, так и в поднимаемых темах. Все эти архетипы в виде «Ноченьки», «Русская», «Жнивная», «Заря» кажутся порой повторами одних и тех же мотивов, хотя сыграны и спеты достаточно профессионально, со знанием дела - одним словом, с душой.
Второй диск получился более эклектичным. Тут и Ирландия (пока кто-то из ВеданЪ КолодЪ дует в инструмент, своим звучанием сильно напоминающий диджериду, Джуди Браун равномерно колотит в «ирландский барабан», да и закрывающие диск музыканты Lab Graal, даром что итальянцы, выдают песню, несущую в себе отголоски кельтской музыки), и Алтай (Чейнеш со своим уникальным горловым пением стала одним из самых приятных и неожиданных открытий), и Америка. Гости с этого континента, Kestrel, очень понравились со своей вещью в стиле medieval - и мелодия красивая, и исполнение на уровне, а вот их соотечественники Vysoka, застыв на границе психоделического фолка, как-то разочаровали. Очень хороши чилийцы Kestrel со своей задорной и красивой вещью «Jaya’s Tune» и меланхоличный английский бард Пит Лэшли. Также есть фламенко «по-русски» от Алексея Кравченко (а что, тоже ведь фольклор), странный и непонятый мною номер от русских же исполнителей Kirkincho sp, а под занавес припасена пара выбивающихся из общей массы номеров. Weihan - ну практически martial industrial на стыке с неофолком, типовые раскатистые звуки, эхо хора, горящие факелы и гордый речитатив. Theudho, как и Сколоту, также не хватает только электрогитар, чтобы их трек «Austron» превратился в типичный viking metal (которым они, собственно, и промышляют) с женским «псевдооперным» вокалом. Одним словом, слушателям не придется скучать – «Ритуал» подобен калейдоскопу, являя разнообразные «картинки». И, может быть, это лучший сборник подобной тематики за последние несколько лет, если не единственный. Настоящий и живой дух древней Традиции, сокрытый в самых разных звуках и напевах.

Maeror3   5 окт 2010

«Славяне» - один из тех сборников, пояснения к которому не требуются, все и так понятно из названия и списка коллективов-участников с указанием стран. Действительно, на этом диске собраны песни братьев-славян. Издательство «Скифский горн» подошло к этому проекту ответственно и, что называется, «с душой», постаравшись отразить в этих композициях суть славянской песенной культуры, ее наследие и ее историю, а также взаимодействие с другими музыкальными традициями. Названия коллективов мало что скажут человеку, который не следит внимательно за фольклорной музыкой, – тем не менее, после знакомства с ними будет отличный повод проявить интерес.
Открывающие и закрывающие сборник хорваты Afion представляют немного осовремененный фолк, в случае с «Dej mi, Boze» в наличии чуть ли не трип-хоповый ритм, издаваемый ударной установкой. Следом пойдут коллективы более «аутентичные» – Runo балансируют на грани ритуального действа и необузданной пляски, хор Kornicka немного выбивается из контекста своей интерпретацией рождественского гимна (стоит отметить, что в основном музыканты христианство не затрагивают, предпочитая открывать гораздо более древние пласты народного творчества). Muzicka дает возможность услышать кажущиеся бесконечными напевы, вызывающие ассоциации с уборкой урожая, когда женщины серпами срезают пшеницу и поют, нарушая тишину чудесным и стройным многоголосьем. Monistra «оригинальничают» при помощи пианино и заигрываний с экспрессией испанского фламенко в «Po sluh» – не напрямую, но что-то знакомое слышится. Женский коллектив из Болгарии Trio Tzane обходится или вообще без аккомпанемента, либо с минимальными вкраплениями оного – душа поет, и не нужны никакие другие инструменты, чтобы подчеркнуть красоту человеческого голоса. От этих песен веет чем-то древним, как и от песни «У нас ныне» россиян Веданъ Колодъ. Она отлично смотрелась-слушалась на сборнике «Ритуал» и здесь ей ничто не мешает производить неизгладимое впечатление на слушателя. Внимаешь словам и музыке, и понимаешь, что это родное, настоящее, пусть и отделенное от нас прошедшими веками. Скоморошья Слобода весело провожают зиму и встречают весну, Collegium Fiddle Dolce звучат скорее в традиции средневековых менестрелей Европы, не обходясь при этом без влияния «поп-ориентированного» фолка. Makedonka из, понятное дело, Македонии, напоминают о том, что их страна вобрала в себя множество культур, будучи неким «пограничьем» - «Osogovka» близка к греческой музыке, а в «Mariovska tresenica» можно услышать Турцию с ее ритмами и традиционными мотивами. Svjata Vattra играют разухабистый украинский фолк с бодрым аккомпанементом гармони (где-то над «Верховиной» витают коммерчески успешные призраки Воплей Видоплясова). Ярко выступает хор Tirnavia, Tundri поют что-то необычное, со следами джаза и поп-музыки, но для слуха приятное. И, наконец, снова Afion, более удачного завершения диска придумать было трудно. Мужской голос, скрипка, экспрессия - светлая, немного грустная песня, от которой становится легко и хорошо. Да и вообще, «Славяне» производят самое благоприятное впечатление. Редкий сборник, не спекулирующий на сиюминутном интересе, а открывающий забытые и яркие пласты нашей общей культуры и традиции.

Maeror3   5 окт 2010

Просто и незатейливо назвали свой новый диск белорусы Folkvang, сразу же обозначив настроение, звучание и смысл своей музыки, дабы ни у кого по ходу действия не возникало сомнений, что они слушают именно atmospheric black. Его, сомнения, и не возникает – как не возникает сомнения в том, что это на удивление мощный, красивый и энергичный atmospheric black, «заточенный» под многократное прослушивание.
Чем эта работа способна подкупить слушателя, особенно привередливого и готового, не без повода, при каждом упоминании слова «атмосферный» ткнуть пальцем в бурзумовский «Filosofem» с фразой «наше всё»? Открываясь достаточно традиционными акустическими зарисовками, музыка Folkvang быстро разгоняется, музыканты выстраивают непроницаемую стену звука, собранную из плотных, чуть сыроватых и «жужжащих» риффов, быстрого монотонного ритма (не склонного к перепадам скорости, по интенсивности, степени воздействия и конечному эффекту сравнимого с шаманским бубном), часто выводимого на передний план, четко очерченных или наоборот, еле ощутимых мелодических линий, периодически неподвижно зависающих в воздухе эфемерным облаком и сравнимых в эти моменты с тем, что обычно выдают адепты сумрачного пост-рока. Пожалуй, для атмосферного блэка «открывашка» «The Home Among the Stars» слишком подвижна и грешит (это если зацикливаться именно на «атмосферной» эстетике) частыми переменами настроения и немного неравномерной структурой, что может помешать достижению трансового эффекта, а вот последующие композиции звучат уже абсолютно «в рамках традиции». При этом заметно, что в этих самых рамках музыкантам тесно, и они привносят в свои треки много чего со стороны, интегрируя чуть ли не рок семидесятых-восьмидесятых (вступление «Back to the Roots» по ошибке чуть было не принято за какой-нибудь старый хит «Машины Времени») и размазанные в общем плотном и густом потоке отголоски блюза («Field of the Dead Fires»), напрашиваясь на прибавку к слову «black» еще и слова «post», ибо Folkvang одновременно выдают и совершенно «классический» материал, и размывают границы жанра, делая это не грубо и показушно, а весьма грамотно, заботясь, прежде всего, о целостности и качестве предлагаемого материала. Да, и еще – вокал глуховат и немного зажат, но все слова хорошо проговариваются, в связи с чем не составит труда разобрать, о чем поют музыканты из Белоруссии, космополитично отдавая предпочтение английскому, но не забывая и о языке сопредельного государства России («Isolated»). Для кого как, а для меня, как для человека, стремящегося до конца понять, ради чего люди терзают инструменты и студийное оборудование, это ощутимый плюс, который я с радостью прибавлю к итоговой оценке Folkvang. Более чем достойная внимания работа.

Maeror3   5 окт 2010

В последние годы питерский проект Anthesteria не балует слушателей своими новыми альбомами, сконцентрировавшись на создании компьютерных игр и сочинении для них саундтреков. Вообще, саундтрек к игре – вещь в наших краях все еще редкая, в то время, как за рубежом музыкальные сопровождения к приключениям в виртуальном мире успешно продаются и обрастают культовым статусом, наши авторы пока еще делают на этом поприще первые, но, надо заметить, весьма уверенные шаги. Увы, об игре «Фобос 1953» ничего конкретного сказать не могу, но, если судить по представленным материалам (трейлерам в высоком разрешении на диске, карточкам с изображениями помещений заброшенного бункера, по которому игроку и придется бродить в поисках приключений), можно сделать вывод, что игра получилась атмосферной, и, может быть, даже мрачной. Музыка Anthesteria эту самую атмосферность игровых локаций передает в полной мере посредством аналоговой электроники, индустриальных шумов, пульсирующих ритмов, медленно проносящихся мимо минималистичных (видимо, чтобы не отвлекать игрока) мелодий и пространственных эффектов, потусторонних шорохов и звуковых артефактов советской эпохи (прямо какой-то катарсис наступает, когда в «Electric Shadows» слышишь позывные «Родина слышит, Родина знает»). Удачно вписались редкие гитарные риффы, нервозное дребезжание балалайки («Inside the Bunker»), доказывающее, что игра все-таки пропитана «русским духом», струнные партии и голос, монотонно надиктовывающий бесконечный числовой ряд в «Shortwave Solitudes» (кстати, этот трек написан не Anthesteria, а проектом Soundediting.ru). Все это и многое другое придает музыке особенное настроение и колорит, заставляет отложиться в памяти и минорные проигрыши, и сигналы оборудования, на котором проводили эксперименты с человеческой психикой, о последствиях которых «Фобос 1953» и повествует. Тем, кто знает «Anthesteria» по альбомам «Beyond Nimbostratus» и «Nebesnaya», композиции первой половины этого диска вряд ли напомнят прежнее звучание питерского музыканта, – за это время развитие проекта шагнуло вперед, хотя поклонники «раннего» творчества наверняка оттают сердцем, слушая «кинематографичный» манифест неоклассики «Black March», так и просящийся в финальные титры какого-нибудь серьезного фильма.
Отлично изданный (наверное, не хуже самой игры) саундтрек, который можно рекомендовать не только геймерам, но и тем, кто не любит тратить время перед монитором, отстреливая монстров и разгадывая загадки, а предпочитает закрыть глаза и побродить по коридорам и лабиринтам собственной фантазии в компании с музыкой.

Maeror3   1 окт 2010

Второй альбом омской группы Dreamveil начинается со слов о грядущем будущем, власти корпораций, новой социальной системе и прочих малоприятных, но необратимых глобальных вещах, воспетых футуристами, социологами и адептами киберпанка. Однако, ожидания тех, кто настроит себя на изобличающие дивный новый мир тексты и агрессивную музыку, оправдаются не до конца, – человеку, выросшему в середине 90-х, слово «Технология» на обложке напомнит (как и прически членов коллектива) о другой отечественной группе, на которую Dreamveil напрямую не ссылаются, но, безусловно, любят; сами участники команды запечатлены на «заднике» диска возле входа в затрапезный бар, вокалист похож не на продвинутого кибер-гота, а на Юрия Хоя из «Сектора Газа», а его манера исполнения до боли напоминает Би-2 с отголосками Агаты Кристи и эхом порядком подзабытых Танцев на воле, - одним словом, вместо футуризма здесь правит самое настоящее ретро. Что касается непосредственно музыки, то она аккуратна, но лишена каких-то сильных черт, позволяющих ей достойно конкурировать с популярными аналогами на электронной сцене (хотя омские парни выступали в свое время с такими культами, как Diary of Dreams, например, которым они тут тоже шлют большой привет в виде песни «Закат цивилизации»). Ударные прямолинейны и скупы на излишнюю энергетику, просто задают ритм, на который накладываются всевозможные набившие оскомину трансовые эффекты, весьма удачные клавишные партии (правда, удачность такой партии в глубине «Заката цивилизации» может быть объяснена сильной схожестью с темой из фильма «Терминатор», о чем авторы решили не сообщать), мелькающие то тут, то там и порой незаслуженно обделенные вниманием («Ангелы», outro). В группе есть и гитарист, но об этом вспоминаешь только где-то в районе «Города металла», поскольку до этого гитара звучала исключительно на заднем плане, исключительно плоско и бледно, заглушаемая даже примитивным похрюкиванием синтезаторов в песне «Молчание ангела», которая не только своим названием и лирикой отсылает к пафосному готик-року, но и звучанием бросает мосты любви и дружбы к продукции не первой свежести из этого эшелона «темной» музыки. Нужно отметить тот факт, что, стоит появиться в текстах песен ангелам, демонам, чертям и прочим готическим штучкам, они, тексты, разом глупеют, и вместо обличительного памфлета современной цивилизации становятся «мясными сказками» для эмоционально неустойчивых девочек и мальчиков, красящих губы гуталином по заветам Агаты Кристи. Собственно, композиций, соответствующих заявленной теме произведения всего ничего - это начало («Технология снов»), середина («Закат цивилизации») и самый конец («Дети современных корпораций») альбома, они же претендуют на звание главных хитов. Все остальное в массе своей - более-менее удачные самоповторы, отличающиеся дивными призывами расстрелять гламур («Эвакуация душ») и нагромождением образов и происшествий, для осознания которых и усваивания событийного ряда альбом должен быть прослушан неоднократно. Вопрос, стоит ли это делать, остается целиком на совести слушателя. Подозреваю, что на танцполе омский коллектив вполне может «зажечь» с этим материалом, что готовы подтвердить многочисленные свидетели, но вот в секторе «частного прослушивания» их старания не всегда заметны, а те, что заметны, не всегда убедительны. Из пожеланий на будущее (его, может быть, и нет у цивилизации в целом, но у Dreamveil оно вполне возможно) – работа над звуком (если пишешь об агрессивных гитарах в пресс-релизе, то будь добр) и поиск индивидуального, более современного, энергичного и объемного звучания.

Maeror3  28 сен 2010

Как ни крути, а в биографиях многих, если не всех индустриальщиков нашей страны, до того, как они открыли для себя Throbbing Gristle, Coil, Merzbow и возможности перепаянной аналоговой аппаратуры, отмечена любовь к тяжелой музыке в целом и симпатии к творчеству Варга Викернеса в частности. Глядя на его, Варга, честные, грустные глаза под неполиткорректной надписью «Born to be White», не веришь, что в его жизни были такие «шалости», как поджоги церквей, убийство, многолетняя отсидка с неудавшимися побегами – ведь, если задуматься, начинал-то он чуть ли не с толкиенизма, вещи в целом безобидной, но вон ведь как оно все повернулось. Перед нами сейчас – скорее философ, и хочется верить, что именно философия этого человека, его творчество привлекает до сих пор столько людей, а не радикальные выходки, стоившие ему свободы и честного имени.
Итак, что же русский андеграунд преподносит в знак уважения кумиру, осмысливая его деяния на музыкальном и общественном плане? Безымянное и анонимное intro открывает сборник шумовым гулом, предваряя «Вьюгой Hagalaz» от Ультраполярного Вторжения - noise ambient, собранный из микроэлементов и радиопомех, с простой, постоянно повторяющейся темой на фоне завывания суровой вьюги, перерождается в плотный, переваривающий сам себя шумовой поток, в котором утоплены чьи-то голоса и помехи. «Wolf of the Seas» - это martial industrial в том виде, в каком его представляют себе в нашей стране. Имитация при помощи синтезатора хоральных партий, замедленных в несколько раз, раскатистый маршевый ритм и радиошумы, забивающие мелким песком оба канала. Композиция если чем и берет слушателя, то только нахрапом, чему способствует появляющийся по ходу действия плотный гул, напоминающий звук, с которым лавина снимается с места и сметает все на своем пути. Dasein тоже шумит, но больше «для души». Его трек «Der Schlaf», состоящий из петель, нарезанных из каких-то мелодий, утробного гула, порожденного человеческим горлом, позвякиваний по темным углам и фона из помех, в целом весьма медитативен и атмосферен. «O-Культ» - дань «тюремным» альбомам Burzum. Максимум угрюмого минора и минимум развития, манипуляции с двумя-тремя соседствующими клавишами синтезатора, цифровая метель и «космические» ветра, носящиеся надо всем этим. «Шрам (часть 1)» – вроде бы тоже noise ambient, но все компоненты композиции не кажутся связанными между собой и расползаются в стороны. Это, видимо, понимают и сами авторы, быстро меняя направление и основную тему, но уже поздно. Daemorph выдает довольно интересный трек «Rjah». Писк, шуршание и шум аналогового оборудования, далекий гул и кусочки сэмплов – но сведено все так, что невольно поддаешься действию некоей магии, заложенной в этой вещи. Может быть, все дело в том, что автор нашел каждому звуку свое место и время, породив устойчивую гармонию там, где ее быть не должно? Эта композиция, помимо прочего, отмеряет половину сборника и переход на новый уровень – уже бесшумный. «Истина Северного Сияния» - смесь неоклассики и блэка (который уже никто не ожидал услышать). Клавишные партии, все такие минорные и зовущие, поверх сдерживаемых ударных и пространственно-бесформенных эффектов. Но в какой-то момент Regul вспоминает, что это все таки трибьют Варгу, и начинает обдирать Burzum как липку, вплоть до подрезания характерных частот – выводит на первый план скриминг, делает звук предельно сырым и неразборчивым, разгоняет ритм и монотонные гитарные партии, одним словом, помечает территорию, которую еще никто из его предшественников здесь не занял. Идущий следом трек от Horth хочу выделить отдельно, – наверное, взяв в руки этот диск через год-другой, я вспомню первым делом именно «Rain», а вот почему именно – это сложный вопрос. Может быть, это тот случай, когда простота может быть понятней и искусней всех наворотов. Просто глубокая и приятная вещь, с интересным развитием, грамотным распределением звуков и неплохой аранжировкой. Цепляет. Трудно объяснить, при чем тут «Пригоризонтная Астрофизическая Лаборатория Древних Ариев», но оставим это на совести Arisk Priest, который, к тому же, тоже выступил молодцом. Чистый вокал, маршевый ритм, электронные эффекты, набатный колокол, неброские мелодии и общее ощущение грядущей монументальности – вот только жаль, что композиция так и осталась без развития, просуществовала недолго и не раскрылась в полной мере, хотя и могла. «Зори Ясные», судя по названию, сильно нуждались в дудках, балалайке и прочих атрибутах патриотического фольклора, но обошлись только клавишными пассажами (весьма и весьма профессиональными, судя по всему, родители водили автора в музыкальную школу) да фоновыми разливами синтезатора. Frozen Ocean в который раз оправдывает свое название. «Na Lyset Frigior Oss» - это замороженный dark ambient, гимн беспросветной северной ночи. И гимн весьма удачный. В этом полярном безмолвии находится тайный бункер, в котором Chasm Haze проводит эксперименты над людьми, фиксируя результаты на пленку. Набор из замедленных и укоренных звуков, многочисленные голоса, порезанные на кусочки и перемешанные с вязкой шумовой массой, густой жижей вливающейся в уши. Исправляя ранние недочеты, Ierophania закрывает компиляцию второй частью «Шрама», в которой у них все хорошо, а вот слушателя, утомленного предыдущими звуковыми атаками, может скосить депрессия от этой черной, тоскливой мизантропии.
После прослушивания остается один только вопрос – интересно, а пришлась бы по душе подобная музыка самому виновнику торжества? Наверняка один диск из небольшого (14+88 штук) тиража попадет когда-нибудь в руки Варга. Понравится ли ему привет от русских братьев или он покрутит пальцем у виска? Хотелось бы, чтобы этот диск стал не только достоянием русской индустриальной тусовки – что-то из него можно выкинуть, что-то выступает на первый план только на контрасте, но в целом подборка производит хорошее впечатление. А вот ярым поклонникам Burzum рекомендовать его смысла, наверное, нет, как бы они ни молились на лицо с обложки.

Maeror3  24 сен 2010

Обложка в стиле «сладкий сон толкиениста», руны, пещера с черепами, в которой проходила фотосессия участников Domgård, вооруженных мечами, а также обращение к темам язычества, мистицизма и гностической философии – такое ощущение, что группа постаралась своим альбомом «I Nifelhels Skygd» охватить обширную аудиторию, которая за долгие годы молчания шведов (хотя и предшествующий этому период активности был богат не столько на релизы, сколько на отсидки по тюрьмам, сжигание церквей и прочее мракобесие) могла о них и подзабыть (если вообще помнила, учитывая, что этот диск стал первым полноформатником в их дискографии). Если кто-то уже успел это сделать, то лучше ему возобновить знакомство с данным коллективом, особенно если в душе он считает, что нет музыки лучше, тяжелее и красивее, чем «классический» северный блэк, тот самый тру-блэк, взлелеянный Satyricon, Burzum и ранним Bathory. Музыка Domgård, по большей части (но не всегда) быстрая и агрессивная до предела, объединяет характерные приемы стиля, как то: скоростные бластбиты, постоянно обгоняющие всё и вся; монотонный лязг тарелок; сырой, промозглый звук; яростный скриминг и низкий гроулинг, которые в некоторых композициях сменяет ненадолго чистый вокал. С гитарами, правда, не все понятно – звучат они довольно приглушенно и невыразительно, на слушателя стеной звука не обрушиваются, особо выдающихся риффов и запилов не демонстрируют и порой кажутся не обязательным элементом программы, хотя отдельные соляки и тремоло, изредка возвышаясь над прочими составляющими, привносят в музыку равные порции эпичности и атмосферности, которые поддерживают синтезатор, имитирующий хор и выдающий обычный для жанра однотонный эмбиент, задумчивая «бардовская» акустика и «звуки природы», вроде шума волн и стона вьюги, традиционных раскатов грома и злого волчьего воя. Впрочем, эти «украшательства» музыканты добавляют в музыку не то, чтобы неохотно (скорее, наоборот, все перечисленное обильно представлено в «I Nifelhels Skygd»), но словно бы стесняясь. Заполняют ими паузы, расширяя время звучания до часа с лишним, а потом заглушают их все тем же скоростным молотиловом, тусклым гитарным чёсом, экспрессивным вокалом, пропитывают атмосферой промозглых пещер, северных лесов и заснеженных пустошей – делают то, что у них получается лучше всего с позиции их опыта и личных убеждений. Делают они это хорошо, так что «I Nifelhels Skygd» вполне заслуживает рекомендаций. Дай шведам машину времени и верни во времена становления «черного металла», и Domgård могли бы стать культом, чья тень возвышалась бы над многочисленными последователями – совсем как сейчас тень великих творцов висит над самими Domgård.

Maeror3  23 сен 2010

Обложка с уходящей вдаль цепочкой следов, пасторальные мотивы на фотографиях в буклете и названия композиций сразу дают понять, что о богохульных вещах, расчлененке и тотальном холокосте с перерезанием вен канадцы Finnr's Cane на своем дебютном альбоме вещать не намерены. Выбранные этой троицей псевдонимы (Крестьянин, Раб, Бард) также далеки от всяких Лордов Зло, и отсылают скорее к корневому американскому фолку, отголоски которого на «Wanderlust» нельзя расслышать, но можно почувствовать.
Тяга к смене обстановке, неусидчивость, зов, толкающий неожиданно сняться с насиженного места и идти куда глаза глядят – это мотивы данного альбома, музыка которого пропитана и нервозной тревогой, бурлящими эмоциями от встречи с неведомым или даже опасным, и абсолютным душевным покоем человека, который уверенно идет по пути, не думая ни о чем. Здесь много элементов того, что все еще называют пост-роком и немного элементов пост-дума, выраженных в ритмическом рисунке – прозрачные, растянутые гитарные партии, переливистые, вибрирующие и жужжащие тремоло, меланхолия, чуть смазанный, но объемный звук, неторопливые барабаны, выдвинутые на передний план, и ровный чистый вокал, изрекающий что-то не всегда разборчиво, словно «только для себя», где-то не периферии общей звуковой массы. Тем не менее, это все-таки атмосферный, более того, депрессивный блэк – нужно добавить еще и «не банальный». Канадская троица хорошо справляется со всеми партиями и явно не обделена композиторским талантом, выстраивает свои неторопливые зимние композиции, вписывая в паутину гитарных вибраций виолончель (заменяющую бас, который здесь вообще никак не представлен), и размытые клавиши, создавая объемные звуковые полотна, существующие весьма непродолжительное для подобной музыки время, на протяжении которого они способны убаюкать и очаровать, чтобы в тот же миг разогнаться до предельной скорости (заставляя сердце учащенным ритмом догонять молотилово бластбитов), обрушиваясь эмоциональным крещендо, не испорченным излишним шумом, студийными неполадками и корявой записью, ибо эти музыканты уважают себя и своих слушателей. Минус у этой замечательной работы один – выбрав свой путь и определившись с концепцией, канадцы словно загоняют себя в некие рамки, из-за которых не могут развить звучание и привнести ощутимое разнообразие в свои меланхоличные медитации, отчего финальные аккорды диска сводятся на «нет» самоповторами. Над этой проблемой Finnr's Cane еще предстоит поработать, за все остальное, что есть на «Wanderlust» - высший балл.

Maeror3  17 сен 2010

На своем первом полноформатном альбоме шведы Sorgeldom демонстрируют двойственную природу своих душ, которые разрываются между «классическим» северным блэком и депрессивным черным металлом. Точнее, не разрываются, конечно – просто настроение у этих молодых людей, измученных холодом и суровыми погодными условиями, судя по музыке, весьма неустойчиво и скачет довольно сильно, срываясь с сумрачной и болезненной меланхолии до яростных вспышек агрессии. «Атмосферная» сторона творчества коллектива представлена несколькими композициями, в которых главную роль играют монотонные, иногда весьма удачные в композиционном плане («Innerlig Förmörkelse», закрывая этот «альбом», звучит более чем впечатляюще в своем собственном финале), но зачастую довольно банальные гитарные партии и просто зацикленные суховатые проигрыши, постепенно обрастающие линиями баса и редкими пространственными эффектами вроде «рассыпающихся» клавишных («Då Drömmen Dog, Dödade Dagen Dig», одна из показательных вещей альбома, с довольно неожиданным «альтернативным» вступлением). Начиная выдавать «тру-блэк», музыканты уходят в беспросветные дебри сгустившихся почти до равномерного гула «сырых» риффов, хриплого рыка, отраженного эхом (судя по звучанию голоса, вокалист не смог заставить себя отодвинутся от микрофона дальше, чем на сантиметр, отчего возникают помехи и искажения), совершенно проваленных ударных (бластбиты, однажды разогнавшись в «Oroväckande Förlust Av Ett Förlorat Förstånd», так и долбят где-то на периферии, где на них уже никто не обратит внимание), да «ведерного» лязга перкуссии. Грязно, сыро и очень яростно – набирая обороты, участники Sorgeldom вроде бы и сами боятся этого неконтролируемого разгона, отчего периодически притормаживают бег композиций, вставляя задумчивые пассажи, стремясь добиться при их помощи гипнотического эффекта, столь ожидаемого от «депрессива». Эта дуальность, проходя красной линией в музыке шведов, не всегда воплощается в лучшем виде, главным образом из-за того, что музыканты не всегда находят силы и возможности, чтобы проложить мосты, соединить частички в единое целое, которое полностью бы захватывало воображение слушателя и унесло бы его в мир «Innerlig Förmörkelse». Старания и потенциал парней, впрочем, тоже весьма заметны, что позволяет выдать им необходимый кредит доверия в счет будущих работ.

Maeror3  16 сен 2010

На своем очередном полноформатном альбоме музыкант-одиночка Draug, культивируя безысходную грусть, накручивая себя от композиции к композиции черной тоской и подводя слушателя к последней черте (а вот обнаженная девушка, завернутая в окровавленную простыню, фотографиями которой «украшен» буклет, эту черту явно переступила), от традиций блэка, которые коренились в его раннем творчестве, отходит все дальше, двигаясь в сторону музыкальных пространств, над которыми витает слово «пост», следом за которым угрюмо плетутся «рок» и «дум». Начало «Forlorad», вещь за номером «I», выстраивается из неторопливой, прозрачной мелодии, зависающей в пространстве без регулярной ритмической опоры, и демонстрирующей довольно чистый звук с задранными вверх частотами. Одни и те же гитарные переборы, неторопливо бредущие по кругу, минимум эффектов, легкая задумчивость и тишина, которая может нарушиться одним-единственным выстрелом или стуком упавшей из-под ног табуретки. Вторая композиция начинается примерно так же, но быстро раскручивает маховик злобы и агрессии – появляется тревожная, нервная перкуссия, угрюмо вибрирует бас, навевая ассоциации с ритмом похоронной процессии, появляется хриплый рык, а гитары, наполняясь шумом и вязкой грязью, сдвигаются в сторону депрессивного блэка, но только на время – минут через пятнадцать все это растворится без остатка, оставляя слушателя наедине с минорной, чрезвычайно, не побоюсь этого слова, красивой мелодией, обрушивающей трек из тягостного напряжения в полудрему. Почти что сорок минут под номером «III» призваны, по-видимому, окончательно вышвырнуть слушателя из реальности – закольцованные неспешные пассажи, чистый, отстраненный вокал, развернутые вспять звуки и подрагивание струн в холодной, необжитой пустоте. Довольно минималистичная вещь, коматозное очарование которой способна разрушить только ее чрезмерная продолжительность – этот отрывок альбома уже не просто внимательно дослушиваешь до конца, с ним, скорее, добредаешь, даже уже против своей воли, до некоего предела, после которого повисшая тишина воспринимается как облегчение. Во всем остальном «Forlorad» если и не безупречен, то весьма приближен к этому состоянию – идеальный саундтрек для осеннего мрачняка городских улиц и авитаминоза. Draug, выискивая в темноте свой путь и пробуя все новые и новые возможности, не подвел своих поклонников и на этот раз.

Maeror3  15 сен 2010

«Passing Through the Outer Gates» - стартовый релиз в серии « Eulogy», задуманной американским лейблом «First Fallen Star». Принимая участие в серии, музыканты, чьи интересы лежат на территории dark ambient, neoclassic, drone и industrial, должны в своих произведениях выразить свое отношение к посмертному опыту, осмыслить бытие души после смерти, ее скитания и переживания, различные аспекты бытия «по ту сторону».
Первый диск серии (прекрасно оформленный шестипанельный digipack формата A5 с тиснением серебром) стал и первым «штампованным» CD в истории Mystified, проекта Томаса Парка, в котором гигантоман успешно уживается с графоманом – это если судить по его обширной дискографии, щедро раскиданной по малотиражным «болванкам», изданным никому не известными DIY-лейблами и по просторам Интернета в виде сетевых релизов. Можно было предположить, что Парк для этого знакового в своей творческой биографии издания постарался изо всех сил, чтобы не ударить в грязь лицом – в принципе, он это сделал, но в меру своих сил, которых ему упорно не хватает для создания чего-то действительно интересного. Давая жизнь композициям с «Passing Through the Outer Gates», Томас использует монотонную электронную основу, плавный и бесформенный гул, короткие сэмплы из классических произведений, найденные или сгенерированные индустриальные звуки, а также разного рода доступные эффекты, вроде гоа-трансовых мерцаний в «Soul in Motion». Сэмплы, содержащие партии скрипок, контрабасов, траурных колоколов и различных духовых инструментов он зацикливает, наслаивает и перемешивает с резковатыми и чуть зашумленными текстурами, добиваясь или довольно атмосферного, медитативного звучания, или провоцируя скачки эмоционального напряжения – все это слушается, как отчетный концерт ученического оркестра, хотя и есть здесь свои сильные моменты, способные приковать к себе внимание. Общий мрачный фон своих творений автор подчеркивает ритмом похоронной процессии с еле уловимыми следами tribal, однако в случае с «Approaching Something» разгоняет программируемые барабаны до довольно быстрого темпа, останавливаясь в итоге где-то в районе «темного» downtempo. Во всех этих треках, к сожалению, присутствует «фирменная» черта Mystified - прилежно сводя все (немногочисленные) элементы вместе и расставляя их в нужном ему порядке, автор не особенно заботится о развитии композиции, не стремится к сложным аранжировкам, отчего окончание каждого трека не сильно отличается от его начала. Насколько этот диск Томаса Парка отличается от его же произведений, щедро раскиданных по всемирной паутине – трудно судить, но есть подозрение, что вы не много потеряете, если просто скачаете десяток-другой его альбомов, минуя «Passing Through the Outer Gates». А вот за идею подобной серии лейблу спасибо, будем надеяться, что к дальнейшему ее существованию приложат руки более известные и творческие люди.

Maeror3   3 сен 2010

На своем втором альбоме испанцы «As Light Dies не просто не замечают прокрустова ложа, по которому многие музыканты отмеряют каноны и рамки стилей - они разрубают его в щепки и играют по нему панихиду, смешивая doom, black, death & trash, готику, фольклорные мотивы и электронную неоклассику так, что критикам и рецензентам остается только развести руками и обозвать творчество этих музыкантов как-нибудь вроде progressive dark metal, что бы это ни значило. Начинается «Ars Subtilior from Within the Cage» с мрачноватой, но, безусловно, мелодичной и качественно спрограммированной неоклассики «The Very End», пассажи которой вбирают в себя гнетущий гул хора и эмоциональные всплески оркестра. Думается, что если бы испанцы решили застолбить именно эту нишу «темной музыки», их ждал бы вполне ощутимый успех. Скрежет разминающегося перед выступлением оркестра открывает также и «The Disinherited», но быстро уступает место тяжелым и быстрым риффам, довольно блеклым ударным и выразительному мужскому голосу (к испанскому акценту которого, впрочем, нужно привыкать на протяжении нескольких песен), позади которого тревожно пищат скрипки, вызывая ассоциации с кельтской тематикой. Музыка As Light Dies часто строится на диссонансах, когда партии инструментов словно на несколько мгновений теряют друг друга из вида, разъезжаются в разные стороны, двигаясь каждая со своей скоростью – пример этого можно услышать и в идущей следом песне «Le Nebuleux Sentier», и в «Insignificant Among Insignificance». Впрочем, «Le Nebuleux Sentier» подчеркивает также и интерес группы к акустике, фольклорным веяниям, готической тоске, выраженной плаксивыми скрипками, а также демонстрирует вполне разумную французскую речь, которая звучит здесь чуть более органично, нежели испанский-английский предыдущих и последующих композиций. Упомянутая готика расцветает пышным цветом в «Die letze Fuge vor der Flucht», в чем ей очень способствует пафосная и атмосферная основная тема, исполненная на органе. В «Trapped in Flesh» разудалые пляски соседствуют с брутальным дэтом, в шумливой тяжести которого находится место и для минорных расслабляющих проигрышей. За коротким «Yearning for Blissful Moments While Standing upon the Ruins» (шаги, ветер, колокольчики, ветер, гуляющий по пыльным улочкам заброшенного городка, мрачный синтезаторный гул и траурное пианино) следуют продолжительные, многочастные композиции, которые, с одной стороны подчеркивают умение авторов гармонично сочетать все вместе и сразу, с другой стороны, ясно показывают, что поползновения за пределы десяти минут – не их конек. Вот «Sombra y Silencio» всем хороша – женский вокал, страстно шепчущий и трагично вздыхающий на родном испанском языке, темная, тяжелая атмосфера с тревожными романтическими интонациями, сбалансированный готический метал, построенный на небанальных риффах и сольных партиях гитар. Но ближе к окончанию песни запал музыкантов гаснет, и они скатываются к монотонной музыке, растерявшей всю свою энергию, и даже бесконечные «охи-ахи» не способны ее оживить. «Insignificant Among Insignificance», как уже было сказано выше, полна диссонансов, скрипки в первой половине плохо сочетаются со всем остальным, зато вторая половина превращена в яростный зомби-хоррор с хрипами оживших мертвецов, тяжеленными скоростными раскатами гитар, могучим рыком и чистым вокалом. Видимо, потом все умерли, и бесплотные духи летают над выжженной землей в outro «When Everything Fades Away», представляющий собой бесформенный, размазанный эмбиент с промелькнувшим эхом большого оркестра. Безусловно, талантливый альбом, которому, однако, не избежать вопросов и упреков – в разобщенности некоторых элементов, например, или в их чрезмерном нагромождении. Но, в случае «Ars Subtilior from Within the Cage», симпатии слушателей будут, все-таки, определенно на стороне испанцев.

Maeror3   3 сен 2010

Суммируя название этого второго по счету альбома one-man-проекта из США The Howling Void и звучание представленного на нем материала, можно предположить, что эта музыка идеально подошла бы для церемонии похорон в космосе – оказывают сейчас и такую услугу, отправляя прах на орбиту, ближе к звездам. Впрочем, картина на обложке за авторством Федора Васильева (умерший в 23 года художник уже сам по себе довольно интересная фигура для funeral-эстетики), показывающая русскую распутицу, такую же бескрайнюю, как и звездное небо над головой, быстро возвращает с небес на землю, заставляя мыслить немного другими категориями.
Некто Райан (обозначенный в буклете просто как «R»), отвечая за существование The Howling Void, словно бредет себе неторопливо по той самой распутице (хотя еще неизвестно, как с ней обстоят дела на его родине), часто блуждая и двигаясь по кругу, слушая окружающий мир и предаваясь тоске. Вот и его музыка ходит по кругу – во-первых, она старательно кружит вокруг давно установленных канонов жанра, боязливо пытаясь выдать что-то свое, новое. Во-вторых, Райан, принимая за основу каждой композиции действительно впечатляющую мелодию (особенно западает в душу своей неземной красотой и эмоциональностью тема из заглавной «Shadows over the Cosmos»), начинает постоянно повторять ее, стараясь то ли загипнотизировать слушателя, то ли утомить (первое удается ему чаще, утомить получилось только в «Wanderer of the Wastes», ставшей своего рода границей альбома, за которой раскинуты бескрайние поля совсем уж промозглого doom ambient`a). В этом путешествии из ниоткуда в никуда мелодии прирастают шумом дождя, далеким перезвоном траурного колокола, тяжелым, неразборчивым рыком, гитарными риффами, которых трудно упрекнуть в оригинальности (но и любят их не за это), переливистыми тремоло и короткими интерлюдиями, окунающими слушателя в гнетущую тишину. Также в большом количестве представлен синтезатор - выдавая плавный «космический» гул и эмоциональные зарисовки, а также партии хора, имитирующие похоронный плач, этот инструмент порой занимает слишком много места, отодвигая на задний план и гитары, и без того не самые выразительные ударные. Ничего в этом страшного нет, только у ярых блюстителей жанра могут возникнуть неприятные вопросы к автору. Итог этих стараний американца – хорошо сыгранный и записанный, атмосферный и не очень тяжелый альбом, находящий в себе силы быть (местами) весьма интересным, и показывающий, что главное в музыке – это по-прежнему эмоции и чувства, которые у The Howling Void никак не получится скрыть за пеленой дождя и изгибами безжизненных звездных дорог.

Maeror3   2 сен 2010

Стыдно признаться, но предыдущие два альбома таинственной группы EA прошли мимо меня, так что, набивая эти строки, буду оценивать именно этот альбом, а не всю задуманную и реализованную трилогию – хотя после прослушивания «Au Ellai» желание ознакомиться с ней выросло многократно. Как и прежде, музыканты поют свои песни на древнем и забытом языке (скорее всего, выдуманном прямо по ходу создания материала, тем более манера исполнения вокалиста такова, что слов все равно не разобрать, да и буклет угрюмо молчит, отказываясь делиться какой-либо информацией), воссоздавая атмосферу давно исчезнувших цивилизаций. Стиль «Au Ellai» можно охарактеризовать как epic funeral doom, причем стоит оговориться, что от funeral здесь осталась манера подачи материала, но никак не общий настрой музыки. Она, музыка, получилась возвышенной, масштабной и довольно эмоциональной, чему очень способствует разнообразие использованных инструментов и приемов – мелодичные гитарные соло (с которых альбом начинается), положенные на характерный медленный ритм, соседствуя с тяжелым рыком вокалиста, сменяются вспышками размашистого оркестрового гула, атмосферными партиями синтезаторов, грустными переборами пианино, мелодичным перезвоном треугольника, раскатистыми партиями хора. Совмещая все это в монументальной композиции «Aullu Eina», музыканты четко соблюдают гармонию и логику, лишь под конец допуская некоторое «провисание» повествования, когда неторопливое течение музыки отдается на откуп скупым и монотонным риффам. Вторая композиция «Taela Mu» - это симбиоз синтезаторной подложки, меланхоличных клавиш и обступающих их со всех сторон напряженных гитар. Эта вещь становится предтечей «Nia Saeli a Taitalae», вот уж воистину монументальной и эпической вещи, слушая которую, совершаешь путешествие уже не по древним странам и континентам, а по сказочным, фэнтезийным мирам. Заполняющие пространство и соседствующие с тишиной голоса, масштабные мелодии, впечатляющие гитарные соло в конце – все это производит впечатление качественного саундтрека к высокобюджетным странствиям придуманных героев. Подчеркивая кинематографичность своей музыки, Ea делают очень убедительную заявку на самое достойное завершение альбома (и всей трилогии в целом) – многоголосье хора еще долго будет витать вокруг слушателя после окончания диска, не давая ему покинуть созданный музыкантами волшебный мир – его малую частичку запечатлели на обложке, а все остальное каждому придется додумывать самостоятельно в меру своей фантазии. Не удивлюсь, если после этого альбома Ea или исчезнут, так же таинственно, как и появились, или же кардинально сменят направление своего творчества – в данном воплощении они сказали и показали все, что хотели, оставив нас наедине с замечательной музыкой, которую не скоро удастся заменить чем-то новым.

Maeror3   2 сен 2010

Разглядывая обложку альбома французских хулиганов Tamtrum, сочетающую розовые подтеки гламура и панковский беспредел, хочется поначалу прокомментировать ее строками из песен коллектива, в которых без труда можно найти забористую матерщину и термины, более подходящие для порнофильмов, однако, когда начинает звучать музыка, это желание естественным образом проходит. Tamtrum вообще предприняли смелый шаг – издали два самодостаточных и довольно разных по звучанию EP на одном диске, как бы предлагая слушателям самим выбрать, куда группе следует развиваться в дальнейшем. На деле же получилось, что «Fuck You I'm Drunk» - это, по сути, буйная вечеринка со всеми вытекающими последствиями (хм, в контексте творчества французов фраза вышла какой-то двусмысленной, ну да ладно), а «Stronger Than Cats» - злое, беспробудное похмелье, когда болит голова и хочется материться совсем по другому поводу.
Итак, материал первого «мини-альбома» - забавный, хитовый и разухабистый электро-панк, щедро замешанный на гитарном саунде (опять же, можно представить себе вечеринку, «отягощенную» соревнованием в «Guitar Hero»), в хлестких порывах которого можно расслышать и блюзовые интонации (заглавная песня) и старомодный хард-рок. Все это поставлено на прямолинейный, как рельсы, ритм, не меняющийся на протяжении почти что всех песен, лишь уплотняющийся ближе к «Smart». Звучит все это по-хорошему старомодно – сердцем, конечно, понимаешь, что ребята стебутся, но какие-то повороты мелодий и нарочитый минимализм аранжировок (впрочем, проявится он в большей мере на «второй стороне» диска), вкупе с простоватыми звуками старых синтезаторов, навевают ностальгию по девяностым, когда многие электронщики смешивали техно и рок, выдавая энергичные хиты (и, конечно, KMFDM можно тоже вспомнить). Главный хит здесь – именно «Fuck You I'm Drunk», моментально приседающая на уши вещь, под которую можно прыгать с друзьями, расплескивать пиво и орать фразу, вынесенную в заголовок. Трек создан для ротации на музыкальных каналах и для составителей чартов, не зараженных ложной скромностью.
Второй «мини-альбом» - похмельный. Гитары убраны (или, после вчерашнего, сломаны), есть только драм-машина и винтажный синтезатор, а также сильное желание заехать кому-нибудь по морде. Французы достаточно уверено выдают увесистые порции добротного и экспрессивного олдскульного EBM, тут же заставляющего помянуть Nitzer Ebb. Еще более прямой ритм, скупо раскиданные холодные, «технологичные» звуки и вышеупомянутый минимализм аранжировок, доведенный здесь практически до абсолюта, плюс агрессивный вокал – сейчас такого в «массовом производстве» не встретишь, тем ценнее то, что предлагают Tamtrum.
И «Fuck You I'm Drunk», и « Stronger Than Cats» - идеальны для танцпола, разве что только танцующих лучше развести по разным залам, во избежание проблем. Люди, колбасящиеся под первую часть диска, предпочтут заехать противнику по голове бутылкой текилы, а те, кому придется больше по душе вторая половина, предпочтут воспользоваться булыжником, тем самым оружием пролетариата. Кто из них победит – вот вопрос.

Maeror3   2 сен 2010

Странное название белорусского проекта как бы намекает, что и музыка будет необычной, непростой для восприятия, экспериментальной, о чем сами участники группы не забывают упомянуть в своих интервью. По «легенде», этот материал (являющийся попыткой рассказать историю о трех волхвах, принесших свои дары одному младенцу около двух тысяч лет назад, с астрологической точки зрения - что бы это ни значило, потому что, забегая вперед, скажу, что в звучании альбома это никак в целом не проявлено, разве что названия треков оперируют узнаваемыми образами и архетипами) был записан ночью, и представляет собой местами довольно бесструктурные, а местами очень гармоничные импровизации, выловленные в космическом эфире в «медитативном» состоянии, дополненные текстами Умберто Эко и меланхоличными черно-белыми фотографиями, убедительно передающими заданное настроение. Упоминая слово «экспериментальный», сами авторы охотно делятся со слушателями информацией о том, какие стили и направления музыки в этой самой «экспериментальности» слились – хотя слушателям никакие подсказки не нужны, они и сами легко опознают стилистику гитарного гула, взращенную оказавшей сильное влияние на Re123+ группой Earth и помноженную на безысходную красоту doom metal при усиленной поддержке актуального пост-рока. Добавьте «ритуальной» перкуссии (на ней строится композиция «Three in a Desert», как и множество вещей, в названиях которых упомянута пустыня) и редкие вспышки сумбурного и довольно злого «психодела» – и вы получите «Magi». Ах да, забыл еще баян, этот незаменимый инструмент в руках любого современного «производителя» drone-музыки. Вступая где-то в середине «Way to the Son», он деликатно прерывает жужжащие и вибрирующие, разреженные гитарные риффы, отодвигает на задний план напористый перестук ударных, и рассеивает плотный и вязкий звуковой поток, на фоне которого музыканты выстраивают все партии. В этой обездвиживающей тишине баян, с его плавными изгибами звука, соседствует только с размеренным мужским голосом (мне, как человеку, испорченному всякими этно-заморочками, он больше напоминает творчество Стефана Микуса, нежели коллег белорусов по цеху), погружая в транс, порождая звуковые фантомы, и низводя довольно неуютный настрой этого трека (проявленный в первые минуты) до миролюбивых, закономерно монотонных пост-роковых интонаций, которые удачно завершат не только «Way to the Son», но и весь альбом в целом – из них, лишь слегка подправленных гитарным шумом и отдаленными вспышками тревоги, состоит финальный трек «Gold, Ladan, Mirra», прозрачный и невесомый. Получается красивая и задумчивая музыка, своей бессистемностью, явленной в самом начале, требующая от слушателя открытого сознания и богатого воображения, необходимых для заполнения нарочито разбросанных по звуковому полотну пробелов и недомолвок. Если слушатель принимает эти правила и открывается навстречу «Волхвам» - его ждет более чем приятное времяпрепровождение, совсем не «bad» trip. Но так, конечно, «музыка не для всех».

Maeror3   1 сен 2010

Я не знаю, кто такие эти шведы J. Svensson и M. Nilsson, чем они занимались до того, как объединились под названием «Skogen», но уже с первых секунд открывающей диск композиции «Dimfärd» мне пришлось признать, что: а) вся эта информация абсолютно не важна, потому, что: б) они, черт возьми, настоящие гении. В то время как на бескрайнем поле депрессивного блэка топчется внушительная масса посредственных музыкантов (у некоторых из них, впрочем, все еще впереди), эти граждане Швеции, не внося никаких особенных инноваций в существующие стилевые рамки, смогли записать эталонный альбом, после прослушивания которого многим исполнителям нужно просто поломать свои гитары на дрова, выбросить драм-машину, отдать клавиши младшей сестренке и уйти во двор читать хип-хоп.
От эмоций, впрочем, лучше перейти к беспристрастному анализу. Итак, чем же подкупает «Vittra»? Наверное, в первую очередь, мелодикой. Да, плотные тремоло соседствуют с красивыми, местами («Skuggorna Kallar») вполне себе лиричными гитарными соло, акустическими вставками (почему-то напоминающими фолковый период в истории «Empyrium») и простыми, но завораживающими атмосферными партиями синтезаторов. Нет, слово «соседствуют» лучше не использовать, дабы не создать у читателя (и потенциального слушателя) впечатления, что все это по традиции многих авторов из «черного цеха» просто навалено в одну кучу, порождая не всегда удобоваримую массу из шума и гама. Они, эти элементы, сосуществуют вместе, являясь неотъемлемыми частями гармоничной и идеально сбалансированной музыки, задумчиво-медитативной по своей сути, пропитанной «северным менталитетом», но не лишенной энергичного и агрессивного напора, порождаемого плотной «ковровой» бомбардировкой ударных. Во-вторых, подкупает «Vittra» качеством записи. Вокалист может кричать разъяренным троллем, утробно пережевывать шведские слова или петь чистым голосом в «викинговой» манере, барабаны могут молотить с огромной скоростью или замирать, пропуская вперед тонкую вязь мелодий, гитары и басы могут плести плотную шумовую завесу – а вы все равно расслышите каждую деталь, почувствуете движение каждого звука, ощутите объем, который в какой-то момент может поглотить вас целиком. И, наконец, подкупает этот альбом своими искренними эмоциями – это, как известно, вещь довольно субъективная, но в данном случае музыканты постарались «накрыть» как можно большее количество слушателей, зацепить чем-то каждого из них – и у них это вполне получилось. Засим прекращаю петь дифирамбы, восхвалять этот диск и удаляюсь на повторное, неоднократное прослушивание. Чего и всем желаю.

Maeror3  25 авг 2010

Двадцать четыре с половиной минуты хватило шведскому музыканту, носящему имя Граав, чтобы поставить точку в истории проекта «LIK» (правда, как показало время, ненадолго, но, судя по тем образцам, что доступны на странице музыканта, это уже совсем другая история). Видимо, материал этого короткого диска был особенно важен для автора, раз он вынес его заглавие в название всей трилогии (или наоборот, заглавие трилогии сделал названием диска), и попытался в нем обозначить тонкие взаимосвязи, существующие между двумя предыдущими альбомами, «Må Ljuset Aldrig Nå Oss Mer» и «Besvärtade Strofer». Это самокопание и подведение итогов многие могут назвать регрессом музыканта – действительно, подводя итоги, Граав, видимо, искренне ностальгировал по подвальному сырому звучанию своего первого опуса, откуда перекочевали барабаны (демонстрирующие странную неряшливость в самом начале «Vredens Trolldom»), звук которых больше всего напоминает удары по пустым ведрам (как и в первом альбоме, этим особенно «грешит» здесь именно первый трек, «I Tidens Ände Är Det Tron Som Består»), гитары, вроде бы и отошедшие от блэковой эстетики в сторону «фольклорного» металла, но все еще готовые выдать «жужжащие» тремоло, и даже «готические» элементы (и снова параллели с первым альбомом, и там, и здесь эти мотивы особенно заметны в композициях, идущих под номером «2»), чего на втором альбоме отродясь не было слышно. При этом горделивый и задумчивый одновременно вокал смещён как раз к стилистике «Besvärtade Strofer». Он по-хорошему нетороплив, пропитан «народными» интонациями, эмоционален, и вообще ему, образно говоря, веришь. Продолжительность композиций сбалансирована так, чтобы в памяти сразу всплывали и короткие треки с первого диска, и атмосферные, немного неповоротливые вещи со второго релиза «LIK» - иными словами, наконец-то все проблемы с продолжительностью отдельно взятых композиций были успешно решены.
Очевидно, что слушателям предлагается освоить всю трилогию целиком, как единое произведение, части которого создавались в разное время и в разных условиях, но с единой целью и общей концепцией. В этом случае неприятное многим музыкантам слово «регресс» сменяется фразой «в своем развитии музыка сделала полный круг, вернулась к своим истокам, обогащенная новыми, интересными элементами, которые она впитала за все периоды своего создания». «LIK», завершая свою нынешнюю историю, демонстрирует отличный материал, убедительно передающий дух Севера – действительно, посудите сами, разве примитивные жилища, пустые пейзажи, и символы, отображенные на обложке, могут вдохновлять на что-то другое, нежели на «Lekamen Illusionen Kallet»?

Maeror3  24 авг 2010