Трое взрослых мужиков из Голландии, объединившиеся под названием Floodstain играют гремучую смесь стоунера (шутки про связь «укуренного» рока и родины музыкантов не будет), альтернативы и «классического» рока, и повествуют про то, какая хреновая жизнь, и про то, что только добровольное расставание с нею поможет приблизить свет в конце туннеля. А еще они, если не ошибаюсь, поминают Троцкого и обстоятельства его смерти в песне «Icepick Lobotomy». При этом на своем новом, пятом по счету альбоме «Slave to the Self Feeding Machine» музыканты, так и не последовавшие своим собственным советам, вполне себе живы, бодры и даже веселы.
Семь тяжеленных, заряженных энергией композиций, не разменивающихся по мелочам на тоскливые зависания и унылые сопли, плюс экспериментальный (оттого и бонусный) трек, повествующий о том, что бывает, когда самоубийство все-таки совершено (состоит он из визга сирен и переговоров полицейских по рации, испанский язык которых не позволяет разобраться в обстоятельствах произошедшего, но, судя по интонациям, забирать чье-то тело в морг все-таки придется). Саунд предельно уплотнен и местами довольно грязен (в данном случае это очень хорошо), низко настроенные гитары гудят, жужжат и лязгают, жирный бас от напряжения периодически срывается на хрип, ударник с монотонностью взбесившегося метронома долбит по барабанам, а вокалист яростно выплевывает вместе со словами слюну и брутально ревет в микрофон – этот стандартный, на первый взгляд, набор «юного рокера» Floodstain используют весьма оригинально, переключая в нужном месте и нужное время виртуальные рычажки настроения, и не забывают перемежать скоростной чёс отсылками к хард-року. Также голландская (хотя вроде как обитающая в данный момент в Испании) троица походя топчется на блюзовом поле и демонстрирует таланты на поприще альтернативы, убирая за пояс МТВишных скейтеров с наушниками в ушах, и показывая, как надо делать музыку так, чтобы мозги закипали и кровь бурлила. Музыка не для интеллектуальных посиделок, конечно, но не назвать ее «классной» очень трудно.

Maeror3  17 дек 2010

Шум дождя, раскаты грома и похоронный набат колоколов... Сколько музыкальных произведений, великих, хороших и посредственных, начиналось подобным образом? «Оригинальности хочу», привередливо скажет взыскательный слушатель, услышав начало альбома «A Mass of Despair» группы Cebren-Khal. С этим, возможно, будут напряги – оригинальность не входила в планы французской четверки, другие задачи ставили перед собой музыканты.
Итак, задачи Cebren-Khal: создать эпическое произведение, наполненное отсылками к европейской философии и культуре, органично сочетающее в себе граничащие стили тяжелой музыки. Произведение в меру сложное, рассчитанное не на потеху трясущей хаером толпы, а на вдумчивое прослушивание, побуждающее взять в руки книгу хотя бы того же Данте, иллюстрации к «Божественной комедии» которого за авторством Густава Доре украсили релиз, или же Ницше, цитатам из трудов мыслителя (на немецком, что, опять же, намекает на эрудицию слушателя) тоже нашлось место в буклете. Реализация: более чем убедительная. Правящая в мире современной музыки эклектика позволила музыкантам оперировать элементами «классического» сурового дэт-метала, тоскливого, депрессивного, но красивого по своей природе дума, и мрачного симфонического блэка. Обилие стилистик и подходов к их реализации позволяет французам создать многочастные композиции, строящиеся на резких перепадах и сменах ритма, но при этом не распадающиеся на фрагменты. Струнные инструменты тянут свои уныло-эпические партии, развешивая паутину, которая сметается боевитыми гитарными риффами, иногда срывающимися на нервный визг, романтичными акустическими вставками, и не особенно оригинальными и сложными, но уверенными «соляками», дающими возможность ударнику перевести дух после скоростного «молотилова» и перестроится на новый темп. Поскольку текстовая часть крайне важна для понимания концепции альбома, голоса вокалистов превосходно записаны и выведены на первый план, оглашая округу заунывным плаксивым стоном, гнетущим шепотом, мощным гроулингом и криками. Правда, при таком уровне записи отчетливо слышно, что английский язык для Cebren-Khal мало того, что не родной, так еще и довольно проблемный. Французский акцент лезет со страшной силой, тут ничего не поделаешь, остается только жалеть, что не весь альбом записан на этом языке, а ведь самая первая композиция, «Mortshaped», наглядно показывает все выгоды подобного поступка.
Альбом «A Mass of Despair» склонен в некоторой мере к театральным эффектам, но, тем не менее, абсолютно серьезен и обходится без лишнего позерства и желания понравится сразу всем. Профессиональная запись, чувство меры, отточенная исполнительская техника музыкантов – вот сильные черты Cebren-Khal.

Maeror3  17 дек 2010

Есть музыканты (спрятавшиеся, как правило, в глубоком андеграунде), после прослушивания произведений которых меньше всего хочешь свести с ними знакомство «в живую» - потому, что представляются они законченными мизантропами, способными на раз-два уговорить самого жизнерадостного человека взять в руки лезвие и раскрасить все вокруг в красный цвет. Матрон Торн («Bethlehem», «Leviathan»), если вслушаться в создаваемую им музыку, предстает как раз достойным представителем этой мрачной когорты.
Его основной на данный момент проект Benighted in Sodom заточен под исполнение очень депрессивного блэка, положенного на столь медленный, гулко бухающий где-то на периферии ритм, что приписать в актив музыканта можно еще и funeral doom, что тоже оптимизма и жизнелюбия не внушает. Все композиции «Hybrid Parasite Evangelistica» выдержаны в одном настроении и легко собираются в единое звуковое полотно, посвященное боли, мизантропии, темной стороне жизни и неуверенности в том, что и после рокового контакта с острием лезвия что-то изменится в лучшую сторону. Чтобы это стало всем понятно, Матрон выдвигает свои яростные и отчаянные крики на передний план, а фон отдает на откуп жужжащим зацикленным тремоло, быстро и эффективно вгоняющим в транс, тусклому лязгу перкуссии, регулярно разгоняющимся бластбитам, перемежая все это задумчивыми акустическими импровизациями из серии «кухонный рок», на фоне которых жирными, бесформенными и черными мазками расползаются синтезаторные эффекты. Настроение и темп композиций поначалу скачет очень сильно, заставляя подозревать автора в эмоциональной неустойчивости, что несколько отвлекает и заставляет нервничать. Ближе к концу, правда, в музыке появляется стабильность и кроваво-черные краски немного бледнеют, уступая место довольно прозрачным, отчасти медитативным шугейзинговым гитарным партиям в «Solarium». Сырая, отчаянно «подпольная», грамотно, без явной «кустарщины» сыгранная музыка не без эмоциональных и захватывающих моментов – общаться с Матроном (выпади такой гипотетический случай) я бы все равно не стал из-за описанных выше опасений, а вот знакомством с его музыкой остался вполне доволен.

Maeror3  16 дек 2010

Посвященный 90-летию образования Тувинской Народной Республики первый «the best» (всего их запланировано несколько) группы Yat-Kha из далекой и по-прежнему загадочной Тувы. Организованный Альбертом Кувезиным в начале девяностых коллектив обласкан славой и вниманием слушателей и критиков – но больше на Западе, куда из Тувы активно экспортируется уникальный стиль горлового пения (в случае Кувезина это очень низкий рык) и бережно сохраненные музыкальные традиции, и где Yat-Kha известны участием во многих рок- и этно-фестивалях и сотрудничеством с известными музыкантами и продюсерами.
Стиль коллектива за прошедшие годы подвергался переменам (свой путь музыканты начали в русле актуальной тогда этно-электроники), приходили и уходили люди, но общая идея оставалась неизменной. В песнях Yat-Kha многоголосное горловое пение, неторопливая и кажущаяся обманчиво простой музыкальная вязь, выраженная скрипучими звуками народных инструментов со «странными» названиями и варгана соседствует с рок-эстетикой, всем своим видом показывающей, что характерный прищур глаз – это не только национальная черта, но и тонкая, хорошо скрываемая ирония. Первая половина «The Ways of Nomad» более традиционна и тяготеет к «чистому» фольклору, вписываясь в феномен столь любимой и лелеемой за рубежом «world music», в данном случае, правда, еще не «вылизанной» в дорогих студиях и не адаптированной для «цивилизованного» слуха. «Karangailyg Kara Hovaa», «Doshpuluurum», «Kaa-Khem» и «Amdy baryp hongan cheri...» - это музыка безграничной, продуваемой ветрами степи, пение никуда не спешащих людей, застывшие во времени звуки, которые можно датировать хоть современностью, хоть приходом Советской Власти, хоть чудесным «временем оно». Минимализм, холод, доведенная до совершенства манера исполнения, пробирающие до костей вибрации. Редкая песня на русском языке, но, безусловно, близкая по смыслу и духу, «Ой, мороз», исполнена так, что инстинктивно хочется накатить рюмку водки и подпевать, закрыв глаза и раскачиваясь в общем ритме. Далее музыка коллектива начинает впитывать как губка роковый драйв, гитарные риффы органично вписываются в звуковое полотно, и происходит алхимическая реакция, объединяющая рок, блюзовые и джазовые интонации и фолк в единое целое без потери качества. Следуют известные хиты «Come Along» (моментально «приседающая на уши» вещь), настоящий гимн «Tuva.Rock», давший название целому стилю (который можно обозначить еще как «Yenisey Punk», по названию одного из самых известных альбомов «Yat-Kha»), боевитая перепевка революционной песни «Langchyy Boom». Не сбавляя оборотов, сборник заканчивается концертными записями коллектива (представляющими особый интерес для поклонников, в чьих коллекциях все остальные песни наверняка есть), на которых музыканты делают шаг в сторону более психоделического и плотного звучания, опять же, с азиатским колоритом и отсылками к «Acid Mothers Temple» сотоварищи. Когда затихнет неистовый «Ahoi» и публика выразит свой восторг, вы, скорее всего, тоже не сможете удержаться от аплодисментов. Культовая группа и отличная, заряженная энергией музыка, образцовый фолк-рок и горячий привет из холодной бескрайней степи.

Maeror3  15 дек 2010

Суровые челябинские мужики, объединившиеся под названием Погост, старательно копируют Darkthrone, превращаясь в очередной Darkclone, отравляющий колодцы христианского мировоззрения ядом мизантропии, ненависти и сатанизма – одним словом, наличия оригинальности в том, что было извергнуто «…Из Вечного Хаоса», даже не планировалось. Хотя нет, троица все-таки преподнесла один сюрприз. Композиция с говорящим названием «Дитя Могилы» на деле представляет собой романтический (не побоюсь этого слова) инструментал, переборы акустической гитары на фоне необременительного перестука, которым место не на альбоме «тру-блэка», а на каком-нибудь сборнике «Романтический вечер». Кстати, между нами, хорошая вещь, хотя, наверное, многие настоящие фанаты «черного металла» подавились от удивления, когда услышали ее. Во всем остальном участники Погоста исправно гнут свою линию, делают это неплохо, но без огонька, хотя и упорно борются с однообразностью, чередуя среднетемповые вещи и быстрое мочилово (впрочем, ударник Апостол лупит по барабанам абсолютно монотонно, меняя лишь скорость и отдавая явное предпочтение бластбитам), выдавая трэшевые (а местами и припанкованные) риффы, сочащиеся сыростью и грязью, внедряя скрипучие тремоло только к середине альбома и опускаясь до грайндкора совсем под занавес, выплевывая чудесный текст, который осмелюсь привести здесь целиком: «Все двенадцать делали это, секс с мертвым Иисусом». Точка. Этот и еще пара-тройка лаконичных «шедевров» навевают подозрения, что создатели альбома перепутали инфернальность с инфантильностью, отдав по ошибке особое предпочтение последней. Вокалист Сармат, он же автор текстов, исторгая из себя потоки слов, выдает философские размышления на тему «Я всех ненавижу», «Зачем жить?» и «Я хочу сдохнуть», особенно выразительно преподносит программный текст «Мизантроп» (по этому поводу вокал даже выведен на первый план и более разборчив) и сыплет проклятиями в адрес мира в целом и религии в частности, воспевая разрытые могилы и мертвечину. Позиция банды вполне понятна, есть даже намеки на потенциал, но после остановки диска в проигрывателе ловишь себя на мысли, что воспринимать это на полном серьезе довольно трудно. На погост этой группе еще рано, но потрудиться над собой предстоит.

Maeror3   8 дек 2010

Подходя со всей душой к созданию дебютного альбома, банда Klandestyn из города Владимира постаралась раскрыть в своем творчестве многие характерные для «черного искусства» темы, пройдясь по сатанизму, национал-социализму, и, видимо, по всяким половым извращениям, способным вызвать оторопь у примерного обывателя, которому этот диск в руки, по логике вещей, попасть никогда не должен, – хотя подобные умозаключения можно сделать, только прочитав названия композиций, боюсь, что вокал Natten`a, порождающего хриплые истеричные крики, не особенно информативен, зато, безусловно, энергичен.
«Wounds Bleeding Black» - это очередная машина времени, переносящая слушателя во времена зарождения и расцвета северного, норвежского в частности, блэка. Все, что было потом, все новшества, заигрывания с прогрессивностью и оригинальностью участников Klandestyn не интересуют категорически. Только монотонные жужжащие гитарные риффы, изредка проходящие в рамках одной композиции путь от нервно-истеричного настроя до депрессивно-атмосферного (и обретающие способность оформиться в какую-никакую тему только в «In Chains, In Black Leather», то есть, ближе к самому концу диска), упомянутый выше скриминг и ритм (изредка грешащий некоторой «ведёрностью»), иногда умеренно быстрый, чаще – очень быстрый, но все равно не всегда способный угнаться за остальными инструментами, часто проваливающийся в пустоту и отступающий на задний план, зато исправно рассыпающий металлическую крошку звонкой перкуссии, способной задержать на себе внимание. Некоторые треки содержат также атмосферные зарисовки, обозначенные как эмбиент. На деле это несколько минут отголосков эха, приносящих раскаты далекой грозы и прочих атмосферных явлений, блуждающий подземный гул и другие бесформенные и безжизненные звуки, погоды не делающие, но и атмосферы мизантропии, упадка, ненависти, боли и зла, усердно воссоздаваемой группой, не разрушающие. Так же как и сами Klandestyn не разрушают суровые рамки стиля ненужными и даже вредными с точки зрения «ортодоксов» нововведениями и экспериментами – только мрак, воспетый когда-то суровыми норвежскими парнями, только прямолинейная, заряженная энергией и бьющая точно в цель музыка, обладающая, к тому же, редким даром не надоедать при всей своей, чего уж там скрывать, однообразности. Добротный «тру»-релиз.

Maeror3   7 дек 2010

Как ни крути, но названия вроде «Собачья смерть», «Нечистая совесть» и, конечно же, «Шлюха-головорез» способны вызвать не только нервную ухмылку, но и чувство ностальгии – лично мне сразу вспомнились старшие классы школы, обучение в которых пришлось на излом эпох и систем. Помню, тогда особым шиком (и головной болью педсовета) считался брутальный и мясной трэш, пришедший на смену гламурным рокерам в розовых лосинах - мертвяки-каннибалы, вавилонские блудницы и прочий некротический бред, в котором многие увидели и почувствовали глоток свободы, ведущей прямиком в свальную вакханалию девяностых. Впрочем, прочь философию – здесь ей не место.
Музыка воронежской банды Ruin (дуэт людей с колоритными «фамилиями» - Дмитрия Мясолюбова и Александра Богоедова) словно родилась в те годы, когда трэш только-только дал жизнь блэку, оставив в нем свои следы, ритмы и риффы. Все предельно просто и агрессивно – «кухонный» саунд, неожиданно выразительные (и, может быть, именно по этой причине выведенные на передний план) ударные, с математической точностью разделяющие песни на нужное музыкантам количество частей, лязгающая перкуссия, грязные гитары, выдающие монотонный чёс, заведомо не отвлекающий внимание на мелодии и хоть какие-нибудь интересные ходы, и характерный лающий и рявкающий голос вокалиста, выплевывающего незамысловатые тексты, которые кишат гниющим мясом, живыми мертвяками и гнойно-кровавой кашей. «Обрубки» представляют собой не полноформатный альбом, а две демо-записи, причем вначале вниманию слушателя представляют более «свежий» (слово как-то не подходит к тематике коллектива и его звучанию, ну да ладно) материал, датированный 2008 годом. Такое нарушение хронологии заставляет подумать мимолетом, что демо 2007 года будет хуже, поэтому его и запихнули в конец, но на деле оказывается, что «Madness», «Kill» и «Walk» звучат даже поинтереснее и чуть качественнее (кухня та же, но уровень записи и сведения показался более приемлемым), чем последующие работы коллектива. За исключением задумчивой, топчущейся на месте первой половины «Катарсиса» композиции-обрубки динамичны, злы и прямолинейны настолько, что дальше некуда – а еще очень серьезны, как бы шлюхи-головорезы не намекали на стеб. Музыка, понятное дело, не для мозгов, но так и задачи стояли перед дуэтом другие, и с ними граждане Мясолюбов и Богоедов справились (хотя при выбранной стилистике не справиться было довольно трудно) хорошо. «Ортодоксальным» фанатам черного металла строго рекомендуется.

Maeror3   2 дек 2010

Недолго дебютный альбом «Drone Machines» музыканта из Сан-Диего Тристана Шона a.k.a Author & Punisher существовал в виде самопальной «болванки», распространявшейся на концертах и среди друзей. Чуткий на всякие интересные странности, изредка всколыхивающие застойное болото тяжелого рока, израильский лейбл «Heart & Crossbone» быстро переиздал его в «нормальном» виде, обеспечил дистрибуцию и разослал копии рецензентам и критикам, которые, отойдя от первоначального шока и перекурив, нервно сминая сигарету в трясущейся руке, тут же принялись называть этот альбом «шедевром» и прочими приятными для автора словами.
Тристан создает свою музыку при помощи самодельных инструментов, глядя на которые, меньше всего подозреваешь в них источник чего бы то ни было музыкального – похожи они больше на переделанные токарные станки и прочие тяжеловесные агрегаты, вынесенные тайком из заводских цехов. Еще у американца есть гитары, ударная установка, стереосистема на 7000 W и сильное желание разнести с ее помощью все вокруг. Начав с грязного, резонирующего, накатывающего тяжелыми волнами механического гула, Шон быстро выводит на передний план думовый ритм (созданный, судя по всему, при помощи забиваемых свай), жирные сладжевые атональные риффы, предельно искаженные дисторшеном, жужжащие басы и свой голос, несущий людям истеричный скриминг и рев, позволяющий, однако, разобрать и прочувствовать тексты песен. Особо за структурой композиций музыкант не следит (или делает вид, что все у него пущено на самотек), отчего они зачастую распадаются на фрагменты, один из которых может быть исполнен в стиле Nine Inch Nails («Burrow Below») и получить клеймо «cyber industrial», а другой - нести на себе отпечатки психоделии и стоунер-метала, уступая при этом дорогу чему-то, что можно назвать noise doom`ом. Хотя, слова и термины здесь вряд ли помогут – уже минут через двадцать человек, попавший под этот шквал, вообще может забыть о том, что он умеет говорить или как-то еще выражать свои мысли. Он может забиться в угол и тщетно обороняться от напора этой суровой, сносящей крышу музыки, мощного потока абразивного песка и жирной черной жижи с утопленными с ней неописуемыми шумами. Уникальность этой записи подчеркивает качество ее звучания – благодаря придуманным хитрым американцем примочкам и той самой стереосистеме все звучит очень объемно, плотно, рельефно и крайне энергично. Любителям чего-то более «традиционного» рекомендуется обойти стороной «во избежание», так сказать, ну а те, кто склонен принимать на ура «странные» эксперименты, должны обратить особое внимание на этого автора и этот релиз.

Maeror3   2 дек 2010

Пусть в наше время слово «романтика» звучит почти что ругательством, находятся люди, которые несут свет этого чувства через года, не прогибаясь под изменчивый мир и сохраняя нечто неизменное и универсальное в своем творчестве. Группа БИО молчала долгое время, что позволило кому-то поставить на ее деятельности крест – как вдруг свет увидел новый альбом. Слово «неизданное» на обложке, как и сопроводительный текст в буклете подскажут нам, что на диск «Герои Тайн» вошли песни разных лет, исполнявшиеся еще на первых концертах (этот материал был сыгран и спет заново), или же записанные сравнительно недавно. Впрочем, между ними весьма трудно уловить разницу – Александр Яковлев по-прежнему верен выбранному стилю, выдавая раз за разом «классический» синт-поп, с лязгом металлической перкуссии, характерными ритмами, холодными аранжировками и текстами, в которых чуть больше философии (и редко используемых «умных» слов вроде «метареалист» и «квази»), чем может потребить среднестатистический мозг, и много той самой проникновенной лирики, романтических интонаций, легко доходящих до каждого. Благословенное время, когда по улице ходили с магнитофоном «Электроника-305», на котором крутились «Депеша», воскресает с первых же нот «Алхимика». Песня эта, если память не изменяет, была выложена в Сеть в качестве сингла (а создана была вообще в конце восьмидесятых, видимо, на волне увлечения народных масс всякой мистикой и оккультизмом), и тогда впечатления не произвела, теперь же, по прошествии времени, воспринимается на ура и записывается в явные хиты альбома. Композиция «Романтика мегаполиса» на всегда актуальную для БИО тему «человек и город» была создана в 2005 году, и, сохраняя общий стиль, звучит, как и многие последующие песни, чуть современнее – более «цифровое» звучание, ритмы чуть попроще и прямолинейнее, но так же энергичны. «Герои тайн» - заглавная вещь и первый «медляк», песня-размышление, холодные, отстраненные, «машинные» звуки и сэмплы из «The Man-Machine» Kraftwerk ближе к концу. Слова «Enjoy the Islands», заключенные в кавычки после названия «Острова», подскажут, на какую очень известную песню эта композиция будет похожа. Оно и верно, аранжировка ненавязчиво отсылает к хиту Depeche Mode, при этом текст Яковлевым исполняется более мягко и проникновенно, чем в остальных номерах, голос приобретает здесь еще большую бархатистость. Однозначный хит. Песни «Схема», «Стальные круги», «Видеожизнь», и «Мне нужна информация» можно объединить в единый блок, тема которого – взаимодействие техногенного мира и личности, влияние поступков индивидуума на общество и общества на поступки индивидуума, размышление о принципах современной цивилизации, заставляющих отказаться от чувств и эмоций в угоду сиюминутному благу, делающих из человека тот самый «биоконструктор». В связи с этим треки довольно мрачны и динамичны, аранжировки минималистичны, вокал чуть более отстранен и менее эмоционален. «Собери в руки дождь», самая новая песня на альбоме, отсылает к старому «лиричному» хиту БИО «Остров цветных снов» и содержит знакомые интонации и настроение, правда, с элементами актуального ныне дарквейва. А завершается альбом песней на слова Олега Парастаева (группа Альянс). Можно по-разному относиться к христианской символике, но не нельзя не отметить проникновенность этой красивой композиции, несущей некий общечеловеческий смысл, адресованный не только тем, кто празднует Рождество и верит в высшие силы. Звезда здесь - некий символ вечного, находящийся над суетой и беспорядком знак того, что мы живем не зря. Назвать хитом эту песню язык не поворачивается, но, безусловно, она одна из лучших здесь.
«Героев Тайн» многие уже не ждали – но они здесь, на новом диске легендарной группы, воскресившем характерное звучание восьмидесятых-девяностых и подводящем некоторые итоги того времени. При этом нафталиновые шарики ниоткуда не сыплются, энергии и творческого потенциала еще много, хватит не на один альбом. Главное, чтобы поклонники верили, ждали и, конечно же, слушали. Техноромантика жива.

Maeror3  30 ноя 2010

Новый альбом ВеданЪ КолодЪ преподносит сюрпризы – во-первых, это первая «не самостоятельная» работа коллектива, собрание дуэтов, записанных вместе с друзьями-музыкантами, представляющее разнообразные стили околофолковой музыки. Отсюда возникает «во-вторых», а именно, необычное звучание, привнесенное в традиционную музыку красноярцев, чьи авторские песни и по крохам восстановленные тексты из глубины веков обретают новое обрамление, интересное, но также и способное вызвать, скажем так, вопросы у преданных поклонников.
Еще до начала прослушивания диска захотелось скаламбурить насчет его названия. Вот, мол, ВеданЪ КолодЪ готовы свернуть на кривую дорожку, по которой можно дойти до «общепринятой» в нашей стране фолк-музыки, густо замешанной на традициях русского рока, или же (по до сих пор не понятной лично мне причине) несущей на себе клеймо кельтско-ирландских мотивов и всяческого эльфийского щебетания. Опасения не подтвердились – да, поначалу удивляют «современные» ритмы и редкие электронные аранжировки вкупе с электрогитарами, но в целом энергетика коллектива, который всегда ратовал за аутентичность песенной традиции, никуда не делась, скорее, перешла на другой уровень, поддерживаемая дружеской энергией единомышленников. Записанная вместе с Алатынь песня «У нас ныне» была услышана еще на сборнике «Славяне», после чего крепко врезалась в память, еще одна совместная работа, «На гряной няделе», открывающая диск, выдержана в той же манере и очень хороша в своей задушевности, задавая тон всему альбому. «А на праздник Купала», начинающая со скрипа патефонной иглы, близка к неофолку, и тоже относится к явным удачам релиза за счет гармоничного сочетания подвижной ритуальной музыки и уникальной манеры исполнения, отсекающей, как и прежде, все современные интонации. Два дуэта с Анастасией Овчаренко – это мощный заряд энергетики, радуга многоголосья и полное ощущение, что это происходит не здесь и не сейчас, а где-то далеко и давно. «Ой, на море» - тяжелые гитары, синтезаторы и разухабистость Mystterra, участницы ВеданЪ КолодЪ выступают здесь в качестве приглашенных вокалисток. Затем одна из них, Дарья Антипова, блестяще справляется с текстом «Велесовой книги» в «Се бо ящете», оставляя участникам Северного цвета только роль аккомпаниаторов. Инструментальная вещь, записанная с Джуди Браун, тоже не нова, ее можно было услышать на компиляции «Ритуал», она довольно боевита (ритм задает большой военный барабан) и запоминается звучанием неопознанного (мною) инструмента, напоминающем диджериду. «Летел голубь» с Чуром - поначалу вспоминаешь чуть ли не Deep Forest, потом трэшевые гитары все кардинальным образом изменят, правда, как бы ни старались музыканты, в гитарных партиях и примитивном молотилове драм-машины слышен все тот же «русский народный» Сектор Газа. Это, видимо, главная (но, строго говоря, практически единственная) неудача диска. И, наконец, финал, целиком отданный в руки Moon Far Away - звучание разлива «Minnesang», полностью оттягивающее внимание слушателя на себя, прочь от голосов вокалисток. Moon Far Away в данном случае ВеданЪ КолодЪ полностью поглотил.
Как ни крути, очень удачный сборник (все-таки именно сборник, а не полноценный альбом) разнообразных композиций, демонстрирующих различные музыкальные подходы к русской песенной традиции и состояние современной фольклорной сцены, на которой ВеданЪ КолодЪ воспринимаются уже хранителями исконных идей, древних и вечных смыслов, закодированных в музыке.

Maeror3  26 ноя 2010

2010 год выдался насыщенным на релизы, в авторстве которых был замечен Марк Спайби – вышел диск, записанный вместе с проектом Gnome, увидел свет второй винил в дискографии Dead Voices on Air, а также в активную фазу вошла деятельность Reformed Faction, дуэта, в рамках которого Спайби сотрудничает со своим давним коллегой по Zoviet*France и создателем Rapoon Робином Стори. При прослушивании обозреваемого альбома возникает впечатление, что как раз Стори сильно повлиял на Марка, когда тот принялся за создание нового материала. Нет, «фирменная» легкая шизофрения, с трудом поддающиеся описанию и многократно переработанные «индустриальные» сэмплы никуда не делись, но здесь, на огромной территории, занятой музыкой «From Afar All Stars Spark and Glee», они растворены в умиротворяющем, «густом» drone ambient`e, украшенном этническими мотивами, спокойными, величественными мелодиями (сыгранными «виртуальным» оркестром), и практически нью-эйджевой безмятежностью, окунающей в марево еле различимых, скользящих по кругу и мерцающих звуков. Стори привнес (хотя сам в записи и создании диска никак не участвовал) идеи, обозначенные на недавних релизах Rapoon, такие, как использование церковного хора («Something Maybe»), размытость границ музыки и приглашение колоритных вокалисток. У Робина была россиянка Татьяна «Толока» Степченко, Марк пригласил исполнительницу из Сербии Ивану Салипур, чей голос в заглавной композиции «From Afar All Stars Spark and Glee» звучит настолько эмоционально, (а эхо так умело его подхватывает и разносит по огромной территории) что ком подкатывает к горлу. Этот альбом Dead Voices on Air стал, наверное, самым спокойным и красивым (но не лишенным при этом обязательных тревожных ноток и хтонической мощи, выраженной в некотором буйстве природных стихий, чьи звуки тоже обрели здесь свое место) в истории проекта. Марк Спайби, конечно же, не устал, он просто сделал остановку, помедитировал и создал потрясающий материал, описывающий красоту окружающего мира, вечернюю тишину, бесконечное пространство, не занятое еще городами и людьми – и запечатленные на обложке пейзажи Патагонии эти идеи наглядно иллюстрируют. Засим прекращаю поток слов, ибо настоящий шедевр трудно описать словами, его нужно пропустить через себя, почувствовать и пережить.

Maeror3  25 ноя 2010

В нашем странном мире возможно все, в том числе и издание израильским лейблом альбома выходца из Ливана, проживающего в США, сделавшего своим девизом фразу «Национализм - это сила» и имеющего на этом основании свой, довольно неприглядный для израильской стороны взгляд на конфликты и противоречия, возникающие между его родиной и Израилем, которые всегда приводили к кровавой бойне. Свои мысли и умозаключения Вадья Рабиа Шами (очень надеюсь, что правильно написал на русском имя музыканта) доносит до слушателя малозатратным, быстрым и эффективным способом, идеально подходящим для выражения самых радикальных идей – он играет power noise, или же power electronics, кому как удобнее. Выкручивая до передела ручки оборудования, генерирующего агрессивный, абразивный и хаотичный цифровой шум, способный вкручиваться в мозг маленькими острыми иголками запредельно высоких частот, сам создатель Koufar часто берет в руки микрофон и начинает обличать врагов обязательными «факами» и цитатами из пропагандистской и религиозной литературы, то чеканя каждую фразу приказным тоном в духе «не шагу назад», то захлебываясь истерикой, пока потоки шума, до этого сравнительно часто затихающие безвредной аморфной массой, разносят мозг слушателя, рискнувшего приблизиться к аппаратуре, проигрывающей «The Purity of the Cedars», слишком близко. Не обходится без национального колорита, собственно, для многих его наличие – это единственный повод прослушать данный релиз. Народные песни (особенно хорошо тема раскрыта в начале альбома, в еще довольно спокойном треке «Child of God») и обрывки пряных мелодий, запись заседания ливанского правительства, экспрессивные голоса на улице соседствуют со звуками взрывов, криками паники, приказами военных, отдаваемые почему-то на английском языке, стонами и плачем людей, попавших в мясорубку войны. Выбирая подобную музыку в качестве плацдарма для своей и только своей правды, Koufar уверенно идет по стопам Genocide Organ и Control, поклонникам которых данный релиз придется по душе.

Maeror3  17 ноя 2010

«Hypercommunity» - третий в дискографии «Aliens Production» сэмплер, цель которого – показать состояние дел на подшефной лейблу территории жесткой, но мелодичной, склонной к экспериментальному звучанию и разного рода заморочкам электронной музыке. Итак, перед нами – шестнадцать треков со всего мира от музыкантов, которые или уже могут похвастаться изданным и признанным слушателями материалом (коих меньшинство, фактически, только сами владельцы «Aliens Production» со своими раскрученными проектами Disharmony и Oxyd да Anhedonia) или же только делают первые шаги к известности, имея за спиной разве что сетевые релизы (все остальные участники сборника).
Открывая сборник, Disharmony дает зеленый свет неторопливому, попорченному дисторшеном ломанному ритму, тянущему за собой песок шума и лезущие изо всех щелей хаотичные плотные биты, суровому, охрипшему от крика голосу, мрачноватому, но красивому, склонному к рефлексии и замеченному в уважении «классиков» вроде Tangerine Dream эмбиенту с солидным клавишным довеском, в звучании которого возможны вариации от «симфонизма» до экзотических штрихов. Также стоит отметить тягу к воздушно-ангельскому вокализу и грегорианским хоралам в духе Enigma. Подбирая треки для компиляции, составитель явно отдавал предпочтение людям, которые придерживаются в творчестве тот же стилистики, что и он сам, отчего большая часть представленного материала могла бы осесть на очередном альбоме Oxyd, и не все заметили бы разницу. Для кого-то из слушателей это однозначный минус, но те, кому стилистика товарищей Руди и Лорда Саурона (которую давно пора окрестить как-нибудь вроде «enigmatic industrial») по нраву, удовольствие получат, да и знакомство с новыми именами будет не лишним. Старательно придерживаясь заданных рамок, «новички» копируют как удачные стороны Oxyd и Disharmony, так и не очень, в частности, точно также затягивают треки, нашпиговывают их длительными и бессодержательными «бриджами», которые сбавляют накал. Но есть и те авторы, кто из этих рамок старательно вырывается, и которых, видимо, сюда включили для «контраста» - это L.I.O.B с его олдскульным EBM в духе Front 242 и Front Line Assembly (есть даже «настоящий» гитарный лязг и скрежет), Miktek с атмосферным drum`n`bass, и очаровательная девушка Cybo, привнесшая женскую энергетику в тусовку серьезных молодых людей томными вокальными партиями и приятной мелодией, над которой все-таки, нет-нет, да и промелькнет грозовое «индустриальное» облако. Также не оригинальны, но очень удачны треки от непосредственно Disharmony, Ish, LPF12 (захотелось услышать что-нибудь еще), Structural Fault, Ambiguous.
Сборник на стыке творчества уже упомянутых Front Line Assembly и их же более коммерческой ипостаси Delirium не без налета брейккора, цифрового нойза и «умного» IDM (впрочем, все это в гомеопатических дозах). Абсолютно в рамках стилистики «Aliens Production», и если она вам по душе – вперед, за диском.

Maeror3  12 ноя 2010

Если не можешь загнать стиль музыки в какие-то существующие рамки, пиши «авангард»; если не можешь понять произведения с первого раза в связи с его нарочитой сложностью и замороченостью, пиши «прогрессив», не ошибешься. Не помню точно, в каком месте, в какие лохматые года вычитал эту «заповедь» рецензента, но в данном случае вспомнить о ней весьма уместно.
Второй альбом итальянского дуэта Kailash еще по инерции называют black metal с той самой приставкой «avantgarde», хотя, по сути, это лишь условное обозначение, навеянное не столько музыкой, сколько основной тематикой выпустившего диск лейбла «Frostscald Records». Мол, раз «Frostscald Records», значит, как ни крути, где-то там затесался блэк. На самом деле, российский лейбл преподнес сюрприз, причем не просто сюрприз, а интересный, хотя, может быть, не всеми поклонниками понятый. На «Past Changing Fast» братья Марко и Андреа Басили выдают что угодно, только не блэк. Истоки их сложносочиненной и отлично реализованной при помощи необходимого минимума инструментов музыки (пара гитар, бас, ударные) находятся где-то в дэте, при этом в лихо закрученном повествовании легко можно услышать отсылки к винтажному хард-року, блюзу и даже кантри (самое начало «Through the Waters»). Все это и многое другое неугомонно несется вперед, ритмы и темы сменяют друг друга, не особенно обращая внимания на логику (привычную логику) повествования. При этом каждая композиция умудряется предстать в итоге перед слушателем как целое, гармоничное, пусть и перегруженное смыслами и вариациями произведение, довольно атмосферное и даже медитативное по своей сути, несмотря на то, что разреженную атмосферу изысканных гитарных партий часто прерывают суровые гитарные запилы и грохот барабанов, разогнавшихся чуть ли не до бластбитов (может быть, это и есть гипотетические следы блэка, которые можно расслышать на «Past Changing Fast»). Получается хорошо сыгранная (исполнение и сведение выше всяких похвал) музыка для людей с чуть-чуть завышенными вкусами, не чурающихся той самой «прогрессивности» и нарочитой сложности.

Maeror3  11 ноя 2010

За время своего существования джаз, музыка свободы, постоянно претерпевал изменения, переживал попытки сделать свободу еще более безграничной, намерения смешать несмешиваемое и получить в итоге нечто абсолютно новое. Правда, пройдя через это, джаз так и остался музыкой для эстетов с дорогим оборудованием и желанием получить максимум удовольствия от прослушивания, для которых все описанные инновации оказались незначительными остановками на великом пути, и которые все равно, как ты не изгаляйся, будут слушать «Kind of Blue» Дэвиса. Тем не менее, всегда находятся люди, готовые по-новому взглянуть на привычное положение вещей – и не их вина, что родились они и выросли в культурной, социальной и психологической обстановке, далекой от той, которая была на заре жанра.
На экспериментальной сцене давно уже преобладают темные оттенки, стараниями таких новаторов как Bohren & der Club of Gore легко проникшие и в околоджазовую среду, замедлив ритмы до скорости похоронного катафалка и утопив жизнерадостную энергетику в тяжелых, но захватывающих пассажах. Московское трио Поварово продолжает традицию красить джаз в черный цвет, и делает это довольно изыскано и изобретательно, можно даже сказать, «красиво», демонстрируя не только виртуозное владение инструментами, но и наличие оригинальных идей. Да простят меня музыканты, но их дебютный альбом построен (на мой извращенный взгляд) на приемах, к коим прибегают нездоровые люди, пытающиеся заполучить в свои лапы неразумных детишек для не самых добрых дел – сначала они предлагают им вкусную конфетку, а потом кидают в бездну безумия и насилия. Все начинается с меланхоличных клавишных импровизаций «Nothing Going» на фоне гулкого вибрирующего бэкграунда, эмоциональных всплесков, неторопливо (ключевое слово) затихающих на фоне замедленного в разы ритма. Джазовые стандарты, стереотипы «салонной» музыки на фоне клубов дыма (впрочем, явно не сигарного, судя по «накуренной» густоте баса и общей заторможенности) отчасти реализованы в «Dumb and Short», очень красивой и чилаутной композиции, идеи которой будут развиваться примерно до середины альбома. Правда, уже к середине великолепного трека «Ronald», начавшегося с неуютного завывания ветра и пропитанного вечерним холодноватым гудением струнных, прозрачными вибрациями баса и звуками трубы, возникнет стойкое подозрение, что у этой музыки есть другая сторона, скрытая за завесой звука – совсем как в фильмах Дэвида Линча, когда реальность плотно соседствует с иными мирами. Кстати, не лишне будет вспомнить и постоянного композитора Линча, Анджело Бадаламенти, параллели с творчеством которого в музыке Поварово тоже можно проследить. Стойкие подозрения себя быстро оправдают – уже совсем скоро тьма плотно окутает мелодии, сменившие меланхолию на черную тоску, раскидает пугающие шорохи, запустит в паутину звуков гитарные запилы («66 Breath»), которым предстоит накручивать маховик тревоги на фоне плавного (пока еще) течения эмбиентного фона и тихих партий кларнета. Под конец наступит тот самый беспредел, гарантированный всем, кто возьмет конфетку у незнакомого дяденьки – обрушится ад с криками и воплями, остатки джаза сметет шум и растопчет маршевый ритм, обильно расцветет коллажный абсурд в духе Nurse with Wound. Итог можно назвать как-нибудь «funeral dark jazz ambient».
Очень интересный и отлично сыгранный материал, медитативно-безысходная музыка, которую нужно потреблять сразу большими порциями, «проглатывать» весь альбом целиком, чтобы уловить настроение, созданное этим замечательным трио. Странно, немного страшно, очень красиво и притягательно.

Maeror3  10 ноя 2010

Музыканты Джеймс Браун и Джон Маршалл (проявившие оригинальность и не взявшие себе набившие оскомину псевдонимы типа Лорд Сатана и Мрачный Жнец) в рамках Dysperium уверенно доказали, что американскую «темную» сцену, пусть и не представленную обилием имен, нельзя списывать со счетов, как это делают многие критики, неровно дышащие в сторону старушки Европы. Девять композиций дебютного безымянного альбома представляют собой гармоничную смесь безысходного дума и атмосферного, с изрядной долей депрессивности, блэка; смесь, пропитанную языческой философией (образные тексты дуэта заслуживают отдельного обзора) и фольклорными мотивами, которые просто чувствуешь на подсознательном уровне, ибо никаких дудок, флейт и прочей самодеятельности здесь нет и в помине. Есть электрогитары, акустика, ударные, бас и пианино, - и этого американцам вполне хватает для создания масштабного, эмоционального произведения, паузы в котором, обозначающие переход от одного трека к другому, весьма и весьма условны, ибо на протяжении всех девяти песен они (американцы, а не паузы) рассказывают одну историю, рисуют одну картину, черными красками выводя загадочные, безжизненные пейзажи.
Начинается альбом с минорной акустики, грустная мелодия бродит по кругу в сгущающихся сумерках (напоминая dark-folk`овые релизы немцев Empyrium), пробуждая какие-то архаические пласты памяти. Затем появляется мужской распевный вокал, пафосный и задумчивый одновременно, начинают тяжеловесно лязгать гитары, довольно «мягко» прописанные барабаны разгоняют ритм, голоса становятся более брутальными – но уникальная атмосфера музыки остается неприкосновенной, музыканты делают все, чтобы не нарушить ее, даже когда эмоции перехлестывают через край, пульсации баса обрастают шумами, гитарные риффы обрушиваются стеной звука, а истеричный скриминг вступает в диалог с боевитым гроулом. В этом диалоге скрыта некая дуальность, которой придерживаются Джеймс и Джон, сочиняя свою музыку. Их замечательные голоса (уверенно передающие самые разные эмоциональные оттенки), записанные в разной манере, почти всегда соседствуют друг с другом, часто вызывают ощущение неразрешимого спора и создают довольно интересный пространственный эффект, как и гитары, тоже старающиеся друг от друга не отрываться, и образующие гипнотические, лихо закрученные параллельные линии повествования. Когда же дело доходит до сольных выходов, то гитары практически на пустом (точнее, кажущемся пустым) месте способны выдать что-то запредельное, прорывающее границы реальности. Итог всех этих словоизлияний, ничего не значащих в масштабе вечности, о которой вещают нам американцы, таков: Dysperium - это пятидесятиминутный гимн хтонической мощи Природы, услышанный и воплощенный в более-менее привычные звуки двумя, безусловно, талантливыми музыкантами.

Maeror3   3 ноя 2010

Ян Лемкемпер любит все делать сам, от сочинения, записи и сведения музыки до разработки дизайна будущего альбома. От этого правила (за которым в равной степени могут скрываться как перфекционизм, так и неуживчивость) он не отошел и в случае с «Ultima Ratio». Шестой альбом X-Fusion - это шестая попытка немецкого музыканта заманить слушателя в свой замкнутый мирок, заполненный до отказа готической атмосферой старых фильмов ужасов с их тревожными шепотами, стонами, криками и судорожным дыханием, и набитый штампами, бесконечное количество раз отыгранными в рамках dark electro. C этими штампами можно, конечно, жить и даже получать в итоге что-то небанальное – беда в том, что Яну давно уже пора позвать кого-нибудь на помощь, чтобы разобраться с этим ворохом звуков и сделать нечто оригинальное. Пока же X-Fusion, как и прежде, берет напором, которого у него не занимать, отдавая большую часть альбома на откуп энергичным, но не сказать, чтобы особенно хитовым «боевикам», только для танцев и подходящим. Монотонный быстрый ритм, дисторшированные вопли на английском (с редкими намеками на родную речь музыканта), а для заполнения коротких пустот подходит пара-тройка спецэффектов, вытащенных из заводских настроек синтезатора или же (а вот тут уже становится интересно) придуманных самим автором – в частности, скандирование толпы, положенное на упругий бит в «Follow Your Leader», звучит очень мощно и необычно, да и гитарные риффы, перекочевавшие с предыдущего альбома, способны добавить огня. Пресс-релиз, подготовленный российским издателем, говорит о запоминающихся мелодиях, но, видимо, наши взгляды на то, что это такое, категорически не совпали, так как ничего запоминающегося в этих скупых звуках нет, и, если что в памяти и откладывается, так это атмосферный трек «Already Dead». Даже более–менее осмысленный припев всплывает только в заглавной композиции «Ultima Ratio» (а ведь ее номер - 6, практически середина альбома), до этого Ян перемежал крикливые куплеты парой фраз, завернутых в резковатые сэмплы, забрасывая в уши слушателя бомбы со своим искаженным голосом. Для готических юношей и барышень, забредших на огонек, есть сюрприз - финальная композиция «Inferno», электро-симфония, собранная из тревожного пения хора, пугливых скрипок и пульсирующего ритма.
Релиз для фанатов X-Fusion, не новичков в прослушивании dark electro, перелопативших не одну сотню дисков, и способных объяснить, чем же проект Лемкемпера отличается, к примеру, от Hocico. Начинающим интересоваться электронной мозгодробительной музыкой для экстатических танцев в качестве ознакомительного материала «Ultima Ratio» я бы рекомендовать не стал. Много банальности и мало оригинальных идей, но это, к сожалению, тенденция стиля, и упрекать лишь одного Яна в этом глупо. Свою борозду он не портит, но и краше не делает.

Maeror3  29 окт 2010

В 2007 году батальон «чернушников» и сатанистов под названием Horna десантировался в далекую от родной Финляндии Грецию, устроив концерт в Афинах для своих греческих поклонников. О том, как эти поклонники реагировали на весьма продолжительное выступление финнов, как встречали и провожали музыкантов, мы с вами, простые слушатели, взявшие в руки этот диск, никогда не узнаем. Ни один звук, кроме тех, что зафиксировали микрофоны на сцене, переправив их на пульт звукорежиссера, на запись не попал, в связи с чем «Vihan Tiella» с трудом воспринимается именно как «live album». Звучит он на самом деле, как хорошая, добротная студийная запись, чуть лучше, чем должен звучать ортодоксальный блэк, порожденный кипучими натурами северных беспредельщиков. Не размениваясь на вступления и ненужные слова, финская пятерка (тогда еще пятерка) незамедлительно обрушивает на зрителя-слушателя быструю и агрессивную музыку. На первом номере концерта еще слышно, как музыканты пытаются поймать ритм (особенно заметно, как ударные, продираясь через звенящее облако перкуссии, периодически притормаживают, и все остальные инструменты вынуждены под них подстраиваться), вокалист по каким-то причинам боится подойти поближе к микрофону, и все выступление проводит от него на некотором отдалении, издалека атакуя диким скрежетом и истошным криком. При этом разогрев вышел хоть куда. Кажется, что участники группы готовы провести весь концерт в подобном ключе, и, кажется, что это будет нечто феерическое, может быть, даже с масштабными разрушениями, – однако спустя пару-тройку композиций приходит понимание, что финны или затеяли со зрителями какую-то игру, или просто боятся растерять свои силы до конца выступления. Вслед за энергичными, штурмовыми вещами идут размеренные, монотонные, тонким слоем размазанные по времени песни, чего уж говорить, зачастую довольно нудные. Хотя, если задуматься, большинство из них сыграно таким образом и в таком ритме, чтобы слушателям в зале было удобно трясти хаером без вреда для шеи, входя в боевой транс. Честное слово, если заняться этим перед колонками (тем, у кого еще есть хаер), то все претензии к большей половине альбома снимаются сами собой – песни «качают». К началу «Verikammari» ловишь себя на мысли, что Horna «спеклись» окончательно – но выразительный бас, выведенный на первый план, разрушает застойные явления в музыке, барабаны разгоняются до скоростных бластбитов, гитары разве только что не дымятся и не калечат порванными струнами, одним словом, финальная часть «Vihan Tiella» слушается на ура. Жалко, что и в этом случае стараниями тех, кто проводил запись, зал упорно молчит – в конце концов, на концерты ходят, чтобы почувствовать энергетику, а в данном случае сделать это довольно трудно без эмоциональной подпитки беснующейся толпы, а в то, что она действительно бесновалась, легко поверить.

Maeror3  29 окт 2010

По разным причинам (одна из них – «раз Варг в тюрьме записывал, значит, и я могу») в среде создателей языческого, патриотического и черного металла неизбывной популярностью пользуется эмбиент. Нет, не эмбиент в общемузыкальном смысле – под этим определением потребителям «тяжеляка» скидывается довольно простая музыка, сыгранная на синтезаторе (видимо, его невысокое качество и дешевизна является обязательным условием, чтобы было «тру»), наполненная примитивными мелодиями и фольклорными мотивами, и звучащая вполне себе умиротворяюще для человека, привыкшего к «мясным» риффам и ядерным бластбитам. На этом поприще есть музыканты, делающие свое дело со всей душой и добившиеся впечатляющих успехов (взять хотя бы Лихолесье), но их явное меньшинство.
«Зов Симаргла» уже издавался в 2006 году, но, видимо, потребности масс первоначальным тиражом удовлетворены до конца не были, и теперь свет увидело переиздание альбома. Оформление новое – звучание самое что ни на есть старое. Качество осыпавшейся кассеты, звуковая каша, шипение, посторонние шумы и отсутствие сведения как вражеского элемента – Яровит звучит предельно сыро и самодеятельно, что в наше технологичное время может оттолкнуть. По сути, большая часть альбома является паган-металлом, в котором слегка ограничили присутствие гитар, заменив их на электронные партии, и замедлили ритм. В остальном все на месте – и флейты с варганом (сыгранные на том самом синтезаторе, и сыгранные довольно неплохо, а вот за пародию на кукушку в песне «Жива» автору жирный минус), и былинно-эпический бэкграунд, обильно украшенный лязгом мечей и воем волков, монотонные и неизобретательные ударные (драм-машина еще дешевле, чем синтезатор) плюс малые дозы скриминга от провалившегося в колодец человека, который оттуда пытается докричаться до слушателя и рассказать о родной вере, врагах в лице последователей обрезанного бога и о том, что скоро русские воины поднимутся с колен, вспомнят старых богов и сметут всю нечисть с лица земли. На физическое воплощение подобной музыки во всем мире перевели тонны алюминия и винила, что никак не сказалось на качестве, отчего на ее создателей многие стали поглядывать косо, но Яровита, честно признаться, немного жалко. Ведь есть у него действительно неплохие моменты – то тут мелодию выдаст неплохую, то там, то акустика зазвучит грустно и даже красиво, то появится тот самый эмбиент уже практически в общемузыкальном смысле, или же фон заиграет красками, окрашиваясь кровавыми всполохами ночного костра, зарницами и смертельным разгулом грядущего сражения. Но, то ли автора в детстве напугали словами «композиция» и «аранжировка», то ли еще что, да только придуманные темы никак не хотят развиваться, топчась на месте и смиренно ожидая, когда им разрешат уйти в fade out. Студию бы Яровиту хорошую, немного поработать над собой, глядишь, получилось бы все очень пристойно. Пока же, на момент своего переиздания, «Зов Симаргла» все так же производит впечатление быстро сделанного плацдарма для высказывания радикальных идей.

Maeror3  28 окт 2010

Несколько лет назад ходила по околоиндустриальным кругам нашей Родины байка (а может, и не байка вовсе) про то, как в стародавние времена на Руси мужики, собравшись за столом и накушавшись водочки, начинали гудеть, т.е. издавать носоглоткой характерные звуки, при помощи которых впадали в транс еще больше. Якобы, из-за этого слово «гудеть» в народе несет тот же смысл, что и «напиваться», да и у индустриального сообщества появился повод объявить Россию не только Родиной слонов, но и drone ambient`a.
Связь исконного народного творчества с гулом и «пробуждающим генетическую память» эмбиентом отслеживали и более-менее удачно воплощали в музыкальные формы многие авторы. Tsaraas предприняли еще одну попытку, разработав концепцию альбома на основе семантических образов и знаков. Не трудно понять, что рябина, яблоко и солнце – это предметы одинаковой формы, их расположение в пространстве альбома предполагает постепенное увеличение этой формы, от маленькой ягодки до огромной Звезды, без энергии которой не было бы ни рябины, ни яблок, ни тех, кто должен разгадывать эти знаки. Форму этих вещей можно представить также как круг, олицетворяющий вселенские циклы Жизни и Смерти. Музыка детально передает все трансформации форм. «Рябина» - это спокойный, плавный, никуда не спешащий в связи с имеющейся в запасе вечностью drone с простой, но привлекательной для израненного городскими шумами слуха четко выверенной фактурой. Очень похоже на многочисленные мистические прозрения Матиаса Грассова, а вот в плюс или в минус такая схожесть для Tsaraas, это вопрос, на который слушатель должен ответить сам. «Яблочко» пропорционально увеличивается в размере, приобретает неземную красоту за счет пения флейты и дополнительный объем за счет многочисленных тревожных звуковых наслоений, под тяжестью которых слушатель окажется в пучине морской, раздавленный огромными массивами воды, находящимися в постоянном движении. Кроме звуков воды различимы голоса огромного, может быть, ангельского хора, хотя, не исключено, что их наличие – это галлюцинация, вызванная интенсивной атакой на психику, предпринятой на протяжении этих восьми с половиной минут. И, наконец, «Солнце» - как и положено по статусу, звуковой гигант, вибрирующий от еле сдерживаемой мощи, обрушивающийся напористым, обездвиживающим гулом. Эффектный звуковой монолит, обманчиво затихающий где-то посередине (успевая прирасти пленочными шумами) и снова неукротимо прорывающийся в запределье.
Все это хорошо, и даже очень хорошо, но, минуточку, а где же народные мотивы, где родовая память, неужели только орнамент обложки обозначит связь с культурой предков? Нет, конечно. Один из элементов альбома – мужской голос (некто Сергей Костяной), отвечающий за «фольклорную часть», и выдающий незамысловатые песни и даже христианский гимн («Солнце»), что вызывает несколько неудобных вопросов. Вопросы вызывает и манера исполнения - есть попытка скопировать «оригинальную» песенную манеру, но попытка явно неудачная, не верю я, что по деревням и весям сотни лет назад или в наше время распевали именно так, да еще и такие экстатические «аллилуйя». Для того, чтобы «припасть к архаике» и пробудить забытые связи, музыки с этого релиза вполне хватит, видимо, такого же мнения и сами музыканты, оставляющие вокальной части чисто декоративную функцию, мелькающую то здесь, то там, и служащую ориентиром для поборников фолка, которым в руки этот диск может попасть. Если же брать во внимание именно музыкальную часть – без вопросов, может, не очень оригинально, но качественно, эффектно и красиво. Грамотный и четкий звук, вселенские гармонии и масса эмоций.

Maeror3  27 окт 2010

Не люблю и не принимаю эти «олдовые» фотографии мертвых детей на обложке – они, конечно, вызывают тревогу и какие-то необратимые подвижки сознания в сторону метафизической безысходности, чего всячески стараются добиться авторы подобных музыкальных произведений (речь о которых впереди), но первым делом вызывают все-таки чисто физическое отторжение, которое легко может перекинуться на музыку, под этой обложкой выпущенную. Да и к тому же «фишка» эта уже не нова, использовали ее многие зараженные мизантропией товарищи.
Satyrus Mortem с Урала – один из этих «товарищей», чье пристрастие к «настоящему черному металлу» выдает не только его псевдоним, но и силуэты козлов в логотипе названия Ярнъ. Тем не менее, этот человек в данном случае играет не блэк (что не исключает его наличие на других релизах екатеринбургского музыканта) – он пошел чуть дальше (назад, вверх, в сторону?) и выдал нечто экспериментальное, «штучную» музыку (музыку ли?) сугубо на любителя, которую многие его коллеги не примут и не поймут. Все, что вы услышите здесь – это манифест минимализма и нарочито примитивного гитарного шума, кажущиеся на первый взгляд бессистемными перемещения звука, подвергнутого серьезному разрушению, постоянная грубая игра с оттенками и полутонами, безостановочный поток нигилизма, проливающийся на аутичные и рахитичные, порой еле различимые мелодии детских музыкальных инструментов (единожды обретающих более-менее очерченную форму в «Напевая Стеклом в Глазах», что делает их еще страшнее), раскинутые в гулкой пустоте склепов. Сам автор называет созданные им треки «dark psycho ambient», и с этим, при всей пафосности терминов, порой сложно не согласиться, если, конечно, отбросить слово «ambient» (в его первоначальном смысле) за неуместностью – по мозгам эти композиции способны дать сильно, дополняя и без того не самый приятный эффект, вызванный упомянутыми выше фотографиями. Звуки сильного воздействия, в музыкальном плане не представляющие из себя ничего выдающегося, но готовые распахнуть перед слушателем целый мир – зловонный, пустой, отрешенный от всего человеческого. Для немногочисленных любителей странной и абстрактной музыки, которым нравится, когда в их мозгах ковыряются всяческие маргинальные личности.

Maeror3  26 окт 2010

«Эхом Воли» - альбом с историей. История берет свое начало в середине «нулевых» (почти весь материал был записан уже к 2006 году), постепенно наполняясь новыми именами, звуками и событиями, чтобы в итоге обрести законченную форму на этом релизе, недавно увидевшем свет. Музыканты, ответственные за Явь, демонстрируют старую истину о том, как хорошо иметь много друзей – в работе над материалом приняли участие весьма уважаемые и талантливые музыканты, силами которых диск «Эхом Воли», возможно, зазвучал совсем не так, как это изначально планировалось создателями, но при этом конечный результат внушает уважение, превосходя на голову многие новоделы на поприще «славянского металла».
Intro за авторством небезызвестного Munruthel (также сделавшего сведение и мастеринг) открывает двери в героический мир, в котором нашли свое место былинные сказания, чуть пафосные «симфонические» (синтезаторные) вставки, фольклорные мотивы и боевитый настрой, который разгорается, подобно костру, от песни к песне. Костер активно раздувают энергичные ударные, склонные к большим скоростям и не привыкшие притормаживать по поводу и без; профессиональные и технически безупречные гитарные риффы; «электронный» хор и атмосферные эффекты, изящно оттеняющие фон; флейты, на которых играет приглашенная исполнительница Анна Меркулова, известная по работе со многими коллективами, а также два вокала, скриминг Ариуса (Святогор, Триглав) и чистый голос Роса. Отдельно подчеркну качество записи – оно выше всяких похвал. Ничто никуда не разъезжается, все партии сведены так, что не возникает ни малейших вопросов, грязи и шума практически нет, объем и мощь музыки переданы в полной мере, одним словом, есть чему поучиться и позавидовать. От первого до последнего трека альбом выдержан в едином стиле, резкими перепадами настроения не отмечен, но умудряется не быть однообразным и занудным – чистая энергия, бьющая из каждой сыгранной ноты, и предположить такого не даст. Вокалисты стремятся донести до слушателя идею альбома, и выполняют пропагандистскую функцию, в связи с чем исполнение ими текстов максимально разборчиво и доступно для понимания. Тексты традиционны – древние гордые арии наши предки, коловрат над русской землей, которой предстоит еще пробудиться и победить всех врагов (намеренно не указывается их национальная принадлежность, неправильный размер головы и носа, но делаются намеки, из которых все становится понятно), на бой с которыми Явь и призывает русских патриотов,. Отмечу и призывы к братским народам объединиться (хотя тема разобщения «маленьких, но гордых народностей» становится, увы, все более популярным «брендом»), а также песню «Патриот», от которой ожидаешь призывов в духе NSBM, а получаешь достойные поддержки слова об отказе от спиртного, курева и прочей заразы, которой нас травят «вражеские силы», и после употребления которой человек способен превратится разве что в бездушное быдло. Нельзя не согласиться с данными постулатами.
Назвать альбом «выдающимся» пока не позволяет время, – в конце концов, он только недавно увидел свет и ему еще предстоит быть услышанным и оцененным, но уже сейчас понятно, что музыканты и выпускающий лейбл подарили слушателям сильную, яркую музыку со смыслом, которая способна найти отклик в сердцах и даже дать нравственные ориентиры. Ну, или, на худой конец, стать для многих коллег по сцене образцом того, как уже давным-давно надо записывать музыку.

Maeror3  26 окт 2010

Материал «Nearer to Victory» был записан тверским музыкантом Swarm'ом (ex- Молотх, ex-Djur, а также участник других «тяжелых» коллективов и единоличный хозяин электронного проекта S.War.M) сотоварищи еще в 2005 году, а звучит так, будто был создан в середине девяностых, даже качество звука наводит на мысль, что выпускающий лейбл «Casus Belli Musica» раскопал в архиве какого-нибудь злобного норвега раритетную аудиокассету с этими шестью гимнами. Сварм честно и искренне блюдет традиции так называемого «блэка первой волны», как музыкальные, так и идеологические, зацепив по пути сатанизм, национальные проблемы и способы их решения (впрочем, эта тема более свойственна самому раннему этапу творчества Hagl, времен первых демо), и основы нордической традиции. На протяжении альбома гитары балансируют между приглушенной мешаниной тремоло и техничными, жесткими дэтовыми риффами (извините за ненужную образность, но я бы сравнил их с диким зверем, который с ненавистью в глазах бросается на человека, для наглядной иллюстрации прошу внимательно переслушать «Hail, Father Lucifer!»), грохочущие барабаны часто убегают вперед и не притормаживают, когда остальные элементы начинают безнадежно отставать, и тогда музыканты резко меняют темп, замедляя его и давая возможность всем партиям собраться вместе, чтобы вновь окунуться на предельной скорости в глубины мизантропии. В наличии имеются также аккуратные акустические вставки, отдающие «нордическим» фолком, но их быстро, словно стесняясь, сметают ураганным напором, перемалывающим меланхоличные переборы струн без остатка. Отдельного упоминания заслуживает перкуссия. Часто выводимая на передний план, она демонстрирует не лишенные огрехов, но довольно интересные и необычные ритмические конструкции, рассыпающие ледяное позвякивание, звон и ломаный перестук. С вокалом Swarm быстро определяется еще на «Close Tired Eyelids», выдавая раз за разом истеричный, надрывный скриминг (с редкими вкраплениями гроула), записанный с такими искажениями, что разбор текстов представляется делом неосуществимым, зато эмоции, грубо, но честно говоря, прут нескончаемым потоком, заряжая слушателя какой-то особенной энергетикой, которую придется долго с себя стряхивать уже после того, как стихнут последние аккорды «Nearer to Victory». Мощный олдскульный материал, записанный со знанием дела – самое оно для ностальгирующих и несгибаемых бойцов темного фронта.

Maeror3  19 окт 2010

С недавних пор музыканта Viterzgir`а с его предыдущим коллективом Kroda связывает только то, что в названии его нового «гурта» тоже пять букв. Тем не менее, трудно было ожидать от него чего-то принципиально иного, ухода в другую стилистику и смену ориентиров. Группа Viter, в состав которой влились также участники Dragobrath, Capitollium, Apostate и еще нескольких обласканных критикой формаций, дело Кроды подхватывает и продолжает (что немаловажно, еще и развивает, не боясь шагов в сторону и вперед), называет свои музыкальные творения «carpathian folk metal» и полностью это название оправдывает.
Признаться, у Кроды (ладно, упоминаю это название в последний раз, чтобы никто не подумал, будто бы без многократных отсылок к этой группы впечатление о релизе будет неполным, ибо Viter глубоко вторичны, это совсем не так) мне всегда очень нравились intro и фольклорные вставки, пропитанные «народным» духом, но лишенные лубочности, и «Dzherelo» в этом смысле проливается бальзамом на душу, выдавая глубокий и «натуральный» акустический эмбиент, сотканный из протяжного зова духовых инструментов (рожков, жалеек, деревянных флейт и труб, названия которых я описании диска не нашел, но какой-никакой культурный опыт заставляет сравнивать их звучание с австралийским диджериду) и шаманских вибраций варгана, плюс немного синтезаторного марева. Звучит все это объемно, атмосферно, таинственно, завораживающе – список восторженных эпитетов можно продолжать, но лучше просто это услышать. С этим «аутентичным фолком» гармонично (и это одно из важнейших достоинств диска) сочетаются тяжелые гитары, выдающие качающие риффы и сольные партии без особенных изысков и претензий, но грамотные и аккуратные (скажем так, «профессиональные», которые уже при всем желании не испортишь), не очень выразительные (скорее декоративные) ударные и горделиво-брутальный вокал, к которому надо сперва привыкнуть (чтобы сгоряча не принять за пародию на жанр «фольклорного металла» в целом), но который постепенно уверенно раскрывается, от увещевания переходя к призывам, тем самым добавляя эмоционального накала. Весь этот «тяжмет» вступает в действие еще в первой, заглавной композиции, разогревается на протяжении боевитого трека «Krov Tikae» (на котором эхо группы, название которой я пообещал не упоминать, слышно особенно сильно), но по-настоящему раскрывается в самом финале, носящем название «Відріж» и звучащем практически безукоризненно и эталонно, наполняющим все вокруг уникальной энергетикой, в пульсациях которой заключена извечная борьба Жизни и Смерти (жизнь во всем ее многообразии все-таки у Viter побеждает). Несмотря на короткую продолжительность, «Dzherelo» воспринимается как вполне законченное произведение, а не просто как демо-версия будущих свершений коллектива, которых, признаться, после остановки диска в проигрывателе начинаешь ожидать с повышенным интересом.

Maeror3  19 окт 2010